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The present article gives account of the semiotic actualization processes in the reading of Canto a su amor desaparecido. The proposed reading path considers the statements of Raúl Zurita about his life experience during the government of Augusto Pinochet and the construction of his figure of author, in relation to the intermediary strategies of his poetry, the intertexts that he puts into operation and the world structures that stresses in order to build a poetic representation of the violence experienced in Chile and Latin America as a result of recent dictatorships., El presente trabajo da cuenta de los procesos de actualización semiótica en la lectura de Canto a su amor desaparecido. El trayecto de lectura propuesto considera las declaraciones de Raúl Zurita acerca de su experiencia vital durante el gobierno de Augusto Pinochet y la construcción de su figura de autor, en relación con las estrategias intermediales de su poesía, los intertextos que pone en funcionamiento y las estructuras de mundo que tensiona con el fin de edificar una representación poética de la violencia vivida en Chile y Latinoamérica producto de las dictaduras recientes.

We present a study of the poetic writings of Claudio Bertoni starting with an examination of the signification of objects, which will permit us to identify a poetics centered on, among other aspects, the fragility of human existence. We draw upon the commentary of texts from "El tamaño de la verdad" [The Size of Truth], a book published in 2011 in which we note the unfolding of affections and intensities that orbit around the relationship between the subject and precarious objects., Presentamos un estudio de la escritura poética de Claudio Bertoni a partir del examen de la significación de las cosas, que nos permite identificar una poética que actualiza, entre otros aspectos, la fragilidad de la existencia humana. Recurrimos al comentario de textos de El tamaño de la verdad, libro publicado en 2011, donde se advierte el despliegue de afectos e intensidades que orbitan la relación entre el sujeto y los objetos precarios.

This article focuses on the study of the meaning that death adopts in Gonzalo Millán’s writing, one of the key poets of the 1960 generation in Chile. The analysis, which favours commentary on texts, displays a view of his poetic production, though it emphasises the meanings that diaristic writing, the sick body, and the imminence of death adopt in Veneno de escorpión azul. Diario de vida y de muerte (2007) (Blue scorpion venom. Diary of life and death)., Este artículo se centra en el estudio de las significaciones que adopta la muerte en la escritura de Gonzalo Millán, uno de los poetas claves de la generación de 1960 en Chile. El análisis, que privilegia el comentario de textos, despliega una mirada sobre su producción poética, aunque enfatiza los sentidos que adoptan la escritura diarística, el cuerpo enfermo y la inminencia de la muerte en Veneno de escorpión azul. Diario de vida y de muerte (2007).

We present a study of the poetic writings of Claudio Bertoni starting with an examination of the signification of objects, which will permit us to identify a poetics centered on, among other aspects, the fragility of human existence. We draw upon the commentary of texts from "El tamaño de la verdad" [The Size of Truth], a book published in 2011 in which we note the unfolding of affections and intensities that orbit around the relationship between the subject and precarious objects., Presentamos un estudio de la escritura poética de Claudio Bertoni a partir del examen de la significación de las cosas, que nos permite identificar una poética que actualiza, entre otros aspectos, la fragilidad de la existencia humana. Recurrimos al comentario de textos de El tamaño de la verdad, libro publicado en 2011, donde se advierte el despliegue de afectos e intensidades que orbitan la relación entre el sujeto y los objetos precarios.

This article focuses on the study of the meaning that death adopts in Gonzalo Millán’s writing, one of the key poets of the 1960 generation in Chile. The analysis, which favours commentary on texts, displays a view of his poetic production, though it emphasises the meanings that diaristic writing, the sick body, and the imminence of death adopt in Veneno de escorpión azul. Diario de vida y de muerte (2007) (Blue scorpion venom. Diary of life and death)., Este artículo se centra en el estudio de las significaciones que adopta la muerte en la escritura de Gonzalo Millán, uno de los poetas claves de la generación de 1960 en Chile. El análisis, que privilegia el comentario de textos, despliega una mirada sobre su producción poética, aunque enfatiza los sentidos que adoptan la escritura diarística, el cuerpo enfermo y la inminencia de la muerte en Veneno de escorpión azul. Diario de vida y de muerte (2007).

Joan Flasch Artists' Book Collection

Considering Adolfo de Nordenflycht's proposals on local literature as differentiated from national literature, the study proposes an approach to the “differential” imaginary of the city-port of Valparaíso, concretized in the lyric of Ximena Rivera Órdenes (Viña del Mar, 1959—Valparaíso, 2013). In the first place, the "localized subaltern space" is considered as a dispute political space, and the catastrophic consequences of the military dictatorship in the social, cultural, and literary terms are addressed. Second, the concept of "poetic reverie" as proposed by Gaston Bachelard is addressed and discussed, to access the author's poetics and her self-representation in the lyrical discourse. Finally, her lyrical work is approached while taking into account the materiality of Spinozist affections, the temper of mind, and the principle of "semantic obliqueness" of the text as proposed by Michael Riffaterre's critical system (1983), revealing that Ximena Rivera's poetry evokes a representation that is singular and different from that of the Port of Valparaíso, thus exerting resistance against the homogenization of the “abstract space”., Considerando las propuestas de Adolfo de Nordenflycht sobre la literatura local diferenciada de la literatura nacional, el estudio propone un acercamiento al imaginario “diferencial” de la ciudad-puerto de Valparaíso concretado en la lírica de Ximena Rivera Órdenes (Viña del Mar, 1959-Valparaíso, 2013). En primer lugar, se considera el “espacio subalterno localizado” como espacio político que se encuentra en disputa y se atiende a las secuelas catastróficas de la dictadura militar en lo social, cultural y literario. En segundo lugar, se aborda y discute el concepto de “ensoñación poética” propuesto por Gaston Bachelard para acceder a la poética de la autora y su autorrepresentación en el discurso lírico. Finalmente, se aproxima a su obra lírica atendiendo a la materialidad de los afectos spinozista, temple de ánimo y el principio de “oblicuidad semántica” del texto propuesto por el sistema crítico de Michael Riffaterre (1983), develando que la poesía de Ximena Rivera estaría evocando un espacio de representación singular y diferente del que se tiene del Puerto de Valparaíso, ejerciendo de esta manera una resistencia a la homogeneización del “espacio abstracto”.

Considering Adolfo de Nordenflycht's proposals on local literature as differentiated from national literature, the study proposes an approach to the “differential” imaginary of the city-port of Valparaíso, concretized in the lyric of Ximena Rivera Órdenes (Viña del Mar, 1959—Valparaíso, 2013). In the first place, the "localized subaltern space" is considered as a dispute political space, and the catastrophic consequences of the military dictatorship in the social, cultural, and literary terms are addressed. Second, the concept of "poetic reverie" as proposed by Gaston Bachelard is addressed and discussed, to access the author's poetics and her self-representation in the lyrical discourse. Finally, her lyrical work is approached while taking into account the materiality of Spinozist affections, the temper of mind, and the principle of "semantic obliqueness" of the text as proposed by Michael Riffaterre's critical system (1983), revealing that Ximena Rivera's poetry evokes a representation that is singular and different from that of the Port of Valparaíso, thus exerting resistance against the homogenization of the “abstract space”., Considerando las propuestas de Adolfo de Nordenflycht sobre la literatura local diferenciada de la literatura nacional, el estudio propone un acercamiento al imaginario “diferencial” de la ciudad-puerto de Valparaíso concretado en la lírica de Ximena Rivera Órdenes (Viña del Mar, 1959-Valparaíso, 2013). En primer lugar, se considera el “espacio subalterno localizado” como espacio político que se encuentra en disputa y se atiende a las secuelas catastróficas de la dictadura militar en lo social, cultural y literario. En segundo lugar, se aborda y discute el concepto de “ensoñación poética” propuesto por Gaston Bachelard para acceder a la poética de la autora y su autorrepresentación en el discurso lírico. Finalmente, se aproxima a su obra lírica atendiendo a la materialidad de los afectos spinozista, temple de ánimo y el principio de “oblicuidad semántica” del texto propuesto por el sistema crítico de Michael Riffaterre (1983), develando que la poesía de Ximena Rivera estaría evocando un espacio de representación singular y diferente del que se tiene del Puerto de Valparaíso, ejerciendo de esta manera una resistencia a la homogeneización del “espacio abstracto”.

In this article, two ongoing researches about post-dictatorship Chilean poetry converge. Within it, the concept of documentalism is used to denote the study of the rewriting and appropriation procedures used by poets Jaime Pinos, María José Ferrada, Óscar Barrientos and Carlos Soto Román, authors who develop a special work of montage and intervention of documentary sources to generate a historic-cultural meditation about how mass media building reality and public discourses., En este artículo convergen dos investigaciones en curso en torno a la poesía chilena de posdictadura. En él, se emplea la categoría crítica de documentalismo para referir el estudio de los procedimientos de reescritura y apropiación que utilizan los poetas Jaime Pinos, María José Ferrada, Óscar Barrientos y Carlos Soto Román, autores que llevan a cabo un peculiar trabajo de montaje e intervención de fuentes documentales, a fin de producir una reflexión histórico-cultural acerca de cómo los medios masivos de comunicación modelan la realidad y el discurso público.

Chela Reyes (1904-1988) is a chilean writer born in Santiago, the same year as Pablo Neruda. She has a relevant poetic production, almost unknown, that can and should be considered as part of the tradition of the Chilean historical avant-garde. This work aims to show how, in Ola nocturna, her third book of poems published in 1945, the author uses characters and references from Greek mythology to shape her imaginary. Its figurative universe is constituted by powerful evocations of a maritime space in which Eros and Thanatos are confused. Characters such as Eolo, Hippocampus, Sirens, Neptune, Echo, Venus, are part of its mythological-poetic gallery. Through these figures the poet builds a surprising and fascinating world in which eroticism is both creation and destruction., Resumen: Chela Reyes (1904-1988), es una escritora chilena nacida en Santiago el mismo año que Pablo Neruda. Ella tiene una relevante producción poética, casi desconocida, que puede y debería considerarse como parte de la tradición de la vanguardia histórica chilena. Este trabajo pretende evidenciar cómo en Ola nocturna, su tercer poemario publicado en 1945, la autora utiliza personajes y referencias de la mitología griega para dar forma a su imaginario. Su universo figurativo está constituido por poderosas evocaciones de un espacio marítimo en el que se confunde Eros y Tanatos. Personajes como Eolo, Hipocampos, Sirenas, Neptuno, Eco, Venus, forman parte de su galería mitológica-poética. Mediante estas figuras la poeta construye un mundo sorprendente y fascinante en donde el erotismo es tanto creación como destrucción.

The artistic installation El mar del dolor by the Chilean poet Raúl Zurita establishes a controversy with the treatment given to migrants in the media, particularly with the photograph of the dead Syrian boy on the beach, taken image by Turkish reporter Nilüfer Demir in 2015 year. Zurita responds to this picture by creating a piece of humanity —a concept of Georges Didi Huberman— for the migrants who were on that boat that was shipwrecked. In their piece of humanity, the subjects invisible to photography, whose names have been forgotten or crossed out, recover their names; and, the victim no longer has a strange, unique or exotic experience, as in the photograph, but its occurrence is linked to other experiences of pain, mainly those of the author of the artistic text. In opposition to neat photography, which shows the sufferer isolated from his context, the Zuritian humanity plot makes the different forces of the conflict appear, generating spaces that are not just a set. Also, while the overexposing photograph enjoys the pose, the plot returns the movement and life to those who had been captured and kidnapped by the lens. With this, Zurita polemizes with overrepresentation, a photography as a spectacle where the spectator is a specter of what happens; and with the under-representation of those who have no right to image. The poet manages to remove the visitor from the installation of his status as a spectator and introduce it to the experience of the migrant shipwreck., La instalación artística El mar del dolor del poeta chileno Raúl Zurita polemiza con el tratamiento otorgado a los migrantes en los medios de prensa, particularmente discute con la fotografía del niño sirio muerto a la orilla de la playa, imagen tomada por la reportera turca Nilüfer Demir el año 2015. Zurita responde a esa fotografía creando una “parcela de humanidad” —concepto de Georges Didi-Huberman—, para los migrantes que iban en el bote que naufragó. En su parcela de humanidad, los sujetos invisibles para la fotografía recuperan sus nombres y la víctima ya no tiene una experiencia extraña, única o exótica, como en la imagen de prensa citada, sino que su acontecer está ligado a otras experiencias de dolor. En oposición a la fotografía de prensa, que muestra al sufriente aislado de su contexto, la parcela de humanidad zuritiana hace comparecer a las distintas fuerzas del conflicto, generando espacios que no son solo un decorado. Asimismo, mientras la fotografía que sobreexpone disfruta de la pose, la parcela le devuelve el movimiento y la vida a los que habían sido capturados y secuestrados por el lente. Con ello, Zurita polemiza con la sobrerrepresentación creada por la imagen de prensa, donde el espectador es un espectro de lo que sucede. El poeta logra arrancar al visitante de la instalación El mar del dolor de su condición de espectador e introducirlo en la experiencia del naufragio migrante.

This test will analyze the book Rompan Filas (2016) of Bruno Vidal from three lines of sense, the allegory (Benjamin), the heteroglossia (Bajtín) and the subjective draft (Sarlo) to define the sway between the nominal thing and the poetical thing, the contradiction. This central aspect of this work will part from the allegory of horror as a problematizing element of the narrativity of traumatic experiences; the refraction of voices leads to heteroglossia, which carries a responsibility as ethics of the text; finally, the prerogative filter will try to support the interstice between remembering and forgetting, between documentary and ficcional aspects., Resumen: Este ensayo analizará el libro Rompan Filas (2016) de Bruno Vidal desde tres líneas de sentido, la alegoría (Benjamin), la heteroglosia (Bajtín) y el giro subjetivo (Sarlo) para definir el vaivén entre lo testimonial y lo poético, la contradicción. Este aspecto central de este trabajo se desprenderá desde la alegoría del horror como elemento problematizador de lo narrable de las experiencias traumáticas; la refracción de voces conduce a una heteroglosia que lleva consigo una responsabilidad como ética del texto; por último, el filtro prerrogativo intentará sostener el intersticio entre recordar y olvidar, entre lo documental y lo ficcional.

In this article, two ongoing researches about post-dictatorship Chilean poetry converge. Within it, the concept of documentalism is used to denote the study of the rewriting and appropriation procedures used by poets Jaime Pinos, María José Ferrada, Óscar Barrientos and Carlos Soto Román, authors who develop a special work of montage and intervention of documentary sources to generate a historic-cultural meditation about how mass media building reality and public discourses., En este artículo convergen dos investigaciones en curso en torno a la poesía chilena de posdictadura. En él, se emplea la categoría crítica de documentalismo para referir el estudio de los procedimientos de reescritura y apropiación que utilizan los poetas Jaime Pinos, María José Ferrada, Óscar Barrientos y Carlos Soto Román, autores que llevan a cabo un peculiar trabajo de montaje e intervención de fuentes documentales, a fin de producir una reflexión histórico-cultural acerca de cómo los medios masivos de comunicación modelan la realidad y el discurso público.

Chela Reyes (1904-1988) is a chilean writer born in Santiago, the same year as Pablo Neruda. She has a relevant poetic production, almost unknown, that can and should be considered as part of the tradition of the Chilean historical avant-garde. This work aims to show how, in Ola nocturna, her third book of poems published in 1945, the author uses characters and references from Greek mythology to shape her imaginary. Its figurative universe is constituted by powerful evocations of a maritime space in which Eros and Thanatos are confused. Characters such as Eolo, Hippocampus, Sirens, Neptune, Echo, Venus, are part of its mythological-poetic gallery. Through these figures the poet builds a surprising and fascinating world in which eroticism is both creation and destruction., Resumen: Chela Reyes (1904-1988), es una escritora chilena nacida en Santiago el mismo año que Pablo Neruda. Ella tiene una relevante producción poética, casi desconocida, que puede y debería considerarse como parte de la tradición de la vanguardia histórica chilena. Este trabajo pretende evidenciar cómo en Ola nocturna, su tercer poemario publicado en 1945, la autora utiliza personajes y referencias de la mitología griega para dar forma a su imaginario. Su universo figurativo está constituido por poderosas evocaciones de un espacio marítimo en el que se confunde Eros y Tanatos. Personajes como Eolo, Hipocampos, Sirenas, Neptuno, Eco, Venus, forman parte de su galería mitológica-poética. Mediante estas figuras la poeta construye un mundo sorprendente y fascinante en donde el erotismo es tanto creación como destrucción.

The artistic installation El mar del dolor by the Chilean poet Raúl Zurita establishes a controversy with the treatment given to migrants in the media, particularly with the photograph of the dead Syrian boy on the beach, taken image by Turkish reporter Nilüfer Demir in 2015 year. Zurita responds to this picture by creating a piece of humanity —a concept of Georges Didi Huberman— for the migrants who were on that boat that was shipwrecked. In their piece of humanity, the subjects invisible to photography, whose names have been forgotten or crossed out, recover their names; and, the victim no longer has a strange, unique or exotic experience, as in the photograph, but its occurrence is linked to other experiences of pain, mainly those of the author of the artistic text. In opposition to neat photography, which shows the sufferer isolated from his context, the Zuritian humanity plot makes the different forces of the conflict appear, generating spaces that are not just a set. Also, while the overexposing photograph enjoys the pose, the plot returns the movement and life to those who had been captured and kidnapped by the lens. With this, Zurita polemizes with overrepresentation, a photography as a spectacle where the spectator is a specter of what happens; and with the under-representation of those who have no right to image. The poet manages to remove the visitor from the installation of his status as a spectator and introduce it to the experience of the migrant shipwreck., La instalación artística El mar del dolor del poeta chileno Raúl Zurita polemiza con el tratamiento otorgado a los migrantes en los medios de prensa, particularmente discute con la fotografía del niño sirio muerto a la orilla de la playa, imagen tomada por la reportera turca Nilüfer Demir el año 2015. Zurita responde a esa fotografía creando una “parcela de humanidad” —concepto de Georges Didi-Huberman—, para los migrantes que iban en el bote que naufragó. En su parcela de humanidad, los sujetos invisibles para la fotografía recuperan sus nombres y la víctima ya no tiene una experiencia extraña, única o exótica, como en la imagen de prensa citada, sino que su acontecer está ligado a otras experiencias de dolor. En oposición a la fotografía de prensa, que muestra al sufriente aislado de su contexto, la parcela de humanidad zuritiana hace comparecer a las distintas fuerzas del conflicto, generando espacios que no son solo un decorado. Asimismo, mientras la fotografía que sobreexpone disfruta de la pose, la parcela le devuelve el movimiento y la vida a los que habían sido capturados y secuestrados por el lente. Con ello, Zurita polemiza con la sobrerrepresentación creada por la imagen de prensa, donde el espectador es un espectro de lo que sucede. El poeta logra arrancar al visitante de la instalación El mar del dolor de su condición de espectador e introducirlo en la experiencia del naufragio migrante.

The artistic installation El mar del dolor by the Chilean poet Raúl Zurita establishes a controversy with the treatment given to migrants in the media, particularly with the photograph of the dead Syrian boy on the beach, taken image by Turkish reporter Nilüfer Demir in 2015 year. Zurita responds to this picture by creating a piece of humanity —a concept of Georges Didi Huberman— for the migrants who were on that boat that was shipwrecked. In their piece of humanity, the subjects invisible to photography, whose names have been forgotten or crossed out, recover their names; and, the victim no longer has a strange, unique or exotic experience, as in the photograph, but its occurrence is linked to other experiences of pain, mainly those of the author of the artistic text. In opposition to neat photography, which shows the sufferer isolated from his context, the Zuritian humanity plot makes the different forces of the conflict appear, generating spaces that are not just a set. Also, while the overexposing photograph enjoys the pose, the plot returns the movement and life to those who had been captured and kidnapped by the lens. With this, Zurita polemizes with overrepresentation, a photography as a spectacle where the spectator is a specter of what happens; and with the under-representation of those who have no right to image. The poet manages to remove the visitor from the installation of his status as a spectator and introduce it to the experience of the migrant shipwreck., La instalación artística El mar del dolor del poeta chileno Raúl Zurita polemiza con el tratamiento otorgado a los migrantes en los medios de prensa, particularmente discute con la fotografía del niño sirio muerto a la orilla de la playa, imagen tomada por la reportera turca Nilüfer Demir el año 2015. Zurita responde a esa fotografía creando una “parcela de humanidad” —concepto de Georges Didi-Huberman—, para los migrantes que iban en el bote que naufragó. En su parcela de humanidad, los sujetos invisibles para la fotografía recuperan sus nombres y la víctima ya no tiene una experiencia extraña, única o exótica, como en la imagen de prensa citada, sino que su acontecer está ligado a otras experiencias de dolor. En oposición a la fotografía de prensa, que muestra al sufriente aislado de su contexto, la parcela de humanidad zuritiana hace comparecer a las distintas fuerzas del conflicto, generando espacios que no son solo un decorado. Asimismo, mientras la fotografía que sobreexpone disfruta de la pose, la parcela le devuelve el movimiento y la vida a los que habían sido capturados y secuestrados por el lente. Con ello, Zurita polemiza con la sobrerrepresentación creada por la imagen de prensa, donde el espectador es un espectro de lo que sucede. El poeta logra arrancar al visitante de la instalación El mar del dolor de su condición de espectador e introducirlo en la experiencia del naufragio migrante.

Refusing the idea of eroticism as a feeling easy to penetrate, this paper offers a reading of some Chilean poems (belonging to De Rokha, Neruda, Hahn, Bertoni, Millán), which deal with an expression of horror and pleasure: elements that are not antithetical, as Bataille’s philosophy indicates., Rechazando la idea del erotismo como un sentimiento fácilmente sondeable, el artículo propone una lectura de algunos textos de poetas chilenos (pertenecientes a De Rokha, Neruda, Hahn, Bertoni, Millán), que se cargan con una manifestación de horror y deleite: elementos que no son antitéticos, según apunta la filosofía de Bataille.

Refusing the idea of eroticism as a feeling easy to penetrate, this paper offers a reading of some Chilean poems (belonging to De Rokha, Neruda, Hahn, Bertoni, Millán), which deal with an expression of horror and pleasure: elements that are not antithetical, as Bataille’s philosophy indicates., Rechazando la idea del erotismo como un sentimiento fácilmente sondeable, el artículo propone una lectura de algunos textos de poetas chilenos (pertenecientes a De Rokha, Neruda, Hahn, Bertoni, Millán), que se cargan con una manifestación de horror y deleite: elementos que no son antitéticos, según apunta la filosofía de Bataille.

Catrico from Andrés Anwandter explores how the foundational violence of the city of Valdivia, built on a wide river network, remains latent in its precarious relation in the present. The poems aim is to bring these stagnant and walled waters to the surface, through the assembly of verbal and visual archives that embody multiple forms in which Catrico has been imagined and intervened over the centuries. This article explores how the poet-archivist creates an anachronistic cartography that interrogates the historicity of the urban landscape to reveal how different temporalities coexist in the territory and in language. In the process of reconstructing a common memory, this collection of poems problematizes the historical narrative, both in its inventive dimension and in its mediation in the global internet world., Catrico de Andrés Anwandter explora cómo la violencia fundacional de la ciudad de Valdivia, construida sobre una amplia red fluvial, permanece latente en el presente. Los poemas apuntan a traer esas aguas estancadas y amuralladas a la superficie a través del montaje de archivos verbales y visuales que encarnan las múltiples formas en que el Catrico ha sido imaginado e intervenido a lo largo de los siglos. Este artículo explora cómo el poeta-archivista crea una cartografía anacrónica que interroga la historicidad del paisaje urbano para revelar la supervivencia de distintas temporalidades en el territorio y en la lengua. En el proceso de reconstrucción de una memoria común, este poemario problematiza la narración histórica tanto en su dimensión inventiva como en su mediación en el mundo global de internet.

Si bien la antipoesía parece ubicarse a priori en el polo opuesto de la nostalgia –el humor cáustico, la iconoclasia y la rebeldía de una estética heterodoxa en perpetua combustión no se compadecerían con la tristeza melancólica–, hay en la obra de Nicanor Parra una larga serie de poemas de un marcado tono nostálgico. Algunos textos de Poemas y antipoemas (1954), y notablemente el libro Canciones rusas (1967), que habitualmente la crítica ha despachado con premura, dan cuenta de la existencia de una corriente nostálgica en la obra de Parra, no siempre bien subrayada a pesar de que estos peces que nadan a menor velocidad en el torrente vertiginoso de la antipoesía constituyen una parte esencial de su ecosistema. Si en su sentido etimológico, la nostalgia –neologismo acuñado por Johannes Hofer en el siglo XVII–, alude precisamente al dolor del regreso, este se manifiesta visiblemente en la obra de Parra en temas como la imposibilidad de recuperar el paraíso perdido de la infancia y el recuerdo de los amores de juventud, aunque de un modo u otro interviene siempre un matiz de ironía para atenuar la añoranza. ¿Qué significado cobra entonces la nostalgia en la poesía de Parra y qué papel juega la ironía en la configuración de su mirada retrospectiva?, Although antipoetry might seem to be opposed to nostalgia –its scathing humour, iconoclasm and heterodoxical aesthetic rebellion have little to do with melancholic sadness–, many poems by Nicanor Parra display a noticeably nostalgic tone. Texts from Poemas y antipoemas (1954) and above all Canciones rusas (1967), which have usually dealt with haste by critics, reveal a nostalgic current in Parra’s work that forms an essential part of his antipoetic ecosystem. If in an etymological sense, nostalgia –neologism coined by Johannes Hoffer in the xviith century– alludes to the painful experience of return, this sorrow is visibly revealed in Parra’s writing in the impossibility of recovering the lost paradise of childhood and in the memory of youthful love, despite moments of irony which would appear to attenuate the longing. What meaning is given to nostalgia in Parra’s poetry and what is the role played by irony in the configuration of his retrospective view?

Catrico from Andrés Anwandter explores how the foundational violence of the city of Valdivia, built on a wide river network, remains latent in its precarious relation in the present. The poems aim is to bring these stagnant and walled waters to the surface, through the assembly of verbal and visual archives that embody multiple forms in which Catrico has been imagined and intervened over the centuries. This article explores how the poet-archivist creates an anachronistic cartography that interrogates the historicity of the urban landscape to reveal how different temporalities coexist in the territory and in language. In the process of reconstructing a common memory, this collection of poems problematizes the historical narrative, both in its inventive dimension and in its mediation in the global internet world., Catrico de Andrés Anwandter explora cómo la violencia fundacional de la ciudad de Valdivia, construida sobre una amplia red fluvial, permanece latente en el presente. Los poemas apuntan a traer esas aguas estancadas y amuralladas a la superficie a través del montaje de archivos verbales y visuales que encarnan las múltiples formas en que el Catrico ha sido imaginado e intervenido a lo largo de los siglos. Este artículo explora cómo el poeta-archivista crea una cartografía anacrónica que interroga la historicidad del paisaje urbano para revelar la supervivencia de distintas temporalidades en el territorio y en la lengua. En el proceso de reconstrucción de una memoria común, este poemario problematiza la narración histórica tanto en su dimensión inventiva como en su mediación en el mundo global de internet.

Si bien la antipoesía parece ubicarse a priori en el polo opuesto de la nostalgia –el humor cáustico, la iconoclasia y la rebeldía de una estética heterodoxa en perpetua combustión no se compadecerían con la tristeza melancólica–, hay en la obra de Nicanor Parra una larga serie de poemas de un marcado tono nostálgico. Algunos textos de Poemas y antipoemas (1954), y notablemente el libro Canciones rusas (1967), que habitualmente la crítica ha despachado con premura, dan cuenta de la existencia de una corriente nostálgica en la obra de Parra, no siempre bien subrayada a pesar de que estos peces que nadan a menor velocidad en el torrente vertiginoso de la antipoesía constituyen una parte esencial de su ecosistema. Si en su sentido etimológico, la nostalgia –neologismo acuñado por Johannes Hofer en el siglo XVII–, alude precisamente al dolor del regreso, este se manifiesta visiblemente en la obra de Parra en temas como la imposibilidad de recuperar el paraíso perdido de la infancia y el recuerdo de los amores de juventud, aunque de un modo u otro interviene siempre un matiz de ironía para atenuar la añoranza. ¿Qué significado cobra entonces la nostalgia en la poesía de Parra y qué papel juega la ironía en la configuración de su mirada retrospectiva?, Although antipoetry might seem to be opposed to nostalgia –its scathing humour, iconoclasm and heterodoxical aesthetic rebellion have little to do with melancholic sadness–, many poems by Nicanor Parra display a noticeably nostalgic tone. Texts from Poemas y antipoemas (1954) and above all Canciones rusas (1967), which have usually dealt with haste by critics, reveal a nostalgic current in Parra’s work that forms an essential part of his antipoetic ecosystem. If in an etymological sense, nostalgia –neologism coined by Johannes Hoffer in the xviith century– alludes to the painful experience of return, this sorrow is visibly revealed in Parra’s writing in the impossibility of recovering the lost paradise of childhood and in the memory of youthful love, despite moments of irony which would appear to attenuate the longing. What meaning is given to nostalgia in Parra’s poetry and what is the role played by irony in the configuration of his retrospective view?

This article presents a posible reading of Altazor, by Chilean writer Vicente Huidobro, a poem which was initially published in 1931, becoming a fundamental and founding work in the Chilean literary canon. This personal reading inscribes itself into the critical reception which has devoted its attention to the Altazorian fall over the years. This approach takes as its central concern the consciousness that the speaker in the poem possesses of the phenomenon of language and its difculty in granting meaning to poetry., Este texto presenta una posible lectura de Altazor de Vicente Huidobro publicado inicialmente en 1931, poema fundador e ineludible de nuestro canon literario. Esta lectura personal se inscribe como una más dentro de la historia de la recepción crítica que ha tenido la caída altazoriana a través del tiempo. Esta aproximación toma como hilo conductor la conciencia que tiene el hablante del fenómeno de la lengua y de su dificultad para significar en poesía.

This paper analyzes the construction of the forced disappearance in thepoetry book INRI, by Raul Zurita. The ideas are articulated from the following areas: images that hint at the presence of the missing body; metaphors that draw the social incidences of a corpseless duel; and sensorialities mobilized by people around hope and death. The purpose is to suggest how orality, as a sound that can probe the interior of the human being, builds a truth that allows an emotional reunion, through poetry, with the victims of forced disappearance during the dictatorship of Pinochet in Chile., Este texto analiza la construcción de la desaparición forzada en el poemario INRI, de Raúl Zurita. Las ideas se articulan a partir de los siguientes ejes: imágenes que insinúan la presencia del cuerpo desaparecido; metáforas que dibujan las incidencias sociales del duelo sin cadáver; y sensorialidades movilizadas por un pueblo en torno a la esperanza y la muerte. El propósito es sugerir de qué manera la oralidad, como una sonoridad que puede sondear la interioridad del ser humano, construye una verdad que permite un reencuentro afectivo, a través de la poesía, con las víctimas de la desaparición forzada durante la dictadura de Pinochet en Chile.

The research aims to compare and evaluate different views around the city from the point of view of female poetic discourse in Chile. Specifically, the proposal focuses on a cross-sectional analysis that tries to address the feminine view regarding the location of the city. The corpus that has been selected ranges from the 80s to the present and the authors are: Eugenia Brito, Elvira Hernández, Carmen Berenguer, Malú Urriola, Paula Ilabaca, Gladys González and the Mapuche poet, Daniela Catrileo. The specific objective is to answer the following questions: i) In what way does the city appear as the basis for poetic experimentation?, and ii) What resources are each author worth to account for their relationship with an urban space?, Esta investigación tiene por finalidad comparar y evaluar distintas miradas en torno a la ciudad desde el punto de vista del discurso poético femenino en Chile. En concreto, la propuesta se centra en un análisis transversal que intenta abordar la mirada femenina respecto al emplazamiento de la ciudad. El corpus textual que se ha seleccionado va desde los años 80 hasta la actualidad y las autoras son: Eugenia Brito, Elvira Hernández, Carmen Berenguer, Malú Urriola, Paula Ilabaca, Gladys González y la poeta mapuche Daniela Catrileo. Como objetivo específico se busca responder a las siguientes interrogantes: i) ¿De qué modo la ciudad aparece como la base para la experimentación poética? y ii) ¿De qué recursos se vale cada una de las autoras para dar cuenta de su relación con un espacio urbano?

The poem collections Calamina and Amarillo crepúsculo show spaces and landscapes that acquire materiality in poetic language. Despite their clear differences, both texts configure space from a materiality crossed by modernity and its residues. The relation between landscape and poetry is studied using the concept of geo-poetics coined by Michel Collot in Pour une geographie litterair. The article purposes that the poetic subjects of these poems pose their looks on the landscapes’ memory understood as a ruin, instead of exercising the romantic contemplation of the sublime., Los poemarios Calamina y Amarillo crepúsculo exhiben espacios y paisajes que adquieren materialidad en el lenguaje poético. A pesar de ser poemarios muy disimiles, en ambos el espacio se configura desde una materialidad atravesada por la modernidad y su despojo. La relación entre paisaje y poesía se aborda desde el concepto de geopoética, trabajado por Michel Collot en Pour une geographie litteraire. El artículo sostiene que la memoria de los paisajes constituye en estos poemarios una ruina donde los sujetos poéticos fijan su mirada, a contrapelo de la contemplación romántica de lo sublime.

This article presents a posible reading of Altazor, by Chilean writer Vicente Huidobro, a poem which was initially published in 1931, becoming a fundamental and founding work in the Chilean literary canon. This personal reading inscribes itself into the critical reception which has devoted its attention to the Altazorian fall over the years. This approach takes as its central concern the consciousness that the speaker in the poem possesses of the phenomenon of language and its difculty in granting meaning to poetry., Este texto presenta una posible lectura de Altazor de Vicente Huidobro publicado inicialmente en 1931, poema fundador e ineludible de nuestro canon literario. Esta lectura personal se inscribe como una más dentro de la historia de la recepción crítica que ha tenido la caída altazoriana a través del tiempo. Esta aproximación toma como hilo conductor la conciencia que tiene el hablante del fenómeno de la lengua y de su dificultad para significar en poesía.

The poem collections Calamina and Amarillo crepúsculo show spaces and landscapes that acquire materiality in poetic language. Despite their clear differences, both texts configure space from a materiality crossed by modernity and its residues. The relation between landscape and poetry is studied using the concept of geo-poetics coined by Michel Collot in Pour une geographie litterair. The article purposes that the poetic subjects of these poems pose their looks on the landscapes’ memory understood as a ruin, instead of exercising the romantic contemplation of the sublime., Los poemarios Calamina y Amarillo crepúsculo exhiben espacios y paisajes que adquieren materialidad en el lenguaje poético. A pesar de ser poemarios muy disimiles, en ambos el espacio se configura desde una materialidad atravesada por la modernidad y su despojo. La relación entre paisaje y poesía se aborda desde el concepto de geopoética, trabajado por Michel Collot en Pour une geographie litteraire. El artículo sostiene que la memoria de los paisajes constituye en estos poemarios una ruina donde los sujetos poéticos fijan su mirada, a contrapelo de la contemplación romántica de lo sublime.

This article presents a posible reading of Altazor, by Chilean writer Vicente Huidobro, a poem which was initially published in 1931, becoming a fundamental and founding work in the Chilean literary canon. This personal reading inscribes itself into the critical reception which has devoted its attention to the Altazorian fall over the years. This approach takes as its central concern the consciousness that the speaker in the poem possesses of the phenomenon of language and its difculty in granting meaning to poetry., Este texto presenta una posible lectura de Altazor de Vicente Huidobro publicado inicialmente en 1931, poema fundador e ineludible de nuestro canon literario. Esta lectura personal se inscribe como una más dentro de la historia de la recepción crítica que ha tenido la caída altazoriana a través del tiempo. Esta aproximación toma como hilo conductor la conciencia que tiene el hablante del fenómeno de la lengua y de su dificultad para significar en poesía.

This paper analyzes the construction of the forced disappearance in thepoetry book INRI, by Raul Zurita. The ideas are articulated from the following areas: images that hint at the presence of the missing body; metaphors that draw the social incidences of a corpseless duel; and sensorialities mobilized by people around hope and death. The purpose is to suggest how orality, as a sound that can probe the interior of the human being, builds a truth that allows an emotional reunion, through poetry, with the victims of forced disappearance during the dictatorship of Pinochet in Chile., Este texto analiza la construcción de la desaparición forzada en el poemario INRI, de Raúl Zurita. Las ideas se articulan a partir de los siguientes ejes: imágenes que insinúan la presencia del cuerpo desaparecido; metáforas que dibujan las incidencias sociales del duelo sin cadáver; y sensorialidades movilizadas por un pueblo en torno a la esperanza y la muerte. El propósito es sugerir de qué manera la oralidad, como una sonoridad que puede sondear la interioridad del ser humano, construye una verdad que permite un reencuentro afectivo, a través de la poesía, con las víctimas de la desaparición forzada durante la dictadura de Pinochet en Chile.

This article presents a posible reading of Altazor, by Chilean writer Vicente Huidobro, a poem which was initially published in 1931, becoming a fundamental and founding work in the Chilean literary canon. This personal reading inscribes itself into the critical reception which has devoted its attention to the Altazorian fall over the years. This approach takes as its central concern the consciousness that the speaker in the poem possesses of the phenomenon of language and its difculty in granting meaning to poetry., Este texto presenta una posible lectura de Altazor de Vicente Huidobro publicado inicialmente en 1931, poema fundador e ineludible de nuestro canon literario. Esta lectura personal se inscribe como una más dentro de la historia de la recepción crítica que ha tenido la caída altazoriana a través del tiempo. Esta aproximación toma como hilo conductor la conciencia que tiene el hablante del fenómeno de la lengua y de su dificultad para significar en poesía.

The research aims to compare and evaluate different views around the city from the point of view of female poetic discourse in Chile. Specifically, the proposal focuses on a cross-sectional analysis that tries to address the feminine view regarding the location of the city. The corpus that has been selected ranges from the 80s to the present and the authors are: Eugenia Brito, Elvira Hernández, Carmen Berenguer, Malú Urriola, Paula Ilabaca, Gladys González and the Mapuche poet, Daniela Catrileo. The specific objective is to answer the following questions: i) In what way does the city appear as the basis for poetic experimentation?, and ii) What resources are each author worth to account for their relationship with an urban space?, Esta investigación tiene por finalidad comparar y evaluar distintas miradas en torno a la ciudad desde el punto de vista del discurso poético femenino en Chile. En concreto, la propuesta se centra en un análisis transversal que intenta abordar la mirada femenina respecto al emplazamiento de la ciudad. El corpus textual que se ha seleccionado va desde los años 80 hasta la actualidad y las autoras son: Eugenia Brito, Elvira Hernández, Carmen Berenguer, Malú Urriola, Paula Ilabaca, Gladys González y la poeta mapuche Daniela Catrileo. Como objetivo específico se busca responder a las siguientes interrogantes: i) ¿De qué modo la ciudad aparece como la base para la experimentación poética? y ii) ¿De qué recursos se vale cada una de las autoras para dar cuenta de su relación con un espacio urbano?

This paper analyzes the construction of the forced disappearance in thepoetry book INRI, by Raul Zurita. The ideas are articulated from the following areas: images that hint at the presence of the missing body; metaphors that draw the social incidences of a corpseless duel; and sensorialities mobilized by people around hope and death. The purpose is to suggest how orality, as a sound that can probe the interior of the human being, builds a truth that allows an emotional reunion, through poetry, with the victims of forced disappearance during the dictatorship of Pinochet in Chile., Este texto analiza la construcción de la desaparición forzada en el poemario INRI, de Raúl Zurita. Las ideas se articulan a partir de los siguientes ejes: imágenes que insinúan la presencia del cuerpo desaparecido; metáforas que dibujan las incidencias sociales del duelo sin cadáver; y sensorialidades movilizadas por un pueblo en torno a la esperanza y la muerte. El propósito es sugerir de qué manera la oralidad, como una sonoridad que puede sondear la interioridad del ser humano, construye una verdad que permite un reencuentro afectivo, a través de la poesía, con las víctimas de la desaparición forzada durante la dictadura de Pinochet en Chile.

Lyrical as well as narrative poetics of Chilean post-dictatorial literaturerepresent some of the most interesting and complex objects of study, from a political point of view, for reflecting on contemporary Chilean society, the inheritor of social and cultural transformations from the Chilean dictatorship. Generally, this literature resists the consensual, amnesiac, uncritical, homogenizing, and neo-liberal project of the Chilean nation after Pinochet, allowing new community forms to arise through articulations of space and memory., La poéticas tanto líricas como narrativas de la literatura chilena postdictatorial representan algunos de los objetos de estudio más interesantes y complejos desde el punto de vista político para pensar la sociedad chilena contemporánea, heredera de las transformaciones sociales y culturales de la dictadura. En general, dicha literatura ofrece resistencia al proyecto consensual, amnésico, acrítico, homogeneizador y neoliberal de la nación chilena tras el pinochetismo, permitiendo el surgimiento de nuevas formas de comunidad por vía de la articulación del espacio y la memoria.

This article focuses on the post avant-garde work of Chilean poet Teofilo Cid. This is not usually part of the repertoire of critical reception. In this text we can find social and political problematic that facts help us to understand their commitment with a form of social realism. The mirror, the river, the night and childhood are some of the central motives present in a poetic full of a lot possibilities of expression., Este artículo se centra en la obra del poeta chileno Teófilo Cid posterior a su periodo vanguardista y que habitualmente no forma parte del repertorio de la recepción crítica. Es posible evidenciar allí problemáticas sociales y políticas que permiten comprender su compromiso con una específica forma de realismo social. El espejo, el río, la noche y la infancia son algunos de los ejes centrales que articulan una poética de ricas posibilidades de expresión.

Lyrical as well as narrative poetics of Chilean post-dictatorial literaturerepresent some of the most interesting and complex objects of study, from a political point of view, for reflecting on contemporary Chilean society, the inheritor of social and cultural transformations from the Chilean dictatorship. Generally, this literature resists the consensual, amnesiac, uncritical, homogenizing, and neo-liberal project of the Chilean nation after Pinochet, allowing new community forms to arise through articulations of space and memory., La poéticas tanto líricas como narrativas de la literatura chilena postdictatorial representan algunos de los objetos de estudio más interesantes y complejos desde el punto de vista político para pensar la sociedad chilena contemporánea, heredera de las transformaciones sociales y culturales de la dictadura. En general, dicha literatura ofrece resistencia al proyecto consensual, amnésico, acrítico, homogeneizador y neoliberal de la nación chilena tras el pinochetismo, permitiendo el surgimiento de nuevas formas de comunidad por vía de la articulación del espacio y la memoria.

The article focuses on a study of parodic expressions and the poetics of frustration in the writing of Rodrigo Lira. The poet parodically de-stabilizes the word and transforms it into a deconstructive tool which opposes modern discourse. This move critically challenges the contemporary Chilean poetic tradition, Christian forms of religiosity, and even the writer's biography. In this light, the article intends to demonstrate that Lira's writing relentlessly probes into the debris of language, and also into his own life and his desolated lyre. The distrust on reason, the loss of collective ideals, and a crude psychological perspective confirm the presence of a society stricken by unrest and frustration., Este trabajo pretende realizar un estudio de las manifestaciones paródicas y de la poética de la frustración presentes en la escritura de Rodrigo Lira. Este poeta, mediante la parodia logra desestabilizar la palabra, transformándola, en oposición al discurso moderno, en una herramienta deconstructiva, que pone en crisis la tradición poética chilena contemporánea, la religiosidad cristiana e incluso su propia biografía. En otras palabras, se intenta demostrar que su escritura es un registro lacerante y mordaz de los escombros en los que, para él, se ha convertido no solo el lenguaje, sino también su vida y su desolada lira. La desconfianza en la razón, la pérdida de los valores colectivos y la crudeza psicológica permiten confirmar la visión de una sociedad sustentada en el cansancio y frustración.

While in medical, legal, politic and economic discourse, alcohol figures as problem, illness, death and poverty, along the history of Chile the production and consumption of alcohol have been notorious worldwide. In search of an explanation to this phenomenon, this writing seeks to revise and explicit the relations in which alcohol appears in Chilean poetry, taking into account the sociopolitical and economic context of poetic production. Through the ideas of logic of magmas and harmony, we show poetry anti-instituting the sense and the processes of marginalization and isolation, characteristics of the studied period, through the construction of a poetic image of alcohol remote to the negative connotations, previously shown. Finally, we reflect on the anti-instituting capacity in the field of common sense., Mientras que en el discurso médico, legal, político y económico, el alcohol figura como problema, enfermedad, muerte y pobreza, a lo largo de la historia de Chile la producción y el consumo alcohólico han sido notorios a nivel mundial. En busca de una explicación a este fenómeno, este escrito pretende revisar y explicitar las relaciones en que figura el alcohol en la poesía chilena, teniendo en consideración el contexto sociopolítico y económico de producción poética. Mediante la idea de una lógica de magma, y de armonía, se muestra a la poesía como contrainstituyendo el sentido y los procesos de marginación y aislamiento característicos del periodo estudiado a través de la construcción de una imagen poética del alcohol distante de las connotaciones negativas anteriormente señaladas. Finalmente, se reflexiona sobre la capacidad contrainstituyente en el campo del sentido común.

The article focuses on a study of parodic expressions and the poetics of frustration in the writing of Rodrigo Lira. The poet parodically de-stabilizes the word and transforms it into a deconstructive tool which opposes modern discourse. This move critically challenges the contemporary Chilean poetic tradition, Christian forms of religiosity, and even the writer's biography. In this light, the article intends to demonstrate that Lira's writing relentlessly probes into the debris of language, and also into his own life and his desolated lyre. The distrust on reason, the loss of collective ideals, and a crude psychological perspective confirm the presence of a society stricken by unrest and frustration., Este trabajo pretende realizar un estudio de las manifestaciones paródicas y de la poética de la frustración presentes en la escritura de Rodrigo Lira. Este poeta, mediante la parodia logra desestabilizar la palabra, transformándola, en oposición al discurso moderno, en una herramienta deconstructiva, que pone en crisis la tradición poética chilena contemporánea, la religiosidad cristiana e incluso su propia biografía. En otras palabras, se intenta demostrar que su escritura es un registro lacerante y mordaz de los escombros en los que, para él, se ha convertido no solo el lenguaje, sino también su vida y su desolada lira. La desconfianza en la razón, la pérdida de los valores colectivos y la crudeza psicológica permiten confirmar la visión de una sociedad sustentada en el cansancio y frustración.

The article focuses on a study of parodic expressions and the poetics of frustration in the writing of Rodrigo Lira. The poet parodically de-stabilizes the word and transforms it into a deconstructive tool which opposes modern discourse. This move critically challenges the contemporary Chilean poetic tradition, Christian forms of religiosity, and even the writer's biography. In this light, the article intends to demonstrate that Lira's writing relentlessly probes into the debris of language, and also into his own life and his desolated lyre. The distrust on reason, the loss of collective ideals, and a crude psychological perspective confirm the presence of a society stricken by unrest and frustration., Este trabajo pretende realizar un estudio de las manifestaciones paródicas y de la poética de la frustración presentes en la escritura de Rodrigo Lira. Este poeta, mediante la parodia logra desestabilizar la palabra, transformándola, en oposición al discurso moderno, en una herramienta deconstructiva, que pone en crisis la tradición poética chilena contemporánea, la religiosidad cristiana e incluso su propia biografía. En otras palabras, se intenta demostrar que su escritura es un registro lacerante y mordaz de los escombros en los que, para él, se ha convertido no solo el lenguaje, sino también su vida y su desolada lira. La desconfianza en la razón, la pérdida de los valores colectivos y la crudeza psicológica permiten confirmar la visión de una sociedad sustentada en el cansancio y frustración.

Lyrical as well as narrative poetics of Chilean post-dictatorial literaturerepresent some of the most interesting and complex objects of study, from a political point of view, for reflecting on contemporary Chilean society, the inheritor of social and cultural transformations from the Chilean dictatorship. Generally, this literature resists the consensual, amnesiac, uncritical, homogenizing, and neo-liberal project of the Chilean nation after Pinochet, allowing new community forms to arise through articulations of space and memory., La poéticas tanto líricas como narrativas de la literatura chilena postdictatorial representan algunos de los objetos de estudio más interesantes y complejos desde el punto de vista político para pensar la sociedad chilena contemporánea, heredera de las transformaciones sociales y culturales de la dictadura. En general, dicha literatura ofrece resistencia al proyecto consensual, amnésico, acrítico, homogeneizador y neoliberal de la nación chilena tras el pinochetismo, permitiendo el surgimiento de nuevas formas de comunidad por vía de la articulación del espacio y la memoria.

This article focuses on the post avant-garde work of Chilean poet Teofilo Cid. This is not usually part of the repertoire of critical reception. In this text we can find social and political problematic that facts help us to understand their commitment with a form of social realism. The mirror, the river, the night and childhood are some of the central motives present in a poetic full of a lot possibilities of expression., Este artículo se centra en la obra del poeta chileno Teófilo Cid posterior a su periodo vanguardista y que habitualmente no forma parte del repertorio de la recepción crítica. Es posible evidenciar allí problemáticas sociales y políticas que permiten comprender su compromiso con una específica forma de realismo social. El espejo, el río, la noche y la infancia son algunos de los ejes centrales que articulan una poética de ricas posibilidades de expresión.

The article focuses on a study of parodic expressions and the poetics of frustration in the writing of Rodrigo Lira. The poet parodically de-stabilizes the word and transforms it into a deconstructive tool which opposes modern discourse. This move critically challenges the contemporary Chilean poetic tradition, Christian forms of religiosity, and even the writer's biography. In this light, the article intends to demonstrate that Lira's writing relentlessly probes into the debris of language, and also into his own life and his desolated lyre. The distrust on reason, the loss of collective ideals, and a crude psychological perspective confirm the presence of a society stricken by unrest and frustration., Este trabajo pretende realizar un estudio de las manifestaciones paródicas y de la poética de la frustración presentes en la escritura de Rodrigo Lira. Este poeta, mediante la parodia logra desestabilizar la palabra, transformándola, en oposición al discurso moderno, en una herramienta deconstructiva, que pone en crisis la tradición poética chilena contemporánea, la religiosidad cristiana e incluso su propia biografía. En otras palabras, se intenta demostrar que su escritura es un registro lacerante y mordaz de los escombros en los que, para él, se ha convertido no solo el lenguaje, sino también su vida y su desolada lira. La desconfianza en la razón, la pérdida de los valores colectivos y la crudeza psicológica permiten confirmar la visión de una sociedad sustentada en el cansancio y frustración.

While in medical, legal, politic and economic discourse, alcohol figures as problem, illness, death and poverty, along the history of Chile the production and consumption of alcohol have been notorious worldwide. In search of an explanation to this phenomenon, this writing seeks to revise and explicit the relations in which alcohol appears in Chilean poetry, taking into account the sociopolitical and economic context of poetic production. Through the ideas of logic of magmas and harmony, we show poetry anti-instituting the sense and the processes of marginalization and isolation, characteristics of the studied period, through the construction of a poetic image of alcohol remote to the negative connotations, previously shown. Finally, we reflect on the anti-instituting capacity in the field of common sense., Mientras que en el discurso médico, legal, político y económico, el alcohol figura como problema, enfermedad, muerte y pobreza, a lo largo de la historia de Chile la producción y el consumo alcohólico han sido notorios a nivel mundial. En busca de una explicación a este fenómeno, este escrito pretende revisar y explicitar las relaciones en que figura el alcohol en la poesía chilena, teniendo en consideración el contexto sociopolítico y económico de producción poética. Mediante la idea de una lógica de magma, y de armonía, se muestra a la poesía como contrainstituyendo el sentido y los procesos de marginación y aislamiento característicos del periodo estudiado a través de la construcción de una imagen poética del alcohol distante de las connotaciones negativas anteriormente señaladas. Finalmente, se reflexiona sobre la capacidad contrainstituyente en el campo del sentido común.

Lyrical as well as narrative poetics of Chilean post-dictatorial literaturerepresent some of the most interesting and complex objects of study, from a political point of view, for reflecting on contemporary Chilean society, the inheritor of social and cultural transformations from the Chilean dictatorship. Generally, this literature resists the consensual, amnesiac, uncritical, homogenizing, and neo-liberal project of the Chilean nation after Pinochet, allowing new community forms to arise through articulations of space and memory., La poéticas tanto líricas como narrativas de la literatura chilena postdictatorial representan algunos de los objetos de estudio más interesantes y complejos desde el punto de vista político para pensar la sociedad chilena contemporánea, heredera de las transformaciones sociales y culturales de la dictadura. En general, dicha literatura ofrece resistencia al proyecto consensual, amnésico, acrítico, homogeneizador y neoliberal de la nación chilena tras el pinochetismo, permitiendo el surgimiento de nuevas formas de comunidad por vía de la articulación del espacio y la memoria.

La película Saló de Pier Paolo Pasolini y el libro Zurita de Raúl Zurita comparten la repre sentación de la violencia sobre los cuerpos como un efecto de la alianza que se produce entre la política y la ley, propia de los estados totalitarios. En ellos, toda la política se ejercemediante leyes que no tan solo norman los espacios públicos, sino también los privados, lo que incluye las actividades sexuales, alimentarias y de defecación, entre otras. Ambos autores discuten esta práctica de la ley ejercida en espacios cerrados. Pasolini hace depalacio que encierra a los prisioneros una metonimia de todo tipo de nación y Zurita liga los territorios de las naciones latinoamericanas a ejercicios de exterminio., Italian filmmaker Pier Paolo Pasolini’s Saló film and Zurita, poetry book by chilean author Raúl Zurita, share the depiction of violence over human bodies as an effect of the alliance between Politics and the Law, a very common feature on totalitarian governments. All actions are exerted by means of laws dealing not only with public spaces, but also private ones, including sexual intercourse, feeding, and defecation. Both authors discuss these actions in the context of closed locations. Pasolini turns the palace and its prisoners into a metonymy for all nation, and Zurita links the territories of Latin-American nations to extermination practices.

The lyrical work La Wik’uña (1990), written by the chilean Cecilia Vicuña (1948) combines several indo americans cultures, being the inca the most outlined. The following article presents the poetic setting of Ollantaytambo, an ancient inca ceremonial center, located in Cusco, Perú. Also reflects on the ecological consciousness that the poet addresses, for whom the solutions to today's environmental problems of the planet are found in ancestral american knowledge., El poemario La Wik’uña (1990), de la chilena Cecilia Vicuña (1948), reúne diversas culturas amerindias, entre las que destaca la inca. En el presente artículo se aborda la configuración poética de Ollantaytambo, antiguo centro ceremonial inca, ubicado en Cusco, Perú. Asimismo, se reflexiona en torno a la consciencia ecológica de la poeta, para quien las soluciones a los actuales problemas medioambientales del planeta se encuentran en los saberes ancestrales americanos.

La película Saló de Pier Paolo Pasolini y el libro Zurita de Raúl Zurita comparten la repre sentación de la violencia sobre los cuerpos como un efecto de la alianza que se produce entre la política y la ley, propia de los estados totalitarios. En ellos, toda la política se ejercemediante leyes que no tan solo norman los espacios públicos, sino también los privados, lo que incluye las actividades sexuales, alimentarias y de defecación, entre otras. Ambos autores discuten esta práctica de la ley ejercida en espacios cerrados. Pasolini hace depalacio que encierra a los prisioneros una metonimia de todo tipo de nación y Zurita liga los territorios de las naciones latinoamericanas a ejercicios de exterminio., Italian filmmaker Pier Paolo Pasolini’s Saló film and Zurita, poetry book by chilean author Raúl Zurita, share the depiction of violence over human bodies as an effect of the alliance between Politics and the Law, a very common feature on totalitarian governments. All actions are exerted by means of laws dealing not only with public spaces, but also private ones, including sexual intercourse, feeding, and defecation. Both authors discuss these actions in the context of closed locations. Pasolini turns the palace and its prisoners into a metonymy for all nation, and Zurita links the territories of Latin-American nations to extermination practices.

The lyrical work La Wik’uña (1990), written by the chilean Cecilia Vicuña (1948) combines several indo americans cultures, being the inca the most outlined. The following article presents the poetic setting of Ollantaytambo, an ancient inca ceremonial center, located in Cusco, Perú. Also reflects on the ecological consciousness that the poet addresses, for whom the solutions to today's environmental problems of the planet are found in ancestral american knowledge., El poemario La Wik’uña (1990), de la chilena Cecilia Vicuña (1948), reúne diversas culturas amerindias, entre las que destaca la inca. En el presente artículo se aborda la configuración poética de Ollantaytambo, antiguo centro ceremonial inca, ubicado en Cusco, Perú. Asimismo, se reflexiona en torno a la consciencia ecológica de la poeta, para quien las soluciones a los actuales problemas medioambientales del planeta se encuentran en los saberes ancestrales americanos.

The lyrical work La Wik’uña (1990), written by the chilean Cecilia Vicuña (1948) combines several indo americans cultures, being the inca the most outlined. The following article presents the poetic setting of Ollantaytambo, an ancient inca ceremonial center, located in Cusco, Perú. Also reflects on the ecological consciousness that the poet addresses, for whom the solutions to today's environmental problems of the planet are found in ancestral american knowledge., El poemario La Wik’uña (1990), de la chilena Cecilia Vicuña (1948), reúne diversas culturas amerindias, entre las que destaca la inca. En el presente artículo se aborda la configuración poética de Ollantaytambo, antiguo centro ceremonial inca, ubicado en Cusco, Perú. Asimismo, se reflexiona en torno a la consciencia ecológica de la poeta, para quien las soluciones a los actuales problemas medioambientales del planeta se encuentran en los saberes ancestrales americanos.