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El desplazamiento del film-ensayo a la videoinstalación tiene en Chris Marker una de sus primeras y más relevantes figuras. El estudio comparado de Zapping Zone. Proposal for an imaginary television (1990) y Level Five (1996) permite analizar los procesos de construcción y complejización, deconstrucción y saturación que se dan entre la expresión más compleja del film-ensayo markeriano y su transformación en videoinstalación. Zapping Zone responde a la materialización tanto del estadio magmático de la era audiovisual posmoderna como del punto de partida del trabajo del cineasta (documentales, film-ensayos, videoinstalaciones, etc.), que sería lo contrario de la página en blanco del escritor: un mundo saturado de imágenes que necesitan ser seleccionadas. analizadas, y trabajadas para construir significado. Level Five ofrece la reflexión del cineasta sobre esa misma realidad, aplicada a la batalla de Okinawa, a través de un complejo proceso de pensamiento audiovisual que hibrida diferentes tipos de imágenes –documentales y ficcionales; analógicas y electrónicas–, dispositivos –video diario epistolar, videojuego y ciberespacio– y sus subjetividades autorales –Laura, la pareja de Laura y Chris– para reflexionar sobre la relación entre estas formas y espacios audiovisuales y el eje temático memoria-dolor-olvido., The displacement from the essay film to the video installation has in Chris Marker one of its first and most relevant figures. The comparative study of Zapping Zone. Proposal for an imaginary television (1990) and Level Five (1997) allows for the analysis of the construction and complexification, and the deconstruction and saturation processes that take place between the most complex expression of the Markerian essay film and its transformation into the video installation. Zapping Zone responds to the embodiment of both the magmatic stage of the postmodern audiovisual era and the starting point of the filmmaker's work (documentaries, essay films, video installations, etc.), which would be the opposite of the writer’s blank page: a saturated world of images that needs to be selected, analysed and worked on in order to build meaning. Level Five offers the filmmaker’s reflection on that same reality, applied to the Battle of Okinawa, through a complex audiovisual thinking process that hybridises different types of images—documentary and fictional; analogue and electronic—devices—epistolary video diary, video game and cyberspace—and their authorial subjectivities—Laura, Laura’s lover and Chris—in order to reflect on the relationship between these audiovisual forms and spaces and the thematic axis memory-pain-oblivion.  &nbsp

This research work analyzes the case of the site-specific multimedia performance titled dentro, which has pieces and audiovisual projections that represent most of the meanings that a screen can have on stage and whose screens add meaning to the show itself. In its first representation dentro only had a single projection. Currently, after several site-specific performances, dentro has: a projection, an independent underwater video, a video as scenography and a video with which the performer interacts. The result of the study reveals that the use of screens in multimedia performance reinforces and multiplies the dramatic mode of representation, generates a greater impact on the audience, increases public interest and multiplies meanings in the audiovisual and dramatic double narrative; it brings together theatrical, video art and audiovisual audiences and because it is site specific in an art space, a visual arts audience., Este trabajo de investigación analiza el caso de la performance multimedia site specific titulada dentro que cuenta con piezas y proyecciones audiovisuales que representan la mayoría de significados que una pantalla puede tener en escena y cuyas pantallas aportan en sí mismas significado propio al espectáculo. En su primera representación dentro solo tenía una única proyección. Actualmente, tras varias representaciones site specific, dentro cuenta con: una proyección, un vídeo subacuático independiente, un vídeo como escenografía y un vídeo con el que la performer interactúa. El resultado del estudio revela que el uso de las pantallas en la performance multimedia refuerza y multiplica el modo de representación dramático, genera un mayor impacto en la audiencia, aumenta el interés del público y multiplica significados en la doble narrativa audiovisual y dramática; aglutina audiencia teatral, videoartística y audiovisual y por tratarse de site specific en un espacio de arte, audiencia de artes plásticas.

The Valencian sculpture of the 1980s and in the following decades --with its revision, exercised from the teaching practice and research itself-- opened an outstanding stage, in full political transition, of an intergenerational nature, in which it is worth underlining the role played by the relevant presence of women, in such a context of sculptural creativity. In the present work, the trajectory of the sculptress Mau Monleón Pradas (Valencia, 1965), both in her transmedia artistic production, and in her diversified socio-political action, is taken as the guiding thread of this transdisciplinary phenomenon and of vindictive commitment. assuming the gender perspective, as a lever arm of its plural investigative development and influential aesthetic activity., La escultura valenciana de los ochenta y en décadas siguientes --con su revisión, ejercitada desde la propia práctica e investigación docente-- abrió una etapa destacada, en plena transición política, de carácter intergeneracional, en la que cabe subrayar el papel desempeñado por la relevante presencia de la mujer, en tal contexto de creatividad escultórica. En el presente trabajo, se toma como hilo conductor, de ese fenómeno transdisciplinar y de compromiso reivindicativo, la trayectoria de la escultora Mau Monleón Pradas (Valencia, 1965), tanto en su producción artística transmedia, como en su diversificada acción socio-política, asumiendo la perspectiva de género, en calidad de brazo de palanca de su plural desarrollo investigador e influyente actividad estética.

[ES] El proyecto de trabajo de fin de master Tiempo Migrante: espacios intermedios creados en el trayecto es una video instalación interactiva que reflexiona sobre aspectos de la migración internacional contemporánea. Las migraciones internacionales, específicamente los desplazamientos desde el sur global al norte global o desde la periferia a los centros globales, son controladas, restringidas y normativizadas por un orden político, económico y jurídico. Este control busca el reforzamiento de las fronteras de los Estados-nación otorgando el privilegio del libre transito a unos y negándoselo a otros, de tal manera que el derecho de migrar no es igual para todos los sujetos en el mundo globalizado. Las experiencias migratorias no solo se nutren de experiencias entre el origen y el destino, sino también de los legados coloniales de ambos países que posicionan a los sujetos migrantes en una jerarquía, entre migrantes ¿modelos¿ y migrantes ¿problemáticos¿. Estos legados coloniales de pensamiento se cristalizan en mecanismos de control y regulaciones estatales contemporáneos que se ejercen sobre los cuerpos racializados. Las experiencias más visibles de estos casos, pero no las únicas, son las restricciones fronterizas sobre el libre tránsito, los permisos de entrada, de residencia o de trabajo. Restricciones que funcionan como dilatadores de los procesos de reorganización de la vida social de los migrantes. Mientras los migrantes se encuentran en la búsqueda de posibilidades más estables de vida, las restricciones y los procesos burocráticos, ejercen en los sujetos una inestabilidad y contribuyen a un desajuste de la experiencia temporal. En esta temporalidad migrante hay una cierta violencia en esos momentos, que priva a los sujetos de su hábitat temporal. Hay un desvanecimiento de los marcos temporales a los que se acostumbra a organizar la vida cotidiana. De tal manera que, el migrante es despojado de la homogeneidad colectiva estandarizada del tiempo cotidiano. El t, [EN] The master's final project Migrant Time: intermediate spaces created along the way is an interactive video installation that reflects on some aspects of contemporary international migration. International migrations, specifically from the global south to the global north or from the periphery to global centers, are controlled, restricted and standardized by a political, economic and legal order. This control seeks to reinforce the borders of nation-states, granting the privilege of free transit to some and denying it to others, in such a way that the right to migrate is not the same for all subjects in the globalized world. Migratory experiences are not only nourished by experiences between origin and destination, but also by the colonial legacies of both countries that position migrant subjects in a hierarchy, between "model" migrants and "problematic" migrants. These colonial legacies of thought crystallize into contemporary state regulation and control mechanisms that are exerted over racialized bodies. The most visible experiences of these cases, but not the only ones, are border restrictions on free movement, entry, residence or work permits. Restrictions that function as dilators of the reorganization of the social life of migrants. While migrants are in search of more stable life possibilities, restrictions and bureaucratic processes exert in the subjects an instability and a misalignment of temporal experience. In this migrant temporality there is a certain violence in those moments, which deprives the subjects of their temporary habitat. There is a fading of the time frames to which it is it is used to organize daily life. In such a way that the migrant is stripped of the standardized collective homogeneity of everyday time. The migrant time, constructed as a concept and axis of the research, is the condensation of multiple time, modified and deformed in different ways. Migrant time is in itself a heterogeneous time, an experience that can be simultane

[ES] Desaparecidas, es una propuesta instalativa que denuncia las desapariciones de mujeres y los feminicidios en México, conjugando elementos escultóricos y audiovisuales, todo ello desde la poética del arte contemporáneo. Examinando referentes teóricos como Zygmunt Bauman o Irene Ballester, y artistas Mexicanas tales como: Lorena Wolffer, Mónica Mayer, Lourdes Grobet, y en el área de la videoinstalación, Ambra Polidori y Elina Chauvet. La propuesta DESAPARECIDAS, pretende crear un espacio de reflexión sobre la violencia de género en México, abordada desde el ámbito social y artístico. Así, a partir de una metodología cualitativa, de investigación de los contextos: geo-económico, político-social, estructurales y situacionales. El planteamiento general de la obra gira alrededor de la situación de indefensión que sufre la mujer mexicana frente a la violencia, en una sociedad eminentemente patriarcal. La hipótesis de esta investigación pretende demostrar la importancia del arte y de la videoinstalación como herramienta y estrategia discursiva para visibilizar y denunciar la problemática de la violencia en la sociedad. La instalación Desaparecidas, se compone de un conjunto de 45 máscaras escultóricas representando a la mujer anónima. La obra se completa con la proyección de dos videos que también muestran la imagen de una mujer asfixiada, en el contexto de la ciudad y el paisaje de México. En definitiva esta instalación pretende concienciar al espectador y ejercer una mirada crítica ante la problemática de la violencia de género y los arquetipos patriarcales enraizados en nuestra sociedad, una representación metafórica de la memoria de las víctimas., [EN] Missing, it is an installation proposal that denounces the disappearances of women and femicide in Mexico, combining sculptural and audiovisual elements, all from the poetics of contemporary art. Examining theoretical references such as Zygmunt Bauman or Irene Ballester, and artists Mexican women such as Lorena Wolffer, Mónica Mayer, Lourdes Grobet, and in the area of video installation, Ambra Polidori and Elina Chauvet. The Missing proposal aims to create a space for reflection on gender violence in Mexico, addressed from the social and artistic field. Thus, based on a qualitative methodology, for the investigation of contexts: geo-economic, political-social, structural and situational. The general approach of the work revolves around the situation of helplessness that Mexican women suffer in the face of violence, in an eminently patriarchal society. The hypothesis of this research aims to demonstrate the importance of art and video installation as a tool and discursive strategy to make visible and denounce the problem of violence in society. The Missing installation consists of a set of 45 sculptural masks representing the anonymous woman. The work is completed with the projection of two videos that also show the image of a suffocated woman, in the context of the city and the landscape of Mexico. In short, this installation aims to raise awareness among the viewer and exercise a critical look at the problem of gender violence and the patriarchal archetypes rooted in our society, a metaphorical representation of the victims' memory.

[ES] El proyecto de trabajo de fin de master Tiempo Migrante: espacios intermedios creados en el trayecto es una video instalación interactiva que reflexiona sobre aspectos de la migración internacional contemporánea. Las migraciones internacionales, específicamente los desplazamientos desde el sur global al norte global o desde la periferia a los centros globales, son controladas, restringidas y normativizadas por un orden político, económico y jurídico. Este control busca el reforzamiento de las fronteras de los Estados-nación otorgando el privilegio del libre transito a unos y negándoselo a otros, de tal manera que el derecho de migrar no es igual para todos los sujetos en el mundo globalizado. Las experiencias migratorias no solo se nutren de experiencias entre el origen y el destino, sino también de los legados coloniales de ambos países que posicionan a los sujetos migrantes en una jerarquía, entre migrantes ¿modelos¿ y migrantes ¿problemáticos¿. Estos legados coloniales de pensamiento se cristalizan en mecanismos de control y regulaciones estatales contemporáneos que se ejercen sobre los cuerpos racializados. Las experiencias más visibles de estos casos, pero no las únicas, son las restricciones fronterizas sobre el libre tránsito, los permisos de entrada, de residencia o de trabajo. Restricciones que funcionan como dilatadores de los procesos de reorganización de la vida social de los migrantes. Mientras los migrantes se encuentran en la búsqueda de posibilidades más estables de vida, las restricciones y los procesos burocráticos, ejercen en los sujetos una inestabilidad y contribuyen a un desajuste de la experiencia temporal. En esta temporalidad migrante hay una cierta violencia en esos momentos, que priva a los sujetos de su hábitat temporal. Hay un desvanecimiento de los marcos temporales a los que se acostumbra a organizar la vida cotidiana. De tal manera que, el migrante es despojado de la homogeneidad colectiva estandarizada del tiempo cotidiano. El t, [EN] The master's final project Migrant Time: intermediate spaces created along the way is an interactive video installation that reflects on some aspects of contemporary international migration. International migrations, specifically from the global south to the global north or from the periphery to global centers, are controlled, restricted and standardized by a political, economic and legal order. This control seeks to reinforce the borders of nation-states, granting the privilege of free transit to some and denying it to others, in such a way that the right to migrate is not the same for all subjects in the globalized world. Migratory experiences are not only nourished by experiences between origin and destination, but also by the colonial legacies of both countries that position migrant subjects in a hierarchy, between "model" migrants and "problematic" migrants. These colonial legacies of thought crystallize into contemporary state regulation and control mechanisms that are exerted over racialized bodies. The most visible experiences of these cases, but not the only ones, are border restrictions on free movement, entry, residence or work permits. Restrictions that function as dilators of the reorganization of the social life of migrants. While migrants are in search of more stable life possibilities, restrictions and bureaucratic processes exert in the subjects an instability and a misalignment of temporal experience. In this migrant temporality there is a certain violence in those moments, which deprives the subjects of their temporary habitat. There is a fading of the time frames to which it is it is used to organize daily life. In such a way that the migrant is stripped of the standardized collective homogeneity of everyday time. The migrant time, constructed as a concept and axis of the research, is the condensation of multiple time, modified and deformed in different ways. Migrant time is in itself a heterogeneous time, an experience that can be simultane

[ES] Desaparecidas, es una propuesta instalativa que denuncia las desapariciones de mujeres y los feminicidios en México, conjugando elementos escultóricos y audiovisuales, todo ello desde la poética del arte contemporáneo. Examinando referentes teóricos como Zygmunt Bauman o Irene Ballester, y artistas Mexicanas tales como: Lorena Wolffer, Mónica Mayer, Lourdes Grobet, y en el área de la videoinstalación, Ambra Polidori y Elina Chauvet. La propuesta DESAPARECIDAS, pretende crear un espacio de reflexión sobre la violencia de género en México, abordada desde el ámbito social y artístico. Así, a partir de una metodología cualitativa, de investigación de los contextos: geo-económico, político-social, estructurales y situacionales. El planteamiento general de la obra gira alrededor de la situación de indefensión que sufre la mujer mexicana frente a la violencia, en una sociedad eminentemente patriarcal. La hipótesis de esta investigación pretende demostrar la importancia del arte y de la videoinstalación como herramienta y estrategia discursiva para visibilizar y denunciar la problemática de la violencia en la sociedad. La instalación Desaparecidas, se compone de un conjunto de 45 máscaras escultóricas representando a la mujer anónima. La obra se completa con la proyección de dos videos que también muestran la imagen de una mujer asfixiada, en el contexto de la ciudad y el paisaje de México. En definitiva esta instalación pretende concienciar al espectador y ejercer una mirada crítica ante la problemática de la violencia de género y los arquetipos patriarcales enraizados en nuestra sociedad, una representación metafórica de la memoria de las víctimas., [EN] Missing, it is an installation proposal that denounces the disappearances of women and femicide in Mexico, combining sculptural and audiovisual elements, all from the poetics of contemporary art. Examining theoretical references such as Zygmunt Bauman or Irene Ballester, and artists Mexican women such as Lorena Wolffer, Mónica Mayer, Lourdes Grobet, and in the area of video installation, Ambra Polidori and Elina Chauvet. The Missing proposal aims to create a space for reflection on gender violence in Mexico, addressed from the social and artistic field. Thus, based on a qualitative methodology, for the investigation of contexts: geo-economic, political-social, structural and situational. The general approach of the work revolves around the situation of helplessness that Mexican women suffer in the face of violence, in an eminently patriarchal society. The hypothesis of this research aims to demonstrate the importance of art and video installation as a tool and discursive strategy to make visible and denounce the problem of violence in society. The Missing installation consists of a set of 45 sculptural masks representing the anonymous woman. The work is completed with the projection of two videos that also show the image of a suffocated woman, in the context of the city and the landscape of Mexico. In short, this installation aims to raise awareness among the viewer and exercise a critical look at the problem of gender violence and the patriarchal archetypes rooted in our society, a metaphorical representation of the victims' memory.

[ES] Desaparecidas, es una propuesta instalativa que denuncia las desapariciones de mujeres y los feminicidios en México, conjugando elementos escultóricos y audiovisuales, todo ello desde la poética del arte contemporáneo. Examinando referentes teóricos como Zygmunt Bauman o Irene Ballester, y artistas Mexicanas tales como: Lorena Wolffer, Mónica Mayer, Lourdes Grobet, y en el área de la videoinstalación, Ambra Polidori y Elina Chauvet. La propuesta DESAPARECIDAS, pretende crear un espacio de reflexión sobre la violencia de género en México, abordada desde el ámbito social y artístico. Así, a partir de una metodología cualitativa, de investigación de los contextos: geo-económico, político-social, estructurales y situacionales. El planteamiento general de la obra gira alrededor de la situación de indefensión que sufre la mujer mexicana frente a la violencia, en una sociedad eminentemente patriarcal. La hipótesis de esta investigación pretende demostrar la importancia del arte y de la videoinstalación como herramienta y estrategia discursiva para visibilizar y denunciar la problemática de la violencia en la sociedad. La instalación Desaparecidas, se compone de un conjunto de 45 máscaras escultóricas representando a la mujer anónima. La obra se completa con la proyección de dos videos que también muestran la imagen de una mujer asfixiada, en el contexto de la ciudad y el paisaje de México. En definitiva esta instalación pretende concienciar al espectador y ejercer una mirada crítica ante la problemática de la violencia de género y los arquetipos patriarcales enraizados en nuestra sociedad, una representación metafórica de la memoria de las víctimas., [EN] Missing, it is an installation proposal that denounces the disappearances of women and femicide in Mexico, combining sculptural and audiovisual elements, all from the poetics of contemporary art. Examining theoretical references such as Zygmunt Bauman or Irene Ballester, and artists Mexican women such as Lorena Wolffer, Mónica Mayer, Lourdes Grobet, and in the area of video installation, Ambra Polidori and Elina Chauvet. The Missing proposal aims to create a space for reflection on gender violence in Mexico, addressed from the social and artistic field. Thus, based on a qualitative methodology, for the investigation of contexts: geo-economic, political-social, structural and situational. The general approach of the work revolves around the situation of helplessness that Mexican women suffer in the face of violence, in an eminently patriarchal society. The hypothesis of this research aims to demonstrate the importance of art and video installation as a tool and discursive strategy to make visible and denounce the problem of violence in society. The Missing installation consists of a set of 45 sculptural masks representing the anonymous woman. The work is completed with the projection of two videos that also show the image of a suffocated woman, in the context of the city and the landscape of Mexico. In short, this installation aims to raise awareness among the viewer and exercise a critical look at the problem of gender violence and the patriarchal archetypes rooted in our society, a metaphorical representation of the victims' memory.

[ES] El proyecto de trabajo de fin de master Tiempo Migrante: espacios intermedios creados en el trayecto es una video instalación interactiva que reflexiona sobre aspectos de la migración internacional contemporánea. Las migraciones internacionales, específicamente los desplazamientos desde el sur global al norte global o desde la periferia a los centros globales, son controladas, restringidas y normativizadas por un orden político, económico y jurídico. Este control busca el reforzamiento de las fronteras de los Estados-nación otorgando el privilegio del libre transito a unos y negándoselo a otros, de tal manera que el derecho de migrar no es igual para todos los sujetos en el mundo globalizado. Las experiencias migratorias no solo se nutren de experiencias entre el origen y el destino, sino también de los legados coloniales de ambos países que posicionan a los sujetos migrantes en una jerarquía, entre migrantes ¿modelos¿ y migrantes ¿problemáticos¿. Estos legados coloniales de pensamiento se cristalizan en mecanismos de control y regulaciones estatales contemporáneos que se ejercen sobre los cuerpos racializados. Las experiencias más visibles de estos casos, pero no las únicas, son las restricciones fronterizas sobre el libre tránsito, los permisos de entrada, de residencia o de trabajo. Restricciones que funcionan como dilatadores de los procesos de reorganización de la vida social de los migrantes. Mientras los migrantes se encuentran en la búsqueda de posibilidades más estables de vida, las restricciones y los procesos burocráticos, ejercen en los sujetos una inestabilidad y contribuyen a un desajuste de la experiencia temporal. En esta temporalidad migrante hay una cierta violencia en esos momentos, que priva a los sujetos de su hábitat temporal. Hay un desvanecimiento de los marcos temporales a los que se acostumbra a organizar la vida cotidiana. De tal manera que, el migrante es despojado de la homogeneidad colectiva estandarizada del tiempo cotidiano. El t, [EN] The master's final project Migrant Time: intermediate spaces created along the way is an interactive video installation that reflects on some aspects of contemporary international migration. International migrations, specifically from the global south to the global north or from the periphery to global centers, are controlled, restricted and standardized by a political, economic and legal order. This control seeks to reinforce the borders of nation-states, granting the privilege of free transit to some and denying it to others, in such a way that the right to migrate is not the same for all subjects in the globalized world. Migratory experiences are not only nourished by experiences between origin and destination, but also by the colonial legacies of both countries that position migrant subjects in a hierarchy, between "model" migrants and "problematic" migrants. These colonial legacies of thought crystallize into contemporary state regulation and control mechanisms that are exerted over racialized bodies. The most visible experiences of these cases, but not the only ones, are border restrictions on free movement, entry, residence or work permits. Restrictions that function as dilators of the reorganization of the social life of migrants. While migrants are in search of more stable life possibilities, restrictions and bureaucratic processes exert in the subjects an instability and a misalignment of temporal experience. In this migrant temporality there is a certain violence in those moments, which deprives the subjects of their temporary habitat. There is a fading of the time frames to which it is it is used to organize daily life. In such a way that the migrant is stripped of the standardized collective homogeneity of everyday time. The migrant time, constructed as a concept and axis of the research, is the condensation of multiple time, modified and deformed in different ways. Migrant time is in itself a heterogeneous time, an experience that can be simultane

[ES] El proyecto de trabajo de fin de master Tiempo Migrante: espacios intermedios creados en el trayecto es una video instalación interactiva que reflexiona sobre aspectos de la migración internacional contemporánea. Las migraciones internacionales, específicamente los desplazamientos desde el sur global al norte global o desde la periferia a los centros globales, son controladas, restringidas y normativizadas por un orden político, económico y jurídico. Este control busca el reforzamiento de las fronteras de los Estados-nación otorgando el privilegio del libre transito a unos y negándoselo a otros, de tal manera que el derecho de migrar no es igual para todos los sujetos en el mundo globalizado. Las experiencias migratorias no solo se nutren de experiencias entre el origen y el destino, sino también de los legados coloniales de ambos países que posicionan a los sujetos migrantes en una jerarquía, entre migrantes ¿modelos¿ y migrantes ¿problemáticos¿. Estos legados coloniales de pensamiento se cristalizan en mecanismos de control y regulaciones estatales contemporáneos que se ejercen sobre los cuerpos racializados. Las experiencias más visibles de estos casos, pero no las únicas, son las restricciones fronterizas sobre el libre tránsito, los permisos de entrada, de residencia o de trabajo. Restricciones que funcionan como dilatadores de los procesos de reorganización de la vida social de los migrantes. Mientras los migrantes se encuentran en la búsqueda de posibilidades más estables de vida, las restricciones y los procesos burocráticos, ejercen en los sujetos una inestabilidad y contribuyen a un desajuste de la experiencia temporal. En esta temporalidad migrante hay una cierta violencia en esos momentos, que priva a los sujetos de su hábitat temporal. Hay un desvanecimiento de los marcos temporales a los que se acostumbra a organizar la vida cotidiana. De tal manera que, el migrante es despojado de la homogeneidad colectiva estandarizada del tiempo cotidiano. El t, [EN] The master's final project Migrant Time: intermediate spaces created along the way is an interactive video installation that reflects on some aspects of contemporary international migration. International migrations, specifically from the global south to the global north or from the periphery to global centers, are controlled, restricted and standardized by a political, economic and legal order. This control seeks to reinforce the borders of nation-states, granting the privilege of free transit to some and denying it to others, in such a way that the right to migrate is not the same for all subjects in the globalized world. Migratory experiences are not only nourished by experiences between origin and destination, but also by the colonial legacies of both countries that position migrant subjects in a hierarchy, between "model" migrants and "problematic" migrants. These colonial legacies of thought crystallize into contemporary state regulation and control mechanisms that are exerted over racialized bodies. The most visible experiences of these cases, but not the only ones, are border restrictions on free movement, entry, residence or work permits. Restrictions that function as dilators of the reorganization of the social life of migrants. While migrants are in search of more stable life possibilities, restrictions and bureaucratic processes exert in the subjects an instability and a misalignment of temporal experience. In this migrant temporality there is a certain violence in those moments, which deprives the subjects of their temporary habitat. There is a fading of the time frames to which it is it is used to organize daily life. In such a way that the migrant is stripped of the standardized collective homogeneity of everyday time. The migrant time, constructed as a concept and axis of the research, is the condensation of multiple time, modified and deformed in different ways. Migrant time is in itself a heterogeneous time, an experience that can be simultane

[ES] Desaparecidas, es una propuesta instalativa que denuncia las desapariciones de mujeres y los feminicidios en México, conjugando elementos escultóricos y audiovisuales, todo ello desde la poética del arte contemporáneo. Examinando referentes teóricos como Zygmunt Bauman o Irene Ballester, y artistas Mexicanas tales como: Lorena Wolffer, Mónica Mayer, Lourdes Grobet, y en el área de la videoinstalación, Ambra Polidori y Elina Chauvet. La propuesta DESAPARECIDAS, pretende crear un espacio de reflexión sobre la violencia de género en México, abordada desde el ámbito social y artístico. Así, a partir de una metodología cualitativa, de investigación de los contextos: geo-económico, político-social, estructurales y situacionales. El planteamiento general de la obra gira alrededor de la situación de indefensión que sufre la mujer mexicana frente a la violencia, en una sociedad eminentemente patriarcal. La hipótesis de esta investigación pretende demostrar la importancia del arte y de la videoinstalación como herramienta y estrategia discursiva para visibilizar y denunciar la problemática de la violencia en la sociedad. La instalación Desaparecidas, se compone de un conjunto de 45 máscaras escultóricas representando a la mujer anónima. La obra se completa con la proyección de dos videos que también muestran la imagen de una mujer asfixiada, en el contexto de la ciudad y el paisaje de México. En definitiva esta instalación pretende concienciar al espectador y ejercer una mirada crítica ante la problemática de la violencia de género y los arquetipos patriarcales enraizados en nuestra sociedad, una representación metafórica de la memoria de las víctimas., [EN] Missing, it is an installation proposal that denounces the disappearances of women and femicide in Mexico, combining sculptural and audiovisual elements, all from the poetics of contemporary art. Examining theoretical references such as Zygmunt Bauman or Irene Ballester, and artists Mexican women such as Lorena Wolffer, Mónica Mayer, Lourdes Grobet, and in the area of video installation, Ambra Polidori and Elina Chauvet. The Missing proposal aims to create a space for reflection on gender violence in Mexico, addressed from the social and artistic field. Thus, based on a qualitative methodology, for the investigation of contexts: geo-economic, political-social, structural and situational. The general approach of the work revolves around the situation of helplessness that Mexican women suffer in the face of violence, in an eminently patriarchal society. The hypothesis of this research aims to demonstrate the importance of art and video installation as a tool and discursive strategy to make visible and denounce the problem of violence in society. The Missing installation consists of a set of 45 sculptural masks representing the anonymous woman. The work is completed with the projection of two videos that also show the image of a suffocated woman, in the context of the city and the landscape of Mexico. In short, this installation aims to raise awareness among the viewer and exercise a critical look at the problem of gender violence and the patriarchal archetypes rooted in our society, a metaphorical representation of the victims' memory.

[EN] The present Master’s dissertation addresses the new forms of politicization and collective production, being carried out by citizens during these years of institutional and political crisis. Moreover, this work examines the concept of expanded documentary analyzing its features and a series of references. The practical part of the work is based on the realization of an expanded documentary about the community development project Orriols Convive, carried out in the neighborhood of Orriols in Valencia. It is presented here as an exemplary model of such forms which have the common as identity seal, in opposition to the neo-liberal logic., [ES] El presente trabajo de fin de master aborda las nuevas formas de politización y de producción colectiva que se están llevando a cabo desde la ciudadanía durante estos años de crisis institucional y política. Además, este estudio examina el concepto de documental expandido analizando sus características y una serie de referentes. La parte práctica del trabajo se basa en la realización de un documental expandido sobre el proyecto de desarrollo comunitario Orriols Convive, que se lleva a cabo en el barrio de Orriols de Valencia, presentado como modelo ejemplificador de dichas formas que tienen el común como sello de identidad y que se oponen a la lógica neoliberal.

[EN] The present Master’s dissertation addresses the new forms of politicization and collective production, being carried out by citizens during these years of institutional and political crisis. Moreover, this work examines the concept of expanded documentary analyzing its features and a series of references. The practical part of the work is based on the realization of an expanded documentary about the community development project Orriols Convive, carried out in the neighborhood of Orriols in Valencia. It is presented here as an exemplary model of such forms which have the common as identity seal, in opposition to the neo-liberal logic., [ES] El presente trabajo de fin de master aborda las nuevas formas de politización y de producción colectiva que se están llevando a cabo desde la ciudadanía durante estos años de crisis institucional y política. Además, este estudio examina el concepto de documental expandido analizando sus características y una serie de referentes. La parte práctica del trabajo se basa en la realización de un documental expandido sobre el proyecto de desarrollo comunitario Orriols Convive, que se lleva a cabo en el barrio de Orriols de Valencia, presentado como modelo ejemplificador de dichas formas que tienen el común como sello de identidad y que se oponen a la lógica neoliberal.

[EN] The present Master’s dissertation addresses the new forms of politicization and collective production, being carried out by citizens during these years of institutional and political crisis. Moreover, this work examines the concept of expanded documentary analyzing its features and a series of references. The practical part of the work is based on the realization of an expanded documentary about the community development project Orriols Convive, carried out in the neighborhood of Orriols in Valencia. It is presented here as an exemplary model of such forms which have the common as identity seal, in opposition to the neo-liberal logic., [ES] El presente trabajo de fin de master aborda las nuevas formas de politización y de producción colectiva que se están llevando a cabo desde la ciudadanía durante estos años de crisis institucional y política. Además, este estudio examina el concepto de documental expandido analizando sus características y una serie de referentes. La parte práctica del trabajo se basa en la realización de un documental expandido sobre el proyecto de desarrollo comunitario Orriols Convive, que se lleva a cabo en el barrio de Orriols de Valencia, presentado como modelo ejemplificador de dichas formas que tienen el común como sello de identidad y que se oponen a la lógica neoliberal.

El punto de partida cognitivo en la obra video escultórica del artista holandés Aernout Mik es la utilización del movimiento en efecto Doppler, la división de la pantalla en dos planos, la pausa y la repetición de las imágenes plagadas de cuerpos en multitud, en pro de crear en el interactor una percepción volumétrica y agobiante, porque tan pronto como entramos en uno de estos lugares es evidente el derrumbamiento del orden social que ellas proyectan, al mismo tiempo que sustrae de ellas cualquier sonido, como mecanismo de representación de un pensamiento político (vigilar y castigar) que nos enseña cómo entender las cosas, aún cuando éstas se muestran sin voz.Muchos de estos lugares museisables parecen esculpidos premeditadamente en pro del espectador, la disposición espacial de las imágenes a través de las pantallas ubicadas en contacto constante con el suelo, propician un recorrido que se plantea de ida y vuelta, al constituir un escenario imaginario que se crea con la acción de caminarlo. De esa manera, el intercambio recíproco del público y la obra hacen parte de la apuesta curatorial, dado que al recorrer la creación artística se generan sombras y cambios de luz efectuados por los cuerpos en interacción con las imágenes, lo que se constituye en elemento fundamental del montaje y la repercusión que produce ese hecho sobre el espacio expositivo.La posibilidad de leer la obra de Mik desde la propuesta biopolítica foucaultiana es una herramienta potente para examinar cómo se presenta de manera escenificada aquello que no es un juego (ficción) del todo, ni violencia real radical, sino más bien mecanismos abstractos del funcionamiento del poder, representados a través de una propuesta de estalación video gráfica con intensiones curatoriales cercanas al montaje escultórico, y que proyecta incisivamente cuerpos que actúan como organismos infectados en una zona gris entre los humano y lo animal; cuatro de sus obras más características bajo esta concepción del artista

El punto de partida cognitivo en la obra video escultórica del artista holandés Aernout Mik es la utilización del movimiento en efecto Doppler, la división de la pantalla en dos planos, la pausa y la repetición de las imágenes plagadas de cuerpos en multitud, en pro de crear en el interactor una percepción volumétrica y agobiante, porque tan pronto como entramos en uno de estos lugares es evidente el derrumbamiento del orden social que ellas proyectan, al mismo tiempo que sustrae de ellas cualquier sonido, como mecanismo de representación de un pensamiento político (vigilar y castigar) que nos enseña cómo entender las cosas, aún cuando éstas se muestran sin voz.Muchos de estos lugares museisables parecen esculpidos premeditadamente en pro del espectador, la disposición espacial de las imágenes a través de las pantallas ubicadas en contacto constante con el suelo, propician un recorrido que se plantea de ida y vuelta, al constituir un escenario imaginario que se crea con la acción de caminarlo. De esa manera, el intercambio recíproco del público y la obra hacen parte de la apuesta curatorial, dado que al recorrer la creación artística se generan sombras y cambios de luz efectuados por los cuerpos en interacción con las imágenes, lo que se constituye en elemento fundamental del montaje y la repercusión que produce ese hecho sobre el espacio expositivo.La posibilidad de leer la obra de Mik desde la propuesta biopolítica foucaultiana es una herramienta potente para examinar cómo se presenta de manera escenificada aquello que no es un juego (ficción) del todo, ni violencia real radical, sino más bien mecanismos abstractos del funcionamiento del poder, representados a través de una propuesta de estalación video gráfica con intensiones curatoriales cercanas al montaje escultórico, y que proyecta incisivamente cuerpos que actúan como organismos infectados en una zona gris entre los humano y lo animal; cuatro de sus obras más características bajo esta concepción del artista

El punto de partida cognitivo en la obra video escultórica del artista holandés Aernout Mik es la utilización del movimiento en efecto Doppler, la división de la pantalla en dos planos, la pausa y la repetición de las imágenes plagadas de cuerpos en multitud, en pro de crear en el interactor una percepción volumétrica y agobiante, porque tan pronto como entramos en uno de estos lugares es evidente el derrumbamiento del orden social que ellas proyectan, al mismo tiempo que sustrae de ellas cualquier sonido, como mecanismo de representación de un pensamiento político (vigilar y castigar) que nos enseña cómo entender las cosas, aún cuando éstas se muestran sin voz.Muchos de estos lugares museisables parecen esculpidos premeditadamente en pro del espectador, la disposición espacial de las imágenes a través de las pantallas ubicadas en contacto constante con el suelo, propician un recorrido que se plantea de ida y vuelta, al constituir un escenario imaginario que se crea con la acción de caminarlo. De esa manera, el intercambio recíproco del público y la obra hacen parte de la apuesta curatorial, dado que al recorrer la creación artística se generan sombras y cambios de luz efectuados por los cuerpos en interacción con las imágenes, lo que se constituye en elemento fundamental del montaje y la repercusión que produce ese hecho sobre el espacio expositivo.La posibilidad de leer la obra de Mik desde la propuesta biopolítica foucaultiana es una herramienta potente para examinar cómo se presenta de manera escenificada aquello que no es un juego (ficción) del todo, ni violencia real radical, sino más bien mecanismos abstractos del funcionamiento del poder, representados a través de una propuesta de estalación video gráfica con intensiones curatoriales cercanas al montaje escultórico, y que proyecta incisivamente cuerpos que actúan como organismos infectados en una zona gris entre los humano y lo animal; cuatro de sus obras más características bajo esta concepción del artista

El punto de partida cognitivo en la obra video escultórica del artista holandés Aernout Mik es la utilización del movimiento en efecto Doppler, la división de la pantalla en dos planos, la pausa y la repetición de las imágenes plagadas de cuerpos en multitud, en pro de crear en el interactor una percepción volumétrica y agobiante, porque tan pronto como entramos en uno de estos lugares es evidente el derrumbamiento del orden social que ellas proyectan, al mismo tiempo que sustrae de ellas cualquier sonido, como mecanismo de representación de un pensamiento político (vigilar y castigar) que nos enseña cómo entender las cosas, aún cuando éstas se muestran sin voz.Muchos de estos lugares museisables parecen esculpidos premeditadamente en pro del espectador, la disposición espacial de las imágenes a través de las pantallas ubicadas en contacto constante con el suelo, propician un recorrido que se plantea de ida y vuelta, al constituir un escenario imaginario que se crea con la acción de caminarlo. De esa manera, el intercambio recíproco del público y la obra hacen parte de la apuesta curatorial, dado que al recorrer la creación artística se generan sombras y cambios de luz efectuados por los cuerpos en interacción con las imágenes, lo que se constituye en elemento fundamental del montaje y la repercusión que produce ese hecho sobre el espacio expositivo.La posibilidad de leer la obra de Mik desde la propuesta biopolítica foucaultiana es una herramienta potente para examinar cómo se presenta de manera escenificada aquello que no es un juego (ficción) del todo, ni violencia real radical, sino más bien mecanismos abstractos del funcionamiento del poder, representados a través de una propuesta de estalación video gráfica con intensiones curatoriales cercanas al montaje escultórico, y que proyecta incisivamente cuerpos que actúan como organismos infectados en una zona gris entre los humano y lo animal; cuatro de sus obras más características bajo esta concepción del artista

This paper analyses the time and the collective memory of the moving image and its manipulation as conceptual resource in the work of Stan Douglas. The analysis is based on the specific characteristics of the type of artistic production of the new time-based media, i.e. those artworks that rely on technology and the temporal duration as interpretive dimension. In the specific case of Stan Douglas we set a dialectical discussion of collective memories and technological obsolescence visual media such as television and cinema, in order to represent the culture and performance of memory. Thus in the first section we delve into one of his feature works, a representation of a city in crisis Le Detroit, representing the failed utopia. We analyse a second work Inconsolable Memories as a rewriting of memory and recombination of historical narratives and collective memory in cinema. In the last analysed work Monodramas, one of his first works on media, it is stand out the speculation and the setback of the reception of mass media such as television, El presente texto analiza la temporalidad, el imaginario colectivo y la memoria de la imagen en movimiento y su manipulación como recurso conceptual en la obra de Stan Douglas. El análisis se fundamenta en las características específicas del tipo de producción artística de los nuevos medios basados en el tiempo, es decir, aquellas obras de arte que dependen de la tecnología y la duración temporal como dimensión interpretativa. Y en el caso específico de Stan Douglas en el debate dialéctico de las memorias colectivas y la obsolescencia de los medios tecnológicos visuales como el cine y la televisión para representar la cultura como espectáculo de la memoria. Así en un primer apartado, ahondamos en una de sus obras características de la representación de una ciudad en crisis Le Detroit, representando la utopía fracasada. Se analiza una segunda obra Inconsolable Memories como una rescritura de la memoria, la recombinación de narrativas históricas y de la memoria colectiva en el cine. En la última obra analizada, Monodramas, una de sus primeras obras sobre los medios de comunicación, se destaca la especulación y el contratiempo de la recepción de los medios de masas como es la televisión

El presente texto analiza la temporalidad de la imagen en movimiento y su manipulación como recurso conceptual en la obra de Doug Aitken. El análisis se fundamenta en las características específicas del tipo de producción artística de los nuevos medios basados en el tiempo, es decir, aquellas obras de arte que dependen de la tecnología y la duración temporal como dimensión interpretativa y en el caso específico de Doug Aitken en la contextualización urbana. La intención de este artículo es reflexionar y debatir el tiempo visual, el ritmo y el contexto generado en la obra audiovisual de Aitken y exponer las narrativas envolventes y fragmentarias que desvelan sus constructos visuales geopolíticos. Así, en un primer momento se explora la hibridación y la discontinuidad narrativa presente en su obra, para pasar después a analizar la narración visual en base a los ritmos y los tiempos múltiples y cambiantes en el recepción de su obra.

This paper frames the contemporary media emergencies under a new worldview that assumes a paradigm change. He understands the media art as a testimony of contemporary scientific and epistemological theories. Faced with the exponential growth of digital visual mass culture, seeks to establish the difference between the phenomenon of contemporary digital culture industry - reviled by their semantic transparency and purely instrumental value - and the arts mediated by technologies that enable the construction of meaning . Analyzes the impact of the profusion of screens and digital convergence media for the contemporary subject and considers the existence of a new subject that improvises a popular mass media culture. The article proposes as an example, the video installation of the Colombian artist Clemencia Echeverri: Voice, Echoes of the prison (2005), a work that demonstrates the interference of the sound field in contemporary art, enabling both a reflection on the creative subjectivity and place of technological mediation in managing a process of media art. Proposes that art mediated by technology puts a strain on mainstream art criteria, consolidating a new paradigm as emerging aesthetic of contemporary subjectivity., O trabalho enquadra as emergências mediais contemporâneas no marco de uma nova cosmovisão que assume como paradigma ao cambio. Entende à arte medial como testemunha das teorias científicas e epistemológicas contemporâneas. Frente ao crescimento exponencial da cultura visual digital de massas, procura estabelecer a diferença entre o fenômeno da indústria cultural digital contemporânea e as artes mediadas por tecnologias, que habilitam a construção de sentido. Analisa o impacto da profusão de telas e médios para a convergência digital sobre o sujeito contemporâneo e considera a existência de um novo sujeito que improvisa uma cultura audiovisual popular de massas. Propõe como exemplar esse estado da questão, à Vídeo Instalação da artista colombiana Clemência Echeverri: Voz, Ressonâncias da prisão (2005), obra que demonstra a ingerência do campo sonoro na arte contemporânea, habilitando ao mesmo tempo uma reflexão sobre a subjetividade criadora e o lugar da mediação tecnológica na gestão de um processo de arte medial. Propõe que a arte mediada por tecnologias põe em crise critérios da arte majoritária, consolidando um novo paradigma como emergente estético da subjetividade contemporânea., Este trabajo encuadra las emergencias mediales contemporáneas en el marco de una nueva cosmovisión que asume como paradigma al cambio. Entiende al arte medial como testimonio de teorías científicas y epistemológicas contemporáneas. Frente al crecimiento exponencial de la cultura visual digital de masas, busca establecer la diferencia entre el fenómeno de la industria cultural digital contemporánea -denostada por su transparencia semántica y su valor puramente instrumental- y las artes mediadas por tecnologías, que habilitan la construcción del sentido. Analiza el impacto de la profusión de pantallas y medios para la convergencia digital sobre el sujeto contemporáneo y considera la existencia de un nuevo sujeto que improvisa una cultura audiovisual popular de masas. Propone como ejemplar de este estado de la cuestión, a la Video Instalación de la artista colombiana Clemencia Echeverri: Voz, Resonancias de la prisión (2005), obra que demuestra la injerencia del campo sonoro en el arte contemporáneo, habilitando al mismo tiempo una reflexión sobre la subjetividad creadora y el lugar de la mediación tecnológica en la gestión de un proceso de arte medial. Propone que el arte mediado por tecnologías pone en crisis criterios del arte mayoritario, consolidando un nuevo paradigma como emergente estético de la subjetividad contemporánea.

El presente texto analiza la temporalidad de la imagen en movimiento y su manipulación como recurso conceptual en la obra de Doug Aitken. El análisis se fundamenta en las características específicas del tipo de producción artística de los nuevos medios basados en el tiempo, es decir, aquellas obras de arte que dependen de la tecnología y la duración temporal como dimensión interpretativa y en el caso específico de Doug Aitken en la contextualización urbana. La intención de este artículo es reflexionar y debatir el tiempo visual, el ritmo y el contexto generado en la obra audiovisual de Aitken y exponer las narrativas envolventes y fragmentarias que desvelan sus constructos visuales geopolíticos. Así, en un primer momento se explora la hibridación y la discontinuidad narrativa presente en su obra, para pasar después a analizar la narración visual en base a los ritmos y los tiempos múltiples y cambiantes en el recepción de su obra.

This paper analyses the time and the collective memory of the moving image and its manipulation as conceptual resource in the work of Stan Douglas. The analysis is based on the specific characteristics of the type of artistic production of the new time-based media, i.e. those artworks that rely on technology and the temporal duration as interpretive dimension. In the specific case of Stan Douglas we set a dialectical discussion of collective memories and technological obsolescence visual media such as television and cinema, in order to represent the culture and performance of memory. Thus in the first section we delve into one of his feature works, a representation of a city in crisis Le Detroit, representing the failed utopia. We analyse a second work Inconsolable Memories as a rewriting of memory and recombination of historical narratives and collective memory in cinema. In the last analysed work Monodramas, one of his first works on media, it is stand out the speculation and the setback of the reception of mass media such as television, El presente texto analiza la temporalidad, el imaginario colectivo y la memoria de la imagen en movimiento y su manipulación como recurso conceptual en la obra de Stan Douglas. El análisis se fundamenta en las características específicas del tipo de producción artística de los nuevos medios basados en el tiempo, es decir, aquellas obras de arte que dependen de la tecnología y la duración temporal como dimensión interpretativa. Y en el caso específico de Stan Douglas en el debate dialéctico de las memorias colectivas y la obsolescencia de los medios tecnológicos visuales como el cine y la televisión para representar la cultura como espectáculo de la memoria. Así en un primer apartado, ahondamos en una de sus obras características de la representación de una ciudad en crisis Le Detroit, representando la utopía fracasada. Se analiza una segunda obra Inconsolable Memories como una rescritura de la memoria, la recombinación de narrativas históricas y de la memoria colectiva en el cine. En la última obra analizada, Monodramas, una de sus primeras obras sobre los medios de comunicación, se destaca la especulación y el contratiempo de la recepción de los medios de masas como es la televisión

El presente texto analiza la temporalidad de la imagen en movimiento y su manipulación como recurso conceptual en la obra de Doug Aitken. El análisis se fundamenta en las características específicas del tipo de producción artística de los nuevos medios basados en el tiempo, es decir, aquellas obras de arte que dependen de la tecnología y la duración temporal como dimensión interpretativa y en el caso específico de Doug Aitken en la contextualización urbana. La intención de este artículo es reflexionar y debatir el tiempo visual, el ritmo y el contexto generado en la obra audiovisual de Aitken y exponer las narrativas envolventes y fragmentarias que desvelan sus constructos visuales geopolíticos. Así, en un primer momento se explora la hibridación y la discontinuidad narrativa presente en su obra, para pasar después a analizar la narración visual en base a los ritmos y los tiempos múltiples y cambiantes en el recepción de su obra.

El presente texto analiza la temporalidad de la imagen en movimiento y su manipulación como recurso conceptual en la obra de Doug Aitken. El análisis se fundamenta en las características específicas del tipo de producción artística de los nuevos medios basados en el tiempo, es decir, aquellas obras de arte que dependen de la tecnología y la duración temporal como dimensión interpretativa y en el caso específico de Doug Aitken en la contextualización urbana. La intención de este artículo es reflexionar y debatir el tiempo visual, el ritmo y el contexto generado en la obra audiovisual de Aitken y exponer las narrativas envolventes y fragmentarias que desvelan sus constructos visuales geopolíticos. Así, en un primer momento se explora la hibridación y la discontinuidad narrativa presente en su obra, para pasar después a analizar la narración visual en base a los ritmos y los tiempos múltiples y cambiantes en el recepción de su obra.

This paper analyses the time and the collective memory of the moving image and its manipulation as conceptual resource in the work of Stan Douglas. The analysis is based on the specific characteristics of the type of artistic production of the new time-based media, i.e. those artworks that rely on technology and the temporal duration as interpretive dimension. In the specific case of Stan Douglas we set a dialectical discussion of collective memories and technological obsolescence visual media such as television and cinema, in order to represent the culture and performance of memory. Thus in the first section we delve into one of his feature works, a representation of a city in crisis Le Detroit, representing the failed utopia. We analyse a second work Inconsolable Memories as a rewriting of memory and recombination of historical narratives and collective memory in cinema. In the last analysed work Monodramas, one of his first works on media, it is stand out the speculation and the setback of the reception of mass media such as television, El presente texto analiza la temporalidad, el imaginario colectivo y la memoria de la imagen en movimiento y su manipulación como recurso conceptual en la obra de Stan Douglas. El análisis se fundamenta en las características específicas del tipo de producción artística de los nuevos medios basados en el tiempo, es decir, aquellas obras de arte que dependen de la tecnología y la duración temporal como dimensión interpretativa. Y en el caso específico de Stan Douglas en el debate dialéctico de las memorias colectivas y la obsolescencia de los medios tecnológicos visuales como el cine y la televisión para representar la cultura como espectáculo de la memoria. Así en un primer apartado, ahondamos en una de sus obras características de la representación de una ciudad en crisis Le Detroit, representando la utopía fracasada. Se analiza una segunda obra Inconsolable Memories como una rescritura de la memoria, la recombinación de narrativas históricas y de la memoria colectiva en el cine. En la última obra analizada, Monodramas, una de sus primeras obras sobre los medios de comunicación, se destaca la especulación y el contratiempo de la recepción de los medios de masas como es la televisión

This paper analyses the time and the collective memory of the moving image and its manipulation as conceptual resource in the work of Stan Douglas. The analysis is based on the specific characteristics of the type of artistic production of the new time-based media, i.e. those artworks that rely on technology and the temporal duration as interpretive dimension. In the specific case of Stan Douglas we set a dialectical discussion of collective memories and technological obsolescence visual media such as television and cinema, in order to represent the culture and performance of memory. Thus in the first section we delve into one of his feature works, a representation of a city in crisis Le Detroit, representing the failed utopia. We analyse a second work Inconsolable Memories as a rewriting of memory and recombination of historical narratives and collective memory in cinema. In the last analysed work Monodramas, one of his first works on media, it is stand out the speculation and the setback of the reception of mass media such as television, El presente texto analiza la temporalidad, el imaginario colectivo y la memoria de la imagen en movimiento y su manipulación como recurso conceptual en la obra de Stan Douglas. El análisis se fundamenta en las características específicas del tipo de producción artística de los nuevos medios basados en el tiempo, es decir, aquellas obras de arte que dependen de la tecnología y la duración temporal como dimensión interpretativa. Y en el caso específico de Stan Douglas en el debate dialéctico de las memorias colectivas y la obsolescencia de los medios tecnológicos visuales como el cine y la televisión para representar la cultura como espectáculo de la memoria. Así en un primer apartado, ahondamos en una de sus obras características de la representación de una ciudad en crisis Le Detroit, representando la utopía fracasada. Se analiza una segunda obra Inconsolable Memories como una rescritura de la memoria, la recombinación de narrativas históricas y de la memoria colectiva en el cine. En la última obra analizada, Monodramas, una de sus primeras obras sobre los medios de comunicación, se destaca la especulación y el contratiempo de la recepción de los medios de masas como es la televisión

This paper frames the contemporary media emergencies under a new worldview that assumes a paradigm change. He understands the media art as a testimony of contemporary scientific and epistemological theories. Faced with the exponential growth of digital visual mass culture, seeks to establish the difference between the phenomenon of contemporary digital culture industry - reviled by their semantic transparency and purely instrumental value - and the arts mediated by technologies that enable the construction of meaning . Analyzes the impact of the profusion of screens and digital convergence media for the contemporary subject and considers the existence of a new subject that improvises a popular mass media culture. The article proposes as an example, the video installation of the Colombian artist Clemencia Echeverri: Voice, Echoes of the prison (2005), a work that demonstrates the interference of the sound field in contemporary art, enabling both a reflection on the creative subjectivity and place of technological mediation in managing a process of media art. Proposes that art mediated by technology puts a strain on mainstream art criteria, consolidating a new paradigm as emerging aesthetic of contemporary subjectivity., O trabalho enquadra as emergências mediais contemporâneas no marco de uma nova cosmovisão que assume como paradigma ao cambio. Entende à arte medial como testemunha das teorias científicas e epistemológicas contemporâneas. Frente ao crescimento exponencial da cultura visual digital de massas, procura estabelecer a diferença entre o fenômeno da indústria cultural digital contemporânea e as artes mediadas por tecnologias, que habilitam a construção de sentido. Analisa o impacto da profusão de telas e médios para a convergência digital sobre o sujeito contemporâneo e considera a existência de um novo sujeito que improvisa uma cultura audiovisual popular de massas. Propõe como exemplar esse estado da questão, à Vídeo Instalação da artista colombiana Clemência Echeverri: Voz, Ressonâncias da prisão (2005), obra que demonstra a ingerência do campo sonoro na arte contemporânea, habilitando ao mesmo tempo uma reflexão sobre a subjetividade criadora e o lugar da mediação tecnológica na gestão de um processo de arte medial. Propõe que a arte mediada por tecnologias põe em crise critérios da arte majoritária, consolidando um novo paradigma como emergente estético da subjetividade contemporânea., Este trabajo encuadra las emergencias mediales contemporáneas en el marco de una nueva cosmovisión que asume como paradigma al cambio. Entiende al arte medial como testimonio de teorías científicas y epistemológicas contemporáneas. Frente al crecimiento exponencial de la cultura visual digital de masas, busca establecer la diferencia entre el fenómeno de la industria cultural digital contemporánea -denostada por su transparencia semántica y su valor puramente instrumental- y las artes mediadas por tecnologías, que habilitan la construcción del sentido. Analiza el impacto de la profusión de pantallas y medios para la convergencia digital sobre el sujeto contemporáneo y considera la existencia de un nuevo sujeto que improvisa una cultura audiovisual popular de masas. Propone como ejemplar de este estado de la cuestión, a la Video Instalación de la artista colombiana Clemencia Echeverri: Voz, Resonancias de la prisión (2005), obra que demuestra la injerencia del campo sonoro en el arte contemporáneo, habilitando al mismo tiempo una reflexión sobre la subjetividad creadora y el lugar de la mediación tecnológica en la gestión de un proceso de arte medial. Propone que el arte mediado por tecnologías pone en crisis criterios del arte mayoritario, consolidando un nuevo paradigma como emergente estético de la subjetividad contemporánea.

¿Por qué hay una angustia en el presente? ¿ Por qué se siente que lo que ocurre es tedioso? Vivir el presente, ser consciente del momento justo, me genera una gran angustia, porque siento y creo que nada pasa, que lo pasa es tan insignificante que no genera nada en mi.

Vámonos que allá vienen es un proyecto audiovisual que surge de las experiencias de mi madre y mi abuela en su pueblo natal, Anzoátegui. La obra propone, desde el espacio visual y el sonoro, recorridos que parten de los relatos sobre desplazamientos que ellas y los habitantes del pueblo tenían que hacer cuando los bandoleros, a quienes llamaban pájaros, llegaban a atacar el lugar. Son recorridos de su casa a ciertas zonas de refugio, espacios y temporalidades reconstruidas a través de paisajes sonoros y multiplicidad de capas de imagen.

El silencio de las jirafas es un Video inhalación donde el espectador se encuentra con los sonidos de la memoria, de la mía, de la de los pueblos, de las músicas, de los lugares. 3 máquinas de sonido con incrustaciones de vídeo, sumergen al espectador en un ambiente onirico, de recuerdos recreados a partir de sonidos, ambientes y video proyecciones.

En la obra Ouroboros concluyen pasado, presente y futuro: Es el lugar del infinito en el que cada final es un comienzo. El loco hizo este viaje alquímico para enfrentar el horror de lo real: la muerte del padre. Graciasa la pantalla holográfica, a la intervención del Brujo y al empeño de Mago, llegó a la sanación aceptando la pérdida de la materialidad como el nacimiento de lo fantasmagórico. A cada quien le queda identificar su propio Loco, Brujo y Mago para llegar a su propio Ouroboros.

Es la pelea el oso y el hombre para ver quien se convierte en el empleado del mes, para entender como la fábrica convierte a todos los que están en ella en máquinas, cuyo único propósito es trabajar y obtener un producto final.