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Resumo Glauber Rocha realizou o documentário de encomenda Amazonas, Amazonas (1966) após Deus e o diabo na terra do sol (1964), lançando mão novamente de músicas de Villa-Lobos: a peça Uirapuru e Estudos para violão, alguns deles já utilizados em Arraial do Cabo (Paulo Cezar Saraceni e Mário Carneiro, 1959). Destacamos as escolhas musicais e como elas, em conjunção com as imagens e outros elementos sonoros, atuam em Amazonas, Amazonas, tendo em vista as representações da região amazônica, entre mitos, sua desconstrução e evocações do subdesenvolvimento e do progresso, em uma estética entre filme institucional e Cinema Novo. Observamos que, na distribuição dos dois conjuntos de peças (Uirapuru e peças para violão) ao longo do filme, para além de uma relação temporal com um passado mítico ou com o presente da região, há uma lógica geográfica. Destacamos também reutilizações da peça Uirapuru em outros filmes. Resumen Glauber Rocha realizó el documental comisionado Amazonas, Amazonas (1966) después de Dios y el Diablo en la Tierra del Sol (1964), utilizando de nuevo músicas de Villa-Lobos: la obra Uirapuru y Estudios de guitarra, algunos de ellos ya utilizados en Arraial do Cabo (Paulo Cezar Saraceni y Mário Carneiro, 1959). Destacamos las elecciones musicales y cómo éstas, en conjunción con las imágenes y otros elementos sonoros, actúan en Amazonas, Amazonas, ante las representaciones de la región amazónica, entre mitos, su deconstrucción y evocaciones del subdesarrollo y progreso, en una estética entre cine institucional y Cinema Novo. Observamos que, en la distribución de los dos conjuntos de piezas (Uirapuru y los estudios para guitarra) a lo largo de la película, además de una relación temporal con un pasado mítico o con el presente de la región, hay una lógica geográfica. También destacamos la reutilización de la pieza Uirapuru en otras películas. Abstract Glauber Rocha made the commissioned documentary Amazonas, Amazonas (1966) after Black God, White Devil (1964), employing once more Villa-Lobos’ music: the piece Uirapuru and Guitar studies, some of them already utilized in Arraial do Cabo (Paulo Cezar Saraceni and Mário Carneiro, 1959). We highlight the musical choices and how they, in conjunction with images and other sound elements, act in Amazonas, Amazonas, in view of the representations of the Amazon region, among myths, its deconstruction, and evocations of underdevelopment and progress, in an aesthetic between institutional film and Cinema Novo. We observe that in the distribution of the two sets of pieces (Uirapuru and guitar pieces) throughout the film, besides a temporal relation with a mythical past or with the present of the region, there is a geographical logic. We also highlight reemployments of Uirapuru in other films.

This essay tries to demonstrate that the tropicalist “project” did not represent a rupture with the developmentalism that was inaugurated in the Vargas period. Instead of a rupture, Tropicalismo represented the same strategy, albeit through a different tactic. At the same time, the inflection point that is said to have established the tropicalist “project”, that is, the event in which Caetano Veloso finds himself facing the film Terra em Transe by Glauber Rocha (1967) is reinterpreted. This essay is based on a dialogue between elements of the theories of the different Theodor Adorno and Walter Benjamin. The conclusion is that Tropicalismo was established within the discussion of modernization, nationalism, culture and Brazilian popular music as a dynamic, in the sense of a bolide, that is, as a Tropicalist Projectile. Este ensaio procura demonstrar que o “projeto” tropicalista não representou uma ruptura com o desenvol- vimentismo inaugurado no período Vargas. Ao invés disso, o Tropicalismo representou a mesma estratégia com uma tática diferente. Reinterpreta-se também o ponto de inflexão que teria estabelecido o “projeto” tropicalista, ou seja, o evento em que Caetano Veloso se encontra diante do filme Terra em Transe de Glauber Rocha (1967). Este ensaio parte de um diálogo entre elementos das teorias dos diferentes Theodor Adorno e Walter Benjamin. A conclusão é que o Tropicalismo se estabeleceu dentro da discussão da mo- dernização, nacionalismo, cultura e música popular brasileira como uma dinâmica, no sentido de uma/um bólide, ou seja, como um Projétil Tropicalista.

This paper revisits the films Terra em Transe and Maranhao 66, by Glauber Rocha. They are aesthetic-political documents from the 1960s in Brazil, which get new colors in the present days. Therefore, it considers the dialectical tradition, represented here by Theodor W. Adorno, between social form and aesthetic expression. Regarding to this, it analyzes constructive options, narratives and techniques of the films, observing them as Oeuvres that mature over time, pointing, retrospectively, to national impasses. At the same time, it traces, in composition with the films, the historical context that unfolded in the decades following them. The current anti-democratic environment, as well as the rise of Luis Inacio Lula da Silva as national iconic figure, and the emblematic trajectory of Jose Sarney, offer the social incarnation of what the films expressively present. It concludes by pointing out the impasse and the need to find an aesthetic lighting that is capable of meeting the hardships of the present.

This study intends to reflect on some aspects of Glauber Rocha's cinematographic aesthetics, looking specifically at the confluences established with the aesthetics of documentary cinema. The intention is to discuss how Glauber Rocha appropriates the documentary language to compose his aesthetics of the real and materialize his poetic and political project in a historical and cultural time that became known for the effervescence of the production of an art with an extremely political bias and tone that sought to unveil the reality of the Brazilian people and their identity in the face of North American cultural colonialism. The thinking of the Bahian intellectual and filmmaker is impregnated precisely with the spirit of that time when the production of contemporary art is undergoing a profound change both in Brazil and in Europe, where artists redefined their aesthetics, intertwining them with political causes and, in turn, committed in putting art at the service of social change. The aesthetics of the real that 'blew winds' in the European avant-gardes reverberated in Brazil in the 1960s, being reshaped by the Glauberian perspective, introducing the Brazilian people and their realities into the new Brazilian cinema. The close relationship, and why not say a visceral relationship, between Cinema Novo and the search for an aesthetic of the real leads us to reflect on how the blurring of boundaries between fictional cinema and documentary has reverberated and influenced the composition of the language of Cinema New in Brazil. For the reflections we take as reference Nicholls (2005), Penafria (1999), Xavier (2001) and Simonard (2003).

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior Dwell in the relationship between History and Cinema in order to understand the construction of historical narrative about Brazilian cinema. Study, understand and discuss the relationships and possible dialogue between the films O Cangaceiro of Lima Barreto, Deus e o Diabo na Terra do Sol and O Dragão da Maldade contra o Santo Guerreiro both of Glauber Rocha. The development of our analysis is the convergence of gender and aesthetics adopted by the directors, even though the first makes clear the choice of the western states and the second to build a Brazilian aesthetic, the aesthetic of hunger. So, we do the opposite movement of the authors who point to the ranking of Brazilian cinema, electing the Cinema Novo as the benchmark for quality and innovation aesthetic-ideological. Debruçar na relação História e Cinema a fim de entender a construção da narrativa histórica acerca do cinema brasileiro. Estudar, compreender e problematizar as relações e possíveis diálogos entre os filmes O Cangaceiro de Lima Barreto, Deus e o diabo na terra do Sol e O dragão da maldade contra do santo guerreiro de Glauber Rocha. O desenvolvimento de nossa análise parte das convergências de gênero e da estética adotada pelos diretores, ainda que o primeiro deixe claro a escolha do western e o segundo afirme a construção de uma estética brasileira, a estética da fome. Assim, fazemos o movimento contrário dos autores que corroboram com a hierarquização do cinema brasileiro, elegendo o Cinema Novo como o referencial de qualidade e inovação estético-ideológica. Mestre em História

RESUMO Ao longo dos últimos 100 anos, o ideário modernista foi objeto de numerosas releituras, atualizações e revisões críticas. A partir de meados do século XX, artistas de diversos campos - literatura, teatro, cinema, artes visuais e canção popular, entre outros - tomaram as vanguardas da década de 1920 como matrizes de invenção e pensamento, que buscaram atualizar e radicalizar. Na fase mais dura do regime militar, movimentos então rotulados como “marginais” procuraram no modernismo as fontes de uma arte de cunho experimental, irônico e subversivo. Este artigo propõe uma reflexão sobre esses “modernismos tardios”, sem desconsiderar os estudos críticos, um tanto avessos à tradição modernista, produzidos pela Universidade no mesmo período - que, segundo fontes diversas, marca simultaneamente o ápice e o encerramento da influência do Modernismo na cultura brasileira. ABSTRACT Over the last hundred years, modernist ideas have been the subject of numerous reinterpretations, updates and critical revisions. From the mid-twentieth century, artists from different fields - literature, theater, cinema, visual arts, and popular music,among others - took the vanguards of the 1920’s as matrices of invention and thought, and sought to update and radicalize them. In the toughest phase of the military regime, movements labeled as “marginal” sought in Modernism the sources of an experimental, ironic and subversive art. This article is a reflection on these “latter-day modernisms”, without neglecting the critical studies, somewhat averse to the modernist tradition, produced in the Academia in the same period - which, according to different sources, simultaneously marks the peak and the end of the influence of Modernism on Brazilian culture.

In 1962, in the Rio de Janeiro press, euphoria took over film criticism. In view of the new national films in production, which was focused on social themes, it was believed that overcoming a precariousness existing in Brazilian cinema. Enthusiastic about the process of cultural renewal, film critics started calling it Cinema Novo, suggesting that such a concept encompassed the most varied films as opposed to the chanchada’s gender. From a generalist perspective, they would spread an elastic notion of Cinema Novo to include a wide range of aesthetic experiences. However, for a young generation of politically engaged filmmakers, looking for an independent and authorial creative project, the generic notion of renewal meant a loss of substance. In their conception, antagonistic to the position that was growing in the press, Cinema Novo meant exclusively a formal and political revolutionary movement. Also acting in the journalistic criticism, they would install a fierce dispute against common sense. At the epicenter of the conflict, which had Glauber Rocha as one of its protagonists, were the initial definitions of a concept that would become central to Brazilian cultural history. Em 1962, na imprensa carioca, a euforia tomou conta da crítica cinematográfica. Diante dos novos filmes nacionais em produção, obras voltadas para temáticas sociais, acreditava-se na superação de uma precariedade existente no cinema brasileiro. Entusiasmados com o processo de renovação cultural, os críticos passaram a denominá-lo Cinema Novo, sugerindo que tal conceito abarcava os mais variados filmes em contraposição às chanchadas. A partir de um viés generalista, eles difundiriam uma noção elástica de Cinema Novo que incluía um vasto espectro de experiências estéticas. No entanto, para uma jovem geração de realizadores engajados, em busca de um projeto criativo independente e autoral, essa concepção genérica de renovação significava uma perda de substância. Em sua visão, antagônica ao posicionamento que crescia na imprensa, Cinema Novo significava exclusivamente um movimento político e formal revolucionário. Também atuando na crítica jornalística, eles instalariam uma disputa acirrada contra o senso comum. No epicentro do conflito, que teve Glauber Rocha como um de seus protagonistas, estavam as definições iniciais de um conceito que se tornaria central na história cultural brasileira.

This article proposes an analysis of the film O Desafio (Paulo Cesar Saraceni, 1967) connecting it to the Brazilian Cinema Novo movement and to the political and cultural debate of the left in the context established after the civil-military coup of 1964. From a feminist perspective, the article questions how the narrative characterizes the character Ada (Isabella) and her relationship with the protagonist Marcelo (Oduvaldo Vianna Filho). In a decade marked by gender discussions, O Desafio incorporated issues from the private sphere between men and women, relating them to political positions and presenting tensions between the movement for women's liberation and the traditional class struggle in the conception of the left. Cet article propose une analyse du film O Desafio (Paulo Cesar Saraceni, 1967) en le contextualisant dans le mouvement brésilien Cinema Novo et dans le débat politique et culturel de la gauche dans le contexte établi après le coup d'État civilo-militaire de 1964. D'un point de vue féministe, on se demande comment le récit caractérise le personnage Ada (Isabella) et sa relation avec le protagoniste Marcelo (Oduvaldo Vianna Filho). Dans une décennie marquée par les discussions sur le genre, O Desafio a intégré des questions de la sphère privée entre hommes et femmes, les rapportant à des positions politiques et présentant des tensions entre le mouvement de libération des femmes et la lutte de classe traditionnelle dans la conception de la gauche. O presente artigo propõe uma análise do filme O Desafio (Paulo Cesar Saraceni, 1967) contextualizando-o no movimento do Cinema Novo brasileiro e no debate político e cultural das esquerdas na conjuntura estabelecida após o golpe civil-militar de 1964. A partir de uma perspectiva feminista, questiona-se como a narrativa caracteriza a personagem Ada (Isabella) e sua relação com o protagonista Marcelo (Oduvaldo Vianna Filho). Em uma década marcada pelas discussões de gênero, O Desafio incorporou as questões do âmbito privado entre homens e mulheres, relacionando-as a posições políticas e apresentando tensões entre o movimento pela libertação das mulheres e a tradicional luta de classes na concepção das esquerdas.

O objetivo deste estudo é considerar a partilha do projeto ideológico do cineasta David Neves em direção à autonomização dos elementos de seu projeto estético durante uma década, até o final dos anos 1960. Conforme a separação esclarecedora entre projeto estético e ideológico proposta por João Luiz Lafetá ao estudar o modernismo dos anos 1930, o caso do David Neves demonstra-se particular em relação ao Cinema Novo. No primeiro momento, a formação do crítico-cineasta e sua estreia nas letras apontam para a emergência de paradigmas estéticos próprios ou mimetizados de figuras admiradas. No segundo momento, há o eclipse destes aspectos em favor da batalha pelo Cinema Novo. Contudo, a estreia como diretor de longas-metragens retoma a sua distinção e promove o jovem ao quadro próprio da sua intervenção. O estudo das críticas e da posição intelectual de David Neves esclarecem a sua dupla contribuição no período. O fio da meada é desenrolado através de necrológio publicado como escrito de crítica cinematográfica deste que foi efetivamente um crítico-cineasta. A abordagem seleciona segmentos da vida do realizador através do destaque de biografemas e das suas relações com o movimento Cinema Novo.

Este estudo estabelece diálogos e contrastes políticos e culturais entre o Cinema Novo brasileiro e o cinema revolucionário cubano. Essas interatividades, que revelam influências estéticas e visões de mundo semelhantes, estão inseridas no contexto histórico da América Latina na década de 1960, quando a implantação da Revolução Cubana teve amplas repercussões no continente. Destacamos a relação de solidariedade política entre intelectuais brasileiros e cubanos e, em particular, os diálogos no campo cultural, indicados pela proximidade de propósitos entre o Cinema Novo e o ICAIC -Instituto Cubano de Arte e Indústria Cinematográficas -, criado pelo governo revolucionário em 1959. Salientamos que o modelo de produção independente do Cinema Novo, construído com baixo custo financeiro e fora dos grandes estúdios, permitiu uma rica e variada possibilidade de relacionamentos entre as duas cinematografias, que serão encontrados também em outros países da América Latina. This study establishes dialogues, parallels, contrasts and connections between Brazilian Cinema Novo and Cuban revolutionary cinema. These interactivities, which reveal similar aesthetic influences and worldviews, are inserted in the historical context of Latin America, with its political and social conflicts, in the 1960s, when the implementation of the Cuban Revolution had wide repercussions across the continent. We highlight the relationship of political solidarity between Brazilian and Cuban intellectuals and, in particular, the dialogues in the cultural field, indicated by the proximity of purposes between Cinema Novo and ICAIC - Cuban Institute of Art and Film Industry-, created by the revolutionary government in 1959. We emphasize that Cinema Novo's independent production model, built at a low financial cost and outside the big studios, also allowed for rich and varied relationships between the two filmographies, as well as with other Latin American countries.

Orientador: Prof. Dr. Geraldo B. Horn Tese (doutorado) - Universidade Federal do Paraná, Setor de Educação, Programa de Pós-Graduação em Educação. Defesa : Curitiba, 16/03/2022 Inclui referências Resumo: Partindo da argumentação do filósofo húngaro György Lukács, do cineasta brasileiro Glauber Rocha e da filósofa Agnes Heller, a presente pesquisa tem como objetivo demonstrar a potencialidade filosófica e educativa do cinema por intermédio da prática cineclubista. Investiga primeiramente a relação entre a Filosofia e o cinema e a concepção estética do filme como obra de arte e suas relações com o cotidiano humano. Problematiza a questão do cinema como instrumento de crítica e emancipação social e cultural, por meio da análise da proposta revolucionária do movimento do Cinema Novo. Apresenta a prática cineclubista como lócus para o filosofar por intermédio dos filmes nacionais, sendo relevante para e educação e formação filosófica do sujeito diante da Lei Federal nº 13.006/2014. Situa a pesquisa no campo educacional por meio da pesquisa bibliográfica, da observação e coleta de dados qualitativos da experiência cineclubista na escola e na universidade entre os anos de 2011 e 2019. Conclui destacando o aspecto reflexivo, formativo e educativo do filme, que por intermédio da prática cineclubista, coloca-se como um fator importante para construção do conhecimento filosófico e da emancipação social e cultural das consciências. Abstract: Based on the arguments of the Hungarian philosopher György Lukács, the Brazilian filmmaker Glauber Rocha and the philosopher Agnes Heller, this research aims to demonstrate the philosophical and educational potential of cinema through the movie club practice. Firstly, it investigates the relationship between Philosophy and cinema and the aesthetic conception of film as a work of art and its relationship with human daily life. It discusses the issue of film as an instrument of criticism cultural and social emancipation, through the analysis of the revolutionary proposal of the Cinema Novo movement. It presents the movie club practice as a locus for philosophizing through national films, being decisively relevant for the education and philosophical formation of the subject in the face of Federal Law No. 13.006/2014. It situates research in the educational field through bibliographical research, observation and qualitative data collection of the movie club experience at school and university between 2011 and 2019. It concludes by highlighting the reflective, formative and educational aspect of the film, which through from the movie club practice, it stands as an important factor for the construction of philosophical knowledge social and the cultural emancipation of consciences.

Consideramos as relações intertextuais de filmes de diretores do Cinema Novo de 1959 a 1980 com filmes de Humberto Mauro por meio do reemprego das mesmas obras musicais de Villa-Lobos presentes em filmes do cineasta mineiro. É de se salientar que o próprio Villa-Lobos é um compositor que fazia um constante reemprego de seus materiais musicais, como se nota em O descobrimento do Brasil (Humberto Mauro, 1937). Considerando a música de Villa-Lobos neste e em outros filmes de Humberto Mauro, analisamos os traços que a presença das suítes do Descobrimento do Brasil, O canto do cisne negro, O canto do pajé e os Choros n.3 evocam da obra de Mauro nos filmes de Glauber Rocha, Walter Lima Júnior, Carlos Diegues, Paulo César Saraceni e Joaquim Pedro de Andrade, além da própria estética e contextos dos filmes do Cinema Novo.

En el último decenio, el documental brasileño ostentó más renovación formal que el cine de ficción. La marca personal del cineasta es más sensible. En algunos casos, el narrador habla en primera persona. La búsqueda de nuevos dispositivos provocó una renovación de la mirada y de los personajes. Rio de Janeiro, São Paulo y Minas Gerais son los principales centros de producción, manteniendo cierto diálogo con la tradición del Cinema Novo. Depuis une dizaine d’années, le documentaire brésilien s’est avéré plus novateur et expérimental que le cinéma de fiction. L’empreinte du réalisateur est plus sensible. La narration est parfois conjuguée à la première personne, sans tomber dans le nombrilisme pour autant. La recherche de nouveaux dispositifs entraîne un renouvellement du regard et des sujets. Rio de Janeiro, São Paulo et Minas Gerais sont les principaux foyers de production. For the last ten years the Brazilian documentary has become more innovatory and experimental than fiction cinema. The director’s mark is much more apparent. The narrative is often taken care of by a personal narrator, without necessarily becoming self-centred. Looking for new devices brings about a renewal of vision and subjects. Rio de Janeiro, Sao Paulo and Minas Gerais are the main production centres.

Pesquisa sem auxílio de agências de fomento Buscando a construção de um olhar histórico acerca da recepção da crítica especializada em relação aos textos e filmes de Glauber Rocha realizados na década de 1960, esta tese se concentra em identificar e analisar comparativamente a diversidade de discursos consonantes, dissonantes e antagonistas ao cineasta privilegiando as definições sobre o cinema brasileiro moderno como principal parâmetro interpretativo das fontes. Neste sentido, nos debruçamos sobre a recepção de quatro produtos realizados por Glauber Rocha; Barravento (1962), Revisão Crítica do Cinema Brasileiro (1963), Deus e o Diabo na Terra do Sol (1964) e Terra em Transe (1967). A ênfase em perspectivas receptivas contrárias às propostas estético­políticas do cineasta visa contribuir na construção de uma interpretação histórica a contrapelo da direta consagração do artista propõe a compreensão das dificuldades encontradas por Glauber Rocha para se afirmar enquanto figura de proa do cinema brasileiro nos anos 1960 que normalmente não são abordadas pela historiografia especializada. Seeking to build a historical look at the reception of specialized critics in relation to Glauber Rocha's texts and films made in the 1960’s, this thesis focuses on identifying and comparatively analyzing the diversity of consonant, dissonant and antagonistic discourses to the filmmaker, privileging the definitions of modern Brazilian cinema as the main interpretive parameter of the sources. In this sense, we focused on the reception of four products made by Glauber Rocha; Barravento (1962), Critical Review of Brazilian Cinema (1963), Deus eo Diabo na Terra do Sol (1964) and Terra em Transe (1967). The emphasis on receptive perspectives contrary to the filmmaker's aesthetic­political proposals aims to contribute to the construction of a historical interpretation against the artist's direct consecration proposes an understanding of the difficulties encountered by Glauber Rocha to assert himself as a leading figure of Brazilian cinema in the 1960’s that are not normally addressed by specialist historiography. Tese (Doutorado)

Orientador: Claudiney Rodrigues Carrasco Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: No cinema, o uso do som fora do quadro visual tem larga experimentação e utilização nas diferentes cinematografias, principalmente a partir do pós-guerra. Com o cinema moderno, a utilização e manipulação antirrealista do som trouxe, para a trilha sonora dos filmes, uma significante contribuição. Esse é o principal foco de interesse do trabalho que percorreu, com a pesquisa, as diferentes utilizações do som desde o cinema clássico até o cinema contemporâneo; investigou as potencialidades do imaginário quando som e imagem visual aparentemente se desvinculam e geram imagens mentais múltiplas e abertas; e buscou compreender como comunicações abertas influenciam a recepção dos filmes. Nossa pesquisa também demonstrou que o som é um elemento importante do audiovisual que contribui para a crítica e a compreensão da vertente estética a que os filmes se vinculam. O conhecimento dos procedimentos usados com o som nos filmes é um horizonte para a compreensão do fazer cinematográfico e para o entendimento de como um processo de autoria se constitui nos cinemas de expressão artística. Durante todo o percurso do trabalho foram usados exemplos de filmes nacionais e internacionais. Para finalizar, quatro filmes da fase contemporânea do cineasta Júlio Bressane serviram de estudo de caso: Miramar, São Jerônimo, Dias de Nietzsche em Turim e Filme de Amor Abstract: In cinema, offscreen sound has been widely used in different cinematographies, especially after World War II. In modern cinema, the antirealistic use and manipulation of sound have made significant contributions to film scores. This is the main focus of our work, which researches the different uses of sound, from classic to contemporary cinema; investigates the potentialities of the imaginary when sound and visual image are apparently disconnected from each other, creating multiple and open mental images; and seeks to understand how open messages affect the way films are perceived by the receivers. Our study also demonstrates that sound is an important audiovisual element to understand the aesthetic groups to which each film belongs. Understanding the different uses of sound in films is a way to understand filmmaking itself and the process of authorship in art cinema. A wide range of films, from both Brazilian and foreign cinema, is analyzed throughout this research. Four feature films from director Júlio Bressane's contemporary work are used as case studies: Miramar, São Jerônimo, Dias de Nietzsche em Turim e Filme de Amor Doutorado Multimeios Doutora em Multimeios

The movement of underground cinema emerges in Latin America in the late sixties and, through radical formal experimentation, it tries to shape a political discourse. These films confront both with author cinema and with militant cinema. Apart from a shared countercultural attitude, the underground movement adopts different traits in each country. This article studies the modes implemented by Brazilian udigrudi to attack the cinema d’auteur in order to produce the figure of an author with mutant identity: cinematographic author is not anymore a subjectivity expressing itself artistically nor the political spokeperson of the opressed people but, instead, a sniper constantly in movement.

Orientador: Gilberto Alexandre Sobrinho Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Esta pesquisa realiza uma reflexão sobre o filme Pedreira de São Diogo (1962), do cineasta Leon Hirszman (1937 ¿ 1987). Trata-se de uma pesquisa que busca compreender o processo criativo de Hirszman nesse curta-metragem, sua produção e circulação e as motivações que o fizeram eleger e representar o operário como protagonista de sua produção cinematográfica inaugural. Deste modo, respeitando cada uma das etapas da realização cinematográfica, a dissertação é dividida em três partes, cada uma apresenta-se com uma metodologia específica para seu desenvolvimento. Na primeira, o estudo busca, por meio da "Crítica de Processo" (SALLES, 2006), compreender a criação deste filme a partir dos documentos produzidos no percurso de sua realização, sendo os mesmos disponíveis na Cinemateca Brasileira (SP) e no Arquivo Edgard Leuenroth - AEL (Unicamp). Posteriormente, a pesquisa reflete acerca da produção do curta-metragem, examinando seu caderno de continuidade e os periódicos impressos contemporâneos a sua produção, além de analisar sua narrativa cinematográfica e suas influências estéticas. Na última etapa, há o trabalho de pesquisa sobre a recepção crítica do filme, por meio das resenhas publicadas, das ponderações sobre as divergências ideológicas entre as lideranças políticas do Centro Popular de Cultura e os cineastas do Cinema Novo e a representação do operário proposta por Hirszman por meio do conceito de "popular" (RAMOS, 2000; e BERNARDET; GALVÃO, 1983) Abstract: This research performs a reflection on the movie Pedreira de São Diogo (1962), from the filmmaker Leon Hirszman (1937-1987). This is research that seeks to understand the creative process made by Hirszman, this short film production and distribution and the motivations that did vote and represent the worker as the protagonist of your opening film production. Thus, respecting each stage of filmmaking, the dissertation is divided into three parts, each introduced with a specific methodology for their development. At first, the study seeks, through the Review Process (SALLES, 2006), understanding the creation of this film from the documents produced in the course of its realization, and they are available in Brazilian Cinema (SP) and the Edgard Leuenroth Archive - AEL (Unicamp). Subsequently, the research reflects on the production of the short film examining his notebook continuity and contemporary its production print journals, and analyzing their cinematic storytelling and his aesthetic influences. In the last step, there is research on the critical reception of the film by means of reviews published, the weights on the ideological differences between the political leaders of the Popular Centre for Culture and the filmmakers of Cinema Novo and the representation of worker proposed by Hirszman through the concept of "popular" (RAMOS, 2000; BERNARDET and; GALVÃO, 1983) Mestrado Artes Visuais Mestre em Artes Visuais

Ao longo da primeira metade da d?cada de 1960, o Brasil testemunhou um momento de renova??o do meio cinematogr?fico, tendo como principal fator o desenvolvimento do Cinema Novo. Este foi um movimento cinematogr?fico formado majoritariamente por homens brancos de classe m?dia e classe m?dia alta, e situado no Rio de Janeiro. Tendo como objetivo filmes voltados para a cr?tica ? realidade brasileira e realizados por meio de uma linguagem inovadora, o Cinema Novo revolucionou o cinema nacional. Contempor?neo ? "revolu??o sexual" e ao fortalecimento dos feminismos, o movimento n?o teve como problem?tica a condi??o social das mulheres. Uma an?lise hist?ria, a partir da perspectiva de g?nero, sobre como as mulheres foram inseridas nas narrativas cinemanovistas permite identificar de que forma os integrantes do movimento as compreendiam dentro da realidade brasileira que buscavam retratar. Desta forma, esta disserta??o tem como objetos-fontes os tr?s filmes que Ruy Guerra dirigiu e roteirizou enquanto cinemanovista: Os cafajestes (1962), Os fuzis (1965) e Os deuses e os mortos (1970). Tem-se como objetivo geral identificar, atrav?s da an?lise de como as mulheres est?o inseridas na narrativa, testemunhos sobre as rela??es e os arranjos de g?nero do per?odo. Como objetivos espec?ficos, visa-se investigar de que forma as cenas de estupro e viol?ncia sexual s?o feitas e em que contexto ocorrem; e tendo em vista a recusa ? f?rmula hollywoodiana por parte do Cinema Novo, avaliar se as personagens femininas de Ruy Guerra s?o constru?das como um contraponto ?s do Cinema Cl?ssico. Baseando-se na teoria feminista do cinema, utiliza-se a an?lise f?lmica para analisar as obras. Ao t?rmino da pesquisa, ? poss?vel perceber que os tr?s filmes seguem a l?gica patriarcal pr?pria da ordem de g?nero da sociedade brasileira da ?poca, apresentando a viol?ncia e a viol?ncia sexual contra as mulheres como fen?menos pr?prios e naturais do comportamento masculino. Throughout the first half of the 1960s, aiming at films focused on the critique of brazilian reality and made using an innovative language, Cinema Novo revolutionized national cinema. Cinema Novo was a cinematographic movement formed mainly by white men of the middle class and upper middle class, located in Rio de Janeiro. Contemporary to the "sexual revolution" and the strengthening of feminisms, the movement did not have the social condition of women as a problem. A historical analysis, from a gender perspective, on how female characters were inserted in the cinemanovista narratives, allow to identify which form the members of the movement understood women within the brazilian reality that they sought to portray. In this way, this dissertation has as objects and sources the three films that Ruy Guerra directed and scripted as a cinemanovista: Os cafajestes (1962), Os fuzis (1965) and Os deuses e os mortos (1970). The general objective is to identify, through the analysis of how women are inserted in the narrative, testimonies about the gender relations and the gender arrangements of the period. As specific objectives, we aim to investigate how the scenes of rape and sexual violence are made and in what context they occur; and in view of Cinema Novo's refusal of the Hollywood formula, assess whether Ruy Guerra's female characters are constructed as a counterpoint to those of Classic Cinema. Based on the feminist theory of cinema, film analysis is used to analyze the films. At the end of the research, it is possible to notice that the three films follow the patriarchal logic inherent to the gender order of brazilian society at the time. Coordena??o de Aperfei?oamento de Pessoal de N?vel Superior - CAPES

Resumo Consideramos as relações intertextuais de filmes de diretores do Cinema Novo de 1959 a 1980 com longas-metragens de Humberto Mauro — O descobrimento do Brasil (1937), Argila (1942) e O canto da saudade (1952) — por meio da análise do reemprego das mesmas obras musicais de Villa-Lobos presentes em filmes do cineasta mineiro, reutilizadas (na mesma ou em diferente versão) em obras de diretores cinemanovistas. Por meio de análise fílmica, identificamos que a presença em si das músicas Suítes O Descobrimento do Brasil, O canto do cisne negro, O canto do pajé e Choro n.3 de Villa-Lobos evoca aspectos de obras anteriores de Mauro em filmes selecionados de Glauber Rocha, Walter Lima Júnior, Carlos Diegues, Paulo César Saraceni e Joaquim Pedro de Andrade, sobretudo as temáticas indígena, a do nacionalismo, do ambiente rural, a construção da identidade nacional, além de associações mais intricadas, como com a Grécia Antiga. Abstract We consider the intertextual relationships of films by directors of Cinema Novo between 1959 and 1980 with Humberto Mauro’s feature films — The Discovery of Brazil (193٧), Clay (1942) and O canto da saudade (19٥2) — analyzing the use of the same Villa-Lobos’ musical pieces in Mauro's films, that are reemployed (in the same or in a different version) in selected films by Cinema Novo’s directors. Through film analysis, we identify that the very presence of musical pieces The Discovery of Brazil, O canto do cisne negro, O canto do pajé and Choros n.3 evoke aspects of Mauro’s films in the ones by Glauber Rocha, Walter Lima Júnior, Carlos Diegues, Paulo César Saraceni and Joaquim Pedro de Andrade, such as: the Indian thematic, nationalism, rural environment, construction of national identity, besides more intricate associations, as those with Ancient Greece.

Orientador: Anderson Ricardo Trevisan Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Faculdade de Educação Resumo: Sérgio Ricardo, multiartista brasileiro ficou conhecido principalmente, por sua obra musical, tendo participado do movimento bossanovista. Foi atuante também em um segundo momento dessa bossa nova, chamada por alguns como bossa nova engajada ou canções de protesto. Mas Ricardo ainda enveredou pelo caminho cinematográfico, compondo trilhas sonoras, em especial para o cineasta Glauber Rocha e também com seus filmes próprios. Seu cinema na década de 1960 e início dos anos de 1970 esteve vinculado ao projeto do Cinema Novo brasileiro. Esta dissertação tem por objetivo estudar a relação desses filmes com a sociedade a qual pertencem, buscando identificar se possuem um potencial educativo e de que forma este cinema poderia estar alicerçado em um projeto maior de uma educação para a emancipação. Traremos essa discussão focada nas obras cinematográficas de Sérgio Ricardo, destacadas em dois filmes analisados, Esse mundo é meu (1963) e A noite do Espantalho (1974) amparados, em especial, por um referencial teórico metodológica de uma sociologia da arte. Palavras-chaves: Sérgio Ricardo, Cinema Novo, educação, emancipação, sociologia da arte Abstract: Sérgio Ricardo, a Brazilian multi-artist, was known mainly for his musical work, having participated in the bossanovista movement. It was also active in a second moment of this bossa nova, called by some as engaged bossa nova or protest songs. But Ricardo still took the cinematographic path, composing soundtracks, especially for the filmmaker Glauber Rocha and also with his own films. His cinema in the 1960s and early 1970s was linked to the Brazilian Cinema Novo project. This dissertation aims to study the relationship of these films with the society to which they belong, seeking to identify whether they have an educational potential and how this cinema could be based on a larger project of an education for emancipation. We will bring this discussion focused on the cinematographic works of Sérgio Ricardo, highlighted in two analyzed films, Esse mundo é meu (1963) and A noite do Espantalho (1974) supported, in particular, by a theoretical and methodological framework of a sociology of art. Keywords: Sérgio Ricardo, Cinema Novo, education, emancipation, sociology of art Mestrado Educação Mestra em Educação Funcamp 2199/18

“Cinema Novo”, as a political and cultural movement, was the result of a time between the late fifties and the early sixties, and had the city of Rio de Janeiro as its privileged locus. A time of profound changes on the international stage, with the emergence of the so-called third world countries and their affirmation in the political game characteristic of the Cold War. Also, a time of profound transformations on the national scene, with the developmentalist ideology, fed by the Juscelino Kubitschek government and, subsequently, the so-called national-reformism of the João Goulart government, which ended up animating social movements and denouncing the existing contradictions and injustices. in Brazilian society. In these scenarios, young people from the middle class of Rio de Janeiro seek cinema for their form of expression and articulate themselves with a renowned São Paulo filmmaker, Nelson Pereira dos Santos, and a young Bahian filmmaker, Glauber Rocha. This meeting, which takes place in the city of Rio de Janeiro, produced the most important cultural movement in the Brazilian cinematographic area, with productions that revolutionized cinematographic aesthetics and narrative and marked its place in international cinematography. O Cinema Novo, como movimento político e cultural, foi fruto de uma época situada entre o final dos anos cinquenta e o início dos anos sessenta, e teve a cidade do Rio de Janeiro como seu locusprivilegiado. Uma época de profundas transformações no cenário internacional, com a emergência dos chamados países do terceiro mundo e a sua afirmação no jogo político característico da Guerra Fria. Também, uma época de profundas transformações no cenário nacional, com a ideologia desenvolvimentista, alimentada pelo governo Juscelino Kubitschek e, posteriormente, o chamado nacional-reformismo do governo João Goulart, que acabou por animar os movimentos sociais e a denúncia das contradições e injustiças existentes na sociedade brasileira. Nesses cenários, jovens da classe média carioca buscam no cinema a sua forma de expressão e se articulam com um cineasta paulista já reconhecido, Nelson Pereira dos Santos, e um jovem cineasta baiano, Glauber Rocha. Esse encontro, que se efetiva na cidade do Rio de Janeiro, produziu o mais importante movimento cultural da área cinematográfica brasileira, com produções que revolucionaram a estética e a narrativa cinematográficas e marcaram o seu lugar na cinematografia internacional.

Para Glauber “o Cinema Novo é um projeto que se realiza na política da fome, e sofre, por isto mesmo, todas as fraquezas consequentes de sua existência” (ROCHA, 2004, p. 67). É assim que o transe que aqui pretendemos delimitar, quando visto a partir de uma ambivalente condição que o compreende ao mesmo tempo como doença e como cura, multiplica suas formas: há o transe da fome, capaz de produzir meios famintos, esgotados; o transe religioso, forjado no seio de um tempo messiânico; o transe do ébrio, que faz incidir sobre um plano de organização um plano dionisíaco, o transe da música, capaz de trazer, em seus elementos mínimos, um passado para dentro do presente; o transe da falação, que desmonta os dizeres em um rumorejar da linguagem. Ao cinema glauberiano interessou as vidas errantes e os meios doentes. Nesta tese, investigamos este transe, em Glauber Rocha, a partir de uma série de desdobramentos dos insights produzidos por Gilles Deleuze (2006) no breve texto chamado O Cinema Político Moderno. Segundo o autor, a especificidade deste cinema está centrada em sua capacidade de fazer devir nas imagens “um povo por vir” (DELEUZE, 2006, p. 281). Assim, as imagens que aqui investigamos, atualizadas em distorções, deformidades, vultos, rastros de um eterno fazer-se e desfazer-se das formas, são como maquinações da desabituação de um Brasil colonial e normativo, reconstruído na agitação de uma matéria vibrante a partir de processos heterogenéticos. Metodologicamente, as imagens em transe foram pensadas segundo três componentes: a primeira delas, constituída por motivos territoriais, organiza-se segundo codificações primárias nos fluxos de matéria, são feixes luminosos, gradientes de cor, granulações de película que são agenciadas segundo sínteses conectivas. A segunda componente, como meio de inscrição, é formulada no seio das descrições em transe, das narrações rituais e das narrações em transe, produtoras de meios de registro que deixam ver imagens ao mesmo tempo atuais e virtuais: desenquadramentos, descentramentos, narrações falsificantes e espacialidades em transe. A última componente decorre de uma descodificação generalizada que faz comunicarem-se fragmentos de matéria fílmica: são fonações, grafismos, gestos, matérias sublinguísticas que, ao serem associadas, mantêm as desterritorializações em estados de conjunção. Estas três componentes das imagens em transe se desenvolverão segundo questões suscitadas pelo que chamamos, para fins metodológicos, de personagens povoadores, que são personagens cuja colocação de problemas traz às imagens inquirições propriamente cinemáticas. São eles: O Cancioneiro, O Gago, O Cego Vidente, O Tirano, O Messias. To Glauber Rocha (2004), “the Cinema Novo is a project that emerges in the politics of hunger, and suffers, for this very reason, all the weaknesses resulting from its existence” (p. 67). The trance, seen as a disease as well as a cure, multiplies its forms: there is the famine trance, capable of producing a communication channel from hungry and exhaustion, the religious trance, forged inside a messianic time, the inebriation trance, which turns an organization dimension into a Dionysian dimension, the music trance, capable of bringing, in its minimal elements, a past into the present, the rustle trance which dismantles the words in a rustling language. Glauber Rocha cinema was interested in wandering lives and deteriorated communication channels. This thesis aims to investigate this trance, in Glauber Rocha, based on the insights produced by Gilles Deleuze (2006) in text called The Modern Political Cinema. According to the author, this cinema has the ability to produce a to become in the images of “a people to come” (DELEUZE, 2006, p. 281). The images that we investigate here are similar as machinations of the withdrawal of a colonial and normative Brazil, reconstructed in the agitation of a vibrant matter (distortions, deformities, shapes, traces of an eternal making and undoing of shapes) created with heterogeneous procedures. As a method, the trance images are classified by three components. The first one, constituted by territorial reasons, is organized in primary encodes level, in the flows of substance. They are light beams, color gradients, film granulation that are brought together in consonance with connective syntheses. The second component, as an inscription channel, is formulated in the interior of trance descriptions, in the procedural narrations and trance narrations, producing recording media that show present and virtual images: mismatches, decentralization, falsifying narrations and trance domains. The last component results from a generalized decoding that makes interconnect fragments of film material. They are phonation, graphics, gestures and sublinguistic materials when associated keep the deterritorializations in states of conjunction. These three components of trance images will be developed according to the interrogations brought by the inhabiting characters: the Singer, the Stutterer, the blind Psychic, the Tyrant, the Messiah.

Orientador: Prof. Dr. Pedro Plaza Pinto Tese (doutorado) - Universidade Federal do Paraná, Setor de Ciências Humanas, Programa de Pós-Graduação em História. Defesa : Curitiba, 17/09/2020 Inclui referências: p.184-201 Resumo: Esta tese estuda os dois longas metragens de ficção rodados sob a direção de Glauber Rocha no período que antecede o golpe de Estado de 1964, Barravento (1962) e Deus e o Diabo na Terra do Sol (1964), buscando entender como se operou neles um discurso histórico bastante específico. Além disso, estuda Terra em Transe (1967), mas dessa vez no intuito de verificar a possibilidade de se analisar a influência dos acontecimentos políticos sobre o discurso cinematográfico. Um primeiro objetivo é o de contribuir para com os estudos acerca do cinema no âmbito da ciência da história, demonstrando que os filmes de ficção podem ser utilizados como fonte não apenas para cortejar uma realidade social ou política que estaria para além deles, mas para estudar justamente a realidade de que ele é imagem, ou seja, a realidade própria do cinema. Um segundo objetivo, como contribuição ao estudo do Cinema Novo, é o de apontar para a possibilidade e necessidade de novos recortes temporais, para além do recorte convencional, que em muitos casos tem influenciado o surgimento de trabalhos cujas análises fílmicas tem projetado em importantes obras cinematográficas todo um contexto histórico, o que acontece de uma forma em que é deixado de lado o momento ao qual estas mesmas obras se integram de maneira mais efetiva. A problemática trata de como as pessoas comuns integraram o discurso dos filmes analisados e, de maneira complementar, trata de entender em qual medida esse discurso se aproximava ou se distanciava do poder político sob o qual eles foram produzidos. O método utilizado foi o da análise fílmica. Com isso, atingiu-se a conclusão de que eles se distanciavam dos discursos convencionais, nos quais prevalecia a manutenção do status quo e das ideias que interessavam apenas ao poder instituído. O contexto no qual essa tese foi feita se favorece do debate público acerca da abertura dos arquivos secretos da ditadura militar (1964-1985), que foi justamente o que permitiu o entendimento de que os artistas e intelectuais passaram a ser duramente perseguidos pelos aparelhos repressivos na época da ditadura militar, aparelhos estes que foram mobilizados no intuito de interditar totalmente o assunto que orientou as obras cinematográficas dos anos 1960. O intuito da ditadura era o de coibir a sua exibição dentro do território nacional, mas igualmente coibi-la onde fosse possível, por meio da influência diplomática sobre o governo de outros países para que eles seguissem essa mesma orientação. Por fim, este estudo ressalta a importância da realidade do cinema não apenas para uma melhor compreensão da história cultural do Brasil a partir do século XX, mas, principalmente, para a compreensão de sua história política e econômica neste mesmo período. Palavras-Chave: História do Cinema. Glauber Rocha. Cinema Novo. Discurso. Excluídos da História. Abstract: This thesis studies two Brazilian fiction movies directed by Glauber Rocha in the period of the 1964 state coup, Barravento (1962) and Deus e o Diabo na Terra do Sol (1964), trying to understand how they operated a very specific historical discourse. It also looks upon Terra em Transe (1967), with the objective of demonstrating the imprints of political facts onto the movie narrative. The thesis has two main direct objectives. First, it aims to enhance the studies of cinema in the discipline of historical science, by demonstrating that fiction movies can be sources to apprehend the social and political realities that it is their own images: the reality of the cinema. Second, it thesis aims to contribute to Brazilian Cinema Novo's studies, showing the possibility and necessity of new temporal marks, beyond the conventions, in many cases to help movie analyses based articles to understand not only the historical context projected but also the movies as work pieces o f the historical moment as well. The problematic of the research shows how common people integrate the movies narratives and how these narratives are near or distant from the political power of their country of production. The method was film analysis. We reached the conclusion that the movies we studied are different of the conventional narratives in which the status quo and ideas of the regime was the interest. The thesis has a context of debate about the opening of the archives of the Brazil's military dictatorship (19641985). We understand that the movies are not conventional, and their director Glauber Rocha had become famous on national and international circles. Because of that, the movie director - in the same way as other artists and intellectuals - was persecuted by the political group in power, who tried to censor the motives of the movies in the 1960s, prohibiting their exhibition inside the Brazilian national territory, and also trying to convince other countries governors to do the same. One of the things we concluded in this thesis is the importance of the reality of cinema to a cultural but also political and economic history of Brazil in the twentieth century. Keywords: Cinema's History. Glauber Rocha. Cinema Novo. Discourse. History of the oppressed.

This research focus on a set of short films made by the Brazilian film maker Leon Hirszman (1937-1987). Leon is one of the members of the movement known as Cinema Novo,which appeared amongst the political and cultural efervescence of the 1960's in Brazil. Ater analysing his two first films: Pedreira de São Diogo (1962) and Maioria Absoluta (1964), we moved to five documentaries made during the period of the military dictatorship (1964 - 1985). The films are made in direct cinema about popular music. Two films are about samba: Nelson Cavaquinho (1969) and Partido Alto (1976-1982). The three other films are about work songs of the Northeast of Brazil: Cantos de Trabalho – Mutirão ; Cana de Açucar ; Cacau. The films represent about half of what the film-maker could produce during the most difficult years of a repressive regime. Besides that, these films made possible for him to reestablish contact with the poor classes of the country after the military coup had interrupted his experiences with the « cine-activisme », closing the first cicle of his career. They also represented a space of freedom for the film-maker's search for an artistic expression in tune with the popular cultural productions. In a a context in which the patrimonial services in Brazil value each time more the cultural diversity, these films that were little seen and studied until now, start to be rediscoveredby researchers and also by contemporary rt curators.; Cette recherche aborde un ensemble de films courts du cinéaste brésilien Leon Hirszman (1937-1987). C’est l’un des membres du Cinema novo, mouvement né au milieu de l’effervescence culturelle et politique du début des années soixante au Brésil. Après avoir analysé ses premiers films Pedreira de Sao Diogo (1962) et Maioria absoluta (1964), nous sommes partis de cinq documentaires réalisés au moment où le pays était sous une dictature, après un coup d’État fin 1964. Il s’agit de films tournés en cinéma direct sur les musiques populaires. Deux portent sur la samba : Nelson Cavaquinho (1969) et Partido Alto (1976-1982). Les trois autres, les Cantos de trabalho (Chants de travail) dans le Nordeste : Mutirão (Chants d’entraide, 1974) ; Cana de açúcar (Chants de la canne à sucre, 1976) ; Cacau (Chants du cacao, 1976). Ils représentent la moitié de ce que le cinéaste a réussi à produire dans les dix ans les plus difficiles d’un régime répressif. Par ailleurs, ces films ont rendu possible pour le cinéaste la reprise de contact avec les classes populaires alors que le coup d’État avait interrompu ses expériences de « ciné-activisme », refermant le cycle initial de sa carrière cinématographique. Ils ont représenté l’espace de liberté du cinéaste en quête d’une expression artistique en phase avec les productions culturelles d’origine populaire. Dans un contexte où les services de patrimoine donnent de plus en plus de valeur à la diversité de ces cultures, ces films peu vus et peu étudiés jusqu’ici commencent à être redécouverts par des chercheurs, mais aussi par les commissaires de l’art contemporain.

This research focus on a set of short films made by the Brazilian film maker Leon Hirszman (1937-1987). Leon is one of the members of the movement known as Cinema Novo,which appeared amongst the political and cultural efervescence of the 1960's in Brazil. Ater analysing his two first films: Pedreira de São Diogo (1962) and Maioria Absoluta (1964), we moved to five documentaries made during the period of the military dictatorship (1964 - 1985). The films are made in direct cinema about popular music. Two films are about samba: Nelson Cavaquinho (1969) and Partido Alto (1976-1982). The three other films are about work songs of the Northeast of Brazil: Cantos de Trabalho – Mutirão ; Cana de Açucar ; Cacau. The films represent about half of what the film-maker could produce during the most difficult years of a repressive regime. Besides that, these films made possible for him to reestablish contact with the poor classes of the country after the military coup had interrupted his experiences with the « cine-activisme », closing the first cicle of his career. They also represented a space of freedom for the film-maker's search for an artistic expression in tune with the popular cultural productions. In a a context in which the patrimonial services in Brazil value each time more the cultural diversity, these films that were little seen and studied until now, start to be rediscoveredby researchers and also by contemporary rt curators.; Cette recherche aborde un ensemble de films courts du cinéaste brésilien Leon Hirszman (1937-1987). C’est l’un des membres du Cinema novo, mouvement né au milieu de l’effervescence culturelle et politique du début des années soixante au Brésil. Après avoir analysé ses premiers films Pedreira de Sao Diogo (1962) et Maioria absoluta (1964), nous sommes partis de cinq documentaires réalisés au moment où le pays était sous une dictature, après un coup d’État fin 1964. Il s’agit de films tournés en cinéma direct sur les musiques populaires. Deux portent sur la samba : Nelson Cavaquinho (1969) et Partido Alto (1976-1982). Les trois autres, les Cantos de trabalho (Chants de travail) dans le Nordeste : Mutirão (Chants d’entraide, 1974) ; Cana de açúcar (Chants de la canne à sucre, 1976) ; Cacau (Chants du cacao, 1976). Ils représentent la moitié de ce que le cinéaste a réussi à produire dans les dix ans les plus difficiles d’un régime répressif. Par ailleurs, ces films ont rendu possible pour le cinéaste la reprise de contact avec les classes populaires alors que le coup d’État avait interrompu ses expériences de « ciné-activisme », refermant le cycle initial de sa carrière cinématographique. Ils ont représenté l’espace de liberté du cinéaste en quête d’une expression artistique en phase avec les productions culturelles d’origine populaire. Dans un contexte où les services de patrimoine donnent de plus en plus de valeur à la diversité de ces cultures, ces films peu vus et peu étudiés jusqu’ici commencent à être redécouverts par des chercheurs, mais aussi par les commissaires de l’art contemporain.

Este artículo analiza comparativamente los films Barravento (1962), primer largometraje de Glauber Rocha, emblemático del Cinema Novo, y Ventos de agosto (2014) de Gabriel Mascaro, del Novíssimo Cinema Brasileiro. El foco puesto en el viento busca pensar los modos de figurar la relación entre el cine y lo político. Estas dos películas capturan el rumbo del viento desde dimensiones opuestas -la violencia o la vacuidad, la tempestad o la brisa arremolinada- que permiten ensayar una reflexión sobre las formas de lo sensible a partir de las dinámicas de lo imperceptible. This article comparatively analyzes the films Barravento (1962), the first film by Glauber Rocha, emblematic of Cinema Novo, and Ventos de agosto (2014), by Gabriel Mascaro, from the Novíssimo Cinema Brasileiro. The focus on the wind seeks to think the relationship between cinema and politics. These two films capture the course of the wind from opposite dimensions –violence or emptiness, the storm or the swirling breeze– that allow us to reflect on the forms of the sensible from the dynamics of the imperceptible. O artigo analisa comparativamente os filmes Barravento (1962), o primeiro de Glauber Rocha, emblemático do Cinema Novo, e Ventos de agosto (2014) de Gabriel Mascaro, do Novíssimo Cinema Brasileiro. O foco colocado no vento procura pensar sobre as formas de mostrar a relação entre cinema e política. São dois filmes que captam o curso do vento a partir de dimensões opostas –violência ou vazio, a tempestade ou a brisa em espiral– que permitem ensaiar uma reflexão sobre as formas do sensível a partir da dinâmica do imperceptível. Fil: Kratje, Julia. Universidad de Buenos Aires; Argentina. Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Técnicas; Argentina. Universidad Nacional de las Artes; Argentina

O artigo pretende explicitar um circuito de visibilidade que alçou o Cinema Novo brasileiro ao posto de cinema internacional de vanguarda. Para tanto, há que se compará-lo não só com a Nouvelle Vague francesa, mas, sobretudo, com o papel central desempenhado pela crítica especializada –notadamente os Cahiers du cinéma.

Diplomski rad je zamišljen kao kronološka analiza najutjecajnijih filmova latinskoameričkog Trećeg kina. Predstavlja stilske odrednice i kratak sadržaj filmova te kontekstualizira uvjete njihova nastanka, povezujući ih s ideološkim i političkim aspektima Trećeg kina, a onda i ekonomskim uvjetima koji su doveli do samog pokreta. Nakon kontekstualizacije slijedi pojašnjenje kako je pojedini film obogatio pokret i na koji je način utjecao na klasnu i rasnu borbu u Latinskoj Americi. Nakon što predstavi glavne aspekte Trećeg kina kao filmsko-političkog pokreta, rad, analizom kubanskog filma Megano (El Mégano, 1955) izlože povijesni začetak i društvene razloge za nastanak pokreta. Zatim, pomoću filmova kao što su Pusti životi (Vidas Secas, 1963) Nelsona Pereire dos Santosa, te Bog i vrag u zemlji Sunca (Deus e o Diabo na Terra do Sol, 1964), Zemlja drhti (Terra em Transe, 1967) i Antônio koji donosi smrt (Antônio das Mortes, 1968) Glaubera Roche, predstaviti Cinema Novo, radikalni brazilski filmski pokret koji je snažno utjecao, te se prema nekim analizama i smatra dijelom Trećeg kina. Rad će zatim predstaviti zrelo Treće kino povezivanjem filmova Sati peći (La hora de los hornos, 1968) Fernanda Solanasa i Octavia Getina, Hanoi, utorak 13 (Hanoi, martes 13, 1968) i 79 proljeća (79 primaveras, 1969) Santiaga Alvareza i Bitka za Čile (La battala de Chile, 1975) Patricia Guzmâna sa Solanasovim i Getinovim manifestom “Prema Trećem kinu” i raspravom o ekonomskoj teoriji ovisnosti, koja svoje korijene vuče upravo iz Latinske Amerike. Ekonomska teorija ovisnosti sadrži više različitih pristupa problematici, ali ovaj će rad ukratko predstaviti njene osnovne principe kako bi je što jasnije povezao s filmovima Trećeg kina i političkom akcijom koja je nastupila zbog njih. Glavnu literaturu za ekonomsku teoriju ovisnosti u ovom radu čine zbirka intervjua s poznatim teoretičarima Dialogues on Development – Volume I: On Dependancy i pregled teorije Vincenta Ferrara “Dependancy Theory: An Introducton”. U analizi je korištena i filmološka literatura, ponajprije knjige The Cinema of Latin America Alberta Elena i Marine Díaz Lopez, Latinskoamerički film i identiteti Maria Županovića, Brazilian Cinema Randala Johnsona i Roberta Stama te Cuban Cinema Michaela Chanana. Diplomski će rad na kraju zaokružiti sve 3 rečeno, povezujući pokret Cinema Novo s Trećim kinom, te oba pokreta s povijesnim kontekstom i ekonomskom teorijom ovisnosti.

CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior A presente investigação histórica tem como objetivo esclarecer os termos em que se consolidou a aproximação entre as linguagens literária e a cinematográfica ao longo da primeira fase do movimento Cinema Novo. Para isso, centralizaremos nossa análise em três filmes profundamente literários: Vidas Secas (1963), de Nelson Pereira dos Santos; Deus e o Diabo na Terra do Sol (1964), de Glauber Rocha; e Os Fuzis (1964), de Ruy Guerra. Partimos da premissa de que foi a partir do diálogo com a literatura, principalmente, que esses diretores conseguiram realizar obras complexas em termos de temporalidade; na elaboração de imagens que abrem o passado histórico do Brasil em busca de referências para compreender as disputas políticas do começo da década de 1960. Defendemos a tese de que o Cinema Novo, na atuação de certos autores, descobriu na literatura não apenas elementos temáticos e de enredo, mas o impulso de sua militância política, a sensibilidade necessária para descobrir e discutir o Brasil em seus filmes. The present historical research aims to clarify the terms under which consolidated the rapprochement between the literary and cinematic languages throughout the first stage of the Cinema Novo movement. For this, the research will centralize the analysis in three deep literary movies: Vidas Secas (1963), by Nelson Pereira dos Santos; Deus e o Diabo na Terra do Sol (1964) by Glauber Rocha and Os Fuzis (1964), directed by Ruy Guerra. The premise is that, especially, from the dialogue with literature, these directors were able to carry out complex works in terms of temporality, in the elaboration of images that open the history of Brazil in search of references to understanding the political disputes of the early 1960. The thesis is that the Cinema Novo found in certain Brazilian authors, not just thematic elements and plot, but the thrust of political activism, and the required sensibility to discover and discuss Brazil in their movies.

Submitted by Boris Flegr (boris@uerj.br) on 2021-01-05T19:45:06Z No. of bitstreams: 1 Tese_Marcio Blanco Chavez.pdf: 8703259 bytes, checksum: c9640619f48f60f30f62873533fda3ad (MD5) Made available in DSpace on 2021-01-05T19:45:06Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Tese_Marcio Blanco Chavez.pdf: 8703259 bytes, checksum: c9640619f48f60f30f62873533fda3ad (MD5) Previous issue date: 2019-04-26 The History of the relationship between cinema and education in Brazilian schools is about 80 years old, considering the creation of the National Institute of Educational Cinema (INCE) in 1937 as the national public policy framework. Since then, the exhibition of audiovisual content in school was consolidated as a common practice in detriment of the pedagogical possibilities that the production of films offers for education, as is the case of the first film realized by students in a course of cinema in a public school in 1963, a deleted experience of the historiography of the cinema and of education in Brazil. The present study maps the conditions that modulate two modes of cinema functioning in education - exhibition and audiovisual production - throughout these 80 years with the objective of providing subsidies to analyze current practices in formal education, such as the Cineclube projects in the Schools and Anima School. What are the implications of showing and producing films at school for the pedagogical process? This question will be answered through a genealogy of the relations between cinema and education in Brazil, based on the analysis of three films and the forces that focused on their realization in different periods: The Surface Muscles of Man (1936), The Park (1963) and The Suicide (2017). The three films were made in the context of formal education and express, in their own way, the different forms of relation between cinema and education in those 80 years. The mapping of ways to regulate this relationship in each period was carried out by means of surveying various types of sources and archives: films, official documents, journalistic articles, participant observation and interviews. The files that resulted from this mapping were seen and organized through a single "filter": the relationship between image and word that crosses the experiences of production and exhibition of these films. The analysis of this data set allows a critical reflection on an audiovisual "literacy" today and points out the urgency of including the creative gesture of the student at the center of the relationship between cinema and education A História da relação entre cinema e educação em escolas brasileiras já possui cerca de 80 anos, se considerarmos como marco de política pública nacional a criação do Instituto Nacional de Cinema Educativo (INCE) em 1937. De lá para cá, a exibição de conteúdo audiovisual na escola se consolidou como prática corriqueira em detrimento das possibilidades pedagógicas que a produção de filmes oferece para a educação, como é o caso do primeiro filme realizado por alunos em um curso de cinema dentro uma escola pública em 1963, uma experiência apagada da historiografia do cinema e da educação no Brasil. O presente estudo mapeia as condições que modularam dois modos de funcionamento do cinema na educação exibição e produção audiovisual ao longo desses 80 anos com o objetivo de fornecer subsídios para analisar práticas atuais no ensino formal, como é o caso dos projetos Cineclube nas Escolas e Anima Escola. Quais as implicações que a exibição e produção de filmes na escola tem para o processo pedagógico? Essa pergunta será respondida através de uma genealogia das relações entre cinema e educação no Brasil a partir da análise de três filmes e das forças que incidiram sobre sua realização em diferentes períodos: Os Músculos Superficiais do Homem (1936), O Parque (1963) e O Suicídio (2017). Os três filmes foram realizados no contexto do ensino formal e expressam, cada um a seu modo, as diferentes formas de relação entre cinema e educação nesses 80 anos. O mapeamento dos modos de regular tal relação em cada período foi realizado por meio do levantamento de diversos tipos de fontes e de arquivos: filmes, documentos oficiais, artigos jornalísticos, observação participante e entrevistas. Os arquivos que resultaram desse mapeamento foram vistos e organizados através de um mesmo filtro : a relação entre imagem e palavra que atravessa as experiências de produção e exibição desses filmes. A análise desse conjunto de dados permite fazer uma reflexão crítica a respeito de uma alfabetização audiovisual na atualidade e aponta a urgência de incluir o gesto criador do aluno no centro da relação entre cinema e educação

A presente dissertação consiste num estudo teórico-analítico sobre a personagem, enquanto importante categoria narrativa, nos romances Vidas secas, de Graciliano Ramos, e Uma abelha na chuva, de Carlos de Oliveira. O tema escolhido inscreve-se no diálogo mantido entre as literaturas brasileira e portuguesa nas décadas de 30-40 do século passado. Esta perspetiva comparada é sobejamente enriquecedora para o universo literário dos países de língua portuguesa, estabelecendo pontes que avivam os laços entre povos que partilham uma vivência e uma história em comum. Este estreitamento de laços entre ambas as literaturas ocorreu graças à publicação recorrente, na época, de autores brasileiros em Portugal. O romance social brasileiro de 30 revelou grandes nomes da literatura brasileira como Rachel de Queiroz, Jorge Amado, José Lins do Rego, Érico Veríssimo e o maior romancista desse período: Graciliano Ramos. Este seleto grupo tinha na problemática da terra uma temática privilegiada e um forte e engajado compromisso com as questões sociais. A visão comprometida da literatura, em sintonia com a estética do marxismo e do materialismo histórico e dialético, chegou às terras lusitanas através das páginas das revistas ligadas às manifestações teóricas e doutrinárias do neorrealismo português. No primeiro capítulo, esboçamos um breve mas imprescindível apontamento sobre o romance social brasileiro de 30, os seus principais autores – especialmente aqueles que influenciaram os escritores portugueses na década posterior, destacando-se Graciliano Ramos e os romances Caetés, São Bernardo e Angústia. O segundo capítulo é dedicado a uma sucinta abordagem contextualizadora do neorrealismo português, ressaltando o diálogo estabelecido com os escritores de além-mar. Destacam-se a figura de Carlos de Oliveira, o maior dos escritores neorrealistas, e os seus romances Casa na duna, Alcateia, Pequenos burgueses e Finisterra – paisagem e povoamento.O terceiro capítulo é a coluna vertebral do presente trabalho, pois apresenta uma leitura pessoal dos romances que constituem o seu corpus principal, Vidas secas e Uma abelha na chuva, bem como uma minuciosa análise das suas personagens. O quarto e último capítulo ocupa-se das adaptações cinematográficas dos romances supracitados, cujas longas-metragens são, ainda hoje, consideradas marcos importantes tanto do cinema brasileiro e como do seu homólogo português. Os filmes Vidas secas de ii Nelson Pereira dos Santos e “A Abelha” de Fernando Lopes traduzem-se em releituras valiosas e pessoais feitas por esses dois grandes expoentes do cinema novo de língua portuguesa de ambos os lados do Atlântico: Brasil e Portugal. A metodologia escolhida centra-se na perspetiva comparada e no confronto dos textos narrativos, identificando semelhanças e diferenças, tanto na forma, como no conteúdo, sendo que o ponto de partida foi o estudo aprofundado das fontes primárias, secundárias e teóricas de que a bibliografia, sobretudo a passiva, listada no fim do trabalho, é um exemplo que se pretendeu que fosse coerente e elucidativo do percurso de investigação empreendido. This dissertation consists of a theoretical-analytical study about the character, as an important narrative category, in the novels Vidas secas, by Graciliano Ramos, and Uma abelha na chuva, by Carlos de Oliveira. The chosen theme is part of the dialogue between Brazilian and Portuguese literature in the 30-40s of the last century. This comparative perspective is overwhelmingly enriching for the literary universe of the Portuguese-speaking countries, establishing bridges that enliven the ties between people who share a common experience and history. This tightening of ties between both literatures took place thanks to the recurrent publication, at the time, of Brazilian authors in Portugal. The Brazilian social novel of the 30s revealed great names in Brazilian literature such as Rachel de Queiroz, Jorge Amado, José Lins do Rego, Érico Veríssimo and the greatest novelist of this period: Graciliano Ramos. This select group had in the problematic of the earth, a privileged thematic and a strong and dedicated commitment with the social issues in question. The committed view of literature, in tune with the aesthetics of Marxism and historical and dialectical materialism, reached Portuguese lands through the pages of magazines linked to the theoretical and doctrinal manifestations of Portuguese neorealism. In the first chapter, we outline a brief but essential note about the Brazilian social novel of the 30s, its main authors - especially those who influenced Portuguese writers in the later decade, notably Graciliano Ramos and the novels Caetés, São Bernardo and Angústia. The second chapter is devoted to a succinct contextualizing approach to Portuguese neorealism, highlighting the dialogue established with writers from overseas. Of particular interest is the figure of Carlos de Oliveira, the greatest of neorealist writers, and his novels Casa na duna, Alcateia, Pequenos burgueses and Finisterra – paisagem e poavoamento. The third chapter is the backbone of this work, as it presents a personal reading of the novels that make up his main corpus, Dried Lives and A Bee in the Rain, as well as a thorough analysis of his characters. The fourth and last chapter deals with the cinematographic adaptations of the novels mentioned above, whose feature films are still considered important milestones both of Brazilian cinema and of its Portuguese counterpart. The films Vidas secas by Nelson Pereira dos Santos and “A Abelha” by Fernando Lopes translate into valuable and personal re-readings made by these two great exponents of the new Portuguese-language cinema made on both sides of the Atlantic: Brazil and Portugal. The methodology chosen focuses on the comparative perspective and the confrontation of narrative texts, identifying similarities and differences, both in form and in content. The starting point was the in-depth study of the primary, secondary and theoretical sources from which the bibliography, especially the passive one, listed at the end of the work, is an example that was intended to be coherent and elucidative of the course of investigation undertaken.

Resumen: Este artículo analiza comparativamente los films Barravento (1962), primer largo metraje de Glauber Rocha, emblemático del Cinema Novo, y Ventos de agosto (2014) de Gabriel Mascaro, del Novíssimo Cinema Brasileiro. El foco puesto en el viento busca pensar los modos de figurar la relación entre el cine y lo político. Estas dos pelí culas capturan el rumbo del viento desde dimensiones opuestas -la violencia o la vacuidad, la tempestad o la brisa arremoli nada- que permiten ensayar una reflexión sobre las formas de lo sensible a partir de las dinámicas de lo imperceptible. Abstract: This article comparatively analyzes the films Barravento (1962), thefirstfilmby Glauber Rocha, emblematic of Cinema Novo, and Ventos de agosto (2014), by Gabriel Mascaro, from the Novíssimo Cinema Brasileiro. The focus on the wind seeks to think the relationship between cinema and politics. These two films capture the course of the wind from opposite dimensions -violence or emptiness, the storm or the swirling breeze- that allow us to reflect on the forms of the sensible from the dynamics of the imperceptible. Resumo: O artigo analisa comparativamente os filmes Barravento (1962), o primeiro de Glauber Rocha, emblemático do Cinema Novo, e Ventos de agosto (2014) de Gabriel Mascaro, do Novíssimo Cinema Brasileiro. O foco colocado no vento procura pensar sobre as formas de mostrar a relação entre cinema e política. São dois filmes que captam o curso do vento a partir de dimensões opostas -violência ou vazio, a tempestade ou a brisa em espiral- que permitem ensaiar uma reflexão sobre as formas do sensível a partir da dinâmica do imperceptível.

Commentaire du texte d’Antonio Candido, présenté lors du Tiers monde et communauté mondiale à Gênes en 1965, en lien avec le rôle de Glauber Rocha et du Cinema Novo dans l’autoreprésentation de la société brésilienne. Revisite et critique de l’image du Brésilien comme “peuple cordial”, image niant la violence constitutive de la société brésilienne et effaçant des composants de l’Histoire sociale. Importance du modèle européen dans l’indianisme et le nativisme, créé au XVIIIe siècle, perversité d’une représentation formelle qui prétend différencier le pays de la métropole, qui exclut tout de même les représentants réels, les Indiens, de l’État de droit. Comentário do texto de Antonio Candido apresentado no Congresso Terzo Mondo e Communità Mondiale em Génova em 1965, em ligação com o papel de Glauber Rocha e do Cinema Novo na auto representação da sociedade brasileira. Revisitação e crítica da imagem do brasileiro como “povo cordial, imagem negando a violência constitutiva da sociedade brasileira e apagando componentes da história social. Importância do modelo europeu no indianismo e nativismo, criado no século XVIII, perversidade duma representação formal que pretende diferenciar o país da metrópole, embora exluindo os reprentantes reais, os Indios, do Estado de direito.

Comentário do texto de Antonio Candido apresentado no Congresso Terzo Mondo e Communità Mondiale em Génova em 1965, em ligação com o papel de Glauber Rocha e do Cinema Novo na auto representação da sociedade brasileira. Revisitação e crítica da imagem do brasileiro como “povo cordial, imagem negando a violência constitutiva da sociedade brasileira e apagando componentes da história social. Importância do modelo europeu no indianismo e nativismo, criado no século XVIII, perversidade duma representação formal que pretende diferenciar o país da metrópole, embora exluindo os reprentantes reais, os Indios, do Estado de direito. Commentaire du texte d’Antonio Candido, présenté lors du Tiers monde et communauté mondiale à Gênes en 1965, en lien avec le rôle de Glauber Rocha et du Cinema Novo dans l’autoreprésentation de la société brésilienne. Revisite et critique de l’image du Brésilien comme “peuple cordial”, image niant la violence constitutive de la société brésilienne et effaçant des composants de l’Histoire sociale. Importance du modèle européen dans l’indianisme et le nativisme, créé au XVIIIe siècle, perversité d’une représentation formelle qui prétend différencier le pays de la métropole, qui exclut tout de même les représentants réels, les Indiens, de l’État de droit.

The international conference Ruy Guerra e o Pensamento Crítico das Imagens (Ruy Guerra and Images’ Critical Thought) took place in Paris between the 7th and the 9th of October 2015. This article proposes a critical account of the event.

This essay suggest that the discussion of the issue of Portuguese cinema takes place at the most conceptual level possible, addressing its condition as national cinema and the way in which both film criticism and film studies have undertaken its analysis using this same framework. Dominant concepts and discourses will be challenged and we will assess the pragmatic importance of Portuguese cinema to audiences. In effect, more than attempting to answer the question “what is Portuguese cinema?”, this essays aims to explore what precedes the “being”, which is the reason for “existing” in the first place.

Submitted by ROSIEL MENDON??A (rosielmendonca@gmail.com) on 2018-09-05T04:25:51Z No. of bitstreams: 3 DISSERTA????O_vers??o final_revisada.pdf: 3071573 bytes, checksum: 0397b4edbd3b5ae513d3f9a33dfaab1e (MD5) ATAS.pdf: 4329030 bytes, checksum: 635840e9c4d26920551bf319b81db275 (MD5) img016.pdf: 466832 bytes, checksum: bca68a1d0ea6aa8541b6beb3cdf2b174 (MD5) Approved for entry into archive by PPGSCA Sociedade e Cultura na Amaz??nia (secppgsca@gmail.com) on 2018-09-10T22:51:47Z (GMT) No. of bitstreams: 3 DISSERTA????O_vers??o final_revisada.pdf: 3071573 bytes, checksum: 0397b4edbd3b5ae513d3f9a33dfaab1e (MD5) ATAS.pdf: 4329030 bytes, checksum: 635840e9c4d26920551bf319b81db275 (MD5) img016.pdf: 466832 bytes, checksum: bca68a1d0ea6aa8541b6beb3cdf2b174 (MD5) Approved for entry into archive by Divis??o de Documenta????o/BC Biblioteca Central (ddbc@ufam.edu.br) on 2018-09-11T14:39:17Z (GMT) No. of bitstreams: 3 DISSERTA????O_vers??o final_revisada.pdf: 3071573 bytes, checksum: 0397b4edbd3b5ae513d3f9a33dfaab1e (MD5) ATAS.pdf: 4329030 bytes, checksum: 635840e9c4d26920551bf319b81db275 (MD5) img016.pdf: 466832 bytes, checksum: bca68a1d0ea6aa8541b6beb3cdf2b174 (MD5) Made available in DSpace on 2018-09-11T14:39:18Z (GMT). No. of bitstreams: 3 DISSERTA????O_vers??o final_revisada.pdf: 3071573 bytes, checksum: 0397b4edbd3b5ae513d3f9a33dfaab1e (MD5) ATAS.pdf: 4329030 bytes, checksum: 635840e9c4d26920551bf319b81db275 (MD5) img016.pdf: 466832 bytes, checksum: bca68a1d0ea6aa8541b6beb3cdf2b174 (MD5) Previous issue date: 2018-08-10 The present dissertation makes an analysis of the filmic discourse of the short documentary ???Amazonas, Amazonas???, directed by Glauber Rocha between the years 1965 and 1966. The film is the result of an order from the Department of Tourism and Promotion, an agency of the state government that wanted to spread the tourist and economic potential of Amazonas in a context of profound political change at the national level. For this, we used documentary and bibliographical sources in order to reconstitute the experience of the director in the region and the social conditions of production of said film. Taking into account the context of cultural and political effervescence of the time, we try to identify wich representations does the film make of Amazonas and the Amazon region. A presente disserta????o faz uma an??lise do discurso f??lmico do document??rio de curta-metragem ???Amazonas, Amazonas???, dirigido pelo cineasta baiano Glauber Rocha entre os anos de 1965 e 1966. A obra ?? fruto de uma encomenda do Departamento de Turismo e Promo????o, ??rg??o do governo estadual que desejava divulgar as potencialidades tur??sticas e econ??micas do Amazonas num contexto de profunda mudan??a pol??tica em ??mbito nacional. Para isso, recorremos a fontes documentais e bibliogr??ficas no intuito de reconstituir a experi??ncia do diretor na regi??o e as condi????es sociais de produ????o do referido filme. Levando em conta o contexto de efervesc??ncia cultural e pol??tica da ??poca, buscamos identificar que representa????es o filme faz do Amazonas e da regi??o amaz??nica num sentido mais amplo.

El proceso de radicalización y movilización social que tuvo lugar en la década de 1960 en América Latina produjo, en el campo cultural, un encuentro explícito entre arte y política. En este contexto, las prácticas fílmicas y las representaciones elaboradas por el Nuevo Cine Latinoamericano no pueden desligarse de lo discutido y actuado en el ámbito de las organizaciones de la Nueva Izquierda del continente. Este artículo aborda la cuestión de la violencia como uno de los ejes que atravesó al cine de intervención política latinoamericano del período, analizando una serie de filmes de tres de sus expresiones nacionales (el cinema novo brasileño y los cines militantes argentino y uruguayo). Se sitúa los filmes en el contexto de los movimientos emancipatorios de los cuales los cineastas se consideraban parte, y se examina el modo en que la discusión sobre los usos, la legitimidad e incluso la urgencia de la violencia como vía de transformación social permeó las películas.

We take as a starting point Walter Benjamin’s concepts and analyze, in the films The Dare (Paulo César Saraceni, 1965), Land in Anguish (Glauber Rocha, 1967) and The Heirs (Carlos Diegues, 1970), the sequences with Villa-Lobos’ music, which evoke both the idea of history as a catastrophe and the film Black God, White Devil (Glauber Rocha, 1964), to which those films are also related through the travel shot. However, unlike the utopia of the 1964’s movie, filmed before the Military Coup, the installation of the dictatorship brings to the idealistic characters a catastrophic feeling, which, taking Benjamin’s concept, can also be understood as potency. Partimos de conceitos de Walter Benjamin e analisamos, nos filmes O desafio (Paulo César Saraceni, 1965), Terra em transe (Glauber Rocha, 1967) e Os herdeiros (Carlos Diegues, 1970), as sequências com música de Villa-Lobos que evocam tanto a ideia da história como catástrofe quanto o filme Deus e o diabo na terra do sol (Glauber Rocha, 1964), com o qual tais filmes se relacionam também pelo elemento do travelling. Porém, diferentemente da utopia do filme de 1964, feito antes do Golpe Militar, a instalação da ditadura traz para os personagens idealistas o sentimento catastrófico, que, a partir de Benjamin, pode ser entendido também como potência.

Partimos de conceitos de Walter Benjamin e analisamos, nos filmes O desafio (Paulo César Saraceni, 1965), Terra em transe (Glauber Rocha, 1967) e Os herdeiros (Carlos Diegues, 1970), as sequências com música de Villa-Lobos que evocam tanto a ideia da história como catástrofe quanto o filme Deus e o diabo na terra do sol (Glauber Rocha, 1964), com o qual tais filmes se relacionam também pelo elemento do travelling. Porém, diferentemente da utopia do filme de 1964, feito antes do Golpe Militar, a instalação da ditadura traz para os personagens idealistas o sentimento catastrófico, que, a partir de Benjamin, pode ser entendido também como potência.

Tese (doutorado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Artes, 2018. A presente pesquisa de doutorado tem por objetivo ampliar e aprofundar as relações que identificamos entre as propostas estéticas, linguísticas e poéticas do teatrólogo francês Antonin Artaud e a cinematografia do cineasta brasileiro, líder do movimento conhecido como Cinema Novo, Glauber Rocha. Nosso interesse, a partir do livro do filósofo francês Jean-Jacques Lecercle, Philosophy Through the Looking-Glass, e do conceito de délire, no qual um dos objetos de análise refere-se a Artaud, é abordar a obra de ambos os artistas sob novos enfoques tanto no trabalho cênico quanto em seu arcabouço teórico e filmográfico. Essa investigação, inédita, traz novas possibilidades de análises e estudos sobre a obra de Glauber Rocha, identificando-o como um artista filiado à poética da crueldade e do délire. The present doctorate research aims at extending and deepening the relations which we identify between the aesthetic, linguistic and poetical proposals of French theatrologist Antonin Artaud and the cinematography of Brazilian film maker, leader of the movement known as Cinema Novo (New Cinema), Glauber Rocha. Our interest – from the book by French philosopher Jean-Jacques Lecercle, Philosophy Through the Looking-Glass, and the concept of délire, within which one of the objects of analysis refers to Artaud – lies in approaching the oeuvre of the two artists with new focuses both on the scenic work and their theoretical and filmic skeleton. This unprecedented investigation brings new possibilities of analyses and studies on the oeuvre of Glauber Rocha, identifying him as an artist affiliated with the poetics of cruelty and délire.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Ciências Sociais, Departamento de Sociologia, 2018. Fundação de Amparo à Pesquisa do Distrito Federal (FAP-DF). O cineasta brasileiro Nelson Pereira dos Santos foi muito importante na consolidação do cinema e audiovisual no Brasil e considerado um dos grandes agentes na consagração do movimento cinematográfico Cinema Novo, nas décadas de 1950 e 1960. Este diretor de cinema tem uma obra muito vasta, com forte apelo à cultura popular e à nação brasileira. Realizou vários filmes adaptados diretamente de obras da literatura nacional e outros inspirados nessa mesma tradição literária. Em sua filmografia, é perceptível que há uma relação direta entre cinema, literatura e nação, desta forma, o objetivo central desta pesquisa será entender quais são os aspectos de uma noção de escritura de nação que estão presentes no filme Vidas Secas (1963) deste cineasta, ou seja, entender como este diretor de cinema inscreve e imprime elementos nacionais nesta obra. O enfoque teórico-metodológico desta pesquisa está baseado no estudo da noção de escritura de nação a partir, fundamentalmente, do material interno ao próprio filme, ou seja, suas ferramentas técnico-artísticas, a fim de localizar esses elementos inscritos na obra, após a realização de uma leitura mais minuciosa da obra literária que inspirou a sua obra fílmica. A partir disso, ao final, será sugerida uma reflexão do filme enquanto arquivo, com o intuito de refletir se elementos nacionais também possam ter contribuído por inscreverem aspectos de nação em outros fluxos culturais que se desdobraram e que foram influenciados por esta produção artística de Nelson Pereira dos Santos. Brazilian filmmaker Nelson Pereira dos Santos was very important for the consolidation of cinema and audiovisual in Brazil and is considered one of the great agents in the acclaim of the cinematographic movement Cinema Novo, in the decades of 1950 and 1960. This filmmaker has a very vast work, with strong appeal to popular culture and the brazilian nation. He made several films adapted directly from works of national literature and others inspired by its literary tradition. In his filmography, it is noticeable that there’s a direct relation between cinema, literature and nation - therefore, the main objective of this research is to understand what are the aspects of a notion of nation’s writing that are present in the filmmaker's filmography and how he writing and impressing national elements in his body of work. The theoretical-methodological approach of this research is based on the study of the notion of nation’s writing from, fundamentally, the internal material to the film itself, that is, its technical-artistic tools, in order to locate those elements present in the work, after a more thorough reading of the literary work that inspired the film work. From there, it will be suggested a reflection of the film as an archive, in order to reflect if national elements may also have contributed to witring aspects of the nation in other cultural flows that unfolded and that were influenced by this artistic production of Nelson Pereira dos Santos.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Letras, Departamento de Teoria Literária e Literaturas, Programa de Pós-Graduação em Literatura, 2018. Terra em Transe são os nomes dos três roteiros de cinema que fizeram parte do processo de criação do filme homônimo, de 1967. Tais roteiros são o objeto de estudo deste presente trabalho, que visa contribuir com a história e a teoria do roteiro mundial. Estes roteiros se diferenciam do modelo de roteiros do cinema industrial canônico. Os roteiros e o filme foram criados por Glauber Rocha, cineasta brasileiro que participou do movimento do Cinema Novo no Brasil. Este cineasta pensava criticamente o cinema e, dentre seus textos críticos, escreveu importantes textos-manifestos, como o Estetyka da Fome e A revolução é uma Estetyka que consistem em um esforço de aproximação do cinema a uma ideia de função política necessária ao cinema. Os roteiros e os textos-manifestos formaram a base para o delineamento de conceitos que perpassam todo o trabalho. Tais conceitos são o choque e o transe, que compõem parte da estratégia política de Glauber Rocha para a construção do pensamento; e a precariedade, que faz parte de todos os elementos e etapas de criação dos roteiros. Estes três roteiros foram colocados em um encontro com a filosofia imanente de Baruch Espinosa, com o intuito de pensar o que é a superstição e por que ela pode afetar o corpo de modo a diminuir sua potência. Nos roteiros de Glauber Rocha há um transe que não é supersticioso, mas desalienante. Este transe é aqui interpretado a partir da teoria da montagem de Sergei Eisenstein, cineasta russo, que pensa a montagem para além das imagens: como caminho de pensamento. Mas, tanto em Glauber Rocha quanto em Eisenstein, há uma precariedade que persegue o cinema, um silêncio, um espaço imprevisível, que se abre, como se fosse um questionamento, ao leitor do roteiro. Mas a precariedade está também e de maneira intimamente interligada, com a técnica de todo o processo de criação do cinema de Glauber Rocha, através de recursos escassos para a produção. A precariedade é também pertencente aos corpos que necessitam, com urgência, mostrar sua real potência. Entranced Earth is the name of the three movie scripts that were part of the process of creating the eponymous film of 1967. These scripts are the object of study of this present work, which aims to contribute to the gobal history and theory of the cinematic script. These scripts differ from the canonical model of industrial movie scripts. The screenplays and the film were created by Glauber Rocha, a Brazilian filmmaker who participated in the Cinema Novo movement in Brazil. This filmmaker was a critical thinker of cinema and, among his critical texts, wrote important texts-manifestoes, such as Aesthetics of Hunger and The Revolution is an Aesthetic that consist of an effort to bring cinema closer to an idea of a necessary political function. The scripts and the manifestos formed the basis for the delineation of concepts that run throughout this work. These concepts are shock and trance, which compose part of Glauber Rocha's political strategy for the construction of thought; and precariousness, which is part of all the elements and stages of script creation. These three scripts were brought together with the immanent philosophy of Baruch Spinoza to question the meaning of superstition and why it diminishes the body’s power. In the scripts of Glauber Rocha there is a trance that is not superstitious, but de-alienating. This trance is here interpreted through the theory of Sergei Eisenstein, a Russian filmmaker, who understands the picture montage beyond the images, as a path for thought. In both Glauber Rocha and Eisenstein, there is a precariousness that haunts cinema, a silence, an unpredictable space that opens up, as if it were a question, to the reader of the script. But the precariousness is also closely intertwined with Glauber Rocha’s process of cinematic creation because of the scarcity of resources for production. Precariousness also pertains to bodies that urgently need to show their real and possible power.

Este artigo apresenta uma investigação acerca dos métodos de análise e argumentação presentes no trabalho do crítico de cinema Ely Azeredo, sobre o Cinema Novo. O objetivo deste estudo foi encontrar respostas para o posicionamento negativo do crítico a este movimento que marcou a modernização da cinematografia brasileira. Para esta análise, foi selecionado dois textos publicados no periódico carioca Jornal do Brasil a respeito de um filme representativo do Cinema Novo: Terra em Transe, de Glauber Rocha, lançado em 1967. Os textos apresentam opiniões divergentes de Ely Azeredo sobre a obra em questão, contrastando com o julgamento hegemônico de sua época, que articulava-se de maneira a exaltar as inovações narrativas, técnicas e temáticas que tal obra continha.Palavras-chave: Ely Azeredo; Crítica Cinematográfica; Cinema Novo.

Submitted by LUÍS GERALDO ROCHA null (luis.geraldo21@hotmail.com) on 2017-11-07T12:32:58Z No. of bitstreams: 1 Dissertação - .pdf: 2325121 bytes, checksum: 1b2c60bc933f3094a795207665caef8e (MD5) Approved for entry into archive by Luiz Galeffi (luizgaleffi@gmail.com) on 2017-11-21T13:35:57Z (GMT) No. of bitstreams: 1 rocha_lg_me_bauru.pdf: 2325121 bytes, checksum: 1b2c60bc933f3094a795207665caef8e (MD5) Made available in DSpace on 2017-11-21T13:35:57Z (GMT). No. of bitstreams: 1 rocha_lg_me_bauru.pdf: 2325121 bytes, checksum: 1b2c60bc933f3094a795207665caef8e (MD5) Previous issue date: 2017-10-27 Esta dissertação analisa o trabalho do crítico de cinema Ely Azeredo, a partir de um corpus de vinte e sete artigos sobre o cinema brasileiro publicados entre 1956 a 1973, nos periódicos cariocas Tribuna da Imprensa e Jornal do Brasil. Este recorte temporal foi delimitado levando em consideração as profundas transformações e manifestações fílmicas inovadoras que a cinematografia do país apresentou nesse período. Nessa fase, surge o Cinema Novo, influenciado pela Neorrealismo Italiano e pela Nouvelle Vague Francesa, cujo objetivo era realizar uma leitura a partir do seus filmes dos problemas sócio-políticos do Brasil. Paralelamente, o Cinema Marginal surge como contraponto ao Cinema Novo, alegando que o cinema nacional só poderia criar obras legitimamente brasileiras, a partir do momento em que aceitasse sua posição de subdesenvolvido, trabalhando todos os elementos do “dejeto industrial” que era despejado na cultura brasileira. Por fim, tem-se o advento das comédias eróticas, que seriam rotuladas, no futuro, como “pornochanchadas”, pois o gênero possuía caráter popular ao combinar a comédia de costumes e o erotismo. Durante esse período, o Brasil passou por um golpe militar, que depôs o então Presidente João Goulart, e, consequentemente, instaurou uma ditadura no país, que perdurou por 21 anos (1964-1985), fazendo com que a produção cinematográfica brasileira fosse afetada, direta ou indiretamente por esse cenário político. Com o propósito de investigar a construção de sentido em uma produção midiática específica, representada pelas críticas de Ely Azeredo, a metodologia adotada para a análise do corpus foi a Análise do Discurso de linha francesa. This dissertation analyzes the work of the film critic Ely Azeredo, based on a corpus of twenty -seven articles on Brazilian cinema published between 1956 and 1973, in the Rio’s Tribuna da Imprensa and Jornal do Brasil periodicals. This temporal cut was delimited taking into account the profound transformations and innovative filmic manifestations that the cinematography of the country presented in that period. In this phase, Cinema Novo appears, influenced by Italian Neorealism and by the French Nouvelle Vague, whose objective was to make a reading from his films of the socio-political problems of Brazil. At the same time, Marginal Cinema emerges as a counterpoint to Cinema Novo, claiming that national cinema could only create legitimately Brazilian works, from the moment it accepted its underdeveloped position, working all elements of the "industrial plot" that was dumped in the culture Brazilian. Finally, one has the advent of erotic comedies, which would be labeled, in the future, as "pornochanchadas", since the genre had a popular character when combining comedy of customs and eroticism. During this period, Brazil underwent a military coup, which deposed the then President João Goulart, and, consequently, established a dictatorship in the country, which lasted for 21 years (1964-1985), causing Brazilian cinematographic production to be affected, directly or indirectly through this political scenario. In order to investigate the construction of meaning in a specific media production, represented by the critics of Ely Azeredo, the methodology adopted for the analysis of the corpus was the French Line Discourse Analysis.

CNPq - Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico A presente pesquisa propõe lançar um olhar para as imagens de figurantes em filmes ficcionais dos primeiros anos do Cinema Novo (1962-1967). Por meio de uma análise das aparições dessas e desses habitantes locais das cidades onde ocorreram as filmagens, buscamos examinar potências críticas nas imagens legadas por essa filmografia, capazes, em nossa hipótese, de confrontar estereótipos, expor singularidades dos povos ou narrar a sua história a contrapelo. Em termos metodológicos, o trabalho privilegia a plasticidade das imagens, ou seja, as maneiras como são apresentados os rostos, corpos, gestos e vozes de figurantes. Três dimensões potencialmente críticas serão privilegiadas na abordagem das figurações (aparição, atravessamento e desvio), de modo a descrever e interpretar como as operações estéticas dos filmes apreenderam as e os figurantes. Embora a dissertação acione uma série de obras dos primeiros anos do Cinema Novo, bem como alguns trabalhos anteriores, compõem o seu corpus central os filmes Os fuzis (1964), de Ruy Guerra, e O padre e a moça (1966), de Joaquim Pedro de Andrade. A partir do exame das aparições de figurantes nessas obras, busca-se destacar de que formas o Cinema Novo representou um rompimento com outras figurações dos povos no cinema brasileiro, mediante a criação de imagens que – na contramão de operações que reforcem a estereotipia – foram capazes de expor sua resistência contra as opressões sociais sofridas. The present research intends to examine the images of extras in the fictional films from the early years of the Cinema Novo (1962-1967). Through an analysis focused on the apparitions of these local inhabitants from the villages where filming took place, we tried to enlighten how potencies emerge in the images bequeathed by this body of work, enabled to confront stereotyping, expose singularities and brush history against the grain. In methodological terms, this research centers in the plasticity of images, that is, how the faces, bodies, gestures and voices of the extras are presented. Forthwith, three analytical dimensions of approach to these figurations will be highlighted (apparition, crossing and deviation), with the objetive of describing and interpreting how the aesthetic operations accomplished by the films captured the extras. Although the research evoques a series of films from the early years of the Cinema Novo, as well as others from previous eras, its main corpus includes Os fuzis (1964), by Ruy Guerra, and O padre e a moça (1966), by Joaquim Pedro de Andrade. Through investigations about the apparitions of extras in these works, we try to highlight how the Cinema Novo represented a rupture from previous forms of figurations of the people in the brazilian cinema, by creating images that – on the opposite of procedures of stereotyping – were able to expose a resistance against the social oppressions imposed upon them.

The article discusses, through the analysis of Leon Hirszman’s Garota de Ipanema (1967) and its social circuit, tensions between politics and pleasure on daily life at Rio de Janeiro during the military dictatorship. The reinterpretation of a Bossa Nova song on a movie that intended to follow the daily life of a middle-class girl from Ipanema is expected as a break with the assumptions on how to make political cinema followed so far by its director, one of the exponents of Brazilian Cinema Novo (New Cinema). After all, both Ipanema and Bossa Nova were considered representative of a depoliticized bohemia apparently not worried with art intervention in society, important to Cinema Novo’s filmmakers. Ironically, the film disappointed critics exactly because it was not a good entertainment, for it aimed to understand the relations of the “girl from Ipanema” with the world, including her perception of politics under a dictatorship. Thus, the analysis aims the connections between dictatorship, art and bohemia both on and through the film. El artículo aborda, a través del análisis del film Garota de Ipanema (Leon Hirszman, 1967) y de su circuito social, las tensiones entre política y placer en el cotidiano de Rio de Janeiro durante la dictadura militar. La relectura de una canción de Bossa Nova a través de un film que pretendía acompañar el cotidiano de una niña de clase media en Ipanema es esperada como una ruptura con los presupuestos del cine político seguidos hasta entonces por su director, uno de los exponentes del Cinema Novo brasilero. Efectivamente, tanto la Bossa Nova como Ipanema eran consideradas metonimias de una bohemia despolitizada que no se conectaba, aparentemente, con la propuesta de intervención del arte en la sociedad, seguida por los cinemanovistas. Irónicamente, el film decepcionó a la crítica justamente por no ser un buen entretenimiento, mientras se proponía comprender la inserción de la protagonista en el mundo, inclusive su relación con la política bajo una dictadura. De este modo, el análisis posibilita pensar las conexiones entre dictadura, arte y bohemia, en el film y a través del mismo. O artigo aborda, através da análise do filme Garota de Ipanema (Leon Hirszman, 1967) e de seu circuito social, as tensões entre política e prazer no cotidiano do Rio de Janeiro durante a ditadura militar. A releitura de uma canção da Bossa Nova através de um filme que pretendia acompanhar o cotidiano de uma menina de classe média em Ipanema é esperada como um rompimento com os pressupostos do cinema político seguidos até então por seu diretor, um dos expoentes do Cinema Novo brasileiro. Afinal, tanto a Bossa quanto Ipanema eram consideradas metonímias de uma boêmia despolitizada que não se conectava, aparentemente, com a proposta de intervenção da arte na sociedade, seguida pelos cinemanovistas. Ironicamente, o filme decepcionou a crítica, justamente por não ser um bom entretenimento, se propondo a compreender a inserção da protagonista no mundo, inclusive sua relação com a política sob uma ditadura. Desse modo, a análise possibilita pensar as conexões entre ditadura, arte e boêmia no filme e através dele.

This paper discusses the cinema of Glauber Rocha from the notion of the Third World, which implies the discussion of nationalism and anti-imperialism. He was the Brazilian filmmaker who lived in Latin America and contacted many intellectuals of expression. The Cinema Novo did not fail to report, particularly in glauberian essayistic, the balcanization that is the condition of Latin American countries, which are ideological victims of the dominant audiovisual imperialism and its ramifications in the telenovela genre. The metropolis-colony polarity flows through Glauber Rocha’s filmography. The economic colonization is what determines the cultural alienation in Latin America. The filmmaker lived the counter-revolution of 1964, which gave birth to the sub-imperialism in Latin America, with Brazil´s key role in the initiation of this policy that does not cease to reinvigorate the colonial mentality that perpetuates the development of underdevelopment. En este artículo se analiza la película de Glauber Rocha de la noción del Tercer Mundo, lo que implica la discusión del nacionalismo y antiimperialismo. Fue el realizador brasileño que hizo la diáspora por América Latina y entró en contacto con muchos intelectuales de expresión. El Cinema Novo no dejó de informar, sobre todo en la ensayística glauberiana, acerca de la balcanización de los países de América Latina, víctimas ideológicas del imperialismo audiovisual dominante y sus ramificaciones en el género de la telenovela. La polaridad colonia-metrópolis caracteriza la filmografía de Glauber Rocha. La colonización económica es lo que determina la alienación cultural en América Latina. El cinecreador vivió la contra-revolución de 1964, que llegó el sub-imperialismo en América Latina, con Brasil teniendo papel clave en el inicio de esta política que no cesa de revitalizar la mentalidad colonial y que perpetúa el desarrollo del subdesarrollo. Este artigo aborda o cinema de Glauber Rocha a partir da noção de Terceiro Mundo, que implica a discussão sobre o nacionalismo e o anti-imperialismo. Ele foi o cineasta brasileiro que se diasporizou pela América latina e entrou em contato com vários intelectuais de expressão. O Cinema Novo não deixou de denunciar, sobretudo na ensaística glauberiana, a balcanização em que se encontram os países latino-americanos, os quais são vítimas ideológicas do imperialismo audiovisual dominante e suas ramificações no gênero telenovela. A polaridade metrópole-colônia atravessa a filmografia de Glauber Rocha. A colonização econômica é o que determina a alienação cultural na América Latina. O cineasta viveu a contrarrevolução de 1964, da qual sobreveio o subimperialismo na América Latina, tendo o Brasil papel essencial na deflagração dessa política que não deixa de revigorar a mentalidade colonial que perpetua o desenvolvimento do subdesenvolvimento.

Tese (doutorado)—Universidade de Brasília, Intituto de Ciências Sociais, Departamento de Sociologia, 2017. Esta pesquisa tem como tema e objeto de reflexão o corpo feminino assim como nos é apresentado nas narrativas do Cinema Novo no Brasil e da Nouvelle Vague na França, entre 1962 e 1972. Uma releitura dessas representações fílmicas corrobora a importância que foi atribuída a esses novos cinemas, seja por serem considerados movimentos de vanguarda e seus diretores vistos como revolucionários e modernos, seja pela tentativa de encontrar respostas aos questionamentos de uma sociedade em plena ebulição, aventurando-se em temas então candentes na década da liberação feminina. Essa década não foi apenas de transformação do cinema a que damos ênfase, mas também a de uma verdadeira revolução no que concerne às relações entre homem e mulher e às discussões dos movimentos feministas que ganham força nessa época. Neste contexto e com o advento da pílula, a mulher luta por emancipação e se liberta das amarras morais. Necessário se faz entender as representações do corpo feminino e as contradições morais, sociais e culturais que acontecem a partir desse novo paradigma, das mudanças requeridas pela mulher, compreendendo o complexo funcionamento do corpo feminino, entre a autoimagem e as imagens que a sociedade propõe para a construção da subjetividade. Após uma discussão teórica em torno do conceito de representação, a tese se dedica à análise de seis filmes, separados de dois em dois pela representação do corpo feminino em categorias como: CORPO ABJETO: O padre e a moça, 1965, de Joaquim Pedro de Andrade e Viver a vida, 1962 (Vivre sa vie), de Jean-Luc Godard; CORPO DO DELITO, O desafio, 1965, de Paulo Sérgio Saraceni e A mulher infiel, 1969 (La femme infidéle), de Claude Chabrol; por último, CORPO E SUBJETIVIDADE: Todas as mulheres do mundo, 1966, de Domingos de Oliveira e Cléo de 5 à 7, 1962, de Agnés Varda, totalizando seis filmes, sendo três filmes do Cinema Novo brasileiro e três da Nouvelle Vague francesa. This research takes as focus and subject of study the female body as presented in the narratives of the Brazilian Cinema Novo and the Nouvelle Vague in France, between 1962 and 1972. A rereading on the filmic representations corroborates the importance attributed to these new movie schools, that emerged in the post-war, either by being considered vanguard movements and their directors acknowledged as modern and revolutionaries or by the attempt to find answers to the questions of a boiling society, venturing in topics considered hot in the female liberation decade. This decade was not remarkable only for the cinema transformation, focus of our work, but also due to a true revolution in the relations between man and woman and to the discussions in the female movements that are strengthened in this time. In this context and with the contraceptive pill advent, women fights for emancipation and releases themselves from the moral ties. It is necessary to understand the female body representations and the moral, social and cultural contradictions that arise from this new paradigm, from the changes required for women, understanding the complex functioning of the female body, between the self-image and the images proposed by the society to construct the subjectivity. After an theoretical discussion around the representation concept, the thesis dedicate itself on the analysis of six films, separated in groups of two regarding the bodies: ABJECT BODY: O padre e a moça, 1965, from Joaquim Pedro de Andrade and Viver a vida, 1962 (Vivre sa vie), from Jean-Luc Godard; BODY OF CRIME, O desafio, 1965, from Paulo Sérgio Saraceni and A mulher infiel, 1969 (La femme infidéle), from Claude Chabrol; at last, BODY AND SUBJECTIVITY: Todas as mulheres do mundo, 1966, from Domingos de Oliveira and Cléo de 5 à 7, 1962, from Agnés Varda, totalizing six movies, being three films from brazilian Cinema Novo and three from french Nouvelle Vague. Cette recherche a comme thème le corps de la femme tel que présenté dans le récit de le Cinema Novo au Brésil et de la Nouvelle Vague en France, entre 1962 et 1972. Une réinterprétation de ces représentations filmiques corrobore l’importance qui a été attribuée à ces nouveaux cinémas, qui a émergé dans l’après-guerre, soit parce qu'ils sont considérés comme des mouvements d'avant-garde et de ses réalisateurs a considérés comme révolutionnaires et modernes, soit par la tentative de trouver des réponses aux questions d'une société en pleine ébullition, ils se sont aventurés sur les questions controversés dans la décennie de la libération des femmes. Cette décennie a été non seulement de la transformation du cinéma que nous mettons l’accent, mais aussi d’une véritable révolution en ce qui concerne la relation entre l’homme et la femme et aux discussions des mouvements féministes qui ont grande force en ce moment. Dans ce contexte et avec l’avènement de la pilule, les femmes luttent pour l’émancipation et se libère de ses amarres moraux, sociaux et culturels qui se produisent de ce nouveau paradigme, les changements exigés par la femme, comprenant le fonctionnement complexe du corps féminin, entre l’image de soi et l’image que la societé propose par la construction de la subjectivité. Après une discussion théorique autour du concept de représentation, la thèse est consacrée à l’analyse de six films, séparé de deux en deux par la représentation du corps féminin en catégories telles que: CORPS ABJECT: O padre e a moça, 1965, réalisé par Joaquim Pedro de Andrade et Viver a vida, 1962, (Vivre sa vie), Jean-Luc Godard; CORPS DU CRIME: O desafio, 1965, de Paulo Sérgio Saraceni et A mulher infiel, 1969 (La femme infidéle), de Claude Chabrol; Enfin, CORPS ET SUBJECTIVITE,: Todas as mulheres do mundo, 1966, de Domingos de Oliveira e Cléo de 5 à 7, 1962, de Agnés Varda, un total de six films, trois films brésiliens de le Cinema Novo et trois de la Nouvelle Vague française.