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The Centre Beaubourg of Paris, now known as the Centre National d'Art et de Culture Georges Pompidou, conceived by Piano+Rogers Architects and Ove Arup & Partners, between 1971 and 1977, represents one of the rare synthesis of the architectural, constructional, artistic, political and cultural effervescence of the 1960s. The Centre Pompidou is Georges Pompidou's presidential monument designed to put France back at the centre of the architectural debate and to offer Parisians a venue dedicated to contemporary art and culture. It is the project by Renzo Piano, Richard Rogers, Gianfranco Franchini and Piano+Rogers Architects, conceived as a flexible, anti-monumental infrastructure to rehabilitate the neighbourhood and act as a broadcast of information, but destined to give up that flexibility and broadcasting role following the discovery of the aesthetic and expressive value of technical equipments. It is the manifesto for a new kind of metal structure conceived by Ted Happold, Peter Rice and Lennart Grut of Ove Arup & Partners to revive the special technique of steel casting and lead it to unprecedented expressive results. Finally, the Centre Pompidou is the difficult attempt to hold together the visions of Pompidou, Piano+Rogers Architects and Ove Arup & Partners, between a flexible environment and an expressive structural and technical machine, between a national monument and a popular anti-monumental infrastructure, between technological devices serving the user and spectacular technology. On the eve of its closure for the largest restoration campaign ever carried out, this research aims to investigate the Centre Pompidou to reconstruct its history, resorting for the first time to a scientific investigation based on the use of all the archival sources accessible to researchers. The immense literature on the project is still characterised by a general fragmentary nature; by the hagiographic and journalistic nature of the monographs; by the diffusion of contributions influenced by the posthumous reinterpretations carried out by Piano, Rogers and Rice, and by the absence of historical monographs aimed at retracing the genesis and the overall development of the project. This research reconstructs the history of the Centre in its entirety through the analysis and reconstruction of its fundamental stages, the idea (1968-1971), the project (1971-1973) and the construction (1973-1977), dedicated respectively to the presidential conception and the development of the international ideas competition in 1971; the evolution of the winning project, from the initial idea to the executive drawings; the realisation of the work and the reconstruction of the history of the construction site. The research uses the historical method and is developed through the retrieval of all the available published and unpublished sources and their classification and analysis. The final essay resorts to the chronicle as a tool for the reconstruction of a narrative that aims to render with historical fidelity the complexity of the events, the genesis of the project choices, and the relationship between the creative process, the construction reality and external constraints. The monographic investigation based on in-depth archive research aims to replace the interpretative readings and posthumous reinterpretations carried out over the last forty years and to become a fundamental reference for future restoration and maintenance work at the Centre Pompidou.

Nel corso dell’ultimo decennio, la generazione degli architetti emergenti si è interrogata sulla questione della rappresentazione dell’architettura, contrapponendo al rendering fotorealistico un genere di figurazione basato sull’impiego di procedure compositive provenienti dalle arti figurative quali il collage, il montaggio e l’assemblaggio. Tra gli esponenti di questa generazione, False Mirror Office tenta di fare dell’assemblaggio un procedimento creativo per il progetto di architettura, dove ossessioni giovanili, citazioni dei maestri, retaggi della cultura popolare contemporanea e forme di invenzione collidono senza nascondersi. False Mirror Office guarda alla genealogia dell’assemblaggio in architettura attraverso la riscoperta di una delle sue declinazioni più compiute: gli esperimenti realizzati tra il 1968 e l’inizio degli anni Settanta dal gruppo di architetti fiorentini UFO, composto da Carlo Bachi, Lapo Binazzi, Patrizia Cammeo, Riccardo Foresi, e Vittorio Maschietto. Attraverso disegni, documenti d’archivio e interviste ad alcuni membri di UFO, False Mirror Office analizza gli assemblaggi di UFO, ne delinea le origini e ne ripercorre l’evoluzione, dalla serie Urboeffimeri all’allestimento per la discoteca Bamba Issa. La riscoperta degli assemblaggi di UFO vuole essere anche l’occasione per stabilire un dialogo con alcuni progetti di False Mirror Office, al fine di ribadire l’attualità dell’assemblaggio come procedimento creativo per l’architettura contemporanea., piano b. Arti e culture visive, Vol 4, No 2 (2019): Collage di carta, collage digitale: concetti di architettura a confronto

Nel corso dell’ultimo decennio, la generazione degli architetti emergenti si è interrogata sulla questione della rappresentazione dell’architettura, contrapponendo al rendering fotorealistico un genere di figurazione basato sull’impiego di procedure compositive provenienti dalle arti figurative quali il collage, il montaggio e l’assemblaggio. Tra gli esponenti di questa generazione, False Mirror Office tenta di fare dell’assemblaggio un procedimento creativo per il progetto di architettura, dove ossessioni giovanili, citazioni dei maestri, retaggi della cultura popolare contemporanea e forme di invenzione collidono senza nascondersi. False Mirror Office guarda alla genealogia dell’assemblaggio in architettura attraverso la riscoperta di una delle sue declinazioni più compiute: gli esperimenti realizzati tra il 1968 e l’inizio degli anni Settanta dal gruppo di architetti fiorentini UFO, composto da Carlo Bachi, Lapo Binazzi, Patrizia Cammeo, Riccardo Foresi, e Vittorio Maschietto. Attraverso disegni, documenti d’archivio e interviste ad alcuni membri di UFO, False Mirror Office analizza gli assemblaggi di UFO, ne delinea le origini e ne ripercorre l’evoluzione, dalla serie Urboeffimeri all’allestimento per la discoteca Bamba Issa. La riscoperta degli assemblaggi di UFO vuole essere anche l’occasione per stabilire un dialogo con alcuni progetti di False Mirror Office, al fine di ribadire l’attualità dell’assemblaggio come procedimento creativo per l’architettura contemporanea.

The integration of technical services in architecture played a crucial role in the history of post-war construction. The Centre Pompidou, conceived and realized between 1971 and 1977 by the architecture studio Piano and Rogers and the engineering firm Ove Arup and Partners, is an excellent example in this regard. Instead of reverting to traditional solutions such as service areas or suspended ceilings, Piano and Rogers chose to exhibit all the services of the building – from the air conditioning ducts to the movement system of people and goods – both in the interiors and exteriors. Exiled outside the envelope and placed within the “three dimensional walls” of the building, or rather clipped onto them, the Centre Beaubourg services were designed to serve the principle of “the maximum flexibility of use”. During the design process the refinement of these elements and the surrender to the pioneering audiovisual screens intended to animate the Centre’s main facades, created an unprecedented aesthetic value. Initially conceived as simple functional tools, the Centre Beaubourg services became symbolic and didactic devices designed to make the building a man-scale machine, both joyful and understandable. This paper focuses on one of the Centre Beaubourg main services, the air conditioning system, and aims to retrace the genesis and evolution of this element thorough all the phases of the design process, from the first ideas animating the preparation of the competition’s proposal to the prefabrication of the built solution.

Welcome to the post-analog condition* è un archivio digitale che il Circolo del Design costruisce in tempo reale per innescare e stimolare una riflessione condivisa in relazione alla pandemia causata dal Covid-19 in tutto il mondo. I protagonisti del mondo del design rintracciano nel passato un progetto attraverso cui guardare il presente. False Mirror Office presenta il Conversation Pit.

The search for ways of living adapted to the changes of society is gaining in importance in the context of the current Coronavirus pandemic. The domestic confinement, in fact, is revealing as never before the inadequacy of our homes to contemporary life. The juxtaposition and, in some cases, the hybridization of domestic activities with those traditionally carried out elsewhere, puts in crisis the concepts of type, room, furnishing and dimensional standard, no longer capable to respond to the new degrees of flexibility and privacy required in our homes. The advent of the individual and mobile digital device puts in crisis the hearth of the house and, therefore, leads to the dissolution of a space of exchange and conviviality in the domestic environment. In order to react to a dramatic condition that is affecting especially the inhabitants of the metropolitan micro-apartments, we must conceive an environment in which intimate spaces for private life, flexible spaces for collective life, technological devices and symbolic objects find a new synthesis. We must recover some of the founding elements from traditional models of dwelling, such as the wall, the room, the hearth and the piece of furniture. We must transform them to generate a domestic model where they could interact actively with the body and the psyche of the inhabitants. Only through the conception of this sort of ecosystem, made up of significant spaces, vital stimuli and an alternative community, we will manage to define a domestic model that is no longer a traditional dwelling but a habitat: from existenzminimum to existenzmaximum. The new habitat will be made up of a series of components contributing to define a device that goes beyond the «Fundamental Acts» of life, to respond to people’s «deep needs». The Inhabited Wall: a barrier between the metropolis and the habitat that hosts intimate and private spaces, whose activities go beyond survival to generate «new rituals». «The Big Box»: a neutral and flexible environment at the service of the community. The Utensils: devices that, through a synthesis of high technology, action and symbol, allow multisensory collective experiences. The Domestic Theatre: the fulcrum of collective activities consisting of a conversation pit which, combined with a scenic tower, becomes a stage for the mise en scène of domestic life.

Recherche et environnement de travail requièrent une architecture pouvant répondre à des diversifications et mutations programmatiques constantes. Les cloisonnements permanents des édifices sont abandonnés au profit d’une liberté spatiale basée sur un principe de flexibilité. Les chemins de fer ont sculpté les pentes lausannoises pour y façonner un plateau. Cette horizontalité trouve son épicentre avec la gare, qui devient tant une porte d’accès pour la ville qu’un lieu de rencontre entre le pôle culturel et les habitants. Le plateau qui accueille la proposition était autrefois la centrale de distribution des services postaux. Constituée d’un large complexe de bâtiments d’époques différentes, la forme du site témoigne encore aujourd’hui de l’empreinte laissée par les voies ferrées. Plateforme se présente comme une réponse envers cette instabilité programmatique. Une infrastructure autonome qui apparaît comme un bandeau métallique déposé sur une forêt de piliers en pierre massive. Ce disque s’installe sur le site en embrassant les anciens édifices de la poste tandis qu’il pénètre les bâtiments plus récents. L’ensemble forme alors un espace hétérogène et cohérent. La plateforme recouvre des terrasses dédiées à la culture du corps et à la dépense physique. Son intérieur, de par sa modularité et sa flexibilité, accueille des start-up lausannoises en émergence. Sa toiture, quant à elle, offre un belvédère public, un espace de détente et de contemplation destiné à la ville. Une rampe monumentale apparaît comme un organe sculpté par le rail, elle transperce et connecte l’ensemble du dispositif avec la future place de la gare.

Une dalle à la géométrie primaire, un disque élevé à 12 m de hauteur, un geste qui, d’une part, génère l’espace de l’événement, l’alter-ville, qui se détache du sol et, d’autre part, permet aux fonctions urbaines, tel que l’arrêt du tram, la place couverte pour le marché et les ateliers dédiés à la production artisanale et artistique, de s’installer au-dessous. Ce dispositif, affirmant cette dichotomie, offre aux flâneurs en quête d’expériences singulières une fugue vers le monde de l’événement et de l’instantanéité. Le plein, le podium, une structure inébranlable, sert de support pour celle qui aujourd’hui sera une tour de logements, un camping vertical urbain pour étudiants et artistes. Chaque individu aura la possibilité de louer une loge habitable à raccorder au réseau technique de la tour, à n’importe quel étage et pour n’importe quelle durée. Le vide est occupé par un dôme monumental renversé, une structure suspendue, en lévitation, qui contient un jardin édénique. La lumière caressant la surface réfléchissante du dôme rejoint le niveau inférieur. Les passants transitant au sol, fascinés par cette forme énigmatique, irradiée par les rayons du soleil, entreprendront l’ascension vers ce monde qui se détache de la rigueur de la ville. Cette structure héroïque veut exalter l’éphémère et l’événementiel. Une structure qui a la force de devenir la scénographie immuable pour une société en mouvement.

Ce projet s’inscrit dans la continuité d’un travail de recherche qui traitait de la thématique du revêtement en céramique à Milan dans l’architecture d’après-guerre. Il explore l’utilisation du matériau en tant qu’enveloppe mais également en tant que lieu d’expérimentation collective. Situé à NoLo, un quartier que la ville lombarde souhaite revaloriser, le laboratoire est un lieu de création comprenant une partie professionnelle destinée à la rénovation des revêtements présents à Milan ainsi qu’une partie atelier ouverte aux habitants du quartier. Il s’installe sur une parcelle bordée par le pont de la voie ferrée, à la place d’un vieux bâtiment industriel démantelé. Le bâtiment se divise entre extérieur et intérieur, entre peau et squelette. D’un côté, le corps principal est soutenu par une structure métallique sur lequel sont disposés les organes de circulation verticale ; de l’autre, l’enveloppe en céramique, détachée et légère, vient recouvrir cet intérieur comme pour l’habiller. Le projet s’étend aux et s’approprie les deux arcades sous le train pour en faire un espace d’exposition complété d’un café, ainsi qu’un magasin de céramiques. Grâce à sa polychromie, le laboratoire de céramique se distingue des bâtiments alentour et s’affirme comme objet emblématique du quartier.

En étudiant la prison, j’ai brisé tous mes rêves de dessiner son avenir. Elle n’en a pas. L’échec chronique des utopies carcérales nous rappelle les incohérences intrin et extrinsèques de ses fonctions. Et par peur de commettre la même erreur qui légitime son existence anachronique, affirmons-le franchement: la prison tend à disparaître, alors réfléchissons à son successeur! Notre projection se veut alternative dans le transfert d’un pouvoir purement judiciaire vers l’exécutif: la maîtrise des coûts et des répartitions sociologiques permettent une gestion complète des peines alternatives par l’état. L’observatoire intervient à trois niveaux imbriqués: la mise en place d’une stratégie nationale, la mise à l’épreuve en rétention provisoire et le fichage de masse, véritable rouage d’une quiétude citoyenne. L’Ile-Saint-Denis est le berceau idéal de cette architecture d’état, implantée entre deux bras de la Seine et dans un tissu urbain décousu. Le complexe pénal devient le premier signal maritime avant l’arrivée sur la capitale, en proposant une architecture aussi ambivalente que ses fonctions sont contradictoires. A travers une implantation à la fois enterrée qui tait sa présence et une forme forte transplantant l’horizon, la fermeté de l’état s'embellit d’un altruisme mis en avant. Une vertu affichée, un mécanisme caché … La substitution de nos libertés instables pour la sécurité de l’obéissance propose une nouvelle devise au projet. La liberté de nos sociétés se cache en prison.

En 2016 un séisme toucha la ville d'Amatrice, détruisant l’entier du vieux bourg. Eparpillés sur la tabula rasa, on ne retrouve que les restes d’une église, la tour d’un musée, l’empreinte au sol du vieux château. Le terrain est abandonné, protégé par une ceinture rouge en interdisant l’accès. La population est dispersée dans le territoire, renonçant inévitablement à son propre tissu socioéconomique et celui des villages satellites qui l’environnent. Afin de réactiver une ville et sa région, repartir de l’espace et des bâtiments publics est la prise de position théorique constitutive et radicale de ce projet de reconstruction. Cela s’organise sur trois nœuds principaux : les permanences urbaines de l’avenir d’Amatrice, les infrastructures énergétiques comme ordonnateurs de la ville et l’appropriation comme action sociale pour réinvestir le territoire. La composition des permanences – le carré de la place et son enceinte végétale, la collision des volumes du bâtiment public et de la route, axe historique de la ville – s’impose sur la tabula rasa. Ces composantes urbaines sont articulées à travers un réseau technique et énergétique permettant l’appropriation par une architecture légère, réversible, capable de répondre aux différents besoins dans le temps. Cette infrastructure devient alors le critère de reconstruction générant, à travers des tours solaires, les dimensions spatiales, énergétiques et structurelles des futurs bâtiments.

Depuis l’émergence du Web, le monde digital envahit de plus en plus notre société, impactant nos façons de vivre et nos relations avec le monde environnant. Alors que les appareils intelligents ont intégré nos activités quotidiennes, les machines qui permettent leur utilisation demeurent un mystère pour la plupart d’entre nous. Dans le processus du traitement de 0 et de 1, une nouvelle typologie issue de ce monde invisible est née : les datacenters. Ils envahissent silencieusement nos villes et les impactent de manière tangible. Souvent anonymes, fermés, opaques et inaccessibles, ils ne révèlent rien des conséquences spatiales, environnementales et sociales de leur implantation, creusant l’écart entre le virtuel et le physique et empêchant ainsi toute forme de reconnaissance des conditions de l’ère du digital. D.A.T.A 225 cherche à répondre à cette problématique en détournant les installations d’un datacenter privé, au cœur de Zurich, au profit de la collectivité. Le projet spécule sur l’instauration d’un nouveau règlement pour la construction des gratte-ciel mis en place par la Ville et repose sur la volonté de créer un dialogue entre les installations techniques d’un datacenter réimaginé et l’architecture. Interrogeons cette technologie dont la présence invisible a des incidences manifestes sur notre société, détournons-la pour en faire un créateur d’ambiance et érigeons le datacenter en icône de la dimension du digital!

Par sa perte d’espace libre, le campus de l’EPFL est marqué par un ensemble de bâtiments hétéroclites. Avec sa dépendance fonctionnelle, il devient le réceptacle d’une vie partielle, cadrée par des horaires stricts. Stipulé comme point essentiel de l’université, la vie sociale n’est que partielle, prouvant une inadaptabilité du campus à accueillir ses dynamiques intrinsèques. Revenant à la définition du campus comme champ, le projet s’articule autour d’une surface unique. Il s’inscrit comme interface avec son contexte. Sa position est cruciale, au croisement des centres d’intérêt actuels de l’université tels que le développement économique, la recherche, l’enseignement et la vie étudiante. Se définissant comme un nouveau sol commun pour la foule universitaire, cette nouvelle surface devient réceptacle de fonctions non désirables du campus : lieux de vie associative, ateliers étudiants, loisirs, etc. Cette nouvelle proposition offre un équilibre en réponse aux activités proposées sur le campus, fondées sur le travail. Les espaces intérieurs, conséquents de cette surface permettent une adaptabilité sur le court terme, tout en gardant une identité forte sur une plus longue durée. Par l’usage de matériaux recyclés, le projet ouvre un dialogue autre qu’un simple rapport de bâti, mais aussi un échange constant de flux, matériel et social. Le projet illustre une nouvelle typologie de bâtiment possible pour le campus de l’EPFL, proposant un nouveau dialogue avec celui-ci.

La Banlieue dénote des formes urbaines différentes de celles de la ville sans pouvoir exister de façon indépendante de celle-ci. Barre-Boulevard est l’antithèse de l’étalement urbain irrationnel. Une architecture aux dimensions radicales – densification maximale par emprise au sol minimale– pour un sauvetage du sol (humus). Elle est un acte de libération qui ne connait pas la notion d’obstacle et désenclave par sa qualité de boulevard. Prenant pour prétexte la nouvelle infrastructure du Grand Paris Express, la barre capture les flux et l’énergie de la Métropole, délivrant sa banlieue du joug de la macrocéphalie (Paris a la grosse tête). Barre-Boulevard est hypothèse d’un urbanisme alternatif. Son ossature générique au concept d’Exitenzminimum revu (20m2/personne) voit ses planchers démultipliés pour atteindre des densités de l’ordre de celles de Paris. Le grand ensemble absorbe les changements et multiplie les conditions de vies. Barre-Boulevard est un Droit à la ville. Un Hyperbuilding – mise en verticale du tissu de l’intra-muros qui passe par sa rationalisation – pour une congestion métropolitaine en banlieue. Elle est un tressage hiérarchisé d’avenues, de rues, de places, de squares, etc. Elle est aussi une imbrication de tracés largement dimensionnés et un maillage fin et perméable pour une complexité semblable à celle de la ville. C’est son scénario intérieur, cristallisé en béton, qui anime la barre et amène le Flâneur Baudelairien en Banlieue.

Génératrice d’un trafic maritime de grande envergure, la ville de Zeebruges s’est développée par la mise en place d’une économie à l’échelle océanique, au détriment de l’unité de son tissu urbain. La population des quatre zones d’habitation, séparées par les activités portuaires, se compose essentiellement d’anciens dockers retraités et de personnes de passage, touristes ou employés temporaires. C’est dans ce contexte que le programme d’une résidence pour personnes âgées vient dialoguer avec une situation sociale bien réelle. Ici, le projet s’inscrit dans la rencontre de deux univers : l’un dans une logique d’expansion du mouvement et l’autre de son absorption. Une séquence de fragments dans un mouvement du dehors vers le dedans. D’éléments séparateurs, les infrastructures portuaires deviennent un terreau capable d’alimenter l’imaginaire d’un lieu dans lequel s’épanouit librement le rythme des loisirs et de la retraite. L’ajout d’une dimension mémorielle vient enrichir l’arborescence du projet, reflet des écritures multiples que génèrent les résidents. Au-delà d’une mémoire du lieu, le rappel de la place réservée aux retraités dans l’histoire et l’aménagement d’espaces dans lesquels la mémoire individuelle peut s’exprimer deviennent des parties essentielles à l’édification d’une architecture pour la vieillesse.

Saint Louis, Missouri, est une ville moderne. Le système sur lequel elle est établie est obsolète: son plus grand défaut est la grille, trop vaste, trop dense, trop chère à entretenir. La modernité de Saint Louis tient dans sa lutte permanente contre la grille, faisant de chaque projet un projet infrastructurel, en conformité avec son temps. La ville est un laboratoire spéculatif, l’exaltation de modernités successives. Le complexe Pruitt Igoe est sûrement l’illustration la plus évidente de la stratégie du « blight ». Fléau parce qu’à Saint Louis l’infrastructure première est la population noire. C’est elle qui construit la ville selon le bon vouloir d’investisseurs qui rachètent à la ville des portions de plus en plus grandes de la grille, la vident, ses habitants avec. Un « blight » est à l’œuvre aujourd’hui. 700 hectares, un investisseur, deux grands projets. Et ironie, en son centre se trouvent les ruines de Pruitt Igoe. Le projet répond au cahier des charges de l’investisseur. L’objet spéculatif par excellence, la tour de 432 Park Avenue à New York, se couche dans le territoire. Dans cette barre sont relogés les habitants ; d’un côté, le vide de la grande histoire, de l’autre la densité spéculative. Les programmes des deux grands projets se nourrissent de leur contexte. Entre les espaces servants du CBD et ceux de la barre, la ville se forme autour de grands vides dialectiques qui concentrent les circulations. Elle s’en nourrit jusqu’à s’en soustraire, jusqu’au prochain « blight » et le départ de la population noire.

La densification urbaine de l’agglomération barcelonaise a dépassé la grille du plan Cerdà, évoluant vers un urbanisme métropolitain qui englobe les villes avoisinantes. C’est le cas de la municipalité de Sant Adrià, directement adjacente à la capitale catalane. Une parcelle particulière a particulièrement retenu l’attention des promoteurs : l’ancien site de la centrale thermique, idéalement situé en front de mer et proche de l’écosystème de la rivière Besòs. Désaffecté depuis 2011, le site conserve cependant trois cheminées monumentales et l’ancienne halle attenante, objets singuliers sur un sol qui porte encore les stigmates de l’activité industrielle, notamment une pollution aux métaux lourds et aux hydrocarbures qui rend le site inutilisable en l’état. L’ambition du projet est donc de restituer ce sol à la ville, d’abord en le rendant viable, pour constituer ensuite un parc urbain et agricole en relation avec la réhabilitation de l’ancienne centrale. L’intervention traite les terres lourdement polluées comme zones impraticables à moyen terme, tandis que le reste du terrain est traité organiquement pour le rendre fertile à court terme. Cette surface permet à long terme le développement incrémental d’un parc et d’une agriculture urbaine, qui réagit avec les programmes éducatifs et commerciaux prenant place dans l’ensemble réaffecté. La seconde partie de l’intervention développe les limites de la parcelle comme lieu d’échanges, de transition et d’habitat. Le système des passerelles aériennes connecte, les terrasses fournissent des lieux de repos, les cabines permettent un habitat saisonnier. Le front de mer est repensé comme une plateforme surélevée publique, à partir de laquelle le processus appliqué au sol devient un spectacle mouvant qui s’affirme comme pendant à l’infini de la Méditerranée.

Avec la troisième révolution industrielle, l'homme du XXIe siècle est face à une restructuration de la société et voit les rapports concernant les aspects de la individuelle et collective changer: travail, famille, loisirs, déplacements sont à réévaluer. L'architecture se doit alors de suivre le mouvement et de proposer de nouvelles solutions permettant à l'homme du XXIe siècle de s'accomplir dans tous les aspects de sa vie. Le monastère de l'ordre des chartreux, le projet théorique de “l'immeuble-villas” de Le Corbusier proposent des solutions. Tous deux parlent de communauté, d'isolement face au monde extérieur, d'équilibre entre loisirs et travail, entre individu et collectivité. Se basant sur ces références, “Insulae” est une proposition de logement collectif intégrant dans une même unité les aspects principaux de la vie d'un être humain: famille, travail, loisirs. Toutes les parties de l'édifice oeuvrent vers un but commun: permettre à ses occupants de s'accomplir dans ces trois aspects. “Insulae”, architecture introvertie, s'isole de la ville pour protéger ses occupants, les déconnecter du monde extérieur. Ils ne sont plus dictés par la société qui les entoure, par les déplacements, leur travail, les obligations quotidiennes car tout est à leur disposition au sein même de l'unité; ils évoluent selon un rythme qui leur est propre. Les mois, les semaines, les jours s'écoulent sans heurts.

Venise et son architecture appartiennent à une réalité suspendue entre les époques. Si l’on fait abstraction du nombre alarmant de touristes, lorsqu’on explore les ruelles labyrinthiques, lorsqu’on admire d’un vaporetto les palais qui s’affichent sur le Canal Grande ou lorsqu’on se retrouve au milieu de la piazza San Marco, on se laisse transporter au temps de Canaletto, fascinés par cette image atemporelle que l’on n’ose altérer. C’est justement pour cette raison que l’architecture contemporaine a toujours eu de grandes difficultés à trouver une place dans l’île lagunaire. Malgré cette impression, la Venise d’aujourd’hui est en réalité le fruit de changements continus, d’influences multiples qui révèlent le dynamisme de la ville. Le projet s’insère au centre de Venise – sur le site de la Peggy Guggenheim Collection, où aurait dû être construit un des plus grands palais jamais projetés – comme un geste provocateur qui veut montrer, à travers ses formes et ses matériaux, qu’à Venise, comme l’écrit Manfredo Tafuri « tradition » signifie « continuation de la trahison », continuation de ce que Venise a fait tout au long de son histoire : accueillir de nouveaux langages. A ce point naît une interrogation : existe-t-il une vénitianité ou au contraire une pluralité de réalités, d’images distinctes que chacun perçoit différemment ?

Au Royaume-Uni depuis 2001, l’accès au musée est gratuit, mais population se rendant dans les institutions s’est très peu diversifiée. De plus, les expositions temporaires sont quant à elles tarifées, et souvent chères. Le but de A Walk of Art est de mettre en place un espace muséal, qui attirerait un public large et varié. Pour ce faire, plusieurs programmes sont mis en lien, tous accessibles gratuitement : des surfaces d’expositions, des vues cadrées sur divers points de la ville, un belvédère, ainsi qu’une scène pour des spectacles divertissants. Ces différents programmes s’organisent comme une promenade sur une rampe continue montant vers le belvédère qui en est le couronnement conclusif. Les œuvres d’art exposées appartiennent aux collections de la Tate, institution emblématique londonienne, qui viendrait montrer dans ce nouvel espace les pièces de ses réserves qu’elle pourrait ainsi valoriser. Ceci permet de varier les expositions au fil des saisons et de mettre en lumière des travaux méconnus. La rampe, en béton brut, rappelle une promenade extérieure ; elle est fermée à l’aide de grands vitrages, variant de la transparence à l’opacité, permettent de moduler les ambiances le long du parcours. Aménagée au point culminant de la rampe, une plate-forme extérieure avec gradins permet l’organisation de manifestations festives qui peuvent diversifier les publics fréquentant cet espace muséal.

Octobre 2008, après 80 années de service, l’aéroport de Tempelhof, classé parmi les trois plus grands bâtiments au monde, a pris sa retraite. Aujourd’hui, si son parc ovoïdal de 368 hectares a été réinvesti par la jeunesse alternative berlinoise, le colosse architectural, autrefois symbole de liberté pour le monde libre durant la Guerre froide, reste inoccupé dans sa grande majorité. Dans un monde où la crise du logement sévit sur les grandes métropoles, la présence d’un tel édifice à Berlin devient le terreau propice pour mener une réflexion sur la nécessité de la réhabilitation de bâtiments historiques. Ainsi, « The New Tempelhof experience » propose la reconversion du terminal de Tempelhof en un lieu de vie alternatif et expérimental. Le corps principal devient alors l’objet d’une recherche sur un mode de vie alternatif, avec des logements coopératifs à but non lucratif et expérimentaux pour la jeunesse ainsi que les personnes précaires. Le hangar long de 1,2 kilomètre est transformé en une halle fantastique où se succèdent une multitude de programmes pour les occupants et les berlinois, devenant ainsi un nouveau un pôle social et culturel pour la capitale européenne. Finalement, le parc est quant à lui investi par un tapis arboré, accueillant des éléments de grande échelle, rompant ainsi définitivement avec son passé controversé. Parmi eux une place, un nouvel espace de rassemblement et d’expression pour les Berlinois, l’agora d’une communauté alternative.

La période des Trente glorieuses a vu se démocratiser l’utilisation de la voiture, symbole de réussite sociale et, aujourd’hui, cause d'un désastre climatique. L’importance accordée à l’automobile se traduit dans la morphologie de nos villes. A Nyon, ancienne colonie romaine, la place Perdtemps témoigne de ce phénomène : ancien parc accueillant des rassemblements, des foires, elle est aujourd’hui une vaste surface asphaltée. Le projet répond à la demande, faite par la Municipalité il y a quelques années, de reconvertir le parking en plein air en parc et d’inclure divers programmes tels qu’une bibliothèque, un hôtel, des logements et une salle des congrès. L’intervention architecturale consiste alors à projeter différentes séquences organisées en système en vue de rendre le centre-ville plus sensible, social et identitaire. Basé sur des fondements écologiques et culturels, le parc est propice aux rencontres ou à la solitude, au jeu ou à la méditation… On peut s’y promener ou s’y perdre, y être heureux ou triste… Au sud, une nouvelle limite bâtie accueille divers programmes répondant aux demandes de la Municipalité. Les associations aujourd’hui présentes sur le site contribuent fortement à la socialisation du lieu. La place Perdtemps trouve alors une nouvelle identité, de nouveaux principes de composition et met en scène diverses séquences de vie.

« 120 BPM » se juxtapose à l’univers chaotique du Flon et absorbe son rythme effréné. Il capture le flux métropolitain assommé et aseptisé pour le plonger dans un monde pluriel. Comme une séquence de plateformes qui chorégraphient le mouvement et l’arrêt, la conception de scènes à la manière d’un théâtre s’étend au-delà du cadre traditionnel de la scénographie et fait du mouvement corporel le protagoniste absolu où chaque geste acquiert une solennité performative. La construction d’un nouveau sol transforme la circulation en un spectacle processionnel. Avec le battement du coeur comme unité de mesure, le projet construit le cadre du nouveau récit humain. Des scènes pour se regarder, se réunir, s’isoler, s’abandonner, s’embrasser, s’aimer, se différencier, se ressembler. Les logements sont la scène de la vie quotidienne, où chacun se montre ou se retire et devient également le spectateur de la vie urbaine, dans une tension créative constante entre le monde privé et le monde public. La toiture offre une autre plateforme à la ville, un espace de contemplation et d’action, insérée dans une nature luxuriante et bienfaisante. « 120 BPM » voit le chaos comme porteur de créativité et l’accueille en son coeur. Porté par l’utopie du beau pour tous, le projet valorise l’art dans une circuit infini de créativité, où le visiteur est lui même producteur d’art. La théorie du chaos, qui a su trouver de l’ordre caché sous le désordre apparent, a introduit la place du hasard; entre ordre et désordre, calme et excitation, le ciel et la terre. Les opposés cohabitent et s’augmentent par leurs présences antagonistes. Le projet s’exerce sur les territoires de l’imaginaire et crée de nouvelles fictions qui se mêlent à l’épaisseur du réel. Ce projet métaphorique contemporain pose le cadre d’un récit merveilleux et s’abandonne à l’imaginaire.

Silicon Docks, Dublin, 2050. Il ne reste qu’une trace de l’union monétaire face à la désintégration européenne. Le Palais métamoderne se trouve juste à quelques détours de la rivière; Oscillant, il surplombe le disruptif “Grand Canal Dock”. Il s’agit d’une figure maniériste, qui n’idéalise pas de grande révolution mais plutôt le changement – vacillant et incertain – d’une ère qui nous appartient, et qui coud ensemble les permanences de la ville. Une barre – hôtel – examine les nécessités sociétales; Une structure néoconstructiviste – squelette utilitariste – la soulève; Une jetée sociale – belvédère politique – l’anime; Un Palais consultatif – Organisation de coopération et de développement économiques pour le Nouvel État Mondial– l’exploite; Une écluse - centrale hydroélectrique – l’alimente. Un abri qui génère du commun pour les hommes; une composition capable de capter leur flux, ergonomes comme utilisateurs, et les faire converger, le tout visant à accompagner l’état de dissemblance entropique maximale du monde, là où la métaxe implique le sens civique de l’architecture. « Le métamodernisme doit être défini comme la condition oscillante entre l’ironie et la sincérité, entre la naïveté et la connaissance, entre le relativisme et la vérité, à la recherche d’une pluralité d’horizons disparates et insaisissables. Nous devons aller de l’avant, spéculer, et osciller ! »

Le quartier de Malley possède une vaste aire qui change rapidement d’aspect et qui formait, il y a peu encore, un tissu industriel très diversifié. Aujourd’hui, des réflexions à propos du futur de Malley poussent à redéfinir cette zone jadis active. En effet, même si l’ancien site industriel constitue un patrimoine important aux yeux des habitants, la Ville a l’ambition d’en faire un nouveau quartier d’appartements et de commerce dense d’ici 2025. C’est à ce moment précis qu’intervient le projet Tortuga qui considère le vide actuel du site comme une forme sensible pouvant accueillir de nouveaux modes de vie urbains. Le déjà-là de cet espace disponible est alors une tension vers quelque chose, une dynamique vers une autre réalité que le rien ou le conventionnel ne peuvent offrir. Un grand parc-place se développe à partir d’un geste fort qui l’organise en séquence d’éléments dans lesquels émergent des mouvements divers mais clairement reconnaissables. Le niveau du sol est pensé comme une portion de terre performative dédiée aux événements, aux jeux, aux manifestations, à ce qui nécessite un déplacement intense des usagers. Puis, au-dessus de l’ensemble du projet, une grille de pilotis suspend une barre-hôtel vitrée. Cette dernière complète le programme en intégrant des installations pour vivre et travailler : des espaces alternatifs organisés comme des galeries linéaires à chaque niveau. Avec ses étagères habitées et sa généreuse tapisserie urbaine, Tortuga prône l’invention de nouvelles manières de structurer le temps privé et social par la multiplicité des rythmes individuels et collectifs.

Projet phare de la transformation de l’agglomération genevoise, le secteur Praille Acacias Vernets (PAV) est le futur centre urbain du grand Genève. Toutefois, le plan d’un des plus importants projets d’aménagement en Europe manque cruellement d’un dispositif culturel d’envergure. Le centre culturel pluridisciplinaire projeté s’installe au cœur du parc contigu à la place de l’Étoile, lieu de passage où se rencontrent les différents quartiers du PAV. Une peau extérieure enveloppe une structure pérenne composée de dalles en béton portées par des poteaux métalliques. Dans l’abri, des locaux secondaires chauffés viennent s’installer. Le projet assure une flexibilité des fonctions favorisant l’émergence de nouvelles formes d’expression artistique. Le jardin au cœur du dispositif et la situation du bâtiment dynamisent la participation du public. Traditionnellement, l’architecture filtre les désagréments extérieurs au moyen d’un mur monolithique. Le projet dilate la limite franche entre les phénomènes intérieurs et extérieurs. Ce dispositif consiste en un emboîtement d’enveloppes au fil desquelles la chaleur, le froid, l’humidité, le bruit, perdent graduellement de leur intensité. L’architecture proposée est une géographie où les climats varient. En hiver, la peau extérieure se ferme pour empêcher les courants d’air. En été, le système s’ouvre pour respirer. La limite entre l’intérieur et l’extérieur est définitivement brouillée quand l’ensemble des parois des locaux chauffés coulissent pour laisser entrer le jardin.

Situé entre les quartiers périphériques de Shankill et des Falls à Belfast, un mur de séparation est devenu un des marqueurs du tissu urbain. Il s’agit d’un artefact des “Troubles”, la période de guerre civile entre les protestants loyalistes et les catholiques indépendantistes de l’Irlande du Nord. Sa présence, jusqu’ici synonyme d’une planification de l’urgence, semble toutefois l’opportunité pour une stratégie nouvelle de construction de l’espace urbain. Non sans rappeler la situation de Berlin dans les années 1970, la présence du mur s’accompagne, ici aussi, de vides. On propose désormais de les investir et de recoudre le tissu au moyen d’un collier urbain. Cette stratégie, qui prévoit le développement de quatre “Grossformen” le long du mur, réemploie les principes théoriques énoncés par Ungers et mis en pratique pour le projet du Landwehrkanal. Ce collier se définit en un ensemble d’objets architecturaux singuliers dont la thématisation formelle provoque une transformation aggressive de leurs contextes. Toutefois, cette autonomie est largement dépendante de la relation de chaque “Grossform” au mur, parcimonieusement découpé à leurs rencontres. Il est l’outil contextuel par lequel sont conçus ces objets autonomes. Dans le but d’injecter densité et agitation métropolitaine, chacun des bâtiments présente une dualité programmatique. On y trouve à chaque fois du logement ainsi qu’un programme annexe public dont la substance et la disposition dépend de la nature de la relation au mur.