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El presente artículo trata de establecer cómo a principios del siglo XIX, dentro de la cartelera de diversiones públicas de Madrid, comienza a anunciarse la fantasmagoría como un nuevo espectáculo que despertó un gran interés en la prensa del momento. Sin embargo, las precisiones de lo que realmente envolvía esta diversión, que tenía su origen tecnológico en la linterna mágica, engloba más allá de sus propias cualidades de proyección. A partir de la conjunción de diferentes ámbitos de la historia cultural, el objetivo fundamental de este estudio pretende contribuir a la ideación y reflexión de lo que pudo suponer dicho espectáculo como elemento integrador del arte total, décadas antes de que Richard Wagner teorizara sobre dicha condición de unificación de las artes. Desde estas premisas, se pretende explorar los ámbitos en los que se desarrolló dicha exhibición pública como fenómeno estimulador de fantasías visuales que integra diversas funciones y cualidades audiovisuales, escénicas, artísticas, científicas y pseudocientíficas.

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Traballo Fin de Grao en Historia da Arte. Curso 2020-2021 Este proyecto nace por la creciente importancia social y repercusión estética que está generando el fenómeno drag en el panorama del arte internacional. Sin embargo, a pesar de su emergente relevancia, todavía no existe un reflejo sólido en los estudios académicos que lo incluya en las narrativas de la historia del arte, siendo abordado únicamente desde perspectivas que se centran en su dimensión social y vocación reivindicativa. De esta forma, se pretende arrojar un nuevo punto de vista sobre el drag, como una práctica artística capaz –en las últimas décadas– de elevarse a las esferas de la cultura hegemónica gracias a su presencia y difusión en los medios de masas. El estudio se adentra especialmente su facultad para asumir, dentro de la performatividad, elementos de diferentes disciplinas artísticas con el objetivo de proporcionar al espectador una experiencia multisensorial. Bajo estos preceptos, podríamos incluso estudiarlo y defender su existencia como una nueva obra o, mejor dicho, forma de arte total. Este proxecto nace pola crecente importancia social e repercusión estética que está xerando o fenómeno drag no panorama da arte internacional. Non obstante, a pesar da súa emerxente relevancia, todavía non existe un reflexo sólido nos estudos académicos que o inclúan nas narrativas da historia da arte, abordándoo únicamente dende perspectivas que se centran na súa dimensión social e vocación reivindicativa. Desta forma, preténdese achegar unha nova mirada sobre o drag, como unha práctica artística capaz -nas últimas décadas- de elevarse ás esferas da cultura hexemónica grazas á súa presenza e difusión nos medios de masas. O estudo adéntrase especialmente na súa facultade para asumir, dentro da súa performatividade, elementos de diferentes disciplinas artísticas co obxectivo de proporcionar ó espectador unha experiencia multisensorial. Baixo estos preceptos, poderíamos incluso estudialo e defender a súa existencia como unha nova obra ou, mellor dito, forma de arte total. This project was born due to the growing social importance and aesthetic repercussion that the drag phenomenon is generating in the international art scene. However, despite its emerging relevance, there is still no solid reflection in the academic studies that includes it in the narratives of the history of art, being approached only from perspectives that focus on its social dimension and reinvindicative vocation. In this way, it is intended to bring a new point of view on drag, as an artistic practice capable -in recent decades- of rising to the hegemonic culture due to its presence and diffusion in the (mass) media. The study specially delves into its faculty to assume within its performativity, elements of different artistic disciplines with the aim of providing the viewer with a multisensory experience. Under these precepts, we could even study and defend its existence as a new total artwork or, rather, total art form.

El presente trabajo de investigación representa un intento crítico para abordar el concepto de continuidad en el pensamiento artístico basado en el estudio de caso de una obra artística única en su tipo, el Ciclo Cremaster de Matthew Barney. Es una producción artística notoria, que ha suscitado mucho debate y dividido las opiniones de los críticos y del público, sin llegar, sin embargo a concluir de manera definitiva el proceso artístico del autor. La hipótesis que manejamos es la de contemplar al Ciclo Cremaster como una especie de manifiesto contemporáneo de los sistemas desarrollados por el filósofo y libre pensador Giordano Bruno (1548-1600), cuyos tratados sobre el cosmos, la memoria, la imaginación, la magia y la imagen se condensan en una “maquina mágica de la memoria” que podría ser una significante precursora del trabajo de Barney., This research work represents a critical attempt to address the concept of continuity in artistic thought based on the case study of a unique artistic work of its kind, the Matthew Barney Cremaster Cycle. It is a well-known artistic production, which has provoked a lot of debate and divided the opinions of the critics and the public, without arriving, however, to definitively conclude the author’s artistic process. The hypothesis that we handle is to contemplate the Cremaster Cycle as a kind of contemporary manifesto of the systems developed by the philosopher and free thinker Giordano Bruno (1548-1600), whose treatises on the cosmos, memory, imagination, magic and the image is condensed into a “magic memory machine” that could be a significant forerunner of Barney’s work.

[ES] Desde nuestra posición actual parece sencillo disfrutar de producciones y espectáculos que remuevan nuestra percepción e introduzcan nuevos lenguajes. Pero para llegar a esta situación, en la que lo normal es dar la vuelta a las convenciones, hace falta recordar a aquellos que intentaron descubrir otras posibilidades y contribuir con su inteligencia y creatividad en la evolución del arte dramático. El objetivo de este artículo, ha sido recopilar autores que siguieron el ritmo que marcaban las nuevas corrientes en la escena europea y que trataban de renovar con su aportación la escena teatral en España. La metodología empleada ha sido la de leer e interpretar los textos propios de creadores y teóricos como Appia, Craig y Meyerhold, que dejaron por escrito su legado. Además, se ha analizado y comparado la visión plástica de la escena de todos ellos a través de algunas de sus propuestas. Como conclusión, autores como José Antonio Sánchez, nos hacen ver la incomprensión que sufrieron los dramaturgos españoles y gente del teatro para implantar nuevas ideas y poner en escena obras de gran relevancia poética., [EN] From our current position it seems easy to enjoy productions and shows that move our perception and introduce new languages. But to reach this situation in which the normal thing is to turn around conventions, we need to remember those who tried to discover other possibilities and contribute with their intelligence and creativity to the evolution of dramatic art. The aim of this article is to compile authors who followed the pace set by the new currents on the European scene and who tried to renew the Spanish theatre scene with their contribution. The methodology used was to read and interpret the texts of creators and theorists such as Appia, Craig and Meyerhold, who left their legacy in writing. In addition, the plastic vision of the scene of all of them has been analyzed and compared through some of their proposals. As a conclusion, authors such as García Sánchez, make us see the incomprehension suffered by Spanish playwrights and people from the theatre to implement new ideas and put on stage .

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Cuando se hace alusión al mundo de la historia del arte se piensa instintivamente en las artes mayores, pintura, escultura, y arquitectura; pero también podemos hacerlo en la fotografía, en el cine, en el cómic, y en todo tipo de manifestaciones de carácter artístico. Esto se debe a que el concepto de arte ha evolucionado con el tiempo y lejos de adecuarse al planteamiento estético elaborado por Cennino Cennini en el siglo XIV, en el que se colocaba a la pintura por encima del punto de vista artesanal, se han adaptado a un nuevo período. Según la Real Academia Española de la Lengua, el arte es: “esa actividad en la que el hombre recrea, con una finalidad estética, un aspecto de la realidad o un sentimiento en formas bellas valiéndose de la materia, la imagen o el sonido”. Si seguimos esta definición, así como la percepción artística que se ha ido hegemonizando en el siglo XXI, podríamos entender que algo que, en un principio, allá por los años cincuenta, aparecía como simple divertimento informático que surgía como complemento a la aparición de los ordenadores, como son los videojuegos, ha alcanzado hoy en día una calidad tan relevante como para valorar su artisticidad, albergando unos valores estéticos de gran significación dentro del grupo de las artes audiovisuales.

El neoplasticismo plantea una universalización de las artes plásticas bajo el paraguas de la arquitectura (obra de arte total). Siendo una corriente que surge desde la pintura, la extensión a la arquitectura fue muy limitada y puede decirse que influyó más desde el plano teórico que desde el práctico de realizaciones concretas. En ese contexto cabe preguntarse por lo que ocurrió a una escala mayor, la de la ciudad. ¿Cómo se planteó la ciudad desde la estética neoplástica? ¿Qué intentos hubo de extender a la ciudad la plástica compositiva de De Stijl?, Neoplasticism raises a universalization of the plastic arts under the architectural frame (Gesamtkunstwerk). Being a tendency that arises from the painting, the extension to the architecture was very limited and we can consider that it influenced architecture througth the practical level of concrete accomplishments more than througth the theoretical one. In this context it is necessary to ask what happened to a higher scale, that of the city. How did city appear from the neoplastic aesthetics? What attempts there were to extend the plastic composition of De Stijl to the city?

Las manifestaciones creativas interdisciplinarias que se realizan en el contexto global del arte desdibujan las fronteras contenidas en los territorios disciplinares artísticos, a través de las diferentes conceptualizaciones de la multi, inter y trans disciplina encontramos nuevas funcionalidades y posibilidades para las manifestaciones creativas artísticas; dichas manifestaciones conllevan la evolución del medio y el lenguaje disciplinar a través de la convivencia entre diferentes símbolos y correspondencias. La convivencia interdisciplinar y de la obra de arte total, además proporciona una interesante muestra de las posibilidades de interacción tecnológica en el arte. Dicha funcionalidad atañe en ocasiones al ámbito político, como podemos observar en tradiciones históricas emanadas del manifesto del arte total de la escuela Wagneriana la cual contiene en sí misma una preocupación de índole social-política; dicha funcionalidad política adquiere rasgos filosóficos y místicos con la evolución del manifesto interdisciplinar y la obra de autores como Scriabine, John Cage y Kandinsky; dichos autores pueden considerarse influencia en la obra de colectivos y autores de diferentes disciplinas los cuales en muchos casos trabajan eludiendo la centralización artística emanada de las características económicas que actualmente imperan en gran parte de los países occidentales. Interdisciplinary creative events held in the global context of art blurs the lines contained in the artistic disciplinary territories, through the different conceptualizations of multi, inter and trans disciplinary we encounter new features and possibilities for creative artistic expressions; such statements involve changes in the average discipline and language through the coexistence of different symbols and correspondences. Interdisciplinary and the German Gesamtkunstwerk also gives an interesting example of the possibilities of interaction in the art. Such functionality sometimes regards to politics, as seen in historical traditions emanating from the manifesto of all Wagnerian art school which contains in itself a concern of social-political nature; functionality that from politics becomes philosophical and mystical features with the evolution of interdisciplinary manifestos and works of artists like Scriabine John Cage and Kandinsky; these authors can be considered influential in the work of groups and artists from different disciplines who often work eluding emanating artistic centralization of economic characteristics that currently prevail in much of the Western art. 21-32 sarajulsrud@yahoo.com javcompean@yahoo.com Semestral

En la actualidad términos como hibridación, narrativas transmedia, intertextualidad, etc. dominan el panorama de las artes visuales como consecuencia de una época convulsa, contraria a las verdades absolutas, como es la época posmoderna. En este artículo, pretendo poner de relevancia la relación entre dos formas de concebir la hibridación en ámbitos completamente alejados tanto en el tiempo como en su lugar dentro del mundo del arte. Se trata del concepto de Arte Total de Richard Wagner y la concepción de los parques temáticos que Walt Disney concibió para su compañía. Analizaremos las semejanzas entre ambos artistas y tenderemos un puente entre el arte de élite y el arte de masas.

La pintura ha sido un medio privilegiado para plasmar la pulsión mimética; desde tiempos remotos sirvió para la adulteración perceptual de los espacios del hombre, como se refleja en los murales de Pompeya, donde algunos ambientes del hogar se abren a exteriores ficticios como una forma de expansión arquitectónica. Esta voluntad reaparece con mayor énfasis en el período barroco, en que a las artes plásticas se sumarán efectos ilusionistas propios de otras disciplinas. En la actualidad, en esta sociedad del espectáculo mediático, el poder de la imagen se potencia. Los medios audiovisuales disponen de espectadores con la mirada sujeta a una pantalla, lo cual facilita la construcción de un ilusionismo espacial. La fotografía congela la imagen y delimita el campo de intervención escénica; como representación plana, bidimensionaliza el espacio real al transportarlo al plano de una cartulina o de una pantalla televisiva. Desde el Renacimiento, en la búsqueda de un mayor verismo ilusionista, el trampantojo recurrió a una puesta escenográfica compleja apelando al complemento de otras artes o a la creación de señuelos de distracción. La luz, las sombras, el color, el sonido y los olores, los espejos, la anamorfosis y la perspectiva cónica, se convirtieron prontamente en auxiliares fundamentales para lograr un simulacro visual eficaz. Por otra parte, al concentrar la atención del público sobre un tema central protagónico (por ejemplo figuras o actores humanos), las deformaciones del espacio arquitectónico adulterado se hicieron casi inadvertibles para una mirada distraída. La dirección de uso funcional más frecuente de estos espacios determinaba el posible sitio de observación. En los templos se construían estas ilusorias expansiones considerando la condición de ingreso de los fieles, como el caso de la falsa cúpula de San Ignacio en Roma realizada por Andrea del Pozzo o de la falsa bóveda nervurada en la Capilla Sixtina. A la vez, se intentaba sumergir al público en una atmósfera envolvente. En el arte barroco se buscó el Arte Total, dirigido a todos los sentidos; en esta búsqueda se destaca la Capilla Cornaro, obra de Bernini en que realizó la arquitectura con sus fuentes de iluminación- la escultura y la pintura. Mediante la integración de las artes, el espacio incluía al receptor como participante, inmerso en una atmósfera envolvente, un espacio teatral con una composición activa que dirige la mirada. La “síntesis de las artes” fue también uno de los grandes proyectos del Romanticismo; en éste contexto Wagner, en sus óperas, unió lo narrativo-poético, lo sonoro y lo visual, en un espacio inmersivo; contó con la colaboración de Adolphe Appia en lo visual, quien oscureció la sala y creó la escenografía tridimensional y la iluminación teatral. En la segunda mitad del siglo XX, en Estados Unidos, a partir de la lectura de Fenomenología de la percepción de Merleau Ponty, distintos artistas innovaron en los modos de recepción de sus obras en cuanto a las relaciones espaciales que imponen al público. Surgió un nuevo modo de recepción, y también hubo artistas que experimentaron con lo paradójico y lo ilusorio en el espacio, entre ellos integrantes de Fluxus -Yayoi Kusama-, videoartistas Gary Hill- y ópticos y cinéticos -Marina Apolonio-; y artistas urbanos anamorfistas como Felice Varini o George Rousse, entre muchos otros. Estos artistas elevaron a calidad de fenómenos estéticos los efectos sensoriales vivenciados por el espectador, que son el contenido central de la obra. Hay una estética de lo vivencial, que involucra al espectador de un modo total: su cuerpo, sus sentidos, su intelecto. Esta experiencia estética se basa en la inmersión, la sorpresa y la desorientación que producen en el espectador las adulteraciones del espacio y los objetos, que no resultan coherentes. En los casos en que no hay contradicciones sino que la ilusión es total, como ocurre con las anamorfosis, la falta de coherencia se da cuando el espectador se mueve y descubre el truco, lo cual también forma parte de su experiencia estética. En un trabajo anterior, analizando el nivel de desarrollo alcanzado por los trampantojos en forma previa a la fotografía, ponderábamos a los panoramas como una arquitectura y una pintura construida para la mirada con el auxilio de diferentes disciplinas del arte, como una suerte de arte total que incorporaba además de un espacio globalizante la idea de un cinetismo narrativo. Fil: Barseghian, Miguel Angel. Universidad Nacional de Córdoba. Facultad de Artes. Departamento Académico de Artes Visuales; Argentina. Fil: Jofré, Varinnia. Universidad Nacional de Córdoba. Facultad de Artes. Departamento Académico de Artes Visuales; Argentina. Fil: Miranda, Adriana. Universidad Nacional de Córdoba. Facultad de Artes. Departamento Académico de Artes Visuales; Argentina. Fil: Yonahara, Sergio. Universidad Nacional de Córdoba. Facultad de Artes. Departamento Académico de Artes Visuales; Argentina. Fil: Marietti, Inés María. Universidad Nacional de Córdoba. Facultad de Artes. Departamento Académico de Artes Visuales; Argentina. Fil: Hernández, Alejandra Fabiana. Universidad Nacional de Córdoba. Facultad de Artes. Departamento Académico de Artes Visuales; Argentina. Otras Artes

Dissertação de mest., Comunicação, Cultura e Arte (Estudos da Imagem), Faculdade de Ciências Humanas e Sociais, Univ. do Algarve, 2011 Com o presente projecto pretendo a execução de um conjunto de 16 pinturas – acrílico sobre tela - que serão o resultado de um trabalho preliminar executado por mim em Photoshop e por um programa de computador (Windows Media Player) de forma separada e independente, tendo por tema “O Anel do Nibelungo” de Richard Wagner. Este trabalho será executado em várias fases que, na etapa final, serão compiladas num trabalho que reflectirá o somatório das fases anteriores e culminará na realização de uma exposição de pintura.

A partir de la ruptura entre las diferentes ramas del arte, y de los posteriores intentos por reagrupar la disciplina en un arte total, Alonso trata de hilvanar un hilo entre esa totalidad y la ciudad. Si para los situacionistas la ciudad es el escenario último de la vida del hombre -y como tal, el marco ideal para realizar esta integración- aparece entonces un compromiso nuevo entre el urbanismo, la arquitectura y la experiencia que el ciudadano vive, cotidianamente, en sus recorridos y paseos Starting from the current split of the different artistic disciplines, and the later attempts to regroup them into a total art, Alonso proposes a link between that totality and the city. If, for the situationists, the city is the ultimate staging of man's life -and, as such, the ideal frame for this integration-, then urbanism, architecture, and the citizen's everyday lived experience must assume together a new kind of commitment