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El artículo explora cómo la serie de televisión Hannibal (NBC, 2013-2015) provoca una honda delectación estética, a pesar de presentar numerosos contenidos repulsivos o incómodos. Se analiza cómo la naturaleza serial de la narración televisiva habilita una manera particular de negociar la paradoja de la aversión mediante tres estrategias textuales: un dilatado character engagement, un suspense que exprime las posibilidades estéticas de la prolongación temporal y una bella puesta en escena de motivos visuales y acciones horripilantes. Son estrategias que generan una robusta fascinación en el espectador, lo que permite subvertir las características de lo repugnante.

The Shield (Fox 2002-2008) y The Wire (HBO 2002-2008) son dos de los programas de tv más aclamados por la crítica en la historia y ambos pueden ser vistos como las más refinadas propuestas de film noir producidas para la televisión. The Wire trasciende el género del show policiaco al ofrecer un retrato de múltiples capas de toda la ciudad de Baltimore: desde el trabajo policial hasta el tráfico de drogas, pasando por la corrupción del sindicato de estibadores, las marrullerías de la política local, los problemas del sistema escolar y algunas prácticas periodísticas sin ética. Por otra parte, The Shield es un programa policiaco que deja sin aliento, que presenta en primer plano la ambi-güedad moral que caracteriza al género noir. Ambas series despliegan estrategias realistas complementarias (una estética neorrealista en The Wire; un pastiche cinéma vérité en The Shield) que subrayan la importancia del paisaje urbano en su narrativa. Baltimore y Los Ángeles son retratadas no sólo como lugares físicos peligrosos y arruinados, sino también atravesados por temas morales y políticos presentes en las ciudades contemporáneas tales como la cuestión racial, la clase, la corrupción política, la desintegración social, las disparidades económicas, las limitaciones del sistema de justicia, el fracaso del sueño estadunidense y más. La narrativa compleja y expandida de The Wire y The Shield, tal como Dimendberg ha escrito sobre el género del film noir, "permanece en sintonía con los espacios y los tiempos violentamente frag-men tados del mundo moderno tardío" (2004: 6). Por lo tanto, este artículo se enfocará en cómo The Wire y The Shield (y algunos de sus herederos televisivos, tales como Southland y Justified) reflejan y renuevan diversos temas

La presente investigación tiene por objeto hacer una revisión de los conceptos de escena y secuencia a partir de las enseñanzas de algunos de los principales maestros de la escritura del guion. Este objetivo se enmarca dentro de una perspectiva metodológica descriptiva: pretendemos estudiar algunos elementos del proceso de comunicación constitutivos de la narrativa del cine y la televisión, como son las escenas y las secuencias, llegando a una definición de ambos conceptos, para más adelante aplicar dichos conceptos a un texto audiovisual concreto a través del análisis de un caso. Tras el examen teórico, se ha constatado que los expertos se refieren con el término escena a realidades distintas, generando confusión con ello entre los estudiosos de la narrativa audiovisual, por lo que se propone una división del término escena en dos: escena y escena narrativa, para referirse a dos unidades narrativas que de hecho son distintas. En lo que concierne a la secuencia se ha comprobado que hay bastante unanimidad respecto a su naturaleza constitutiva, aunque también existen interesantes matices entre los autores, poniendo unos el énfasis en la relevancia del conflicto central, frente a otros que subrayan el carácter de completo del acontecimiento primordial de la secuencia. Utilizando el método del caso, se aplican los conceptos teóricos estudiados al episodio Pilot de Breaking Bad, con el fin de contribuir al esclarecimiento de los conceptos objeto de esta investigación y constatar la coherencia de la propuesta.

La popularización del antihéroe va anudada a la necesidad dramática y narrativa de la serialidad: la constante dicotomía entre esfera familiar y profesional, entre acciones nobles y mezquinas, entre deber y querer permite hacer avanzar la trama, generar suspenso y renovar los conflictos, dilatando el relato durante decenas de horas. Vic Mackey (The Shield), Dexter Morgan (Dexter) o Nucky Thompson (Boardwalk Empire) podrían servir de ejemplo antiheroico. Pero, sin duda, los dos casos más radicales y complejos son los protagonistas de Los Soprano (Tony Soprano) y Breaking Bad (Walter White). La identificación emocional con el antihéroe ha empezado a estudiarse recientemente. Este artículo propone un nuevo ángulo de estudio: la relación del antihéroe con el resto de personajes de la serie. Para ello, seleccionaremos los caracteres —principales o secundarios— que los guionistas emplean como estrategia narrativa para guiar las respuestas emocionales y morales del espectador en su particular relación con el antihéroe. Principalmente, nos centraremos en las reacciones que estos personajes exhiben hacia las conductas amorales de los antihéroes. Proponemos una metodología de análisis textual que, partiendo de teóricos cognitivistas, nos servirá como mecanismo para entender mejor la construcción del antihéroe e indagar sobre los efectos que las decisiones autorales provocan en los espectadores.

[ES] Introducción. Este artículo tiene como objetivo principal reflexionar sobre las claves del éxito de las adaptaciones de producciones televisivas españolas en el extranjero. Para ello, se ofrece una recopilación de las series españolas que han sido adaptadas en otros mercados en la época de consolidación de este fenómeno (2005-2017), y se aborda un análisis de los valores de producción de la serie española de RTVE Los Misterios de Laura, adaptada por la NBC en Estados Unidos bajo el título The Mysteries of Laura (NBC, 2014- 2016) Metodología. Para alcanzar estos objetivos, se ha realizado un análisis de las series españolas adaptadas en mercados extranjeros durante el 2005-2017, así como una entrevista a los dos guionistas españoles creadores de Los Misterios de Laura y el análisis de la biblia de la serie objeto de estudio. Conclusiones y discusión. Este trabajo resalta la relevancia de la fase de desarrollo o diseño de la idea donde se trabajan la adecuación del concepto, el tono y el diseño de personajes como claves en el proceso de adaptación de una serie española en el extranjero.

This article reviews the professional profile of the showrunner in the audiovisual industry, from a historical and conceptual perspective: the background, the features that define it, and the TV media position. To do so, qualitative methodology has been used to conduct a thorough bibliographic review, and examine the emergence and development of the “showrunner” concept in television history, and the term used to describe it. We then analysed the “executive producer” and “creative producer” categories, both of which are associated with the objective of the study, to determine a generalized definition of the audiovisual showrunner. We have also examined the characteristics associated with this professional producer and writer position, the skill set required for the same, the roles and responsibilities to be managed during the production process, and the creative hallmark of authorship over the TV series. Finally, the results obtained suggest that this writer-producer position has existed since the onset of the television industry; however, the use of the term “showrunner” is more recent. Today, we see a revaluation of this profile in TV series production thanks to the generalized use of the concept “showrunner”, and due to several historical, cultural, and technological factors that contribute to this situation.

This article explores how some recent American TV crime dramas that can be specifically labelled as noir address the issue of hope and redemption by undermining one of the main thematic and ideological features that both spectators and critics tend to assign to noir narratives: the logic of hopelessness, of no way out. In what I have coined as “bright noir”, several recent, influential and popular TV noir series (such as 'Justified' or 'Fargo') offer stories in which brave protagonists achieve a positive outcome and defeat evil while fulfilling a higher purpose or attaining an honorable end.

En un momento en el que la ficción televisiva ha alcanzado un notable desarrollo narrativo, dramático y estético, este artículo pretende analizar las diversas formas en las que el género policíaco representa el paisaje. Para ello, el artículo comienza contextualizando el “giro espacial” que han sufrido las Humanidades y las Ciencias Sociales en las últimas décadas y lo relaciona con un género, el policíaco, que destaca por su capacidad para retratar los contornos –físicos y políticos, siempre problemáticos– de la ciudad. A continuación, se cartografían diversas ramas del género y se analiza cómo negocian la espacialidad: desde la asepsia pragmática, instrumental, del paisaje urbano en el procedimental autoconclusivo hasta el simbolismo emocional de los paisajes urbanos y costeros en el noir, pasando por la función política del paisaje en los policíacos de largo recorrido que revolucionaron la televisión por cable.

This article analyses how TV fiction, in the last fifteen years, has become one of the most stimulating and successful vehicles to narrate complex and daring stories. The article is divided into two parts. In the first, armed with narratological and poetic elements, we will define the serial story, stripping away the husk of its principal forms and explain why it is now the best media for telling lengthy stories. In the second part we will pause to examine specifically variations on the traditional story: alternate universes, time jumps, coincidence between diegetic time in the story and real time and other mechanisms that have made television fiction the most daring way for telling stories.

[You can read this introduction at Palgrave website: https://he.palgrave.com/resources/sample-chapters/9781137568847_sample.pdf] 1. Emotions in social sciences and the different ‘affective turns’ 2. Emotions in film theory 3. The growth of TV series and their interest to the academy 4. The structure of the book 5. Acknowledgements

According to its creator, Vince Gilligan, Breaking Bad (AMC, 2008–13) describes the moral corruption of a normal man, the conversion of Mr. Chips to Scarface. In ‘Full Measures’ (3.13), the moral and emotional complexity of the story is encapsulated in a seemingly incidental scene. We see Walter White in his living room, giving little Holly a bottle of milk. A close- up shows how the baby grabs at his glasses, and in this moment of paternal tenderness, the writers cunningly re-humanize a character who just executed two thugs and minutes later ordered the death of his lab partner, as if to remind us that, at heart, ‘he’s really just a family man’ forced by circumstances to take matters into his own hands. This important step in the metamorphosis of Walter is again mitigated by several factors: children, the family and everyday domestic life. Self-defence is, of course, the justification for these deaths, but the devotion of a father towards his little baby also enter into the moral and emotional equation that characterises Breaking Bad. This article will be structured according to four sections: first, we will examine the rise of antiheroes over the past decade, exploring the ideological, industrial and narrative reasons that explain their success. Secondly, we will address how spectators engage morally and emotionally with the moving image, paying special attention to the specific nature of TV narrative. Thirdly, we will analyse the four main dramatic strategies that strengthen our identification with these morally conflicted characters: moral comparatism , the soothing power of family, acts of contrition and victimization. Lastly, we will propose a discussion over the ‘levels of engagement’ described by Smith and expanded by Vaage for television, in order to explore what the limits of sympathetic allegiance are, and how both the spectator and the narrative need to recover it cyclically.

This book examines the role of emotions in contemporary TV series. Over the past 20 years, TV fiction has become one of the most powerful and influential trends in popular culture. Shows such as Mad Men, Breaking Bad, The Sopranos, Lost and The Wire have created a vigorous televisual landscape where innovations in narrative form, aesthetic engagement and ethical concerns have raised TV entertainment to new heights. What makes this volume unique is its interdisciplinary approach, as the series are analysed from the perspective of Television Studies, Literature, Sociology, Philosophy and Media Studies. Key concepts developed include the relation between moral emotion and character identification, how serial narrative builds into 'affective moments' as a distinctive mode of aesthetic experience, the politics of emotion in collective identities, the intersection of gender and emotions, and how popular genres such as terror films, the thriller and science fiction manage the 'emotional turn' that postmodernism has made visible.

Celem rozprawy jest ukazanie, że transformacja Miami spowodowana przez proces latynizacji, związany z kolejnymi falami imigracji z Kuby a także innych państw Ameryki Łacińskiej i Karaibów, znalazła bardzo interesujący oddźwięk w literaturze i programach telewizyjnych. Powieści i seriale analizowane w tej rozprawie pokazują, że szeroko rozumiany proces latynizacji i przenikanie się kultur doprowadziły do wykształcenia się trzech głównych motywów charakteryzujących przedstawianie Miami na kartach powieści i na małym ekranie. Miami jest ukazywane jako miasto imigracji, przestępczości bądź zabawy. Skupiając się na powieściach i serialach powstałych na przestrzeni czterech dekad, praca demonstruje, że zmieniająca się równowaga pomiędzy tymi motywami i stopień, w jakim każdy z nich wpływa na obraz Miami, są zależne od społeczno-politycznego i historycznego kontekstu, w jakim powstawały poszczególne utwory.

"La mañana del 30 de septiembre de 2013 los diarios digitales de todo el mundo destacaban en sus portadas una serie de televisión cuyo final solo se había emitido en Estados Unidos: Breaking Bad (AMC, 2008-2013). La aventura moral de Walter White y Jesse Pinkman suponía el último ejemplo –y uno de los más brillantes artística y emocionalmente– de la vigencia de la tercera edad dorada que está atravesando la ficción televisiva. Explicar este boom, que dura ya más de una década, implica tener en cuenta un conjunto de factores –industriales, tecnológicos, narrativos y de audiencia– que se entrelazan, influyendo unos a otros de manera sincrónica. A lo largo de este ensayo analizaremos cómo la televisión ha llegado a este punto de calidad tan relevante desglosando nuestro análisis en cinco apartados: la ubicuidad de la distribución, el salto de calidad del producto, una mayor ambición temática, un relato cada vez más sofisticado y un espectador activo."

If the first novelty of In Treatment is to focus exclusively on a subject rarely treated in T.V. fiction and to do so through a daily format, the second major innovation, which is the focus of this chapter, regards the expansion of the subject boundaries that are represented in television fiction. The clinical approach to the issue of identity and the pervasiveness of emotions therein make this series a sociological reference, an important representation of a central, regulating concept of cultural values and contemporary lifestyles: the concept of “emotional culture”. Because of these two singularities, the series owes its success to how it reflects the way people cope and manage their emotions in today's society. Thus, this chapter starts from the idea that, through the study of visual fictions, predominant cultural traits and values that lead to specific trends or lifestyles that are often proposed as socially binding norms, can be detected. The presence of emotions and a description of how the characters manage and face them contribute rich cultural information, ripe for analysis (Rodríguez Salazar 2008). Here we propose an analysis of the first season of the television series In Treatment (HBO, 2008) as a reflection and symptom of the therapeutic-emotional style of our culture, characterized by the growing presence of emotional speech in all fields of social life.

For this article we will study the economic foundations of television series as audiovisual products and from there the case of the Spanish dramedy Médico de Familia and its Latin commercialization. We will begin by considering television series as entertainment audiovisual products. Fiction series belong to the category of audiovisual products and thus comprise cultural products that draw on the potential afforded by the art of communication keeping in mind that these series are entertainment products. The features which define them as both audiovisual and entertainment products allow for the adaptations and direct sales on a speculative and practical basis. The study will focus on family series which are defined by their content and audience. We will pay special attention to the main characteristics which enable television series to succeed beyond local frontiers, especially in regions where the culture and language are similar.