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A influência de Heitor Villa-Lobos (1887-1959) em compositores de música popular brasileira, especialmente Antonio Carlos Jobim (1927-1994), é algo já bastante comentado, tornando-se praticamente um senso-comum. Apesar disso não encontramos, ainda, trabalhos de análise voltados de forma aprofundada para esta comparação entre obras dos dois compositores, além de outros aspectos. Desta forma, abordaremos alguns diferentes aspectos a respeito de possíveis análises sobre a influência de um sobre o outro, e vice-versa. A primeira parte deste artigo pretende discutir, então, a respeito das conexões entre Villa-Lobos e Tom Jobim a partir do conceito de influência, sob dois aspectos diferentes. O primeiro é a partir de reflexões sobre a influência que Tom Jobim sofreu de Villa-Lobos, seja mediante depoimentos feitos pelo próprio Jobim – ou por amigos e colegas músicos que possuíram alguma ligação com o compositor–, seja por meio de estudos analíticos feitos por estudiosos acadêmicos de Villa-Lobos e Tom Jobim. O segundo consiste em comentar de que modo a obra de Villa-Lobos tem sido lida nas últimas décadas como tendo um viés de música popular (com uma influência diacrônica de Jobim sobre Villa-Lobos), mudando a forma de recepção e de apropriação da obra (e mesmo da imagem) de Villa-Lobos. A segunda parte do artigo traz algumas análises comparativas entre trechos de determinadas obras dos dois compositores, empregando ferramentas analíticas como a teoria dos conjuntos e a teoria neoriemanniana.

Este artigo discute a classificação dos gêneros formadores da música urbana brasileira nas categorias de música popular e erudita, desde meados do século XVII até início do século XX. Os conceitos e distinções analisados por Didier Francfort e outros autores serão aqui exemplificados nos processos de construção e desenvolvimento dos gêneros musicais formadores da música brasileira, bem como os mecanismos de apropriação e transferência de gêneros entre o universo erudito e o popular. Os gêneros analisados são a modinha, pertencente ao período colonial, e as danças europeias e gêneros executados pelas bandas de corporação no período joanino, como a polca e o schottisch, assim como seus compositores e suas influências musicais diversas, que culminaram em estilos musicais híbridos. O artigo também demonstra como o esnobismo influenciou a aceitação de compositores brasileiros pelas classes dominantes de suas épocas, e o efeito que esta rejeição provocou nos compositores e no julgamento de suas obras.

Este trabalho parte da percepção de que a obra do pianista e compositor de jazz Thelonious Monk, para além de sua grande relevância musical, pode ser vista em uma dimensão canônica e simbólica que, através de suas composições, do seu jeito de fazer música e, também, de sua personalidade marcante que beira a excentricidade, Monk parece ter se tornado uma espécie de mito, um emblema capaz de influenciar e pautar as discussões ligadas ao jazz. Neste sentido, o objetivo deste trabalho é observar como este emblema parece, de certa forma, ser um elemento em disputa, uma espécie de capital simbólico usado para validar diversas correntes musicais, especialmente a vanguarda e o neoclassicismo, que parecem disputar uma certa hegemonia dentro do campo da musicologia do jazz. Muito desta discussão pode ser visto nas obra de autores como Daniel McClure (2006), David Ake (2002), que discutem a consolidação do cânone jazzístico e as disputas dentro deste campo, e Robin Kelley (1999), que discute como a obra e a imagem de Monk foram apropriadas por grupos, de ambos os lados, que tentavam consolidar uma tradição e uma narrativa sobre o que é o jazz. Além destes autores é conveniente trazer à discussão algumas percepções ligadas ao campo neoclássico a partir de textos como The Jazz Tradition (1993), escrito por Martin Williams, e os textos do trompetista Wynton Marsalis (2008). Por fim, através das gravações de releituras feitas das composições de Thelonious, será possível, sonoramente, observar como cada um destes campos se apropria deste repertório e quais discursos musicais eles tentam validar a partir dele.

O presente artigo aborda a atuação de Almirante e Pixinguinha na condução do repertório e dos arranjos realizados por Pixinguinha para a orquestra popular do programa radiofônico O Pessoal da Velha Guarda. O programa tinha como objetivo divulgar estilos musicais não veiculados pela mídia da década de 1940, época em que outros estilos musicais despontavam, alguns deles com grande influência da música estrangeira, como o bolero e o samba-canção. Alguns pesquisadores da música popular no Brasil da época, como também intelectuais e compositores, manifestavam-se com relação a tal fato, como também buscavam formas de divulgar o repertório de músicas consideras por eles como de “raiz”, como também a música folclórica de várias regiões do Brasil. O cantor e produtor radiofônico Almirante, juntamente com os músicos que integravam a equipe de alguns de seus programas das décadas de 1930 e 1940, como os programas Curiosidade Musicais e Orquestras e Músicos do Brasil, concentraram-se na concepção e efetivação do programa O Pessoal da Velha Guarda, que foi transmitido na Rádio Tupi do Rio de Janeiro, no período de 1947 a 1952. No palco desse programa de auditório exibiam-se músicos e cantores que integravam um grupo regional de choro e a orquestra popular liderada por Pixinguinha.

A música dos séculos XX e XXI apresenta um conjunto grande de especificidades, dentre as quais está a tensão entre os campos erudito e popular, conceitos que têm sido revisados no âmbito da emergência de uma indústria cultural, da reinvenção da orquestra clássica, do isolamento da chamada música “séria” contemporânea em centros universitários e do plano popular abrangendo um número cada vez maior de manifestações, muitas das quais díspares entre si, sob certos aspectos. A dissonância métrica é um elemento fortemente presente na sonoridade romântica da música de concerto do século XIX, sistematizada enquanto conceito a partir dos escritos de Hector Berlioz, com ampla contribuição da teoria musical recente. É, como tal, um dos tantos elementos que permanecem insistentemente nas mais diferentes manifestações musicais dos séculos XX e XXI. Este trabalho tem como objetivo indicar a existência de dissonâncias métricas em repertórios múltiplos, comumente identificados em contextos distintos a partir dos amplos e difusos campos do erudito e do popular. Revisa-se, inicialmente, definições e categorias de culturas, partindo-se para a identificação dos espaços fronteiriços entre cada categoria. Por fim, após se relacionar certo número de exemplos dos mais distintos contextos, conclui-se que a separação do erudito e do popular se torna inoperante, e que a dissonância métrica pode ser compreendida como um elemento de convergência entre ambos.

O presente estudo tem o objetivo de refletir acerca da cultura de viola na região de São João del-Rei na segunda metade do século XX. Através da análise de bibliografia especializada, periódicos de época e, sobretudo com base em relatos de violeiros e foliões, conseguimos traçar um pouco da trajetória deste instrumento na região. Identificamos uma forte presença da viola nas manifestações populares na segunda metade do século XIX e uma escassez deste instrumento na cidade, nas práticas de música popular ao longo do século XX.

Esse trabalho traz um resumo da trajetória do cantor, compositor e violeiro Tião Carreiro (José Dias Nunes, 1934-1993). Por meio da análise musical de sua extensa discografia e da pesquisa de sua biografia desde o início da carreira até sua inserção e repercussão no segmento sertanejo nas décadas de cinquenta, sessenta, setenta e oitenta, procuramos entender em que medida o artista utilizou as matrizes, os gêneros e linguagens caipiras tradicionais, e de que forma os conciliou com outras tendências e gêneros relacionados aos interesses do mercado e da indústria fonográfica.