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Entre los múltiples temas arquitectónicos abordados por el artista Donald Judd en su trayectoria, fue la noción de límite espacial uno de sus mayores intereses en la década de los setenta, tras el auge del movimiento minimalista. Es por ello que este estudio se propone arrojar luz sobre esta cuestión, desarrollada por el autor estadounidense desde un trabajo simultáneo en arte y arquitectura. Un hecho que pone de relieve su labor interdisciplinar con el espacio, en un trasvase continuado entre áreas de creación que evidenció a lo largo de toda su carrera. En el análisis de esta idea espacial, se examinan cronológicamente sus realizaciones en ambas disciplinas, que comienzan con la exploración elemental de sus objetos caja y avanzan con proyectos más ambiciosos, como lo realizado en su complejo de La Mansana de Chinati en Marfa, Texas. Una singular intervención con la que trasladaba a la arquitectura los principios espaciales testados con sus objetos, haciendo habitable el espacio contenido en los límites. En definitiva, se descubren unas propuestas en las que ese límite es el mediador de un espacio, específicamente diseñado para promover el interés de espectador o habitante, en la experiencia perceptiva integradora defendida por Donald Judd.

La irrupción de la COVID-19 en una sociedad que Toyo Ito define como “digital y abierta de limites difusos”, ha provocado una reacción inmunitaria opuesta de precisas fronteras sin que por ello se haya dejado de estar hiperconectados. Esta cohabitación de lo viral y lo neuronal, utilizando términos empleados por Chul Han para definir estos extremos, solo puede encontrar acomodo en una estructura de realidad hibrida que podríamos denominar paradigma paradójico. “Menos es más” fue el oxímoron que definió la arquitectura moderna, un binomio plausible de términos antagónicos, presente en muchas de las expresiones forzadas que fundamentaron las profundas transformaciones que renovaron la cultura del siglo XX. Un periodo convulso y contradictorio donde incertidumbre y miedo lo emparentan con la actual pandemia que nos azota. Entender este mecanismo radical y productivo abre otros caminos para redefinir las nuevas formas de habitar en contextos indeterminados y vulnerables como nos esperan en la era postCOVID. Desde la crisis del modelo de alta densidad de la ciudad actual hasta el manejo de los espacios de confinamiento y distanciamiento que configuraran la vivienda en esta dualidad de agrupaciones de habitaciones autónomas, términos como COaVitación, centrar-descentrar espacios educativos y sociosanitarios, serán, en suma, relaciones de opuestos que marquen esta arquitectura paradójica en sintonía con la nueva normalidad.

La primera operación necesaria para la determinación de una arquitectura que se define como territorial implica la definición física de un límite. Una frontera cuya primera consecuencia es el establecimiento de un orden capaz de diferenciar entre el fuera-hostil y el dentro-seguro. Este permite cualificar un primer estadio de permanencia, otorgado por el refugio más inmediato y que, sin embargo, permite sucesivas derivadas de su significado tanto en cuanto a la definición inicial de ese límite interior-exterior como a la materialidad de su formalización. La total confianza en esta idea se convierte en la base sobre la que, en el año 63, Charles Moore y su equipo (MLTW) construyen el proyecto para el Condominio I en el Sea Ranch, ejemplo real de los “dominios étnicos” de Sussane Langer, pero también de una reflexión sobre la construcción del límite tan europeísta como americana. El reto de la construcción doméstica se halla aquí en la definición de un umbral que, más allá de limitar la evidente intemperie, permita al habitante conocer su ubicación en cada momento, jerarquizándose y especificándose para convertirse en un espacio con identidad propia capaz de ser leído en una auténtica clave californiana.

El confín entre el vacío interior y exterior es la fuerza de la arquitectura de Livio Vacchini. Este límite es estructura, es grosor, es detalle que se pone en evidencia con la luz. En él parecen reconocerse sus principios, reglas y técnicas de con­strucción que varían en función de si es un edificio de ámbito público o privado. La comparación de dos de sus proyectos, Gimnasio de Losone y Casa Costa, permite mostrar la obra y el pensamiento de Livio Vacchini y cómo lo afronta en función de la tipología. En los dos ejemplos, el esqueleto estructural se muestra en el exterior con toda su potencia, dándole la dignidad arquitectónica que se merece, y le libera de la función. Livio Vacchini coloca la estructura en el ámbito del concepto del proyecto y asume la composición formal del edificio. Es el elemento primario y está privado de cualquier elemento predominante, presenta una forma ideal dentro de un conjunto mayor, la repetición ordenada de la pieza le da un carácter monumental desde el exterior. Mientras, en su interior, la escala humana se establece a través del Modulor de Le Corbusier y cada una de sus piezas tiene una adecuada propor­ción en sí misma

La Casa Huarte (Madrid, 1966) representa, ante todo, una actuación en el paisaje. Sus creadores, José Antonio Corrales y Ramón Vázquez Molezún, invirtieron un método utilizado en proyectos anteriores (Instituto en Herrera de Pisuerga, Residencia en Miraflores, Pabellón de Bruselas) donde la edificación se adecuaba al medio y el paisaje donde se insertaba. Mediante una transformación topográfica Corrales y Molezún construyeron un lugar en el que el horizonte, entendido como el paisaje formado por el encuentro de planos donde converge nuestra mirada, fue modificado. Cuando esto ocurre se produce una alteración de la mirada del observador, se “construye” un nuevo horizonte visual que es en definitiva el horizonte de la arquitectura, en el que los límites están definidos por los distintos planos. En esta construcción del nuevo horizonte, en la creación de nuevas experiencias visuales, las esculturas y los árboles, situadas en las plataformas de los patios de la Casa Huarte, se convirtieron en referencias visuales que alteraban los ángulos de visión previamente establecidos por la arquitectura. Estas siluetas incorporan nuevos puntos de referencia en ese horizonte, proporcionando profundidad, perspectiva y una escala intermedia entre la intimidad del observador y la monumentalidad del infinito