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Editor's note: letter to the Vórtex dossier in honor of Julian Bream.

The goal of this paper is to shed new light on selected strategies that characterize the tonal style of the first nine studies of the set by means of examining Villa- Lobos’s treatment of tonality from a perspective that takes into account the role of large-scale structure. I focus on three broad tonal effects that characterize the style of the selected studies, examining in detail some of their specific realizations. I demonstrate how 1) tonal madness may be associated with the deformation of tonic and dominant functions, 2) tonal ambiguity emerges from the presence of opposing tonal forces within the same musical space, and 3) tonal coloring is achieved through chromatic voice-leading, tonally oriented parallelism, and the substitution of standard tonal events. The theoretical foundation combines Schenkerian theory with aspects of Joseph Straus’s interdisciplinary studies on musical modernism and disability (2018) and Daniel Harrison’s harmonic theory on 19th- and early 20th-century chromatic music (1994).

Desde a década de setenta, histórias sobre a virtuosidade prematura do violonista Marcos Alan (1956-1973) permanecem no inconsciente coletivo de violonistas do Rio de Janeiro. Em pesquisa desenvolvida no Programa de Pós-Graduação em Música da UFRJ, Marcos Alan se revela também como compositor original e prolífico. Esse levantamento se dá, sobretudo, por meio de análises estruturais de algumas de suas obras. Apesar do importante projeto de análise documental empreitado por sua irmã, Graça Alan, os recursos poéticos constituintes de sua obra permanecem relativamente desconhecidos. No presente artigo, é abordada a Sonatina para dois violões, na qual se observa a manipulação de estruturas cordais – abordadas aqui como matrizes bidimensionais (Morris, 1987) – em intrincado processo de desenvolvimento de derivação serial. Trata-se da primeira abordagem analítica da obra pós-tonal de Marcos Alan.

Nota do editor: carta para o dossiê da Vórtex em homenagem a Julian Bream.

Este artigo propõe uma discussão sobre a literatura científica relacionada às estratégias de ensino de instrumento musical e oferece exemplos práticos dessas estratégias aplicadas ao ensino de violão. Para tanto, parte-se de uma revisão da literatura pertinente ao tema e apresenta-se uma análise de excertos de uma amostra de master classes que dialogam com o conteúdo discutido. Dessa forma, são apresentados os seguintes construtos: estratégias verbais, divididas em linguagem literal, terminologia técnica da música e linguagem f igurada; comportamento verbal do professor, caracterizado como elocuções verbais, curtas expressões, tipos de questões elaboradas e tipo de feedback oferecido; uso da partitura como meio de aproximar o estudante do conteúdo a ser trabalhado; papel do comportamento gestual no processo pedagógico; modelagem aural, dividida em demonstração vocal, demonstração instrumental e indicação de gravações, como estratégia de ensino da expressividade musical; e o papel do contato físico como plataforma de comunicação para o ensino de instrumento musical.

Este artigo tem como objetivo analisar a trajetoria estilistica do choro no Brasil sob o enfoque do violao de sete cordas. Apos breve digressao sobre genero e estilo, sao discutidas modificacoes de ordem tecnica do violao de sete cordas no choro. Considerados os maiores expoentes do instrumento no choro, Dino Sete Cordas e Rabello Raphael contribuiram para inovacoes estilisticas e organologicas do instrumento na segunda metade do seculo XX. Essas inovacoes sao analisadas por meio da relacao idiomatica entre o violao de sete cordas acompanhador e solista, com base em ferramentas analiticas dos proprios musicos de choro. Diante das novas tendencias do seculo XXI, este estudo corrobora a hipotese de que estilos tradicionais e nao tradicionais coexistem pacificamente no choro.

Nota do editor: publicacao de partitura de estudo para violao, baseado na obra de Ernesto Nazareth.

O violonista Roland Dyens (1955-2016) ocupou um lugar de destaque no mundo do violao classico. Suas performances, composicoes e arranjos, alem de sua atividade pedagogica, sao reconhecidos e admirados em todo o mundo. O mesmo se aplica ao violonista Sergio Assad (n.1952). O presente artigo procura demonstrar as inovacoes e a complexidade das solucoes presentes em seus arranjos para violao solo, em especial seus arranjos para a obra Verano Porteno de Piazzolla, original para o quinteto Tango Nuevo do compositor. Comparamos os arranjos entre si e tambem com outros arranjos para a mesma obra. Fizemos uso de entrevistas que encontramos e outras que conduzimos com os arranjadores. Para emoldurar a analise (comparativa) usamos ainda conceitos de complexidade de Edgar Morin e de criatividade de Csikszentmihalyi.

O presente artigo versa sobre a presenca de violonistas na cidade de Sao Paulo no seculo XIX. Atraves de criticas do pianista Alexandre Levy, publicadas em 1890, analisam-se os concertos de Martinez Toboso e Gil-Orozco, violonistas espanhois, cujo duo parece ter sido o primeiro a realizar concertos mais formais em Sao Paulo. Trata, ainda, da atuacao de Gil-Orozco, que fixou residencia na capital paulistana durante dezessete anos (1890–1907), tendo sido fundamental para o desenvolvimento do violao na cidade.

In this essay, I investigate the issue of neoclassicism around the public figure of the polish composer Alexandre Tansman. The objective is to chart some of the ways in which the composer is related to neoclassicism. I begin by presenting an understanding of the term neoclassicism and proceed to an investigation of how commentators see Tansman’s relation to it, both in relation to his ideas on music and art and in relation to compositional decisions and procedures. Toward the end of the essay, a section is dedicated to the issue of neoclassicism in Tansman’s guitar works, in which I present an argument against the easy use of the term within this repertoire. The final section wraps up the discussion and presents a graphical representation of the results of the present investigation.

A pesquisa tem como objetivo a reelaboração de passagens não-idiomáticas em uma obra para violão solo através do processo colaborativo compositor-intérprete. A obra escolhida, o Estudo nº 10 para violão solo do compositor brasileiro Marcelo Rauta, apresenta passagens não-idiomáticas, tornando difícil ou impossível a execução fluente da obra. A identificação das passagens não-idiomáticas foi realizada por três violonistas e a autora do trabalho. A partir da identificação das passagens não-idiomáticas, estabeleceu-se um processo colaborativo da autora com o compositor, com o objetivo de tornar o texto musical mais fluente e idiomático para o violão. Como resultado destacamos a importância do processo colaborativo na resolução de passagens não-idiomáticas, com a apresentação de uma nova edição musical que enriquece o repertório brasileiro de estudos para o instrumento. The research aims to rework non-idiomatic passages in a solo guitar work through a collaborative composer-performer process. The chosen work, Study nº 10 for solo guitar by Brazilian composer Marcelo Rauta, presents non-idiomatic passages, making it difficult or impossible to perform the work fluently. Three guitarists and the author made the identification of non-idiomatic passages. From the identification of non-idiomatic passages, a collaborative process was established by the author and the composer in order to make the musical text more fluent and idiomatic for the guitar. As a result, we highlight the importance of the collaborative process in resolving non-idiomatic passages by presenting a new musical edition that enriches the Brazilian repertoire of studies for the instrument.

Nos ultimos anos estudantes com formacao pelo Metodo Suzuki tem se destacado em suas performances em concursos de violao como os promovidos pelo GFA - Guitar Foundation of America. No entanto, o metodo elaborado em 1983 por Frank Longay esta distante do ambiente academico brasileiro, o qual apresenta majoritariamente pesquisas das escolas tradicionais de violao. Um dos mais importantes autores dessas escolas de violao e Abel Carlevaro. Segundo Wolff (2001), Carlevaro foi um marco para o desenvolvimento da pedagogia do instrumento. A presente pesquisa visa analisar procedimentos tecnicos abordados em 4 pecas do volume 01 do metodo Suzuki para violao relacionando-as com o metodo ESCUELA DE LA GUITARRA de Carlevaro (1978). Como resultado, concluimos que os conceitos de apresentacao longitudinal e transversal de Carlevaro sao trabalhados nas pecas do metodo Suzuki havendo, no entanto, divergencias com relacao a abordagem de toque de mao direita.

Mais do que um neologismo proposto para dar efeito a algum jogo conceitual, o termo violonismo, em contraste com o violonistico, reflete uma concepcao especifica sobre o comportamento do violao na pratica da cancao de câmara brasileira. Trata-se das possibilidades de atuacao do violonista na cancao de câmara para canto e violao, sobretudo quando nos damos conta de que este repertorio tem no cerne da sua criacao nao apenas a musicacao de um texto para a composicao de uma melodia cantavel, a ser acompanhada, mas sim um processo no qual esta musicacao e a sua vocalidade intrinseca integram o instrumento na unidade discursiva tridimensional deste tipo de cancao. Como um exercicio de analise sobre estas possibilidades apresentamos algumas impressoes sobre “Proposicao”, cancao de Ricardo Tacuchian, sobre texto de Gabriel Neves.

Este trabalho buscou conhecer a pesquisa científica nacional da área de Violão disponível em periódicos brasileiros no período de 2009 a 2019. Por meio de levantamento bibliográf ico mapeamos o acervo digital de oito revistas científicas da área de Música, selecionando os artigos que apresentam o violão como sujeito ou instrumento principal da pesquisa. Os resultados trazem o número absoluto de publicações e sua distribuição segundo subárea, ano e periódico; bem como análise das referências e palavras- chave mais utilizadas, por meio do uso do software Nvivo12. A partir da discussão e reflexão sobre os dados obtidos e sobre as limitações desta pesquisa, são sugeridas práticas científ icas que futuramente podem preencher as lacunas existentes.

No presente trabalho, dois álbuns de música da família Perdigão são estudados a partir da proveniência documental de Laura Agnes Millar. O estudo da proveniência focou os aspectos de custódias, marcos temporais da sua produção, e sua relação com o repertório nos locais onde seus proprietários viveram. Paralelamente, foi feito um estudo organológico do violão no Maranhão oitocentista, uma vez que os álbuns apresentam a questão da f ixação de nomenclatura relativa ao instrumento. Como resultado, foi verif icado que os álbuns foram produzidos ao longo do Império Brasileiro, mantidos por quatro gerações, e que o seu repertório expressa estreita relação com os traslados dos seus proprietários.

O presente artigo consiste em uma discussao sobre diversos processos criativos relacionados a obra For guitar para violao solo, composta por Samuel Peruzzolo Vieira. A peca teve origem em um processo colaborativo entre o compositor e o violonista Marlou Peruzzolo Vieira, seguindo um padrao de colaboracao definido por John-Steiner (2000) como colaboracao por complementariedade. O processo colaborativo conduzido durante a composicao da peca e apresentado a fim de contextualizar tanto as decisoes composicionais quanto as escolhas direcionadas a preparacao da performance. For guitar apresenta aspectos relevantes relacionados a notacao musical, ao uso de tecnicas estendidas e de recursos percussivos. Estes elementos sao discutidos pelo compositor, expressando seu processo criativo; e pelo performer, que analisa e adapta elementos da peca, fundamentando-se em escolhas interpretativas, a fim de dar fluencia a performance.

Este artigo discute as associacoes entre a mulher e o violao a partir do discurso literario brasileiro, estabelecendo tambem um dialogo com o contexto cultural e a propria historia do instrumento. Para isso, pesquisamos textos que abarcassem as intersecoes entre as mulheres e o violao, tanto sob a perspectiva da autoria feminina, quanto da escrita masculina. Percebemos, atraves das analises que, se por um lado, o violao revela a inquietude, a violacao, e o desejo libertario da voz feminina; por outro, evidencia a reiteracao de estereotipos vinculados ao espelhamento entre o corpo da mulher e o instrumento. Observamos tambem que, alem da escassez de registros do violao em maos femininas, prevalece um discurso que reforca o imaginario masculino, assim como nao contempla a importância das mulheres violonistas ao longo da trajetoria do instrumento.

In this article, I will discuss the role of the electric guitar in the conception, development and composition of three recent works: Recessional Motion, Flexidra IV, and Volpi/Formentera. In Recessional Motion, I will address compositional, technical and notational issues to explain the underlying creative process. In Flexidra IV, all the pre-compositional materials were the result of extensive experimentation sessions with electric guitars, pedals and found objects that subsequently were extrapolated to other instruments to generate the instrumental textures. In Volpi/Formentera, the electric guitar is at the centre of the compositional processes and all the musical parameters orbit around it. I will examine in detail how the different preparations and instrumental textures were derived from my own ‘exploratory sessions’ presenting possible solutions to notate the necessary actions to produce the sounds in the guitar.

Nota do editor: carta para o dossiê da Vórtex em homenagem a Julian Bream.

Este artigo investiga uma colecao de manuscritos autografos contendo obras para duo de violoes escritas por Francisco Mignone em agosto de 1970. A colecao, que denominei de Manuscritos de Buenos Aires, esta depositada no Instituto Nacional de Musicologia “Carlos Vega”, na capital argentina, e sua existencia era inteiramente desconhecida pela comunidade musical e academica brasileira. Por meio de 1) contatos e entrevistas com pessoas proximas a Mignone e aos violonistas do Duo Pomponio-Zarate, a quem as obras foram dedicadas e 2) consulta a fontes textuais, bibliotecas e aos acervos do compositor e do duo, investigo as circunstâncias de surgimento das obras. As informacoes levantadas propiciaram um olhar mais refinado e aprofundado sobre a genese da grande obra violonistica de Francisco Mignone, cuja composicao se iniciou em agosto de 1970. Dados surgidos durante a pesquisa implicaram tambem em algumas correcoes e acrescimos aos catalogos da obra violonistica do compositor.

O objetivo do trabalho e a analise do Estudo Op. 6, n.8, de Fernando Sor atraves dos conceitos de Ritmo de Frase (Phrase Rhythm) e expressividade. Como metodologia principal recorreu-se a analise teorico-experimental dividida em duas frentes: a primeira parte do trabalho versa sobre as teorias analiticas ritmico-fraseologicas contidas nos tratados de Lussy (1874, 1883) e Riemann (1884, 1903). E na segunda parte foi realizada a justaposicao entre as teorias ritmico-fraseologicas e a expressividade violonistica. Para alcancar esses objetivos, recorreu-se a analise de gravacoes de expert performances valendo-se de tecnicas de extracao de dados dos parâmetros dinâmico e agogico. Os resultados demonstram que o Ritmo de Frase pode ser um caminho efetivo para a concatenacao entre analise e performance.

Este artigo aborda as 19 canções de câmara compostas por Carlos Alberto Pinto Fonseca para canto e piano. Trata-se de uma síntese de trabalhos realizados sobre a obra vocal deste compositor mineiro do século XX, ainda pouco mencionado na literatura sobre a música brasileira. Após uma breve exposição sobre o compositor e seu legado composicional, há uma discussão sobre o ecletismo contido em sua obra e, especialmente, no conjunto das 19 canções de câmara sob duas perspectivas: a histórica e a analítico-musical. Sob o ponto de vista histórico, as canções de câmara são apresentadas tendo como base as etapas da produção do compositor e os aspectos pessoais e estéticos que o influenciaram. Na sequência, o ecletismo é discutido com base nos elementos musicais e poéticos contidos nas canções: textos, tratamento dado ao piano, presença de vocalises e estéticas adotadas, a partir das quais são apresentadas características individuais de cada canção.

Based on works of crossover nature (classical + popular) composed or arranged for the “2019 International Society of Bassists Convention”, I discuss the development of idiomatic writing of the acoustic double bass. Departing from the interaction between three creative musical processes - composing, arranging and playing, in various musical genres (classical song, Broadway musical song, blues, rock, ballad and samba), I discus (1) the refinement of the notation in the score; (2) the heterogeneity of the seven double bass registers; (3) exploring the double bass as a harmonic instrument; (4) exploring the double bass as percussion instrument; (5) the exploration of the text-music binomial (6) the reduction of larger instrumentations (symphony orchestra, chamber groups, blues and rock bands) to smaller groups (duo, trio and quartet with double bass, voice, piano and percussion) and (7) the development of extended techniques on the double bass not documented in the literature.

This paper discusses the influence of hand drawing techniques in my work for toy piano. It is known that composers often respond expressively to ideas and draw compositional strategies from other domains of life, for example, the mathematical proportions of architecture on some compositions of Guillame DuFay, Peter Maxwell Davies and Eve Duncan. For me, a chance comment from an artist friend, Deanna Petherbridge’s book, The Primacy of Drawing: Histories & Theories of Practice (2010) and Elizabeth Cooper’s botanical watercolours of the Australian rainforest tree Stenocarpus sinuatus (Firewheel Tree) offered ideas and techniques for several works for toy piano, and piano and toy piano (one player). While my musical response to hand drawing techniques is largely an expressive response, there is an element of trying to adapt the drawing techniques in a way similar to how artists use them, but in sound.

This paper examines the contribution of the toy piano to the dramaturgy of piano recitals. As a starting point for the study, the concept of artform recital is introduced, as the understanding that all elements come together with the music programme to build the listening experience. In order to weave all these elements together coherently, it is then proposed the application of ideas from dramaturgy. Three piano recitals are observed as case studies, demonstrating how the addition of toy piano performances can contribute to the dramaturgy of recitals by offering a distinct visual interest, allowing other possibilities of exploration of the space of performance and of the pianist’s body movement, suggesting emotional connotations to the listening experience, and by working as a key element in the structure of the programme.

Seguindo Bourdieu (2000), assumo que a compreensão das formas simbólicas de representação artística depende da compreensão da “visão do mundo” própria do grupo social ao qual os artistas pertencem e a partir da qual criam suas obras. Essa perspectiva, quando aplicada aos estudos dedicados às poéticas musicais alemãs dos séculos XVI, XVII e XVIII, justifica a necessidade do resgate dos fundamentos teológico-políticos dessa tradição e da elaboração de uma compreensão sobre eles. Além disso, demanda o restabelecimento de homologias estruturais entre eles e os princípios criativos da música, como forma de colocar em evidência a natureza política e religiosa do exercício musical, comprometido com a manutenção da ordem social, a construção do bem comum e o desígnio divino. Para além do compor e executar, esse exercício implicava no compromisso de tornar o discurso musical inteligível para o público e acessível às futuras gerações de compositores, como material para imitação.

Discorre-se, neste artigo, acerca de questões relacionadas aos critérios para escolha de repertório, no âmbito coral adulto e no contexto do coro juvenil. A partir de diferentes autores levantamos os parâmetros para seleção de repertório no coral adulto, seguido de um cotejamento entre os critérios sugeridos por cada autor. Em seguida, abordamos os critérios de seleção de repertório coral, com base em pesquisas voltadas para o contexto do coro juvenil seguido de um comparativo dos parâmetros sugeridos pelos autores. Identif icamos pontos comuns na seleção de repertório coral adulto e juvenil, mas também, constatamos alguns pontos que são específicos ao coral juvenil.

A concecao desta peca tem como base a sistematizacao de uma metodologia de composicao, desenvolvida como trabalho final de mestrado em Artes Musicais (Ricardo 2019), que testa uma possivel associacao entre componentes textuais e elementos musicais. Podera ser encarada como uma transcricao de carateristicas textuais para parametros musicais. Para isso foi desenvolvido um processo de transcricao em que o texto e tratado como dados em bruto – consoante os caracteres individuais e combinacoes entre letras, em silabas, palavras ou frases – resultando em sequencias numericas e alturas de notas, e usadas na construcao de motivos, acordes, estruturas, etc.; destas transcricoes resultam series de notas musicais, com alturas e duracoes especificas, que sao tratadas como o material musical disponivel para o compositor. Nao se trata de uma simples transcricao ou codificacao direta de texto em musica, mas sim da exploracao de como estes processos criptograficos podem ser aplicados artistica e criativamente.

Este artigo apresenta um estudo sobre os procedimentos composicionais intertextuais na obra Estetica do Frio III: Homenagem a Leonard Bernstein (2014) de Celso Loureiro Chaves. Objetivou-se elucidar a sistematica do compositor em abstrair, organizar e reutilizar materiais musicais de obras proprias ou alheias (“textos”) na criacao da obra. O trabalho investigativo foi desenvolvido atraves da analise de manuscritos e partituras e de dialogos com o compositor. Observou-se que a utilizacao de elementos intertextuais forma uma solida rede de conexoes, dando coerencia estrutural a composicao.

In this paper I draw on literature by Xenia Pestova, Antonietta Loffredo and Maggie Williams/Margaret Leng Tan, and primary research in the form of an interview with Kate Ryder (transcribed as an Appendix) exploring aspects of toy piano performance/composition and focussing on my Four Pieces for Toy Piano (2018). These pieces were commissioned by Ryder and premiered by her in London in 2018, and subsequently published and recorded. I identify themes which emerge in, and out from, this and other professional repertoire for toy piano relating to composition and performance practice: material/materiality; sonic character, notation, collaboration and communication. I provide a poietic account of some of the processes involved in the pieces’ composition and realisation in performance.

Este trabalho evidencia processos de assimilacao e incorporacao de repertorio entre instrumentos musicais analogos - o oboe e o saxofone, tendo como base a Fantasia Sul America para oboe solo , de Claudio Santoro (1983). Os procedimentos utilizados incluem entrevista com o saxofonista brasileiro Dilson Florencio (2019) e uma breve revisao historica em torno do IV Concurso Sul America de Musica - Jovens Concertistas Brasileiros, realizado no Rio de Janeiro em 1985. Os resultados da pesquisa apontam significativa visibilidade da obra averiguada atraves da repercussao midiatica na plataforma digital do YouTube , programas de recitais e a ampla divulgacao de edicoes nao oficiais da versao para saxofone a partir do manuscrito entre saxofonistas.

O objetivo deste artigo e discutir sobre as possibilidades de uso da Loop Station em performances musicais e suas implicacoes. O texto centra-se na criacao e performance de um arranjo/exercicio que consiste numa colagem das obras musicais Beat 70 (Pat Metheny) e Asa branca (Luiz Gonzaga/Humberto Teixeira) e utiliza como setup: flauta transversal, Loop Station Boss RC-30, pedal Guitar Processor GP-10 e Footswitch . Busca-se, portanto, abordar o processo de preparacao, elaboracao e performance, descrevendo aspetos importantes como: conf iguracao de parametros de efeitos, exigencias interpretativas com relacao ao movimento do corpo no controle de pedais e criterios para notacao musical. Este arranjo/exercicio foi desenvolvido com fins didaticos, onde a componente tecnologica e signif icativamente simples, visto ser direcionado para pessoas com pouca ou nenhuma experiencia com pedais de efeitos e tem sido usado em workshops realizados em escolas de musica, festivais, conferencia e outros tipos de encontro.

Il Neige... de Nouveau! (1985) e uma obra para piano da ultima fase composicional de Gilberto Mendes, associada ao Pos-Minimalismo. A intertextualidade e um traco marcante dessa obra que estabelece uma relacao direta, entre outras, com Il Neige! (1902), tambem para piano, de Henrique Oswald. Iniciamos nossa abordagem apresentando um referencial teorico sobre o Pos-Minimalismo, e realizamos uma analise da partitura buscando detectar tracos intertextuais dentro dela. Uma metodologia de analise por descritores de audio e tambem aplicada as gravacoes das obras de Mendes e Oswald. Os resultados obtidos apontam que, apesar das relacoes intertextuais entre as duas obras, as concepcoes formais de ambas sao distintas, cada qual dialogando com seu periodo historico. Concluimos situando a obra de Mendes no paradigma formal da segunda metade do seculo XX, das formas como processo, apresentando um tempo irreversivel e direcional, com momentos de continuidade e outros de cortes abruptos.

This paper describes a two-day composition workshop dedicated to the toy piano held in 2019 at a state middle school with a musical address in Italy. Eight young pupils in the early years of their piano studies took part. The resulting compositions are shown and indicate that the toy piano is a useful means to stimulate creativity in young pupils. A further consideration addressed is that operating in the educational field means expanding the future audience with respect to new musical languages and means of musical expression. In discussing both pedagogical practise and composing and performing, the author’s aim is to contribute to the comprehension of the ‘toy piano phenomenon’ which in recent years has increasingly seen this instrument take centre stage on the contemporary music scene.

The aim of the following study is to highlight the significance of the development of sight- reading skills both in the higher stages of music education implemented in the university, conservatory, and in the music career of performer-teachers. The author has examined a large number of Soviet, Post- Soviet and Western studies concerning the topic with sufficient practical recommendations and methods for developing this skill. According to the results of the online questionnaire-based survey, carried out among participants, the data analyses showed that, in spite of giving importance to sight-reading, the respondents seek to pay more attention to this skill by involving it in the curricula on their own initiative. As a result, the author's hypotheses are fully supported. Besides, based on her own experience, the author confirms that sight- reading provides the music teacher with a broad range of benefits leading to professional development and a good reputation among the students.

In this interview, the Mexican composer Hilda Paredes talks about the political and ethical concerns which are involved in her music. She shares her thoughts about the relationship between her music and contemporary Mexican indigenous poetry, the connexion between gender issues and social justice, the burden of racism, the embodied experience of violence, the destruction of language, and the relationship her creative process has with environmental concerns. We discuss these issues in relation to several of her works, in particular Kamex ch’ab (2010), El Palacio imaginado (2003), La tierra de la miel (2013), Harriet (2018) and Rainy days (2019). The result is an exploration of how she tackles in each work these issues by constructing networks of events, places and people., En esta entrevista, la compositora mexicana Hilda Paredes habla de las preocupaciones políticas y éticas que están implicadas en su música. Expone sus ideas sobre la relación de su música con la poesía indígena mexicana, la conexión entre cuestiones de género y la justicia social, el peso del racismo, la experiencia corporal de la violencia, la destrucción del lenguaje, y la relación que tiene su proceso creativo con preocupaciones medioambientales. Abordamos estas cuestiones en relación con varias de sus obras, en especial Kamex ch’ab (2010), El Palacio imaginado (2003), La tierra de la miel (2013), Harriet (2018) y Rainy days (2019). El resultado es una exploración de cómo aborda en cada obra las cuestiones mencionadas mediante la construcción de redes de eventos, lugares y personas.

This paper investigates the nature of written musical scores and their role in the communication between composer and performer. Using as thread the narrative of the rewriting of a problematic earlier score, the investigation starts from Derrida’s emphasis of absence in the phenomenon of writing (1982) and Eco’s concept of model reader (1979), and stresses the importance of improvisation in the creative process and its impact in the act of writing, introducing a notion of hermeneutics from Barthes’ distinction between Work and Text (1977), Bloom’s concept of poetic misprision (1975), and Austin’s theory of speech-acts (1962), which is used to create an interpretative tripartite model. There is then a discussion on the purely abstract nature of a composition and the pitfalls involved in the task of transcribing performances. During the course of the discussion, the rationale investigated engenders twelve directives for the effective preparation of musical scores.

O presente artigo trata da descricao do Sistema Composicional Intermarkoviano , resultado de uma convergencia entre a teoria da intertextualidade e das cadeias de Markov, com o objetivo de estabelecer diretrizes pre-composicionais. Tais diretrizes se originam, no caso especifico deste trabalho, das particoes texturais ritmicas e dos contornos melodicos de uma obra musical original: o segundo movimento dos Cinco Movimentos para Quarteto de Cordas, Op. 5 de Webern. A operacionalidade do sistema e facilitada atraves de um aplicativo computacional denominado Markov Model , desenvolvido durante a pesquisa. Como resultado composicional, foi planejada e composta uma nova obra, cujas relacoes profundas de interdependencia textural e contorno melodico se aproximam da obra original.

In this article, composer Peng Liu investigates the role of the Zheng instrument in Chinese new music scene. The composer focuses on three main approaches on how Zheng music has been written so far: the preservation of tradition, the modern development, and the extreme use. Peng also talks about the resistance from traditional Zheng players when performing pieces from the new music repertoire, and the encouragement to experimentation led mainly by Chinese composers. Although the text is a personal response by the composer, Peng is motivated to contribute to the development of new music repertoire for Zheng [note by editor].

The ongoing paradigm shift from traditional methods of teaching music composition towards new approaches based on computer technology for sound production is the main focus of the article. The paper reviews the evolution of teaching methods throughout the Classical, Romantic and Modern periods, demonstrating how certain standard practices from former ages, based on the professional profile of the Chapel-Master, become theoretical golden principles for subsequent periods. After the French Revolution the traditional method of individual practical exchange between master and disciple was upgraded at the Conservatory. Classes for groups of students required a new approach based on theory abstraction. Although none of these teaching methods have been abandoned up today, a new paradigm appears when the tools of computer technology became widespread. An unpredictable equilibrium between the traditional methods and the new techniques of computer-assisted or computer-generated music composition tends to emerge.

This paper focuses on teaching composer- performer collaboration as a path to new paradigms of 21st century art-making. First, we discuss the interplay between theory and practice in creative musical processes, with special attention to the performative modality of composition. Then, we approach collaboration itself, considering how the term has been both overused and misunderstood for decades. Finally, we present a case study of teaching composer- performer collaboration at the graduate level, in the "Atelier for Composition and Performance" (Ateliê de Composição e Performance Contemporânea), at the Federal University of Bahia.

In this essay, composer Ming Tsao presents a critical overview of today's new music scene, with a special emphasis on the task of teaching music composition today and the culture of new music festivals. Tsao's main critique delves into the current tendency towards entertainment predominantly displayed in some German new music festivals, commonly advertised as experimental music. Alongside this critique, Tsao presents Steven Takasugi's musical theater work "Side Show" (2009-15) as an example of today's music composition that resists this emerging commercialism in concert music. In this text, Tsao makes reference to the writings and ideas of German composer Helmut Lachenmann, mainly on his concepts of Geräuschmusik, Kadenzklänge, Texturklänge, and the language-like aspects of music, as well as to the writings of poet J. H. Prynne [note by editor].

The challenge involved in the teaching of musical composition is somewhat analogous to the issue of reconciling theory and practice; this is when the teacher– student relationship triggers a flow of information that leads to the construction of new concepts that are established by either or both sides. The present paper emerged from a roundtable held at the “The Teaching of Composition at the University” colloquium, which took place at the State University of Paraná in November 2019. The authors did not attempt to arrive at definitive conclusions but, rather, point out directions for critical reflection and practical approaches about the issue of teaching composition. The occasion was also an excellent one for sharing didactic experiences taking place at universities in Brazil and abroad.

In this essay, composer Dániel Péter Biró reveals his methodology and trajectory as a professor of music composition in the last 16 years. Biró explains how can one teaches a creative artistic process nowadays, in a globalized musical culture, which is full of possibilities for development of cultural diversity while simultaneously providing students distractions driven by capitalist paradigms. How can one help each student to develop his/her own musical language? For this task, Biró talks about how composition today is creative process highly grounded in intellectual and interdisciplinary approaches, sharing similarities with other areas of research such as philosophy and history. For this task, the composer relies on musical analysis in his seminars and individual lessons as one of the strongest methodologies to learn composition, alongside integrating music technology and contemporary performance practice research. [note by editor].

Made available in DSpace on 2020-12-10T17:33:09Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2020-01-01 in this text, composer Flo Menezes shares his impressions on teaching composition. The specific context is his experience as a selected composer at the Royaumont courses in 1995, under the supervision of British composer Brian Ferneyhough and Swiss composer Michael Jarrell, while he was writing his TransFormantes II (1995) for piano and clarinet. Menezes describes his impressions of Ferneyhough's teaching methods, on his behavior towards students, and how Ferneyhough put himself, aesthetically speaking, always in solidarity with the stundent's work. In comparison to Royaumont, he also mentions his experience as a student from Willy Correa de Oliveira in Brazil, who, on the other hand, was quite critical on the students' aesthetic decisions. Based on these encounters, Menezes discusses the specificities of teaching composition, from the benefits of musical analysis to the impossibilities of teaching inventive process. Univ Estadual Paulista, Sao Paulo, SP, Brazil Studio PANaroma Mus Eletroacust, Sao Paulo, Brazil Univ Estadual Paulista, Sao Paulo, SP, Brazil

In this article we interviewed the Italian composer Luigi Abbate. In our conversation we focused on music composition teaching, its developments and challenges. We started from the historical view of Professor Abbate, in order to carry out a brief comparative analysis of Italian and Brazilian music education. During the conversation, we passed through subjects such as the curriculum of composition courses, the use of the classical repertoire in class and the didactics of teaching music composition.

O artigo de John Croft “Composição não é Pesquisa” desafia uma concepção e um ideal de trabalho composicional na academia que ganhou destaque ao longo de várias décadas no Reino Unido. Como performer acadêmico, que também escreve sobre assuntos acadêmicos não relacionados à performance, abordo este desafio, partilhando algumas das restrições de Croft sobre as maneiras pelas quais essas concepções têm se manifestado, e também algumas preocupações sobre a integração indiscriminada de profissionais na academia e as implicações para as formas acadêmicas mais tradicionais. No entanto, eu creio que muitas das formulações e suposições de Croft são limitadas, e, ao invés disso, argumento que boa parte do processo de composição e performance constituem-se em pesquisa ao lidar com questões difí­ceis, explorando soluções, e produzindo trabalhos criativos que incorporam essas soluções, das quais outros podem se beneficiar também.

In this essay I introduce some ideas and experiences that have been the object of numerous studies and resource materials for composition for several years. This whole information has to do, firstly, with an interdisciplinary context of studies and music creation that refers back to my doctoral thesis; secondly, with research and creative experiences based on the musical gesture and that one under the perspective of "enactment" ; and thirdly, with a poetic view of the sonorous architecture of the artistic work from an intrinsic relation between sound and silence.

In this essay, composer Joachim Heintz presents his ideas and pedagogical strategies on teaching electronic music composition, specially within the current model found in universities around the globe. One of the important aspects investigated by Heintz is the complexity between teaching music composition and programming / instrument design, as well as the roles of professor and student (and what it means today). Through an organic and didactical methodology, Heintz describes his thoughts on teaching electronic music according to the German reality in universities and Hochschule: collective weekly seminar meetings and individual one-hour lessons. [note by editor].

Este artigo tem como objetivo propor uma estratégia geral lúdica para compor músicas inspiradas em analogias poéticas. Ele tenta ampliar as perspectivas da composição algorítmica ao considerar ideias extramusicais multifacetadas como etapas sucessivas válidas para alcançar objetivos criativos específicos em música. Ao mesmo tempo em que mantém, metaforicamente, uma intenção algorítmica geral, esta concepção propõe o uso de fatores interdisciplinares como uma alternativa a procedimentos matemáticos em planos formais de composição.