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La création théâtrale au Cameroun donne l’impression d’un projet qui décrit le cadre de vie de certaines sociétés. Elle met en lumière les informations nécessaires à la maitrise des us et coutumes des personnages/acteurs. Il s’agit en réalité, dans ce théâtre, de l’expression de leur organisation sociétale. En analysant "Guéidô", on y découvre une étude minutieuse qui renseigne sur le Cameroun profond. La présente recherche examine les modalités et les buts de cette entreprise de création. Elle se propose de faire ressortir les raisons qui entretiennent ces représentations sociales dans la création théâtrale contemporaine au Cameroun. Cette étude repose sur l’ethnoscénologie qui est une discipline scientifique issue de l’ethnologie et des arts du spectacle. Elle examine les pratiques culturelles dans leur contexte de production sans jugements de valeur ou préjugés. Sa démarche ici conduit à analyser les pratiques performatives, la confrérie des neuf notables, l’usage de la parole, les systèmes de croyances, les systèmes de rétributions et de condamnations et l’univers des créateurs. Ainsi, on découvre que la création théâtrale contemporaine au Cameroun participe à compléter, à sa manière, les études sur les systèmes d’organisation des sociétés camerounaises, à travers la mise en scènes des représentations sociales.

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This article analyses the stagings of Le Bal, written by Némirovsky between one chapter and the next of David Golder, with which it has a number of points in common, starting with the depiction of a Jewish family. As the title suggests, everything revolves around the ball that should have consecrated the family's aspirations, but instead precipitates its social defeat. This is a text in which the potential theatricality of Némirovsky's texts is particularly evident, as evidenced by the presence of certain theatrical effects, such as phrases that take the place of stage directions. After a brief observation of Lemoine's staging in 2013, in which comico-grotesque aspects predominate, the article turns to Bergamasco's staging in 2015, in which the emphasis is on the violence of feelings and mother-daughter rivalry.

Esse artigo apresenta uma análise do filme Nous (2021), da cineasta franco-senegalesa Alice Diop, a partir de dois elementos estético-formais: a mise en scène e a montagem. Considerando certos recursos mobilizados na obra, como o uso do autobiográfico em uma perspectiva política que coloca no centro a experiência afrodiaspórica da população francesa de origem migrante, analisamos as dinâmicas entre o individual e o coletivo produzidas pelo filme. Verificamos as relações que Diop cria entre o cotidiano de habitantes racializados da periferia de Paris e de franceses brancos, colocando em perspectiva as complexidades identitárias na França contemporânea e interrogando quem faz parte, afinal, desse “nós” ao qual o título do filme faz referência.

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Strange Interlude is a marathon play fusing together dialogue and thoughts spoken out loud in a unique, innovative dramatic object. This essay explores O'Neill's ambition to represent the wholeness and fluidity of psychology, in order to investigate the ways in which this can be embodied on stage in various production styles, from the play's initial triumph to its relative abandonment, and then to a fresh wave of interest in the 21s' century, reclaiming the play as experimental ground. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

The fortune of Molière's theater on the Italian stage dates back to the second half of the 20th century. In the space of a few decades, the playwright, almost unknown to the general public, inspired the greatest Italian directors who, through his comedies, tackled the complex question of the staging of the classics in the contemporary world. The discovery of Molière filled, as Cesare Garboli had guessed, a gap in the Italian theatrical tradition, that of bourgeois comedy and related values absent, at the same time, in Italian society. At the same time, the need to adapt and update Molière's text in relation to the Italian theatrical language calls into question the translation choices and imposes new challenges on the acting. At the end of the century, we can see that Molière definitely entered the Italian theatrical repertoire.

A partir de la seconde moitié du XIXe siècle, un spectacle spécifique attire beaucoup l’attention : La Terre avant le Déluge, une représentation conçue à partir de diapositives pour lanterne illustrant le monde depuis la formation du système solaire jusqu'au destin de l'humanité. Ces spectacles ont été suscités par de nouvelles preuves géologiques de l'existence d'un temps planétaire remontant bien plus loin que la chronologie chrétienne orthodoxe. Pour la première fois dans l'Histoire, des animaux préhistoriques foulent la scène dans des paysages idéalisés. Le répertoire imaginaire de ceux qui ont conçu ces scènes fait coïncider l'illustration d'histoire naturelle avec l'iconographie esthétique et la tradition biblique. C'est le cas d'une séquence de diapositives tirées de La Terre avant le déluge, un livre publié en 1863 par le vulgarisateur scientifique français Louis Figuier (1819-1894). Les scènes ont été initialement dessinées par Edouard Riou (1833-1900), jeune illustrateur et ancien élève du graveur français Gustave Doré, l'un des illustrateurs les plus prolifiques et les plus célèbres du XIXe siècle. La séquence canonique des scènes de Riou a été conçue pour faire passer l'argument scientifique à une époque où la croyance religieuse devait être réconciliée avec les nouvelles découvertes empiriques. Comme le montre cet article, la performance de la lanterne magique répondait parfaitement à cette demande d'une vision intégrée de la Préhistoire. La qualité spécifique du médium en matière de structure, d'expérience et de perception permettait de réinjecter les nouvelles connaissances dans une histoire cohérente. La lanterne possédait intrinsèquement la capacité de mettre en place une négociation entre science et religion, d'opérer un " mouvement " de la pensée et de permettre l'émergence de nouveaux objets de connaissance.

À partir de deux récits de la représentation à Lerma, en 1614, de la pièce de Lope de Vega El premio de la hermosura, cet article étudie trois aspects de la mise en scène de celle-ci dans le cadre d’un fête de cour : les costumes et leurs liens avec une culture cosmopolite du vêtement ; la merveille technique propre aux lumière et le goût de la cour pour un théâtre total ; le changement du texte par rapport à la version publiée de la pièce, avec l’ajout d’un entremets à la charge du bouffon Andrés de Alcocer, et avec la réorientation tragicomique du dénouement.

Cet article se propose de mettre en lumière la genèse de la pièce de théâtre La Rue des Mouches de Sony Labou Tansi. L’étude s’attache aux différentes étapes de la constitution du texte et met en évidence le chantier de La Rue des Mouches, pièce très inspirée des traditions congolaises, puis se penche sur la datation du texte et la mise en scène, fruit d’une collaboration franco-congolaise. Enfin, elle rend compte de la réception de cette pièce dans les milieux du théâtre francophone.

Notre travail propose quelques considérations sur les défis dans la traduction du texte théâtral. Nous partons de la prémisse que ce type de texte, de par son but artistique, qui est celui d’être représenté sur la scène, suppose des spécificités de construction qui doivent être respectées dans le processus de traduction. Cette activité traductive engage un mode distinct de réception ainsi que d’autres mécanismes de lecture des textes, qui vont au-delà la simple traduction du texte littéraire. Selon nous, il y a deux niveaux dans la traduction du texte théâtral : la transposition d’une langue source dans une langue cible et la traduction au niveau de l’interprétation des comédiens. Encore, il s’agit des spécificités de la traduction du texte dramatique selon l’encodeur du texte dans la langue cible, c’est-à-dire le traducteur. Ce dernier peut être un professionnel de la traduction, qui focalisera son attention sur la fidélité de la traduction au texte de départ ou un professionnel du théâtre (metteur en scène, acteur), qui se concentrera surtout sur le processus d’adaptation, car il privilégiera la projection de la représentation scénique. Nous illustrons nos considérations sur la traduction du texte dramatique par l’analyse de quelques aspects observés dans traduction en roumain de la pièce « Roméo et Juliette », faite par St. O Iosif, dans « l’Ubu roi » rendu en roumain par Romulus Vulpescu et dans notre version roumaine de la pièce « Qui est ce Ionesco », de Richard Letendre.

Cette étude examine les éléments les plus significatifs de la mise en scène de Franco, le retour, de Javier Berger, réalisée par lui-même à la tête de la troupe de Séville, Los Primos de Píter, en 2010.

Ce travail met en lumière le travail d’un homme de théâtre complet, Tomás Afán Muñoz, qui écrit pour la scène depuis sa connaissance approfondie de celle. Sa vaste expérience lui permet de jouer de tous les éléments scéniques et de faire des propositions très judicieuses et fort appréciées des metteurs en scène. On s’attachera plus particulièrement à l’arrière-fond social de son œuvre.

This special issue of Ambiances seeks to address issues raised by the emerging theatrical paradigm within international scholarship on atmosphere and ambiance. On the one hand, the issue seeks to investigate why the theatre seems to present itself as such an acute example of what Thibaud (2015) has termed the ‘affective tonality’ of aesthetic experience for scholarship that does not necessarily attend to the study of performance per se. On the other hand, it concerns what, in turn, the practice and study of theatre has to learn from enquiries across a range of other disciplines in which features of theatre and the theatrical as aesthetic, spatial and/or social generators of atmospheres have been regularly deployed by scholars in architecture, geography and philosophy. What might greater insight into the production and reception of theatre’s atmospheric conditions lend to enquiries that draw upon it analogically and/or in exemplary terms? How can the staging of atmospheres within theatre and associated practices offer concrete examples and methods to broader concerns for sociocultural, political, and ecological climates? Similarly, what lessons should theatre and performance take from the considerable efforts within the atmosphere studies to address its own affects, aesthetics, and environments?

Zsófia Molnár, doctor of theater studies, translator and supertitler, tells about her paradoxical position as “mediator of the immediate”. Supertitling is not just a textual matter: it is a live performance. As a result, the supertitler finds herself both inside the show (as close as possible to the performers onstage) and outside it, in a no-man’s-land between action and reaction. Such a position implies a delicate “negotiation” between both sides, to be carried anew every evening. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

In this interview, Marion Coste discusses the issues related to her position as “dramaturg” and researcher during Aliénor Dauchez’s stageing of the opera Votre Faust (music: Henri Pousseur, text: Michel Butor). The questions address the work with the contemporary music ensemble TM+, the way in which Marion Coste’s dramaturgical role affects her position as a researcher and the mutual influences between performance and research. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

Emmanuel Demarcy-Mota reveals his practice of director’s “notes”. First, according to the chronology of their uses: introduced during rehearsals so as to “seize an instant without freezing it”, then to define reference points, they are later employed to set fixed “navigational markers”. Second, according to the variations of the performance: what matters then is to watch over intentions and energies. For some of his shows, the dialogue by notes has been going on for twenty-five years. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

Don Kent has decades of experience in live performance filming. For him, the transposition of dramatic “life” on screen is a translation from one language into another, from theatrical spatiality into cinematic temporality. This translation, which requires a lengthy phase of preparation, must be adapted each time to the artistic vision of the theater director. Here he tells us about his practice and his convictions. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

AS A CONSEQUENCE OF THE CULTURAL TURN, THE CULTURAL APPROACH FOCUSED ON THE SPATIAL PROCESSES IN WHICH CULTURE IS INVOLVED. HENCE A WIDENING AND DEEPENING OF CULTURAL GEOGRAPHY. (I) CULTURE IS PARTLY SHAPED BY THE MODES OF TRANSMISSION RESPONSIBLE FOR ITS PASSING DOWN FROM ONE GENERATION TO THE NEXT. THEY STRESS MORE OR LESS KNOW-HOWS AND KNOWLEDGE (I.E. INTELLIGENCE) AND EMOTIVITY AND IMAGINATION (I.E. IMAGINARIES). (II) CULTURE IS EQUALLY SHAPED BY THE DEBATES AND OPINIONS IT INDUCES, THE GENESIS OF IDENTITIES, THE DYNAMICS OF IMITATION OR DISTINCTION AND THE PROCESS AND CONFLICTS OF CIVILIZATION OR DECLINE THEY INITIATE. (III) CULTURE IS COMBINED WITH OTHER PROCESSES WHEN IT DEALS WITH MATTER OR LIFE, PRODUCES ARTEFACTS, DEALS WITH NATURE, IS APPLIED TO THE HUMAN BODY, ANALYSES THE ROLE OF SENSES AND SHAPES THE LANDSCAPE. (IV) IT CONTRIBUTES TO TRANSFORM SOCIAL LIFE INTO A SHOW AND ITS SETTING INTO A STAGE. IN ITS PRESENT FORM, CULTURAL GEOGRAPHY COMPLETES BY A SOCIO-CULTURAL APPROACH THE OLDER SOCIOECONOMIC AND SOCIO-POLITIC APPROACHES. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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Les quatre années du Directoire ont marqué les esprits plus par les seins dénudés des « merveilleuses » que par l’inflation, la spéculation et la pauvreté du peuple. Cinq directeurs semblent régner et décider de tout, y compris du costume. On croit que les royalistes reprennent le pouvoir dans la rue, avec leur cocarde noire et leur habit carré. Après deux siècles de fantasmes et d’idées reçues, cet article tente de rétablir la réalité sociologique et politique du vêtement dans le quotidien des années 1795-1799.

In each of his seven operas, Pascal Dusapin has explored the genre's various ramifications, finding inspiration both in the work of his contemporaries and in ancestral myths, dealing with different musical arrangements--chamber and large-scale opera--initiating and practicing numerous artistic collaborations. His motivations and his very personal approach to text, voice, and music, shed light on the preeminence of the score, which frees all other parameters engaged in the complex assembling that constitutes lyrical art. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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Sur une période de temps, allant de 1976 à 2016, la méthodologie de l’analyse des textes dramatiques comme celle des mises en scène a eu le temps d’évoluer. Le renouvellement de la mise en scène et des ateliers d’écriture et d’interprétation n’en a été que plus spectaculaire. Ayant, volens nolens, suivi le mouvement de cette pédagogie tumultueuse à l’ère de la paupérisation et de la commercialisation de l’université, l’auteur raconte ses expériences dans des cadres très différents et avec des bonheurs très divers (Paris, Canterbury, La Havane, Séoul, Taipei).

Cet essai évalue les diverses méthodes qu’adoptent les créateurs de captations et de films réalisés à partir de spectacles scéniques afin de produire un effet de présence. La mise en scène, l’ontologie de l’image filmique, la pluralité d’interprétations des manifestations de présence, les connexions entre publics de la salle de théâtre et ceux de l’écran, font partie des éléments examinés. L’analyse conclut avec un plaidoyer pour le film-théâtre.

Representations of violence have been at the heart of some key movements in post-war British theatre. In the twenty-first century, however, these representations have evolved in a new way, characterised both by an escalation of the scale and intensity of the violence, to a point one could call apocalyptic, coupled with specifically non-realist dramaturgical and theatrical modes of production. The essay explains these phenomena as two sides of an attempt to resist neoliberal capitalism’s totalising colonisation of our experience of the real and to imagine the unimaginable end of capitalism.