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Restitution de l’entretien du psychanalyste et universitaire Paul-Laurent Assoun avec Evelyne Cohen et Pascale Goetschel en juin 2021 sur la série télévisée « En Thérapie ».

La publication de cette étude de 324 pages sur la série Les Six Compagnons confirme que les collections « Bibliothèque Verte » et « Bibliothèque Rose » sont désormais légitimées par les universitaires. Les contributions réunies par François Quet et Anne-Marie Mercier-Faivre ne réduisent donc pas l’intérêt de cette série singulière à la « nostalgie » qu’évoquent les romans de Paul-Jacques Bonzon, aventures policières menées par un groupe d’enfants de classe populaire dans une société très réa...

Caroline de Pierre Probst est une série qui a marqué les Trente Glorieuses. La petite héroïne, créée en 1953 pour la collection des « Grands albums Hachette », a accompagné au moins trois générations de lecteurs en leur proposant 44 aventures en 54 ans. Plus de la moitié de ces albums ont pour thème de fond la mobilité et le tourisme. Pierre Probst semble utiliser la série comme une « métaphore » du voyage, conformément à une proposition marquante de Michel de Certeau. Il est un géographe au sens étymologique du terme : il raconte et dessine (graphêin) la Terre (gê). Dans cet article, il sera question d’analyser les 26 albums à thématique spatiale évoqués précédemment afin de montrer que Probst est un « faiseur d’espaces » et qu’il utilise les espaces sériel, diégétique et pictural (aux échelles respectives de la série, des histoires et des images) pour faire de la série ce que nous avons décidé de nommer une « série-géographe ». Caroline by Pierre Probst is a series that marked the Glorious Thirties. The little heroine, created in 1953 for the collection « Les Grands Albums Hachette », accompagnied at least three generations of young readers with 44 adventures in 54 years. More than a half of these picturebooks have mobility and tourism as main theme. Pierre Probst seems to use the series like a « metaphor » of the journey, in accordance with an important proposal by Michel de Certeau. He is a geographer in the etymological meaning : he tales and draws (graphêin) the Earth (gê). In this paper, we will analyze the 26 picturebooks with a spatial theme in order to show that Probst is a « spaces maker » and that he uses serial, diegetical and pictorial spaces to turn the series in what we decided to call a « geographer-series ».

La série Barbapapa, née en 1970, est souvent présentée comme le résultat d’une impulsion créatrice inopinée, née dans un couple franco-américain et stimulée par le contexte de la vie parisienne. On peut aussi l’envisager sous un autre angle : celui d’une éblouissante réussite commerciale, due à des stratégies de déclinaisons plurimédiatiques et internationales qui ne laissent rien au hasard. Cet article explorera les deux faces de cette aventure éditoriale. The Barbapapa series, born in 1970, is often presented as the result of an unexpected creative impulse, born in a Franco-American couple and stimulated by the context of Parisian life. It can also be seen from another angle: that of a dazzling commercial success, due to multi-media and international strategies that leave nothing to chance. This article will explore the two sides of this editorial adventure.

La série des Aventures de Sylvain et Sylvette, créée par Maurice Cuvillier (1897-1957) en 1941, a dépassé les quatre-vingts ans d’existence. Cette bande dessinée diffusée d’abord dans la presse a été déclinée dans un grand nombre d’albums (295 titres, plus de vingt millions d’exemplaires vendus). Pour toutes ces raisons, elle méritait d’être enfin prise en compte dans l’histoire de la littérature pour la jeunesse. Mais une autre raison s’ajoute à celles-ci : l’intérêt de cette série, moins simple qu’il n’y paraît. Elle présente deux enfants perdus dans les bois, un frère et une sœur, qui y vivraient heureux dans leur chaumière en compagnie de quelques animaux apprivoisés s’ils n’étaient pas harcelés par un groupe d’animaux sauvages, les compères. Ceux-ci (loup, renard, etc.) rapprochent la série du conte et de la fable, tandis que l’isolement des héros l’associe à la robinsonnade. L’intemporalité du conte est brouillée par des ancrages dans la modernité. La visée éducative y est forte, tant à travers la présentation des comportements des enfants entre eux, des animaux les uns vis-à-vis des autres, que des enfants face aux animaux qui sont placés en situation d’enfance. La question du langage partagé ou non entre enfants et animaux est très intéressante et montre que les animaux ennemis pourraient être une métaphore du monde adulte et de ses dangers. Série traversée par de nombreux phénomènes d’intertextualité et de décrochages temporels, elle met en œuvre un art de la simplicité, proposant à son public une éducation à la lecture dans un cadre fixe et rassurant. Les aventures de Sylvain et Sylvette, a series created by Maurice Cuvillier (1897-1957) in 1941, has now been running for more than eighty years. This comic strip series first appeared in the press and was later published in a long series of picturebooks, for a total of 295 titles and more than twenty million copies sold. It deserves to be considered in the history of children’s literature for these reasons. But there is an additional reason: the series is less simple than it appears. It depicts two children lost in the woods, a brother and sister. They would have a happy life in their thatched cottage, together with some tame animals, if they were not being harassed by a group of wild animals, the “old pals”. The group’s members (a wolf, a fox, etc.) link the series to the fairy tale and the fable, while the heroes’ isolation draws it close to the robinsonade. The timelessness associated with fairy tales is blurred by references to modern life. There is a strong educational intent, both in the presentation of the children’s behaviour among themselves, the animals’ behaviour among themselves and that of the children towards the animals, who are treated as if they were children. The question of language being shared or not between children and animals is highly interesting, showing that the hostile animals could be a metaphor for the adult world and its dangers. The series is traversed by many examples of intertextuality and of changing timeframes, yet exploits an art of simplicity, teaching its public to read in a stable and reassuring framework.

Cet article se propose de s’attacher au phénomène des séries dans le domaine de la bande dessinée pour enfants en prenant appui sur la série des Marion Duval qui, de par sa longévité, occupe une place particulière dans l’œuvre d’Yvan Pommaux. En appui sur la réception des albums par des lecteurs actifs notamment dans la blogosphère, il s’agira d’essayer de comprendre ce phénomène éditorial et de montrer comment se construit autour de l’héroïne un monde fictif à la fois ancré dans le réel et ouvert aux aventures les plus rocambolesques. Cette analyse permet un regard transversal sur la prégnance emblématique de la bande dessinée et de la création sérielle dans une œuvre d’auteur à la fois très diversifiée et très organique. This article proposes to focus on the phenomenon of series in the field of children’s comics, taking as a starting point the Marion Duval series which, due to its longevity, occupies a special place in the work of Yvan Pommaux. Based on the reception of the series by readers talking about their reception mainly online, the aim is to understand this publishing phenomenon and to show how the series builds around the heroine a fictional world that is both anchored in reality and open to the most unbelievable adventures. This analysis allows a transversal look at the emblematic influence of comics and serial creation in an author’s work that is both very diverse and very organic.

L’objectif de cet article est de mettre au jour la triple sérialité qui a contribué à la célébrité des albums de guerre de Bécassine et des Pieds Nickelés parus de 1913 à 1919, et d’abord publiés en planches de BD dans les hebdomadaires La Semaine de Suzette et L’Épatant. Cette étude souhaite montrer comment le contexte belliqueux et propagandiste a participé de la popularité des aventures de ces héros par l’effet de réel et la tension narrative, d’abord dans le strip d’une planche, puis entre les épisodes de magazines et enfin entre les albums. Il sera dès lors nécessaire de s’interroger sur la stratégie éditoriale pour la diffusion séquentielle des histoires. On notera enfin le rôle du cliffhanger dans le renforcement d’une littérarité récurrente et la construction de types littéraires et sociaux. This article explains the triple seriality which contributed to the fame of the war picturebooks of Bécassine and the Pieds Nickelés published from 1913 to 1919, and first published as comic strips in the weeklies La Semaine de Suzette and L’Épatant. This study aims to show how the belligerent and propagandist context contributed to the popularity of the adventures of these heroes through the effect of reality and the narrative tension, first in the strip of a board, then between magazine episodes and finally between picturebooks. It will then be necessary to consider the editorial strategy for the sequential distribution of stories. Finally, we note the role of the cliffhanger in the reinforcement of a recurring literariness and the construction of literary and social types.

Le présent article propose une analyse de la représentativité criminelle dans la série italienne Suburra et des enjeux qui l’accompagnent. Ainsi, en s’attachant à observer à la fois les modalités narratives, la scénographie et les interactions entre personnages, la démonstration vise à montrer combien la fiction met en scène la dimension éthique. Pour cela, nous avons pris le parti de nous focaliser d’abord sur la figure d’Amedeo Cinaglia dont le parcours conduit le spectateur à voir se matérialiser à l’écran un irrémédiable glissement, de l’intégrité à la criminalité. Par la suite, nous nous sommes intéressés au duo emblématique de la série représenté par Aureliano et Spadino qui, selon nous, symbolisent une forme d’humanisation du tragique, suscitant ainsi l’empathie du spectateur. Questo articolo propone un’analisi della rappresentazione criminale nella serie italiana Suburra, e delle questioni a essa connesse. Così, osservando le modalità narrative, la scenografia e le interazioni tra i personaggi, la dimostrazione mira a mostrare quanto la finzione metta in scena la dimensione etica. Per questo, abbiamo deciso di concentrarci prima sulla figura di Amedeo Cinaglia, il cui percorso porta lo spettatore a vedere materializzarsi sullo schermo un passaggio irreparabile dall’integrità alla criminalità. Abbiamo poi rivolto la nostra attenzione al duo emblematico della serie, Aureliano e Spadino che, secondo noi, simboleggiano una forma di umanizzazione del tragico, suscitando così l’empatia dello spettatore.

Diffusé pour la première fois en France dans l'émission Récré A2 en juillet 1978, Goldorak, dessin animé japonais (1975-1977) réalisé par le studio Tôei Animation en lien avec le manga de Gô Nagai UFO Robo Grendizer, raconte le combat d'Actarus contre les forces de Véga commandées par le Grand Stratéguerre. En France, le dessin animé est un succès immédiat. Il marque toute une génération d'enfants, fait la Une de Paris Match en janvier 1979 et suscite colère et désespoir chez les adultes qui le relèguent au rang de « japoniaiserie » et l'accusent d'influences délétères sur les jeunes téléspectateurs. Or, quarante ans après sa première diffusion, Goldorak est toujours là sans cesse réapproprié et « métamorphosé » pour être transmis à une nouvelle génération de spectateurs. Il est temps de porter un nouveau regard sur cette fiction sérielle. Au-delà des informations factuelles et techniques que l'on peut trouver sur Internet, ce livre propose de penser avec Goldorak, de mettre en lumière les complexités culturelles du dessin animé et de proposer des analyses et interprétations originales, à travers le prisme de l'histoire, la civilisation japonaise, la littérature, le théâtre, le cinéma, la musique ou l'étude des médias. Il s'agit de prendre Goldorak au sérieux.

Cet article envisage la sérialité dans une perspective historique et socioculturelle pour se focaliser sur le vieillissement des trois stars hypermasculines les plus emblématiques des années 1980, à savoir Sylvester Stallone, Arnold Schwarzenegger et Bruce Willis, chacun tête d’affiche de séries de film à succès débutées avec Rocky (1976) et Rambo (1982) pour Stallone, Terminator (1984) pour Schwarzenegger et Die Hard (1988) pour Willis. Depuis le constat de l’extraordinaire pérennité de ces ...

Le générique de The Young Pope dure 80 secondes et constitue une pépite de synchronisation, d’inventivité, d’à-propos, de malice et d’intelligence. Il apparaît dans les épisodes 3 à 8 (selon une version modifiée et légèrement raccourcie dans l’épisode 5), ainsi que dans l’épisode 10. On y voit Pie XIII avançant avec assurance et une certaine nonchalance dans un musée imaginaire composé de dix œuvres d’art, neuf tableaux et une statue. Un tel dispositif convient à l’univers de la série, puisqu...

L’une des caractéristiques de la série Goldorak, certainement propre aux programmes pour enfants, est la durée des éléments répétés d’un épisode à l’autre, alors qu’ils ne sont pas indispensables d’un point de vue narratif. On retrouve le générique, porté par une chanson, comme élément commun aux séries jeunesse, ainsi que des séquences que l’on peut qualifier d’« énergétiques », d’abord fondées sur un rythme, sur une chorégraphie, et qui peuvent se prolonger par une sorte de karaoké, comme l...

Juste avant la diffusion par le réseau FOX du pilote de Glee, un article du New York Times, intitulé « Not That High School Musical », note l’inscription de la nouvelle série dans la filiation générique de comédies musicales backstage mettant en scène des adolescents qui unissent leurs forces pour monter un spectacle. C’est un genre ancien à Broadway remontant au moins au Babes in Arms (Shubert Theatre, 1937) de Richard Rodgers et Lorenz Hart, qui contribua à lancer une veine de comédies musi...

Les séries télévisées sont aujourd’hui plus fascinantes que jamais, capables de déployer des intrigues au long cours et des mondes fictionnels denses et sans limites. Ce livre explore les évolutions narratives qui ont façonné les œuvres contemporaines, et cherche à percer les secrets de l’écriture des séries les plus feuilletonnantes. Comment une série peut-elle tenir sur la durée ? De quelles façons s’organisent les multiples fils de l’intrigue ? Comment les scénaristes parviennent à jongler entre improvisation et planification du récit ? Au-delà des débuts souvent hésitants et des fins difficiles à prévoir, c’est toute l’immensité de ces œuvres hors-normes qui est analysée à partir de séries culte des années 1990 à nos jours. Ce livre montre qu’une série doit trouver son chemin, et que le scénariste cherche la boussole qui lui révèlera le « vrai nord ». Au programme : Lost, Babylon 5, Battlestar, Breaking bad, X-Files, Buffy contre les vampires, Game of thrones, How I met your mother, The Mentalist, Black Mirror…

HBO est plus qu’une chaîne. C’est aussi un bouquet (qui inclut Cinemax, autre chaîne premium à s’être depuis investie dans les séries originales) et un réseau international dont les antennes se déploient du Brésil au Pakistan, du Canada à l’Australie, du Mexique à l’Inde. Sa politique étrangère s’appuie sur deux types de contenu complémentaires : les programmes phares issus du vaisseau amiral américain (Sex and the City, par exemple, jouit d’une extrême popularité auprès des jeunes femmes act...

Dans sa monographie consacrée à The Newsroom, Laure Depretto s’interroge fort à propos sur l’adéquation entre la série créée (et quasi intégralement écrite) par le prolifique Aaron Sorkin et les exigences de son diffuseur, s’agissant cette fois-ci de la chaîne du câble premium HBO et non plus, comme pour ses précédents projets télévisuels, d’un network tel qu’ABC (Sports Night, 1998-2000) ou NBC (The West Wing, 1999-2006 ; Studio 60 on the Sunset Strip, 2006-2007). Dans un sous-chapitre intit...

Un réexamen nécessaire Provocateur en apparence, ce titre ne cherche pas du tout la polémique. Il reprend simplement, dans un clin d’œil amical, les propos tenus par Jacques Aumont en 1996 : « La bande-son de Goldorak est affreuse. Doublée à la va-vite, par des voix au timbre passe-partout, elle a des effets sonores rudimentaires, une musique débile. On a constamment envie de couper le son. » Tous décriés, les trois constituants de la bande-son mériteraient un nouvel examen, d’autant plus que...

L’histoire de l’art est un aspect majeur de la poétique visuelle de la série de Paolo Sorrentino The Young Pope. Dans cette série qui raconte la montée en puissance de Pie XIII, jeune pape américain décalé et réactionnaire, les tableaux, les statues, les œuvres d’art du passé jouent un rôle important dans l’effet de vraisemblance, puisque le Vatican est effectivement rempli d’images. Contemplées et commentées par les personnages, ou utilisées pour leurs dévotions, ces œuvres sont bien plus que des éléments de décor, elles sont « activées » et deviennent vivantes. Les images de la série sont elles-mêmes nourries d’images du passé et The Young Pope met en scène ces « voyages d’images », parcours visuels et sémantiques que ce livre propose d’explorer.

Depuis les débuts du cinéma sonore, les mondes du spectacle et du divertissement sont le sujet d’un grand nombre de comédies musicales désignées assez paradoxalement sous l’appellation de musicals « de coulisses » : si ces films racontent bien les efforts consentis par un groupe de professionnels ou d’amateurs pour monter un spectacle (show de Broadway, film hollywoodien, pièce amateur...) et montrent donc bien les coulisses de la création artistique, les séquences les plus importantes de ces...

S05E01 - La lettre dans le livre Enfermé depuis trois ans dans la Station Cygne, Desmond a tué accidentellement son camarade d’infortune, Kelvin Inman, après que ce dernier a tenté de voler son bateau. Ce bateau qui l’a amené sur l’île, et que Kelvin a réparé en secret, trop content de laisser à Desmond la responsabilité d’un bouton dont personne ne sait s’il sauve vraiment le monde. Desmond pourrait partir, à tout moment, et retrouver Penelope, la femme de sa vie. Mais il a vu ce qui se pass...

L’expression « histoire de l’art » suggère qu’il existe un ou des récits des évolutions affectant la production artistique, que les historiens spécialisés auraient pour charge de reconstituer. Elle pose problème au moins pour les périodes anciennes et les civilisations non-occidentales, puisque la notion d’« art » n’y existe pas, ou de manière différente. En s’intéressant à des artéfacts ne relevant pas de ce que la tradition occidentale moderne a identifié comme l’« art », Aby Warburg a inci...

Qui est « Goldorak » ? Voici une question qui n’est que la première d’une longue liste dont ce texte – autant annoncer tout de suite la couleur – sera émaillé. Car Goldorak qui, par certains aspects, revêt une évidence incontestable (la jeune spectatrice et le jeune spectateur auxquels il s’adresse en priorité pourront difficilement affirmer le contraire), suscite aussi énormément de questions. Qu’est-ce que Goldorak ? Il y a dans cette dénomination, il faut l’admettre, une certaine abstracti...

S01E01 - Une lettre dans un livre À sa sortie d’une prison militaire, Desmond Hume récupère ses effets personnels. Le gardien énumère la liste des objets : des clés, une montre ; une photographie jaunie le représentant accompagné d’une jeune femme, sur laquelle l’ex-détenu s’attarde. Un dernier item interpelle le gardien : un livre de Charles Dickens, Our Mutual Friend. Il lui demande : « GARDIEN – Pourquoi ne pas l’avoir pris en cellule ?DESMOND – Pour éviter la tentation, mon frère. J’ai lu...

La dixième œuvre du générique est une œuvre de Maurizio Cattelan intitulée La nona ora, datant de 1999, et dont il existe deux versions. Dans la première le pape porte des vêtements blancs. Dans la seconde, qui apparaît dans The Young Pope, il porte des vêtements dorés. La nona ora joue un rôle majeur dans le générique, puisqu’elle constitue le sujet unique de sa dernière image, avec les mots Created and directed by Paolo Sorrentino. Un second portrait du pape polonais apparaît brièvement dan...

Aux origines de la sérialité : imaginer, compiler, patienter, penser The X-Files est une série qui n’a eu de cesse de repousser sa fin. Débutée en 1993 dans un relatif anonymat, elle a surfé sur un succès rapide qui a connu son apogée au cœur des saisons 4, 5 et 6, créant un engouement rare dans le monde de la télévision. Rien qu’à ce titre, la création de Chris Carter, entouré d’une équipe de scénaristes particulièrement actifs et brillants et de deux acteurs qui ont construit leur carrière ...

Passé les années, mais aussi tous les commentaires et les pratiques promotionnelles qui ont accompagné le programme et sa diffusion, il est devenu de plus en plus difficile d’accoler un genre et un sujet précis à la série. Œuvre-hommage à la tradition du cinéma de série B et même plus largement à toute la littérature de genre, elle a constitué une charnière entre différentes ères du divertissement télévisé. Entre le rendez-vous de la semaine, propre à la télévision de programmation et propice...

Tous les auteurs (de télévision ou non) vous le diront : ce qui compte le plus à leurs yeux, c’est la liberté dont ils disposent pour livrer ce qu’ils ont sur le cœur, sans supervision intrusive, sans « notes » censoriales et sans réécritures successives risquant de vider leur projet initial de sa substance. Cela semble tomber sous le sens, et pourtant combien de chaînes continuent de s’accrocher à leurs comités de lecture et à leurs superviseurs artistiques comme si leur avenir en dépendait ...

S03E01 - Qu’est-ce que la mythologie d’une série ? Mythologie et structure fractale Mythologie. Le terme évoque tout autant les dieux et déesses de l’Antiquité que les approches les plus récentes, telle celle de Roland Barthes. Pourtant, lorsqu’il est question de séries télévisées, mythologie a sa propre acception, et se trouve être une notion indispensable pour penser leur déploiement sur le long terme. Alors même qu’il est cité par les scénaristes, les sériephiles et les universitaires, le ...

Le succès commercial des bandes originales de séries télévisées ne date pas de Glee et de ses dizaines de titres présents dans les hit-parades du magazine Billboard (voir Annexes C, D et E) : dans les décennies passées, plusieurs collaborations entre sociétés de production de télévision et maisons de disque furent particulièrement fructueuses pour les deux parties, et au-delà du cas spécifique de la télévision les industries du divertissement ont multiplié, notamment depuis les années 1980, l...

Comme nous l’avons laissé entendre à plusieurs reprises, notamment en soulignant l’importance de la génération X dans la dimension sociale que construit la série, la quête de Mulder et Scully vient s’inscrire dans une lecture désenchantée du monde, en proie à un changement fondamental qu’elle tente de dessiner. Dans ce contexte de basculement, la famille semble jouer un rôle central. Interrogée dans sa configuration nucléaire, notamment lors des enquêtes, mais surtout lorsqu’est prise en comp...

Dollhouse, l’enfant maudit de Joss Whedon, créateur de Buffy The Vampire Slayer, Angel et Firefly a été diffusée de 2009 à 2010 sur Fox. Elle a souvent été critiquée en raison de sa structure assez chaotique, car l’histoire de sa production a été mouvementée : le pilote a été retourné, et le dernier épisode de la saison 1, Epitaph One, n’a pas été diffusé aux États-Unis (disponible sur le DVD, de même que le pilote original) ; la série a été menacée d’annulation, puis prolongée, et finalement...

29 janvier 2013. À trois jours du lancement de la première série originale de Netflix (la très attendue House of Cards), Reed Hastings lâche l’une de ces phrases sibyllines qu’il affectionne tant : « Notre but est de devenir HBO avant que l’inverse ne se produise. » Il est alors difficile d’imaginer dans quelle mesure l’ambitieux PDG du leader du marché américain de la vidéo en streaming (et futur géant de la SVOD mondiale) s’apprête à investir dans la production de séries originales, sans pl...

La chaîne du câble premium américain HBO revendique une démarche artistique sans concession (symbolisée par son slogan « It’s Not TV. It’s HBO »), ce qui lui a permis d’asseoir le « troisième âge d’or » des séries américaines. Face à une concurrence de plus en plus aguerrie et protéiforme, elle continue aujourd’hui d’avancer et de donner naissance à des séries qui créent l’événement. Quelle est la profession de foi qui a permis à la chaîne de produire tant d’œuvres majeures de l’ère « post-network » ? Que nous révèle l’autre versant de ses propositions toujours plus hétéroclites, entre succès d’estime et échecs retentissants ? Comment propage-t-elle son image de marque à l’étranger depuis le début des années 1990 ? Quel regard porter sur la concurrence d’un genre nouveau qu’incarne Netflix, le géant américain du streaming qui s’est positionné dès janvier 2013 comme le « nouvel HBO » ? Autant de questions complexes qui nécessitent de se plonger dans les arcanes d’une chaîne qui a changé à jamais le visage de la série télévisée – et pas seulement aux États-Unis. Cet ouvrage est la première étude scientifique de grande ampleur consacrée à HBO en langue française. Combinant une réflexion d’ensemble et des micro-analyses de nombreuses séries de la chaîne, il nourrit plus largement une réflexion à la fois historique et esthétique sur la télévision américaine. Très documenté, il bénéficie en outre d’une riche iconographie pensée pour soutenir ses multiples hypothèses.

Il était temps d’en finir. Les deux grandes enquêtes de Mulder et Scully ont pris fin depuis plusieurs mois déjà. Le Complot a été démantelé (One Son, 6.12) et toute tentative de la part de l’Homme à la cigarette, dernier représentant du grand projet de collaboration avec l’envahisseur extraterrestre, a visiblement échoué. Le destin liant l’histoire de l’Homme à la présence extraterrestre sur Terre est maintenant détenu dans le savoir, empirique et scientifique, de Scully et dans l’artefact q...

Dans un ouvrage paru en 2013, Simon Braund revenait en détail sur ces potentiels chefs-d’œuvre cinématographiques « que vous ne verrez jamais » en raison des mille et un problèmes qui, de l’idée initiale à la post-production, peuvent se poser à la conception d’un long-métrage, quand bien même son réalisateur se nomme Charlie Chaplin, Orson Welles, Alfred Hitchcock, Stanley Kubrick, Federico Fellini, Wong Kar-wai, Francis Ford Coppola, Steven Spielberg, David Lynch ou Tim Burton. Que ce soit e...