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Dans cet article, il s’agira de problématiser l’usage de la catégorie de « danse baroque » : la question de la relation que la danse des XVIIe-XVIIIe siècles entretient avec la catégorie générique du « baroque » se pose par exemple aujourd’hui à travers l’existence de différentes formations dites de « danse baroque ». Après avoir retracé l’essor de la catégorie historique et esthétique de « baroque » en France, et avoir exploré la dialectique de sa relation à la catégorie de « classique », la pertinence de son emploi sera analysée dans le domaine de la danse. Convenant sur l’utilisation fréquente de la dénomination historiquement informée de « belle dance » pour désigner la pratique française savante des XVIIe-XVIIIe siècles, on pourra identifier les éléments stylistiques « classiques » et « baroques » entre lesquels elle s’est développée. Autrement dit, la belle dance n’est pas classique ou baroque en soi : au lieu d’accorder une valeur ontologique à ces deux termes, on soulignera les différents usages stylistiques qu’ils génèrent. En ce sens, on constatera qu’aucune catégorie n’est identique à elle-même, mais peut se trouver réinvestie en fonction de la perspective méthodologique employée et du contexte de l’objet étudié. This article deals with the use of category of baroque dance: indeed, the relation between the Seventeenth and Eighteenth-Century dance and baroque category shall still be questioned – let us think about the many «baroque dance» workshops that exist. First, the birth of the historical and aesthetical category of «baroque» will be analyzed, questioning the relation it intertwines with the «classical» category. The relevance of its use in dance will then be questioned. The importance in using the historically informed definition of belle dance to indicate the French practice of Seventeenth and Eighteenth-Century will be underlined; the stylistic elements will then be analyzed and identified as «classic» or «baroque». Therefore, belle dance is not classic or baroque per se: the two terms do not have an ontological meaning, but they determine a different stylistic use. In this sense, all categories never remain authentic and equal, but they readapt to the methodological perspective that the researcher decides to adopt and to the context of the inquired object. La relazione tra la danza del XVII-XVIII secolo e la categoria generica di barocco è una problematica d’attualità soprattutto in riferimento ai corsi di formazione e alle compagnie di «danza barocca». Questo articolo studia tale problematica esplicitando il valore d’uso attribuito alla categoria di «danza barocca». Dopo aver rintracciato la nascita della categoria storica ed estetica del «barocco» e averne riconsiderato il rapporto dialettico con la categoria del «classico», si analizzerà la sua attinenza alla storia della danza. Convenendo sull’importanza di utilizzare la denominazione storicamente informata di belle dance per riferirci alla pratica francese del XVII-XVIII secolo, si potranno identificare gli elementi stilistici «classici» e «barocchi» tra i quali essa è sospesa. La belle dance non è classica o barocca di per sé: anziché ascrivere questi due termini ad una dimensione ontologica, si sottolineerà la differenziazione d’uso stilistico che essi determinano. In questo senso, verrà messo in luce come nessuna categoria sia mai identica a se stessa, ma come si riadatti in funzione della prospettiva metodologica adottata e del contesto dell’oggetto di indagine.

The essay reconstructs the sequence of judgements that have occurred on the Italian literature of the early xviith century over a period of about three centuries. The first section discusses some of the first literary histories of the late xviith century and, through the critique of the Risorgimento, comes up to significant studies of the second half of the xxth century. It also discusses the progressive construction of the category of Baroque in literature and it attempts to define the role and the centrality of G.B. Marino into the negative views usually reserved to that season. The latter part of the essay raises the possibility of application of a new and focused notion of baroque to the Italian poetry of early decades of xviith century.Il saggio ricostruisce la sequenza dei giudizi che si sono registrati sulla letteratura italiana del primo Seicento lungo un arco di circa tre secoli; si parte dalle prime storie letterarie della fine del XVII secolo e dalle posizioni maturate entro l'Accademia dell'Arcadia e si giunge fino agli studi più significativi della seconda metà del Novecento. Viene discussa la progressiva definizione della categoria di Barocco in ambito letterario e si tenta di definire il ruolo e la centralità del Marino nella visione negativa in genere riservata a quella stagione. Nell'ultima parte del saggio si prospetta la possibilità di un'applicazione aggiornata, e circoscritta, della nozione di Barocco per la poesia italiana del Seicento, con particolare attenzione ai primi decenni.

Vengono analizzati alcuni aspetti del collezionismo del XVII secolo e in particolare gli elementi che si collegano alla nozione di “tesoro” in un’epoca che faceva della meraviglia e della curiosità un elemento essenziale della comunicazione sull’arte. Lo studio delle pratiche aristocratiche e l’analisi incrociata delle fonti consente di mettere in rilievo il valore reale o simbolico degli oggetti d’arte e di scienza, instancabilmente riuniti dalle élite grazie a un rodato quanto internazionale circuito di agenti di fiducia. Le grandi tavole calcografiche, che illustrano l’organizzazione museografica delle più importanti collezioni del secolo, vengono analizzate per ritrovare il senso del valore attribuito alle opere esposte. La raccolta aristocratica, punto di incontro tra i gusti personali del collezionista e le esigenze di splendore del lignaggio, si appresta a diventare uno degli attori culturali più dinamici della République des lettres.

Actes du colloque international organisé par le CELEC-CERCLI, Saint-Étienne. CELEC, Centre d'études en littératures et civilisations étrangères et comparées [et] CERCLI, Centre d'études et recherches en littérature et civilisation italiennes ; études présentées et réunies par A. Morini.; International audience; Baroque, bizarre et même bigarrée, La villa Garzoni à Collodi est le lieu d'enfance privilégié de Carlo Collodi auteur de Le avventure di Pinocchio. Storia di un burattino mais aussi polygraphe moins célèbre pour ses nombreux autres écrits. Cet authentique palais du XVIIe siècle, au style architectural très orné et tourmenté est agrémenté d'un jardin à la scénographie suggestive et surchargée, il accueille au XIXe siècle en villégiature une société composite et disparate : la famille noble des Ginori-Garzoni et celle de ses serviteurs, les Lorenzini. Carlo Lorenzini semble avoir été impressionné par ce jardin des merveilles et par ce lieu insolite dont il prit le nom pour pseudonyme. Collodi est lui-même un " esprit bizarre " : on doit le qualificatif à son neveu et biographe, Paolo Lorenzini . C'est dans ce décor de conte de fée, partiellement figé dans le temps que Collodi, journaliste et conteur, puisera pour inventer le monde fantastique de Pinocchio mais aussi pour donner corps à la multitude de personnages extravagants qu'il met en scène dans ces portraits - Macchiette 1880 et Occhi e nasi 1881, pièces dramatiques, chroniques et romans

3e volume à venir; Le portrait en médaillon dans la sculpture funéraire à Rome au XVIIIe siècle est une forme ancrée dans une histoire, une société et une symbolique précises. Cette forme, venue de l'imago-clipeata antique due à l'engouement des découvertes archéologiques, se voit dotée d'une signification nouvelle. Elle implique désormais, selon le célèbre théoricien Rudolph Wittkower, une distanciation entre le défunt et son image en prenant la forme du portrait, image funéraire par excellence car ressemblante et à la fois sans vie. Mais elle indique aussi, selon le non moins célèbre Erwin Panofsky, une incarnation de l'âme et la présence de putti en révèle le transport au ciel. Cette forme, entourée de tout un vocabulaire funéraire caractérisant la fonction et les mérites du défunt mais aussi le concept de la Mort, se déploie sur des tombeaux dédiés à des personnes aux statuts sociaux différents. Prélats et grands aristocrates côtoient des hommes et des femmes issus de la petite noblesse mais également des artistes. Cependant, ils ne sont pas égaux dans leurs représentations et, la richesse, la grandeur et l'emplacement près du choeur, sont souvent réservés aux plus éminents d'entre eux. Enfin, on peut déceler différents styles d'exécution, en rapport avec l'époque de leur réalisation mais aussi leurs auteurs. Trois grands courants traversent ce siècle. On peut identifier un baroque finissant aux traits encore imprégné d'un faste rococo et souvent apprécié des artistes romains. Un baroque tempéré et élégant adopté par les artistes du Nord de l'Italie et quelques Français, dont le principal représentant est le florentin Filippo Della Valle. Et pour finir, un style plus froid et épuré, quasiment néo-classique, pratiqué surtout à la fin du siècle et affectionné par les artistes français. Toutes ces caractéristiques en font une image révélatrice de la culture romaine du XVIIIe siècle et de la place de cette ville sur la scène internationale : un nouveau grand foyer de création artistique.; Il ritratto in medaglione nella scultura funeraria a Roma al XVIII secolo è una forma ancorata in una storia, una società ed un simbolico precisi. Questa forma, venuta dall'imago-clipeata antica dovuto all'influenza delle scoperte archeologiche, si vede dotata di un significato nuovo. Implica oramai, secondo il celebre teorico Rudolph Wittkower, un distacco tra il defunto e la sua immagine prendendo la forma del ritratto, immagine funeraria per eccellenza perché somigliante ed al tempo stesso senza vita. Ma indica anche, secondo il non meno celebre Erwin Panofsky, un'incarnazione dell'anima e la presenza di putti ne rivela il trasporto al cielo. Questa forma, cinta di tutto un corredo che caratterizza la funzione ed i meriti del defunto ma anche il concetto della Morte, si sviluppa su dei sepolcri dedicati a persone di status sociali differenti. Prelati e grandi aristocratici al fianco di uomini e donne della piccola nobiltà, ma anche degli artisti. Tuttavia, non sono uguali nelle loro rappresentazioni e, la ricchezza, la grandezza e l'area vicino al coro sono riservati spesso ai più eminenti tra di loro. Si possono infine individuare differenti stili di esecuzione di queste sculture funerarie, in rapporto all'epoca della loro realizzazione ma anche ai loro autori. Tre grandi correnti attraversano questo secolo. Si può identificare un barocco finale a tratti ancora intriso di un fasto rococò e apprezzato spesso degli artisti romani. Un barocco temperato ed elegante adottato dagli artisti del nord dell'Italia, ed alcuni francesi, il cui principale rappresentante è il fiorentino Filippo Della Valle. E per finire, uno stile più freddo ed epurato, quasi neoclassico, praticato soprattutto alla fine del secolo ed affezionatissimo per gli artisti francesi. Tutte queste caratteristiche ne fanno un'immagine rivelatrice della cultura romana del XVIII secolo e del posto di questa città sulla scena internazionale: un nuovo grande focolare di creazione artistica.

The reconstruction of the city of Dresden (1945-2010) and the peculiar relationship between urban ideologies and civic identities.; La reconstruction de la ville de Dresde, détruite sous les bombes alliées en février 1945, constitue pour la compréhension du rapport entre idéologies urbaines, pratiques d'accommodation de celles-ci et esprit civique citadin, un cas particulièrement intéressant : chaque phase de la reconstruction est en effet le reflet et le produit d'une part d'un rapport spécifique entre idées de la ville et de son patrimoine architectural et culturel, idéologies et pratiques du pouvoir en matière de décision urbaine, et d'autre part accommodements de ce rapport avec la réalité sociale, économique, politique et civique. Le cas de Dresde permet également de mettre à jour certaines déclinaisons importantes des grands tournants de l'urbanisme européen, dans le contexte particulier d'une presque page blanche pourtant chargée fortement de symboles, images ainsi qu'investissements affectifs.

Texte remanié de : Thèse de doctorat : Mangues et littératures romanes : italien : Caen : 2007.Structure : table des matières ; introduction ; texte latin ; traduction française ; traduction italienne ; bibliographie raisonnée, index.; International audience; Athanasius Kircher (1601/2-1680) fut l'un des derniers polygraphes du monde occidental. En dépit des avancements des dernières décennies, les études sur ce savant souffrent encore d'un retard accumulé il y a plus qu'un siècle; une lacune majeure concerne son autobiographie ("Vita", Augsbourg 1684). Ce travail se propose d'étudier cet ouvrage en adoptant une approche philologique, afin de parvenir à une analyse contextualisée de ses contenus. Pour la première fois, le texte original Latin de la "Vita" est intégralement publié, amendé et traduit en Français et en Italien. Une confrontation directe est instituée entre les éléments essentiels de la biographie historique de Kircher (préalablement reconstruits grâce aux sources manuscrites et à la littérature secondaire) et le récit autobiographique. Les données tirées de l'exégèse du texte sont ensuite employées pour aborder d'un nouveau point de vue certains lieux de la biographie de Kircher qui ont toujours fait l'objet de descriptions divergentes de la part des critiques. De même, les décalages entre le texte de la Vita et les faits historiques avérés sont employés comme point de départ pour un questionnement des matériels qui permet de mettre en évidence un remaniement volontaire et conscient des données de la part de Kircher.

La commistione fra cerimonialità politica e cerimonialità religiosa viene studiata attraverso l’analisi della “Notitia di quanto è occorso in Napoli dall’anno 1648 per tutto l’anno 1669” scritta dal dottor don Andrea Rubino. Essa è un’ampia cronaca manoscritta ed inedita che riveste importanza diretta e specifica sul piano della storia sociale in vari suoi aspetti e manifestazioni. Fra questi le descrizioni delle celebrazioni di cerimonie e delle relative feste civili e religiose, in alcuni casi molto dettagliate anche per quanto riguarda gli apparati. Ne emerge la visione di uno spazio urbano che veniva di volta in volta ridisegnato e quasi assorbito da quello sacro in un processo di osmosi che sfociava in una progressiva sacralizzazione dello spazio stesso. L’arco di tempo preso in esame dal Rubino è indubbiamente breve ma significativo sotto variati aspetti. Sono gli anni a ridosso della rivolta di Masaniello, gli anni della peste, quando il ricorso al sacro col suo potere consolatorio diviene quasi ossessivo e spasmodico, gli anni in cui la Chiesa controriformistica si riappropria in pieno della gestione dei rituali religiosi. Ma per Napoli sono anche, e soprattutto, gli anni dell’episcopato del cardinale Ascanio Filomarino impegnato a rivendicare in ogni modo la sua funzione di garante dell’ordine sociale, pronto a confrontarsi e a scontrarsi con il potere vicereale sul terreno della cerimonialità e della rappresentatività politica.

Il saggio indaga sul forte interesse per la genealogia di famiglia coltivato degli Estensi nel Cinque e Seicento rilevandone le ragioni e cogliendo i modi in cui esso si esprime. Si concentra poi sugli anni in cui viene fondato, in occasione del funerale solenne del duca Alfonso IV (celebrato nell'aprile 1663), il cosiddetto pantheon Atestinum nella chiesa modenese di Sant'Agostino. Lo studio dell'elaborato programma dettato dal gesuita Domenico Gamberti per l'allestimento di questo spazio dedicato alla gloria estense, e concretamente destinato a ospitarne le esequie future dei principi, permette di 'leggere' e interpretare la decorazione plastica e pittorica dell'edificio, e di intenderne le ragioni profonde. Oltre all'inevitabile esaltazione della dinastia estense, in questa complessa 'biografia di famiglia' illustrata da immagini e iscrizioni si riscontra un frutto molto interessante della teoria politica seicentesca, che vede nel Signore assoluto un principe-eroe. Nell'apparato si coglie infine la traccia, consistente benché non immediatamente individuabile, del committente.