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Depuis les années 1980, un couple conceptuel structure de façon croissante les discours médiévistes en France : dominium et ecclesia. Outre leur forme latine, ceux-ci ont en commun d’avoir été tous deux mis en circulation par un même médiéviste, Alain Guerreau, afin de rendre compte de la structuration spécifique de la société féodale. Le présent article se focalise plus particulièrement sur l’ecclesia, conçue comme l’institution dominante de cette société. Toutefois, l’usage qui est fait de cette notion est extrêmement variable et/ou flou chez les médiévistes, et il convient donc de revenir sur ses conditions de formation et d’usage. Par ailleurs, si l’on admet que l’ecclesia est l’institution dominante de la société féodale, se pose alors la double question de l’existence et de la nature du fétichisme qu’elle met en œuvre. Après avoir examiné les propositions, peu développées, d’Alain Guerreau sur ce point, on proposera l’hypothèse d’un fétichisme de la sainteté, voire du spirituel. Since the 1980s, a conceptual pair has increasingly structured medievalist discourse in France: dominium and ecclesia. In addition to their Latin form, these have in common the fact that they were both put into circulation by the same medievalist, Alain Guerreau, in order to account for the specific structuring of feudal society. This article focuses more particularly on the ecclesia, conceived as the dominant institution of this society. However, the use that is made of this notion is extremely variable and/or vague among medievalists, and it is therefore appropriate to return to the conditions of its formation and use. Moreover, if we admit that the ecclesia is the dominant institution of feudal society, then the double question arises of the existence and the nature of the fetishism that it implements. After having examined Alain Guerreau’s rather poorly developed propositions on this point, we will propose the hypothesis of a fetishism of holiness, even of the spiritual.

International audience; Some of the handwritten traces of Voltaire and other famous writers have disappeared while an astonishing quantity has been preserved by various means (purchase, bound text, paper folding, transcription. . .). The feeling of veneration underlying these preservation efforts can be situated in the context of a growing fetishization of secular objects in the nineteenth century, which has become more scientific nowadays.; Certaines traces manuscrites de Voltaire et d’autres écrivains célèbres ont disparu, alors qu’une quantité étonnante a été conservée par différents moyens (achat, reliure, pliage du papier, transcription…). Le sentiment de vénération à l’origine de ces efforts de préservation peut être placé dans le contexte d’un fétichisme d’objets séculiers grandissant au XIXe siècle, devenu de nos jours plus scientifique.

Certaines traces manuscrites de Voltaire et d’autres écrivains célèbres ont disparu, alors qu’une quantité étonnante a été conservée par différents moyens (achat, reliure, pliage du papier, transcription…). Le sentiment de vénération à l’origine de ces efforts de préservation peut être placé dans le contexte d’un fétichisme d’objets séculiers grandissant au XIXe siècle, devenu de nos jours plus scientifique., Some of the handwritten traces of Voltaire and other famous writers have disappeared while an astonishing quantity has been preserved by various means (purchase, bound text, paper folding, transcription. . .). The feeling of veneration underlying these preservation efforts can be situated in the context of a growing fetishization of secular objects in the nineteenth century, which has become more scientific nowadays.

Méditation-exil-handicap-biais ? Désignation d’effets imprévus d’un fétichisme presque généralisé sur l’objet « Galaxie Technologie » ? Soumission et méphitisme nouveaux ?, Meditation-exile-handicap-bias? Designation of unpredictable effects of a quasi-generalized fetishism of the object? “Technological Galaxy?” New Submission and Pestilence?

Our research starts from the empirical observation of the omnipresence and the permanent extension of the digital techniques in various domains of the contemporary social life, and that these techniques spread all over the place since the turn of the 1960s. At that time, their design and development was carried out with a view to improving the productivity of very specific computational tasks in the scientific, military and statistical fields. This observation of a digital surge leads us to question its dynamics, particularly in relation to those of commodity production which constitutes the particular context of its advent. Our approach is to design a socio-technical model of computing that can account for these features and which is based on a formal analysis of the properties of the machine at the heart of computing, namely the computer, which wecharacterize by the simultaneous abstract and concrete forms of its running. After having set up the theoretical framework in which the meeting between digital and capital can be grasped, it will be for us to propose a test of this framework on objects that animate the debates today in the information and communication sciences, with the case study of Bitcoin, a digital application started in 2009 and which initiated cryptocurrencies as a new class of platforms., Notre recherche part du constat empirique de l’omniprésence et de l’extension permanente des techniques numériques dans des domaines variés de la vie sociale contemporaine, et ce alors que ces techniques ne se déploient tous azimuts que depuis le tournant des années 1960. Jusqu’à cette date, leur conception et leur mise au point étaient menées en vue d’améliorer la productivité de tâches calculatoires bien spécifiques, dans les domaines scientifique, militaire et statistique. Ce constat d’un déferlement numérique nous amène à nous interroger sur les ressorts de sa dynamique, notamment en lien avec ceux de la production marchande qui constitue le contexte particulier de son avènement. Notre démarche consiste à concevoir un modèle socio-technique de l’informatique qui puisse rendre compte de ces spécificités et qui s’appuie sur une analyse formelle des propriétés de la machine au coeur de l’informatique, à savoir l’ordinateur, que nous caractérisons par la forme bifide abstrait/concret de son fonctionnement. Après avoir fixé le cadre théorique dans lequel peut être saisi la rencontre entre numérique et capital, il s’agira pour nous de proposer une mise à l’épreuve de ce cadre sur des objets qui animent aujourd’hui les débats au sein des sciences de l’information et de la communication, avec l’étude de cas d’une application numérique démarrée en 2009 et qui a initiée une nouvelle classe de plateformes, à savoir respectivement Bitcoin et les cryptomonnaies.

The commodification of art results in a gradual drift of the collection spirit. This is particularly noticeable in the desire of collectors for added value, which goes hand in hand with the fact that the aura of the artistic and aesthetic value of work depends on the price it has achieved as a luxury commodity in the sales rooms. The result was a subjugation of the value of art to a capitalist market whose wars paradoxally favored globalization. This art market, which is undergoing permanent restructuring, favors artists’ quest for « starification » and particularly ambivalent ratings. Must we conclude that commodification has overtaken the artistics, that the price is now beyond the value, the profit beyond the aesthetic ? This thesis defends the idea that force and cunning of works of art are manifested in their opportune ability to trifle with the religions, ideological or imaginary environment in which they emerge. This force is today identified in the aptitude of the creative gesture, which – Marcel Mauss saw clearly – is fundamentally a gift and a counter-gift, to smash to pieces the illusions engendered by the commodification. And strong work links the imaginary to the symbolics to become « real ». By making the imaginary equal to the real, the artist opens the infinite field of possibilities. This is why the life of works of art never ceases to make the cosmos cosmetic, even if it uses the « lucre » as a bait skilful enough to stimulate the market, which is, in fine, manipulated by its « invisible hand ».; La marchandisation de l’art se traduit par une dérive progressive de l'esprit de collection. Elle est notamment perceptible dans le désir de plus-value des collectionneurs, qui va de pair avec le fait que l'aura de la valeur artistique et esthétique d'une œuvre est fonction du prix qu'elle atteint en tant que marchandise de luxe dans les salles de vente. La valeur de l’art s’en est trouvée assujettie à un marché capitaliste dont les guerres ont paradoxalement favorisé la mondialisation. Ce marché de l’art, qui est en cours de restructuration permanente, favorise chez les artistes une course à la « starification » et à des cotations tout particulièrement ambivalentes. Faut-il en conclure que la marchandisation a pris le pas sur l'artistique, le prix sur la valeur de l’œuvre, le lucre sur l'esthétique ? Cette thèse défend l'idée que la force, et la ruse des œuvres d'art, se manifestent dans leur capacité, à se jouer du milieu religieux, idéologique ou imagologique dans lequel elles voient le jour. Cette force se révèle aujourd'hui dans l’aptitude du geste créateur, qui relève — Marcel Mauss l'a bien vu — fondamentalement du don et du contre-don, à faire voler en éclat les illusions engendrées par la marchandisation. En permettant à l’imaginaire de s’incarner à l’égal du réel, l’artiste ouvre le champ infini des possibles. C'est pourquoi la vie des œuvres d'art n'en finit pas de rendre le cosmos cosmétique, quitte à se servir du « lucre » comme d'un appât habile à stimuler le marché, dont se sert in fine, sa « main invisible ».

While legalized in other countries, homosexual marriage remains poorly perceived in Africa. With the exception of South Africa, which has made enormous progress on gay rights, other African states still oppose homosexual marriage and homosexuals are rejected and stigmatized. In this context, where homophobic sentiment is widespread and in the face of pressure from Western powers demanding that human rights, including those of homosexuals be respected, questions the perspectives of the institutionalization of homosexuality in Africa becomes interesting. Hence this article entitled « Perspectives of the institutionalization of homosexuality in Africa. Case of the Democratic Republic of Congo ». Following our participation-observation and analysis of the results of our research conducted in the city of Lubumbashi in the Democratic Republic of Congo, we noticed that homosexuality is still poorly perceived in the Democratic Republic of Congo and generally in Africa. Congolese are still trying for the moment to cling to their moral and cultural values that reject homosexuality. In these days, it would be wrong to initiate a law institutionalizing homosexual marriage. However, the Congolese and African political leaders would not try to take a law criminalizing homosexuals for fear of being accused by the Western powers of supporting human rights violations, which will lead to sanctions., Alors qu'il est légalisé sous d’autres cieux, le mariage homosexuel demeure mal perçu en Afrique. A l’exception de l’Afrique du Sud qui a fait des progrès énormes en matière des droits des homosexuels, les autres États africains s’opposent encore au mariage homosexuel et les personnes qui pratiquent l’homosexualité sont rejetées et stigmatisées. Dans ce contexte où le sentiment homophobe est largement répandu et face à la pression des puissances occidentales qui exigent que les droits de l’homme, y compris ceux des homosexuels soient respectés, s’interroger sur les perspectives de l’institutionnalisation de l’homosexualité en Afrique devient intéressant. D’où cet article intitulé « Les perspectives de l’institutionnalisation de l’homosexualité en Afrique. Cas de la République Démocratique du Congo ». A la suite de notre participation-observation et du dépouillement des résultats de nos recherches menées dans la ville de Lubumbashi en République Démocratique du Congo, nous avons remarqué que l’homosexualité est encore mal perçue en République Démocratique du Congo et de manière générale en Afrique. Les congolais tentent encore pour le moment de s’accrocher à leurs valeurs morales et culturelles qui rejettent l’homosexualité. A ces jours, il serait malvenu et incongru d’initier une loi institutionnalisant le mariage homosexuel. Toutefois, les dirigeants politiques congolais et africains de manière générale, ne s’hasarderaient pas à prendre une loi pénalisant les homosexuels de peur d’être accusés par les puissances occidentales de soutenir les violations des droits humains, ce qui va entrainer les sanctions.

Toute l’œuvre de Jérôme Bel consiste à mettre au jour les signifiants du dispositif théâtral : l’espace, l’écriture chorégraphique, le texte, le corps, la lumière, la musique, le rôle et, bien entendu, le public. Refusant de produire un contenu spectaculaire ou virtuose et prenant ainsi le risque de frustrer les attentes et désirs déterminés des spectateurs, son travail peut se dire animé par la recherche d’un « degré zéro de l’écriture » théâtrale, comprise elle-même comme une tension vers un « degré zéro » de la représentation. Bien évidemment, cette cible n’est jamais tout à fait atteinte et les spectacles de Jérôme Bel donnent à voir. Ils donnent à voir les signes culturels, sociaux, politiques qui structurent la représentation chorégraphique et théâtrale. Dans une telle entreprise, quelle place occupe la distribution, ce paramètre qui met en jeu les agents de la représentation et non pas seulement ses objets ? Jérôme Bel joue la distribution a minima de deux manières. Tout d’abord, il s’ingénie à dissocier les paramètres de la distribution, à distribuer un chorégraphe dans Xavier Leroy sans délivrer aucune partition ou, inversement, à proposer une partition dans The show must go on sans chercher à la répartir entre les interprètes. Ensuite à partir de Véronique Doisneau, Jérôme Bel se laisse distribuer. Il réduit ainsi le pouvoir du maître de distribution qu’est le metteur en scène, lequel détermine d’ordinaire à la fois ce qui sera visible et qui le sera. Un tel dessaisissement produit un théâtre documentaire et conduit à reconfigurer le partage de la parole entre metteur en scène et interprètes. Mais il produit encore un passage de l’autre côté du miroir de la représentation en en exhibant quelques envers. Jusqu’à Cour d’honneur toutefois, spectacle qui semble poser la question de la démocratie au théâtre en partant de ses spectateurs, mais qui la dévoie pourtant car Jérôme Bel y est réinvesti en maître de la distribution. Jérôme Bel’s work emphasises signifier of the theater (space, choreographic writing, text, bodies, lights, music, parts, and, of course, audience). He refuses to produce a spectacular content. Therefore, he risks to frustrate the expectations of the audience. His work is therefore a kind of research of a degree zero of theatrical writing. More generally his work is link to a research of the degree zero of the performance. Jérôme Bel obviously never achieves completely this goal. In fact, the performances show cultural, political, social signs which define theatre.In such a work, what is the place of the casting? Jérôme Bel tries to move aside from the casting in two different ways. First, he separates which is normally linked together in the casting: in Xavier Leroy he assigns a choreograph, Xavier Leroy, but he gives him no content to produce. On the contrary, in The show must go on, he gives a very precise content to the performance but this content is not shared out between the actors. Second, from Véronique Doisneau, he casts himself as a stage director. In that way, he reduces power of this one. From this moment, he begins to make some documentary performances which represent a sharing of speech between himself and his performers. He then manages to show many back sides of the theater. However it’s not the case of Cour d’honneur. This performance seems to talk about democracy, because it gives a chance to the spectators to speak. In fact, the audience mostly listen to the voice of Jérôme Bel himself. The reason seems to be that he has mastered the whole process of casting.

EnglishThe constitution of a men’s spanking club in the late 1980s in France offers an opportunity to analyse the definition of the fantasy of a minority, and to explore the logic of a process of eroticization. The club began by defining a fetishism of spanking that constituted it as an autonomous erotic practice, integrating pain and humiliation, and blurring the distinction between coercion and consent to the point of indiscernibility. Through the use of scenarios, this fantasy opens up possibilities of identification and establishes a relationship to time based on the anticipation of spanking, which is simultaneously feared and desired. The pornographic narratives published in the association’s magazine also offer details on the historical conditions around this fantasy. The association was created when problematizations of violence and childhood change, with widespread condemnation of corporal punishment as well as denunciation of disciplinary institutions and of pedophilia. The fantasy of spanking is based on a specific temporalization: it is a return to childhood as seen through the lens of adult desires, a historically situated afterwardness which replays, in a minor mode, masculine experiences that are in the process of being reclassified as illegitimate or on the way to disappearing. francaisLa constitution d’un club de fessee entre hommes a la fin des annees 1980 en France permet d’analyser la definition d’un fantasme minoritaire et les ressorts d’un processus d’erotisation. Le club definit en premier lieu un fetichisme de la fessee qui constitue celle-ci en pratique erotique autonome, qui integre la douleur et l’humiliation a une pratique sexuelle, et qui rend indiscernable la distinction entre la contrainte et le consentement. A travers la mobilisation de scenarios, le fantasme ouvre des possibilites d’identifications et instaure un rapport au temps ou la fessee est anticipee, a la fois crainte et desiree. Les recits pornographiques publies dans le magazine de l’association permettent egalement de preciser les conditions historiques de ce fantasme. L’association nait au moment ou se stabilisent de nouvelles problematisations des violences et de l’enfance, caracterisees par la condamnation des châtiments corporels, la denonciation des institutions disciplinaires et de la pedophilie. Le fantasme de la fessee, qui repose sur une temporalisation specifique, un retour a une enfance vue a travers des desirs d’adultes, est un apres-coup historiquement situe qui rejoue, sur un mode mineur, des experiences masculines en cours d’illegitimation ou de disparition.

Pierre Molinier's (1900-1976) art is fundamentally transgressive, regarding as much the process he elaborates as the topics he addresses. The artist's experiments are built on a complex network of influences, and we will explore how some of its nodal points - such as fetishism - are metaphorized in his photographic and pictorial techniques. This thesis deals with an understanding of how the images and the discourses they produce nowa-days appear to us as a proto-queer idea of identity, embodiment and sexualities. Furthermore, our research interrogates the perception of his works and their contextualization. Our analysis methodology is quite similar to the one that William F. Edmiston develops in Sade Queer Theorist, and is based on a deep look inside of the works and texts taken out of the artist's mail. Our thesis is articulated in two parts, looking alike the artist's creative process. The first part aims to develop the analysis of an outgrowth beyond the artist's body. Masks and prostheses are employed as body modification tools and participate in expressing a kind of authenticity in trickery. The creatures that Molinier builds based on his own photographs point out the path from multiplicity to unity and offer us to look at dissenting anatomies. The second part answers to the first and matches a movement of contraction. On the one side, the artist's relationship with the other is established on an absorp-tion mode, he understands the bodies ductile nature and uses them as creation materials. On the other side, auto- erotical experimentations take a firsthand place in the molinian paradigm, which reclaim the visual vo-cabulary of BDSM. In Molinier’s work, the body is shown as a creative materiality, on which the artist-alchemist builds in order to give birth to hybrid creatures, that embody his ideal of identity and sexualities fluidity. Pierre Molinier disrupts binaries and normativity, through both his auto-erotical practices and their mode of representation. Developing a language of the intimacy and the body, he redesigns their form and functions, combining masquerade and transgression, toward new embodiments, L’œuvre de Pierre Molinier (1900-1976) est profondément transgressive, autant par les procédés élaborés que par les thèmes investis. Le réseau d’influences nourrissant les expérimentations plastiques de l’artiste est com-plexe et nous verrons comment certains de ses points nodaux tel que le fétichisme sont métaphorisés au sein de ses techniques photographiques et picturales. Il s’agira également de comprendre pourquoi les images et les discours qu’elles produisent apparaissent aujourd’hui comme précurseurs d’une conception queer de l’identité, du corps et des sexualités. Par ailleurs, une telle recherche pose la question du regard porté sur ses œuvres et de la contextualisation de celui-ci. Nous avons eu recours à une méthodologie d’analyse similaire à celle employée par William F. Edmiston dans Sade Queer Theorist et reposant sur de réguliers retours aux œuvres et aux textes issus des notes et des correspondances de l’artiste. Nous avons choisi d’articuler notre thèse selon deux mouvements, similaires à ceux structurant le processus créatif de l’artiste. La première partie repose sur l’analyse d’une extension au-delà du corps de l’artiste. Masques et prothèses sont employés en tant qu’outils de modification corporelle et participent à l’expression d’une authenticité dans l’artifice. Les créa-tures que Molinier compose à partir de photographies de lui- même et de ses modèles traduisent le passage de la multiplicité à l’unité et donnent à voir des anatomies dissidentes. La seconde partie, répondant à la précédente, correspond à un mouvement de contraction. D’une part, son rapport à l’autre s’établit sur le mode de l’absorption, l’artiste conçoit le caractère ductile des corps et les emploie comme matériaux de création. D’autre part, les expérimentations autoérotiques occupent une place primordiale dans le paradigme molinien qui s’approprie le vocabulaire visuel du Bdsm. Chez Molinier, le corps se révèle dans une matérialité créatrice à partir de laquelle l’artiste- alchimiste donne naissance à des créatures hybrides, incarnant son idéal de fluidi-té de l’identité et des sexualités. Pierre Molinier vient perturber des systèmes binaires et normatifs tant dans ses pratiques autoérotiques que dans leur mode de représentation. Construisant un langage de l’intime et du corps, il en reconfigure la forme et les fonctions, alliant mascarade et transgression vers de nouvelles corpo-réités

This research studies the concept of fetishism as a magical relationship to products in the context of contemporary consumption. Fetishism is conceptualized as a multi-dimensional construct underlining the attribution of an aura and magical powers to a product. This research explores the way consumers develop fetishist relationships to products through exposure to puffed ads. To do this, this research introduces a conceptualization and a scale of fetishism in the context of contemporary consumption by conducting a qualitative exploratory study as well as two scale development studies. We also carry out a survey to show how product fetishism stems from transformation expectations about the product. Finally, we conduct an experiment to demonstrate the way a magical puffed claim in an ad influences the emergence of transformation expectations for the consumer. The results show that magical puffed claims positively influence transformation expectations only if the advertised brand is unknown by the respondent. The results also suggest that a known brand rather provoke transformation expectations through factual claims.; Cette recherche propose de déployer le concept de fétichisme afin d’étudier des rapports d’ordre magique entre les consommateurs et les produits dans le contexte de la consommation contemporaine. Le fétichisme du produit est conceptualisé comme un construit multi-dimensionnel, mettant en exergue l’attribution d’une aura et d’un pouvoir extraordinaire au produit. Elle explore le mécanisme pouvant mener un consommateur exposé à une publicité exagérée à développer à terme un rapport fétichiste au produit annoncé. Pour ce faire, cette recherche propose une conceptualisation et un instrument de mesure du fétichisme dans le contexte de la consommation contemporaine en se fondant sur une étude qualitative et deux études visant à la construction d’une échelle de mesure valide et fiable de ce construit. Une survey est menée afin de montrer que le fétichisme du produit découle d’une attente transformationnelle vis-à-vis du produit. Enfin, une expérimentation est mise en œuvre pour mettre en évidence l’influence de la mobilisation d’un slogan exagéré dans une annonce publicitaire sur le développement d’attentes transformationnelles chez le consommateur. Les résultats de cette étude montrent que l’usage d’un slogan exagéré dans une publicité a bien une influence sur les attentes transformationnelles vis-à-vis du produit dans le cas où la publicité est associée à une marque inconnue. Pour une marque connue, un slogan factuel est plus à même de susciter des attentes transformationnelles vis-à-vis du produit présenté dans la publicité et donc potentiellement un rapport fétichiste au produit.

dans l’analyse économique marxiste, quel statut épistémologique peut-on donner à la théorie du fétichisme de la marchandise ? en nous situant sur le plan de l’ontologie sociale, nous défendons l’idée que répondre à cette question revient toujours à distinguer deux interprétations de marx : (1) l’interprétation essentialiste (le fétichisme est un phénomène de surface et économiquement secondaire) et (2) l’interprétation constructiviste (le fétichisme est fondamental s’agissant de rendre compte du mode d’être marchand). cette distinction permet d’éclairer aussi ce qu’engage « positivement » la notion de critique chez marx, au sens où il développe une « critique de l’économie politique ». in the marxist economic analysis, what epistemological status can we give to the theory of commodity fetishism? from a social ontology point of view, we argue that to answer this question we have to distinguish two interpretations: (1) The essentialist interpretation (the fetishism is a phenomenon of surface and secondary from an economical point of view) and (2) The constructivist interpretation (the fetishism is fundamental to understand the commodity system from an ontological point of view). This distinction allows to light “in a positive way” the marxian notion of critique, in the sense where he develops a “critique of the political economy“. 70;1

Cette étude porte sur un type de cinéma italien appelé giallo. Ayant connu une forte popularité au tournant des années 1970 auprès d’un public dit vernaculaire, ces thrillers horrifiques sont encore aujourd’hui réputés pour leurs scènes de meurtre sanglantes et spectaculaires mettant à l’honneur un assassin ganté. Ce mémoire se propose de faire le point sur ces séquences de meurtre et surtout d’expliquer la façon particulière avec laquelle elles sont mises en scène. Pour bien y parvenir, nous en fournissons tout au long des exemples et les soumettons à une analyse détaillée. Notre approche analytique se veut essentiellement formaliste. Il s’agit de déconstruire ces scènes violentes afin d’en révéler certains des rouages. Dans un premier temps, nous rappelons quelques notions fondamentales du cinéma gore et nous penchons sur la problématique que pose invariablement la représentation de la mort au grand écran. Ceci nous permet ensuite d’observer plus amplement comment les réalisateurs du giallo traitent ces scènes d’homicide sur un mode excessif et poétique. Enfin, le rapport érotique à la violence entretenu dans ces scènes est considéré. Cela nous donne notamment l’occasion de nous intéresser à la figure du mannequin (vivant et non vivant) et de voir de quelles manières les cinéastes peuvent par son entremise transmettre un sentiment d’inquiétante étrangeté., This study aims to explore giallo, a specific type of Italian cinema. Very popular with a vernacular audience at the turn of the 1970s, these horrific thrillers remain notorious for their bloody and spectacular murder scenes showcasing a gloved killer. With this thesis, we seek to review these murder sequences with a focus on explaining the particular way in which they are staged, shot and edited. To fully achieve this, we provide examples from these scenes and submit them to a detailed analysis. Our analytical approach is essentially formalist. We wish to deconstruct these violent scenes and reveal some of their inner workings. At first, we recall some basic notions of gore cinema and look at the problems that the depiction of death on the silver screen invariably raises. This allows us to see how giallo filmmakers treat these murder scenes in an excessive and poetic mode. Lastly, the erotic aspect of violence presented in these scenes is considered. This gives us the opportunity to focus on the figure of the model/mannequin (living and non-living) and see how filmmakers can use it to transmit an uncanny feeling.

Ce mémoire traite de l’enseignement de la danse africaine en France et au Canada. Cette recherche a débuté en 2007, lorsque l’auteur a participé à un échange étudiant. À la fin de cette expérience, l’auteur en était arrivé à la conclusion que la danse africaine au Québec était abordée comme un bien de consommation et/ou une production socioculturelle relevant de l’imaginaire. La présente analyse explore les avantages et les limites de l’approche méthodologique adoptée par l’anthropologue (qui est, dans ce cas-ci, une ancienne danseuse classique), et les conditions de la rencontre entre les Africains et les occidentaux par la danse. Tandis qu’il reste à démontrer que les critiques postmodernes de l’art de masse s’appliquent dans ce cas-ci, l’analyse montre ici clairement que l’on trouve dans les cours de danse africaine au Québec une forme de conscience professionnelle. Les critiques de la danse et de d’autres formes de démocratisations artistiques tendent à se confondre dans la peur du discours populaire. L’objectif principal de cette recherche est par conséquent d’établir les limites du fétichisme par rapport à la danse africaine et d’explorer en détail les implications de la « hantise du Troisième Homme » communiquée par la recherche ethnographique et l’analyse anthropologique, This thesis deals with the teaching of African dance in France and in Canada. The research for this thesis began in 2007, when the author took part in a student exchange and ended with a consideration of African dance in Quebec as a consumer good and/or an imaginary sociocultural production. The analysis explores the benefits and the limits of the methodological approach embraced by the anthropologist (who is, in this case, a former dancer with training in classical dance), and the terms of the encounter between Africans and Westerners through dance. While it remains to be shown that the post-modernist critiques of mass art apply to this context, the analysis here points to the presence of a professional consciousness in African dance lessons in Quebec. Critiques of dance and other arts as democratization tend to get lost in the fear of popular discourse. The main objective of this research is therefore to establish the limits of the fetishism associated with African dance and to discuss in further detail the « hantise du Troisième Homme », communicated by ethnographic research and anthropological analysis

À propos de l’exposition Le Musée cannibale. Musée d’ethnographie de Neuchâtel, Neuchâtel, 9 mars 2002-3 mars 2003.

La Pensée sauvage de Claude Lévi-Strauss se construit sur une double référence à La Comédie humaine de Balzac et à l'analyse du fétichisme chez Auguste Comte. Ce double régime d'écriture, littéraire et scientifique, résout la tension entre un projet objectif de totalisation des données ethno-graphiques sur les sociétés humaines les plus diverses et sa reprise dans l'expérience d'un sujet – tension qui était déjà au cœur de l'analyse du fétichisme chez Comte, désignant à la fois un état passé de l'humanité et l'expérience de la folie pour le sujet sociologue. On conclut que cette tension est dénouée par Claude Lévi-Strauss dans le passage d'un modèle pictural de la fiction – celui du tableau des classifications – à un modèle musical – celui de l'expérience d'une écoute. Fiction, Insanity, Fetishism: Claude Lévi-Strauss between Comte and Balzac. – Claude Lévi-Strauss's The Savage Mind is built on references to both Honoré de Balzac's The Human Comedy and Auguste Comte's analysis of fetishism. This double, literary and scientific, writing settles the tension between the objective of totalizing ethnographic data about the most diverse human societies and the use of this in a subject's experience. This tension already laid at the core of Comte's analysis of fetishism, which referred to both a past state of humanity and the experience of insanity. Lévi-Strauss resolves this tension by switching from a pictorial model of fiction (the table of classifications) to a musical model (the listening experience).

Sand and the Epistolary Novel: Variations on a Form's Historicity In her first epistolary novel,"Jacques" (1834), Sand deliberately chose a form then marked as feminine and passé, thus avoiding a fetishism of form; the form later, in the sixties, also invokes Sand's literary and social history., Planté Christine. Sand et le roman épistolaire : variations sur l'historicité d'une forme. In: Littérature, n°134, 2004. George Sand : « Le génie narratif ». pp. 77-93.

The commodification of art results in a gradual drift of the collection spirit. This is particularly noticeable in the desire of collectors for added value, which goes hand in hand with the fact that the aura of the artistic and aesthetic value of work depends on the price it has achieved as a luxury commodity in the sales rooms. The result was a subjugation of the value of art to a capitalist market whose wars paradoxally favored globalization. This art market, which is undergoing permanent restructuring, favors artists’ quest for « starification » and particularly ambivalent ratings. Must we conclude that commodification has overtaken the artistics, that the price is now beyond the value, the profit beyond the aesthetic ? This thesis defends the idea that force and cunning of works of art are manifested in their opportune ability to trifle with the religions, ideological or imaginary environment in which they emerge. This force is today identified in the aptitude of the creative gesture, which – Marcel Mauss saw clearly – is fundamentally a gift and a counter-gift, to smash to pieces the illusions engendered by the commodification. And strong work links the imaginary to the symbolics to become « real ». By making the imaginary equal to the real, the artist opens the infinite field of possibilities. This is why the life of works of art never ceases to make the cosmos cosmetic, even if it uses the « lucre » as a bait skilful enough to stimulate the market, which is, in fine, manipulated by its « invisible hand »., La marchandisation de l’art se traduit par une dérive progressive de l'esprit de collection. Elle est notamment perceptible dans le désir de plus-value des collectionneurs, qui va de pair avec le fait que l'aura de la valeur artistique et esthétique d'une œuvre est fonction du prix qu'elle atteint en tant que marchandise de luxe dans les salles de vente. La valeur de l’art s’en est trouvée assujettie à un marché capitaliste dont les guerres ont paradoxalement favorisé la mondialisation. Ce marché de l’art, qui est en cours de restructuration permanente, favorise chez les artistes une course à la « starification » et à des cotations tout particulièrement ambivalentes. Faut-il en conclure que la marchandisation a pris le pas sur l'artistique, le prix sur la valeur de l’œuvre, le lucre sur l'esthétique ? Cette thèse défend l'idée que la force, et la ruse des œuvres d'art, se manifestent dans leur capacité, à se jouer du milieu religieux, idéologique ou imagologique dans lequel elles voient le jour. Cette force se révèle aujourd'hui dans l’aptitude du geste créateur, qui relève — Marcel Mauss l'a bien vu — fondamentalement du don et du contre-don, à faire voler en éclat les illusions engendrées par la marchandisation. En permettant à l’imaginaire de s’incarner à l’égal du réel, l’artiste ouvre le champ infini des possibles. C'est pourquoi la vie des œuvres d'art n'en finit pas de rendre le cosmos cosmétique, quitte à se servir du « lucre » comme d'un appât habile à stimuler le marché, dont se sert in fine, sa « main invisible ».