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Sob o título acima, empenha-se por refletir a convergência entre a poesia de Hölderlin e o pensamento de Heidegger. De modo algum, é uma reflexão afanada por inovação. Antes, é uma antiga via, de longo percurso já trilhado pelo pensador a partir de um encontro com a poesia do poeta suábio. Ao mesmo tempo, é via ainda aberta, com longo trecho ainda por se fazer. Se fosse uma trilha definitivamente finalizada, se não mais incitasse a colocar as mesmas questões filosóficas que ela reúne, porém, na tentativa de recolocá-las de modo cada vez mais originário, certamente, não seria aquilo que é: caminho em todo o tempo incitado por aquilo que se dá pensar, pelas questões mesmas. Em razão de permanecer estrada aberta, o título A poesia como experiência da (ausência) do divino é pretexto para o esforço de refazer, no pensamento, algumas pequenas trilhas e veredas da via na qual se convergem o pensar do pensador e o poetar do poeta. Quiçá, repercorrendo tais trilhas e veredas, já tão pisadas pelo pensador e inauguradas de modo único pelo poeta, conseguiremos, com muita modéstia, conduzi-las para novas paisagens.

Propor uma leitura do poema “Janela do caos” partindo de conceitos chaves como a religião, a linguagem, o papel antagônico da poesia em uma época específica, a dissolução do idealismo e o problema de um sujeito em permanente tensão com as categorias opressivas do pensamento hegemônico. O poema “Janela do caos” é considerado pela crítica o mais enigmático e ao mesmo tempo um dos mais fascinantes e representativos da obra de Murilo Mendes. Partindo da observação de que o único meio possível de unificação e organização do poema é a linguagem, pretende-se demonstrar que a visão do caos sintetiza uma perspectiva da realidade assinalada pela violência e pela ausência de ordem, e que tal visão supera o marco da realidade local para atingir um valor de universalidade. O livro Poesia Liberdade permite refletir em torno do ato de poetizar, no sentido de que a voz poética não é a portadora exclusiva da verdade. Essa experiência de deslegitimação se traduz em termos do tipo de enfoque utilizado por Murilo Mendes. Assim, a sua experiência consiste em refletir sobre um mundo imerso no caos, que por sua vez faz parte de um processo mais abrangente mediante que mantém a aspiração à totalidade com o objeto de entender o ato poético como uma reação consciente e inconsciente aos momentos de crise na história, ao indicar a gestação de um processo de transformação dos paradigmas que regem o mundo num momento determinado.

Este trabajo pretende ofrecer una panorámica de esos textos microficcionales actuales, que lindan el género poético, generados a partir de algoritmos que tienen un impacto cada vez mayor dentro de la literatura transmedial de Hispanoamérica. Muchos de ellos proponen una visión tautológica de sí mismos, mientras que otros buscan el significado tras los generadores que los crean que desestabilizan, a su vez, la figura del autor. La investigación se centrará en las creaciones de los escritores Milton Läufer, Gabriela Golder, Gustavo Romano, Mario Guzmán, entre otros, que protagonizan las antologías cibernéticas que se revisarán en este estudio. Estas muestran que el objetivo final tanto de las nuevas formas microficcionales hispanoamericanas actuales como las poéticas coinciden: reflexionar sobre los criterios que imperan en el contexto actual para determinar que un texto, aun sonoro, visual o en movimiento, sigue siendo literatura.

Críticos diversos identificaram na obra de Murilo Mendes uma “lírica” ou uma “poética do choque”. Neste ensaio, busca-se verificar, com apoio na estética depreendida dos escritos críticos de Walter Benjamin, como o choque (categoria benjaminiana por excelência) revela-se de fato fundamental para uma leitura renovada de Murilo. Esta leitura passa pelo exame dos modos próprios como, nesta obra, se dá a dialética, bem descrita por Benjamin, entre choque e aura, assim como pelo discernimento da subordinação dessa dialética à exploração do sublime moderno, que define em grande parte a singularidade de Murilo no quadro da literatura brasileira do século XX.

El presente artículo tiene como objetivo analizar las reflexiones sobre la palabra y el lenguaje desarrolladas en Máximas y mínimas de sapiencia pedestre escuchadas al desgaire sin certificación de autenticidad (1982), libro de minificción del escritor peruano Emilio Adolfo Westphalen. Para ello, nos centramos en los textos «Ídolo», «Hojas secas» y «Error de cálculo», que abordan de manera más directa la relación del enunciador con las palabras y con la obra creada, más concretamente del poeta con la poesía, y desde una mirada crítica que evalúa el quehacer poético. Al respecto, cabe precisar que Westphalen, en toda su producción, tiene a la poesía como principal objeto de pensamiento y de representación, razón por la cual las diversas lecturas se han mantenido en el tema poético. Aunque Máximas y mínimas de sapiencia pedestre escuchadas al desgaire sin certificación de autenticidad constituye un momento esencial en la obra ficcional de Westphalen, especialmente porque supone la adopción de la prosa brevísima como forma escritural predominante para incorporar una serie de recursos que el verso no le permitía, no ha recibido la atención debida de parte de la crítica especializada, concentrada en su mayoría en los dos primeros poemarios de Westphalen. Con la presente aproximación, se pretende también cubrir ese vacío en los estudios sobre la producción literaria de Westphalen.

Mística y misionera católica española en Inglaterra, Luisa de Carvajal (1566–1614) legó una cincuentena de poemas espirituales. Este artículo examina la traducción al inglés de uno de ellos, el romance «En una graciosa isleta», texto con el que Georgiana Fullerton concluye su Life of Luisa de Carvajal (1873). Esta biografía, basada en otra escrita por Luis Muñoz en 1632, presenta la vida de la poeta como ejemplo de sacrificio en el contexto de las persecuciones a los contrarreformistas. El estudio del poema traducido se aborda principalmente desde dos ópticas: por un lado, una indagación en las motivaciones y circunstancias editoriales que pudieron rodear la traducción del texto a finales del siglo xix; por el otro, un análisis microtextual del tratamiento de la versificación y los recursos retóricos en que se plasma la visión mística de Carvajal.

Además de ser uno de los poetas y narradores más influyentes de todos los tiempos, Gustavo Adolfo Bécquer (1836-1870) es considerado el gran precursor del poema en prosa en la literatura española, el cual cultivó, junto a la prosa poética, en algunas de sus Leyendas. Aunque por lo general la crítica ha aceptado la clasificación de obras becquerianas en prosa poética y poema en prosa propuesta por Luis Cernuda, muchos añaden otros textos en los que creen ver una de estas dos modalidades. En este estudio se aplican métodos estilométricos con el objetivo de determinar qué textos se encuentran más cerca del género lírico. Al mismo tiempo, se pretende explorar si es posible realizar mediante estas técnicas una gradación de los textos en prosa becquerianos hacia lo lírico. Los resultados ayudarán a arrojar nueva luz sobre la obra lírica en prosa becqueriana, además de constituir una muestra de cómo puede contribuir la Estilometría al análisis de géneros literarios limítrofes, como es el caso del poema en prosa.

Trata-se de uma tradução do referido texto de Heinrich von Kleist, de formato fictício-epistolar, em que um poeta elucubra acerca das noções de criação, aprendizagem e tradição, as quais endereça a um pintor. Sua primeira impressão data do dia 06 de novembro de 1810, no jornal Berliner Abendblätter, publicado por Julius Eduard Hitzig e editado pelo próprio Kleist. O jornal teve uma curta existência: do dia 01 de outubro de 1810 até o dia 30 de março de 1811, ano em que Kleist viria a falecer. Nele foram publicados diversos textos do autor, incluindo o célebre Sobre o teatro de marionetes. Quanto à presente edição, foi adotado o formato bilíngue: primeiramente a tradução em português e em seguida o texto original em alemão. O documento da edição alemã vale a nível de citação, ou seja, apenas para fins acadêmicos e não comerciais, sem qualquer intenção de desrespeitar eventuais direitos da editora ou do editor.

El presente trabajo pretende mostrar la convergencia y continuidad, tanto de temática como de sentido, de dos obras centrales de María Zambrano publicadas en el año 1939 desde el análisis de dos categorías, realismo y racionalismo, con las que se identifica a España y el resto de Europa respectivamente. Así mismo, se busca poner de manifiesto que si bien para la pensadora el racionalismo desemboca en la angustia del sujeto moderno y contemporáneo por llevar asociada la forma del sistema, encontrará en el realismo y estoicismo, más característicos de la tradición hispana, la posible salida a esta angustia en la que se halla Europa a la altura de 1939.

Recensione di Francesco Camera (a cura di), Celan. Incontri, voci e silenzi nello spazio della poesia (Interlinea, 2020).

El presente ensayo aborda el problema filosófico de la muerte en Antonio Machado, tanto en su poesía como en su prosa. No compartimos la tesis de que Machado arribó a la filosofía al decaer como poeta. La inquietud filosófica de Machado le acompaña desde sus primeros poemas. Y el tema de la muerte es un buen ejemplo. Analizaremos principalmente su poesía, estableciendo conexiones con su pensamiento filosófico en prosa. Por todo ello, no nos extrañará el feliz encuentro con la filosofía de Heidegger en los años treinta. Igualmente, Unamuno nos servirá para comprender el pensamiento filosófico de Machado, estableciendo entre ambos una comparación en torno al tema que nos ocupa.

Este artigo apresenta o Réquiem a uma Amiga (tradução no final do artigo) com algumas reflexões ensaísticas sobre o lugar desse poema na obra do poeta R. M. Rilke. Iniciaremos com observações biográficas (os encontros do poeta com a escultora Clara Westhoff e sua amiga Paula em Paris em 1900) que ocasionaram o estudo da pintura de paisagem e um pequeno livro de ocasião de Rilke sobre a colônia de artistas de Worpswede, no norte da Alemanha. O forte impacto que esses encontros – e em particular a análise das telas de Paula Modersohn-Becker em 1905 - tiveram sobre a sensibilidade poética de Rilke contribuíram para a nova forma estilística (Dingwendung) que se manifesta na obra madura de Rilke. Apresentamos assim um momento de vida e um aspecto específico do desenvolvimento da relação do poeta e de sua obra com as artes plásticas, que ilumina o papel da poesia como trabalho de luto do poeta e como prefiguração das obras da fase madura dos Sonetos e das Elegias.

Neste artigo, proponho a aproximação do poema “Engführung” (1958), do poeta Paul Celan, com o ensaio Cascas (2011 [2017]), do historiador de arte francês Georges Didi-Huberman, tomando como ponto de partida a ideia de percurso que atravessa ambas as obras. Para tanto, baseio-me nas leituras que Joachim Seng faz do poema de Celan (1992; 1998), nas quais lê “Engführung” como um trajeto do eu-poético pelo campo de concentração (Auschwitz) que é, ao mesmo tempo, campo da memória e linguagem. Em Cascas, Didi-Huberman relata o percurso da sua visita a Auschwitz, enfocando o papel do olhar na realização do trabalho da memória. Nesse sentido, ao posicionar lado a lado o poema e o ensaio, estes parecem apontar para modos de olhar e dizer Auschwitz que colocam para o leitor as tensões inerentes a este movimento, não se omitem desta tarefa ética e refletem criticamente a postura individual e coletiva diante da lacuna do testemunho e do que resta do campo de concentração.

O presente artigo passa em revista as concepções platônicas sobre mímesis e, mais que concepções, sua própria condenação à poesia mimética. Condenação que na República, assume três sentidos diferentes: primeiro um sentido de cunho conteudístico, um segundo sentido estilístico e um terceiro ontológico.

No ensaio “Poesia e Filosofia: uma transa”, ao distinguir três relações possíveis entre filosofia e poesia – disciplinar, supradisciplinar e transacional – Benedito Nunes considera “os primeiros românticos alemães” como ilustres representantes da relação supradisciplinar. Tomando por base os fragmentos publicados em vida por Friedrich Schlegel, o objetivo do presente artigo consiste em investigar até que ponto suas concepções sobre as relações entre filosofia e poesia se ajustam à proposta interpretativa de Benedito Nunes.

Griegos y romanos conectaron con su pasado, en primer lugar, a través del poema épico. Éste, con los recursos que eran propios del género poético, caracterizó el modo de elaborar el relato historiográfico posterior. Así, ficción y realidad fueron los elementos que dieron forma a las historias que nos dejaron griegos y romanos. Intentamos aquí ofrecer las actitudes que los historiadores de Roma asumieron a la hora de compatibilizar la ficción con la evidencia, la fábula con la realidad, y su consecuencia en el relato historiográfico.

La siguiente contribución quiere mostrar cómo la pregunta por la naturaleza de la Dichtung permite a Heidegger, por un lado, medirse plenamente con las contradicciones y ansiedades fundamentales de la contemporaneidad, y por otro, repensar (y recrear) la relación originaria del hombre con las cosas mismas y con el ser. De ahí la necesidad de reflexionar sobre el significado ontológico del discurso poético con el fin de detenerse en las peculiaridades de un lenguaje, el artístico-poético, capaz de decirnos, más que ningún otro, algo significativo sobre la esencia de los fenómenos y nuestra relación con la naturaleza.

Platón procura establecer en el Fedro una estrecha vinculación entre la poesía y el ámbito eidético propio del saber filosófico, o al que accede el filósofo mediante una ejercitada captación sinóptico-dialéctica. Tal tipo de poesía filosófica aparece ilustrada a la perfección en la propia palinodia socrática, la cual erige a Sócrates – y en última instancia a Platón – como paradigma de filósofo poeta, palinodia que ha sido obligada a pronunciarse “con ciertos términos poéticos”. Partiendo de esa palinodia como modelo, Platón se propone abordar el tema del éros con discursos filosóficos que se nutran de términos poéticos, o sea, a través de una explícita mixtura de elementos filosóficos y poéticos, cuyo ejemplo más claro es el Fedro en su conjunto, o, en términos más generales, el género dialógico platónico en tanto este pone en escena una interacción entre los registros filosófico y poético. Teniendo en cuenta esta relación de compatibilidad que Platón establece en el Fedro entre su paradigma poético-filosófico y el de tipo tradicional – paradigmas que en los libros II, III y X de la República aparecían claramente en tensión –, en este artículo me interesa apoyar tal relación en la anécdota del sueño relatada por Sócrates al comienzo del Fedón, en la cual el filósofo confiesa ante Simmias y Cebes haber compuesto desde su encierro en la cárcel – ya que anteriormente jamás lo había hecho – poemas basados en la versificación o musicalización de las fábulas de Esopo y un himno a Apolo.

Abū-Hiffān cAbd-Allāh Ibn-Aḥmad Almihzamī foi um importante transmissor da literatura árabe do século IX d.C./ III H. A compilação de histórias (aḫbār) que registrou sobre Abū-Nuwās tornou-se uma referência autorizada no que diz respeito à produção deste poeta inovador. As Histórias de Abū-Nuwās contribuem com temas de vinho e erotismo para as fabulosas narrativas que se situam à era dos califas abássidas. A seguinte apresentação e tradução do relato Uma anedota sua com três (ḫabaruhu mac talāta) procura transpor ao português brasileiro o fragmento desse importante momento da cultura árabe, dos primeiros séculos do Islã.

Entre a Poesia, como “território sagrado” e o Cinema, seu “acólito devoto” pretendeu-se trazer à discussão uma relação difícil e improvável. Foi a partir de A cor da Romã (1968), de Serguei Paradjanov, que Maria João Seixas se propôs contribuir para uma reflexão sobre a relação entre o Cinema e o território literário, nomeadamente, a Poesia.

En este trabajo me interesa abordar la figura del poeta legislador Solón, a fin de examinar la influencia que sus escritos pudieron haber ejercido sobre la concepción de la poesía forjada por Platón en Leyes. No se trata tanto de la poesía de Solón en sí misma como de lo que Platón supo leer en ella en términos de posibilidad para la conformación de un nuevo linaje poético. Partiendo de un breve examen de la figura de Solón y de algunos de sus escritos, procuro dar cuenta de la influencia que aquel célebre legislador pudo haber ejercido sobre la figura platónica del poeta legislador.

O texto trata da relação entre filosofia e poesia e tem por objeto de análise a possível influência de Friedrich Nietzsche sobre o poeta Mário Faustino, especialmente no poema-título de seu único livro publicado em vida, O homem e sua hora. Assim, pretendemos mostrar que especificamente neste poema, além da visão trágica do mundo, da crítica ao ascetismo cristão, da valorização do corpo como morada do ser, da simbologia mítica do eterno retorno, da constelação de mitos dionisíacos e de tantos outros temas caros à filosofia nietzschiana, é a presença do niilismo como uma espécie de fio condutor do poema que denota essa influência da filosofia nietzschiana na poesia faustiniana.

Freud paragona, in una celebre metafora, la psicoanalisi alla scultura piuttosto che alla pittura in quanto, mentre la seconda aggiunge qualcosa al fine di raffigurare, la scultura toglie qualcosa per raggiungere il medesimo risultato. È sulla stessa linea di Michelangelo, che aveva detto che il blocco di marmo sul quale lui lavorava conteneva già la statua che lui aveva in mente: si trattava solo di levare quel tanto di più che ne impediva la visione. Ciò che viene cioè mostrato, dal paziente in analisi, è destinato, come il marmo eccedente nella scultura, a coprire quanto di importante vi è pure contenuto, seppur nascosto. Lacan porta all’estremo questo concetto affermando che l’essenza della teoria psicoanalitica è un discorso senza parola. Anche la poesia, è la tesi che qui viene espressa, è un’arte che si esprime per via di levare in quanto la sua essenza è il non dicibile: come mostrano alcuni poeti, tra cui Quasimodo e Verlaine, l’impresa della poesia è sottrarre al nulla l’indicibile. Altrimenti è solo elocutio, l’arte del bel dire: ma questo, per dirla con Verlaine, non è buona avventura ma solo letteratura.

Tra “Corporeal Turn” e modelli biocognitivi la poesia e la psicoanalisi non cessano di testimoniare quanto la conoscenza umana sia sovradeterminata dalla dimensione fantasmatica che informa ritmo, stile e strategie retoriche dell’animale umano. La poesia e la psicoanalisi trasgrediscono i limiti della comunicazione autoconsapevole per cercare la complessità in modi e forme di espressione alternativi. Poesia e psicoanalisi mostrano una profonda sfiducia nel nominare, concettualizzare e definire e promuovono una conoscenza che elude dominio, padronanza e controllo mediante la ricerca di “un altro dire”. Questa indagine sulla resistenza della psicoanalisi e della poesia al discorso attuale si sviluppa alla luce della produzione lirica e saggistica di Durs Grünbein, uno dei massimi poeti tedeschi contemporanei. L’opera di Grünbein, che ha trascorso più di 20 anni nella Germania orientale, dove è nato, esplora i processi creativi che presiedono al poetico ed emergono nella vita quotidiana, ogniqualvolta l'individuo si liberi dall'imposizione di categorie predeterminate. Concentrandosi sulle potenzialità in gioco nei processi inconsci, Durs Grünbein indaga la frammentarietà del mondo, la fragilità e la precarietà della vita creando oggetti poetici, le cui caratteristiche prosodiche, stilistiche, retoriche rinviano agli oggetti internalizzati della psicoanalisi. Anche il concetto freudiano di Bahnung viene chiamato in causa nella ricerca sui processi creativi qui indagati.

La pratica psicoanalitica della parola trova il proprio regime in un’affinità con il dire della poesia, fatto di risonanze più che di senso e di narrazione, evocatore più di figure che di senso. Una poetessa come Nadia Campana, all’incrocio tra l’esperienza della psicoanalisi, appena sfiorata, e quella della visione poetica, in cui si è immersa fino a esserne travolta, offre spunto per una riflessione che ci accompagna in quell’orlo estremo in cui il godimento si presenta nel proprio risvolto di distruzione.

Questo lavoro indaga la figura del silenzio, come si sviluppa in alcuni poemi di Paul Celan. In particolare, analizza l’argumentum e silentio, un’inferenza vera basata sul tacere o sulla mancanza di risposta. In questo silenzio è in gioco la morte della lingua. La lingua tedesca, che è la lingua materna del poeta. Violentata dai nazionalsocialisti e annientata nei forni crematori. La domanda riguarda come sia possibile continuare a scrivere poesia in questa lingua, e come la poesia possa sostenere ancora il mandato etico che le impone di sottrarsi a quella violenza e all’imbarbarimento. Non solo, ma anche come sia possibile, attraverso la poesia stessa, riappropriarsi di quella lingua come lingua materna. A tale proposito, Celan propone un erschwiegene Wort, una parola che sia vinta, conquistata, strappata al silenzio dell’annientamento, e allo stesso tempo una parola silenziata: la parola silenzio. Una parola detta in silenzio che riconduca il più vicino possibile alle spoglie di quella lingua; tanto vicina da mostrarne l’unicità, da rivelarne le pause e le scansioni che la definiscono in proprio rispetto ad ogni altra. In tal senso, si potrebbe affermare che ogni lingua è materna nel modo in cui trova ritmo e misura rispetto a quanto non può dire. Al silenzio in cui tace (e muore) e su cui si articola, parla ed è messa in funzione. La lingua compie un’azione. Nella poesia di Celan è indicata dal termine Spruch. Gesto, come propongo di tradurre: attività e sospensione allo stesso tempo. Il gesto dà corso all’azione e la lascia in sospeso, non la conclude. Solo così può mostrare che la lingua c’è ed è materna. E che, in fine, le parole di questa non sono che ‘puri gesti’ – Unworten, come li chiama Celan. Testimoni veridici di qualcosa che c’è perché non c’è più.

Le parole nel poema narrano il loro tentativo di farsi comprendere e nella loro espressività diventano appigli per una comprensione lirica. Ma per fare in modo che ciò sia possibile, il poeta deve «sapere» di loro, della loro natura; conoscere la loro impronta, il loro carattere, la loro postura ma soprattutto comprendere da dove arrivino e da chi, oltre che da che cosa. Bisogna, come ebbe a dire più volte Antonio Porta, «mettersi a bottega», cioè entrare in un'officina scritturale operativa, dove la materia e il materiale sanno come essere compresenti sul tavolo della lingua e del linguaggio, sparsi e impilati tra gli attrezzi del mestiere che, ogni poeta dovrebbe possedere e saper adoperare. Il “mestiere” del poeta è un dedicare tempo alla parola, e il «compito» della poesia è restituirla rigenerata/reinventata dalla propria lingua maternale. Qui la lingua poetica deve farsi più aderente a ciò che si dovrà portare alla luce, a ciò che dovrà mostrare: far vedere. Pensare in poema significa anche rimanere connessi al «luogo dell'elaborazione», in quell'esatto punto in cui la lingua e il linguaggio si installano tra l'esperienza e la sua decifrazione in parola. In tutto ciò la parola esperisce la vita che gli verrà concessa. Essa saprà rendere ciò che gli è stato dato.

Pensiamo perlopiù l’atto libero, il gesto creativo, come qualcosa di endometabolico, di aderente a una disposizione profonda e introversa, come un’azione che risponde alla volontà dell’agente, sincera, fedele. Il fantasma ci obbliga a una virata, a un cambio di prospettiva. Esso si scrive laggiù, lontano dal nostro corpo, in uno spazio separato, grazie a una telegrafia. Se balza fuori da cripte segrete, queste ultime non sono luoghi intimi, assimilati, bensì spazi mondani che della cripta condividono la latenza, il carattere inconscio, non certo la prossimità al soggetto. I fantasmi arrivano da lontano e diamo loro forma non plasmando materiali tra le mani, ma attraverso una tattilità a distanza. A mani libere.

Questo saggio intende indagare il rapporto tra psichiatria fenomenologica e poesia nelle opere di Eugenio Borgna Le passioni fragili e La nostalgia ferita. Per lui il mondo estetico-artistico ha un valore cognitivo: la letteratura non è materia tanto della critica letteraria o di attenzioni filologiche; la letteratura è piuttosto fonte, testimonianza e corroborazione della conoscenza psichiatrica.

Introduzione alla sezione speciale Poesia e psicoanalisi. L’altra contemporaneità, a cura di Matteo Bonazzi, Francesco Adriano Clerici, Rosalba Maletta.

Il saggio analizza la produzione letteraria di taglio satirico dell’autore ceco Jaroslav Hašek, grande contemporaneo di Franz Kafka. This essay deals with the satirical poetry of the Czech author Jaroslav Hašek, who was a contemporary of Franz Kafka.

Questo contributo intende indagare le forme e i tempi dell’ingresso della poesia in dialetto nel canone storiografico nazionale. Tale verifica avverrà attraverso l’analisi delle più importanti antologie poetiche italiane pubblicate nel segmento diacronico che va dal 1920 al 2005. Non pare casuale che nel momento in cui l’unità nazionale è ancora incerta non ci sia spazio per la poesia in dialetto nelle antologie. In questa direzione le questioni che saranno sottoposte al vaglio sono l’esclusione/inclusione di poeti di indiscutibile valore estetico dalle antologie a loro contemporanee, le possibili ragioni politiche di tale processo di esclusione e le non meno rilevanti ragioni estetiche.

Friedrich Schlegel; Romantismo; Benedito Nunes; Filosofia; Poesia;

La historia de la filosofía muestra que al menos hasta el siglo XIX no había una clara distinción entre lo que ahora llamamos, en líneas genreales, literatura y filosofía. Esto es bastante evidente en la época medieval: la filosofía se escribió en muchos géneros literarios diferentes e incluso dentro de las universidades algunos poemas se comentaban en términos estrictamente filosóficos. Este trabajo analiza la manera en que la historiografía contemporánea ha discutido los vínculos entre la filosofía y la poesía en la Edad Media, con el fin de mostrar que enfoques historiográficos muy diferentes –desde Eugenio Garin a Ruedi Imbach, Mario dal Pra, Loris Sturlese, Emanuele Coccia -Sylvain Piron y Gregorio Piaia– convergen en lo que llamamos la “descolonización del pasado” (la expresión pertenece a Gregorio Piaia), que apunta a señalar que el historiador no debe proyectar su propia idea de lo que es la filosofía sobre el pasado.

O presente artigo passa em revista as concepções platônicas sobre mímesis e, mais que concepções, sua própria condenação à poesia mimética. Condenação que na República, assume três sentidos diferentes: primeiro um sentido de cunho conteudístico, um segundo sentido estilístico e um terceiro ontológico.

RESUMO Seguindo a elevação de outros dons naturais do espírito humano a categorias ou princípios estéticos, o que ocorreria gradualmente durante o século XVIII, o génio e as suas várias problemáticas tornam-se uma das mais prementes questões na agenda filosófica da época. Entre outros, a questão assume particular relevância na filosofia de Immanuel Kant, e isso não apenas na sua obra publicada, mas também na sua actividade como Professor. O presente texto propõe-se abordar a questão do génio nas lições de antropologia do filósofo (1772-1796), e, tomando isto como ensejo, cumprir dois objectivos centrais: em primeiro lugar, traçar uma brevíssima história do conceito desde o século XVII até Kant, a fim de perceber que emprego desta faria o filósofo, e como ele próprio se associa ou dissocia desta. Segundo, compreender o modo como, dada a sua percepção histórica do termo, a teoria do génio em Kant trilha um curso singular, distinto em relação ao dos seus contemporâneos, e que faz com que o génio ostente uma posição central no seio da sua própria teoria; pois, na visão de Kant, o génio não só desempenha um importante papel como mediador das faculdades do ânimo humano, como é ainda peça indispensável na boa proporção entre estes e na insuspeitada produção de conhecimento por isto gerada.

O presente artigo realiza uma reflexão sobre como a noção de resistência pode ser pensada a partir do discurso poético. Neste sentido, ele primeiro mobiliza algumas noções da análise do discurso de linha francesa e enunciados emitidos ao longo da mais recente campanha eleitoral a fim de desenvolver uma breve análise do discurso da extrema-direita, cuja presença no interdiscurso da conjuntura ideológica nacional determina as condições de produção nas quais uma poética da resistência pode ser pensada. Em seguida, ele analisa alguns poemas do poeta recifense Miró da Muribeca procurando exemplificar uma modalidade de poesia onde o ético converte-se em estético.

El presente estudio analiza las imágenes cognitivas y conceptuales que subyacen en la conceptualización, y por tanto, en la expresión del amor en árabe y cómo influyen en el proceso de la traducción de las metáforas de amor al español. El objeto de análisis es un corpus de poesías del poeta árabe Nizar Qabbānī.

Las primeras traducciones en lengua española de Friedrich Hölderlin remiten, en el primer tercio del siglo XX, a tres nombres: Fernando Maristany, Manuel de Montoliu y Luis Cernuda, autores de versiones publicadas en 1919, 1921 y 1935, respectivamente. Hasta este momento, todos los estudios remitían a dicha cronología. No obstante, una traducción en lengua española, datada en 1910 y obra del chileno-alemán Guillermo Jünemann (1856-1938), adelanta en casi una década la llegada de la poesía de Hölderlin a la lengua española.

A nossa proposta é a de elaborar a compreensão do ser próprio corporalcriador em devir, que cria a si mesmo, por si mesmo e para além de si mesmo,tornando-se o que é: poeta da própria existência que faz da vida uma obra de arte por meio de um estilo singular na arte de viver. O objetivo deste texto é o de discutir as possibilidades de uma educação de si no sentido filosófico que põe em questão o valor da existência a partir da consideração do processo de apropriação de si enquanto “corpo criador” que deve se preparar para afirmar poeticamente o devir como a dança da vida. O corpo é pensado filosoficamente por Nietzsche como o ser próprio a partir do qual surgem pensamentos e sentimentos, e cuja vontade reúne e coordena a multiplicidade de impulsos, pulsões, instintos, desejos e inclinações do ser humano. Apresenta-se aquiuma interpretação do corpo segundo Nietzsche em que se discute o papel da sensibilidade na interpretação a partir dos afetos e impulsos do corpo, o “pressuposto fisiológico” da “grande saúde” do corpo criador e o devir em que se torna o que é.

Este trabajo busca mostrar que el peculiar estilo poético que Heidegger emplea en sus obras ontohistóricas no es arbitrario ni responde a un mero afán de excentricidad. Al contrario, el filósofo vio en el lenguaje poético una manera de ser más fiel a su concepción de la fenomenología. La tesis propuesta consiste en que la fenomenología practicada en Sein und Zeit no alcanzó a dar cuenta del estado de arrojado (Geworfenheit) del Dasein ni de la esencia de la verdad entendida como rehúso. Para ello sería necesaria una fenomenología igualmente arrojada, acontecida, que encuentra su modelo rector en la poesía.

Poetry and Music. The reasons of rhythm. This paper aims at exploring the theme of Poetry and Music though the whole work of L.S. Senghor as described by various authors. A general account of the reading aspects of poetry in relationship with its functions is given in reference to a well-known dichotomy suggested by Senghor in terms of raison-oeil vs. raison-étreinte. What we call “Music of Poetry” depends on several construction’s dimensions whose origins may be found in different ways to express meanings. In this view, the real variables affecting the rhythm of poetry reading may be related to what Meschonnic defines as signification and signifiance. Rhythms, refrains, text switchings are responsible of a different encoding level where human factors overtake syntactic constraints. Moreover, reading styles result from historical reasons and cultural contaminations throughout the world and should not be described from a strict acoustic point of view. In the same way, not necessarily through mystic experiences, human beings should rethink how to catch a meaning by according more importance to expression and humanitarian feelings. An example is discussed in reference to the Élegie pour Aynina Fall whose text is published in an Italian translation.

This paper aims at analysing, in terms of intonation and overall utterance patterns, different ways nowadays available for poetry reading. A comparison is offered between a syntactic interpretaion of the text and reading styles which pay more attention to its layout. Quite different poetic texts have been chosen in order to show this kind of variation, since they belong to different traditions and periods: “I wandered lonely as a cloud” by William Wordsworth (1798) and “Digging” by Séamus Heaney (1966). Speech samples are collected through to web and include in one case the reading by the poet himself. Data are labelled through a three-level annotation and the acoustic account is especially reserved to segmentation and tone units’ detection. After a short discussion about the main theoretical points and the new perspectives deriving by the accessibility of spoken poetry data, the paper dresses a few proposals on how to classify a selection of different reading styles.

En este texto se estudia la lectura que Heidegger lleva a cabo en torno a la obra de Hölderlin tomando como eje la noción de “aporía”. Por ésta se comprende la imposibilidad de una respuesta o resolución con respecto a la cuestión del ser. Sin embargo, lejos de resultar paralizante, esta aporía leída y expresada a través de Hölderlin conduce a Heidegger a la afirmación de la experiencia de esa aporía, de su necesidad y de su dignidad cuestionante. De este modo, se comprueba cómo Hölderlin aporta el aparato léxico y conceptual que Heidegger desplegará en los años siguientes en su camino del pensar.

Para além do mero gesto de uma tradição cultural, como o meneio da cabeça, o gesto compõe a arte. Ele acompanha as leituras em voz alta, que tornam presentes aquilo de que trata o poema. Hans Ulrich Gumbrecht evoca esse suporte em reiteradas oportunidades, entre outras quando recupera presença e plenitude no estudo acerca da filosofia de Paul Zumthor. E na dança, na pantomima, na representação teatral? Em que medida o gesto contribui para a imitação? Para a representação? Ao apresentar a tradução de três textos – "Sobre a Pantomima" (1911) de Hugo von Hofmannsthal, a "Carta à dançarina Napierkowska" de Carl Einstein (1911) e excertos de Bertholt Brecht sobre o "gesto social" nas artes cênicas –, pretendo especular as distinções entre pantomima, dança representativa e o princípio do "gesto social" na arte.

Este estudo visa discutir dois poemas de Astrid Cabral, “Surdos e cegos” e “Açougue”, pertencentes ao livro Jaula (2006), a partir da forma como os eu-líricos se posicionam em relação ao abate e à comercialização de bovinos destinados à alimentação humana. Para tal, ele encontra-se dividido em duas partes. A primeira aborda o distanciamento adotado pelos homens frente aos demais animais sob um viés histórico-sociológico, empregando como fundamentação teórica obras de Montaigne (2006) e de Nietzsche (1998, 2007). A segunda propõe uma relação entre as discussões estabelecidas na primeira parte e o conteúdo dos poemas selecionados alicerçada em dois pontos: a existência de matadouros em nossa sociedade e a oposição razão X pathos. Para o desenvolvimento dessa parte, foram utilizados textos de Derrida (2002, 2003), Maciel (2016), Nunes (2011) e Giorgi (2011).

El pensador alemán Martin Heidegger emprendió, a partir del año 1930, una segunda navegación, un viraje en su filosofar, una búsqueda de liberación de las cadenas que lo sujetaban al confinamiento de la metafísica. A esta segunda navegación Heidegger la llamó “poesía pensante” o “pensar poetizante”. El propósito de este artículo es indagar, somera pero seriamente, los alcances de la propuesta heideggeriana a la hora de elaborar un pensamiento que exceda los límites de la metafísica, interrogándose a un tiempo si aquel no permanece, aún e insospechadamente, cautivo en los dominios de aquella.

I vivaci studi italiani degli scritti di Benjamin sulla poesia di Baudelaire (editi da Solmi nel 1962) hanno spesso trascurato l’importanza di allargare la propria prospettiva all’edizione francese del 1974 (Payot), contenente tre importanti saggi noti in Germania dalla fine degli anni ’60. Poiché tali testi sono stati finalmente tradotti in italiano solo nel 2006 (Einaudi) e ripubblicati nel 2012 in un’edizione più articolata (Neri Pozza), ci proponiamo di rilanciare un nostro studio a partire dalla versione italiana, per mostrare come essi gettino le basi della sociologia materialista della letteratura di Benjamin, ancora insufficientemente esplorata. Formatasi proprio muovendo dalla pratica traduttiva dei Quadri parigini, essa ha analizzato il ruolo della bohème, del flâneur e della modernità nell’eroismo lirico di Baudelaire all’apogeo del capitalismo.

El aspecto más destacado de la faceta traductora de José Ángel Valente es el sentimiento de afinidad literaria y reconocimiento propio con el texto traducido. Desde esta perspectiva, el ejercicio de las versiones le permite entablar un diálogo poético para sumarse a aquellas voces de la poesía que representan su mismo pensamiento literario. Por eso, el conocimiento de sus versiones lleva a una lectura paralela de su trayectoria poética. A través del estudio de las dos versiones del alemán Günter Kunert, realizadas en 1964, hemos observado las confluencias que se daban en los panoramas literarios del entonces existente estado de la RDA y España, para señalar así los motivos por los que Valente, desde la traducción, expresa su propio ideario poético.