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With COVID-19 pandemic and the growth of parties in online platforms, several practices in digital media ecology ambiences were configured. The purpose of this article is to investigate the networks of mediations established in electronic music parties in platforms, highlighting the french platform Shotgun, which sets the work of Masterplano, an artistic collective from Belo Horizonte/Minas Gerais. This investigation is based in the concepts of radical mediation and platform studies and highlights the Masterplano online party in Chromakeyla Tour, in the Shotgun platform, which took place in June 2020 as an object of analysis. Con la pandemia de COVID-19 y el crecimiento de fiestas en plataformas online, se configuraron varias prácticas en los entornos de la ecología de los medios digitales. El objetivo de este artículo es investigar las redes de mediaciones instauradas en fiestas de música electrónica en plataformas, destacando la plataforma francesa Shotgun, que ambienta el trabajo de Masterplano, un colectivo artístico de Belo Horizonte/Minas Gerais. Esta investigación se sustenta en los conceptos de mediación radical y estudios de plataforma y destaca la fiesta online Masterplano en Chromakeyla Tour, en la plataforma Shotgun, que pasó en Junio de 2020 como objeto de análisis. Com a pandemia de COVID-19 e o crescimento de festas em plataformas online, diversas práticas em ambiências da ecologia midiática digital foram configuradas. O objetivo deste artigo é investigar as redes de mediações estabelecidas nas festas de música eletrônica em plataformas, destacando-se aqui a plataforma francesa Shotgun, que ambienta o trabalho do Masterplano, coletivo artístico de Belo Horizonte, em Minas Gerais. Este estudo se ampara nos conceitos de mediação radical e estudos de plataformização e destaca a festa online Masterplano em Chromakeyla Tour, na plataforma Shotgun, que aconteceu em junho de 2020 como objeto de análise.

The creation and use of technological tools to facilitate the musical development of professionals and apprentices has become increasingly frequent nowadays. However, most of these tools still do not meet the necessary pedagogical criteria desired in music-making. Indeed, there is a lack of its use in academia, and professionals to encourage its use. This work proposed the creation of a prototype of a digital play-along program based on Design Science Research and the Subsumption Theory, capable of assisting in technical-musical development, both in the study environment and in performance practicing. This tool also sought to encourage the immersion of musicians in handling these technologies. In this way, they could either develop or collaborate on creating this equipment. One of the premises of this work was that the entire development process used open-source software to encourage low-budget learning. Thus, it will be usable in public schools, community bands. This artifact is called Patch BoneAux. Its structure contains layers of functions and subfunctions. All of them are interconnected by Object-Oriented developed from the free software Pure Data (Pd) with connections via QjackCtl, Patchage, and Qsynth, and Soundfonts triggered by MIDI instructions for playback and musical accompaniment. Our goal was to provide a play along containing more flexible tempi to meet the different levels of complexity of the songs. In this way, instrumentalists can perform on rests, playback, and recording. The author also used a systematic survey, The DSR, and the Subsumption Theories as the theoretical basis to conclude his biographical review. Based on the obtained literature, requirements were elaborated within problem classes seeking rigor and relevance for creating this artifact. A Workshop was held by 16 professional trombonists (artists and pedagogues), within members of the project of extension of the Federal University of Paraíba (UFPB), entitled "Trombones in Quarantine" to validate the software. The interaction on the part of the professionals who visualized the tool's functionalities. This technical recognition allowed us to understand the usefulness of the artifact for technical-musical development from beginners to music professionals. Nenhuma A criação e utilização de ferramentas tecnológicas para auxiliar o desenvolvimento musical de aprendizes e profissionais tem se tornado, cada vez mais, frequente na atualidade. No entanto, grande parte dessas ferramentas ainda não atendem, de forma criteriosa, os pressupostos pedagógicos desejados na atividade musical. Percebe-se também uma necessidade de interação por parte dos docentes no ambiente de ensino, e individual para que o mesmo possa incentivar o seu uso. Esse trabalho propôs a criação de um protótipo de programa de acompanhamento digital baseado em Design Science Research e na Teoria do Aprendizado Significativo, capaz de auxiliar no desenvolvimento técnico-musical, tanto no ambiente de estudo quanto no fazer artístico. Além do processo técnico musical, essa ferramenta buscou incentivar a imersão desses músicos no manuseio dessas tecnologias para que pudessem, também, desenvolver ou colaborar na construção desses equipamentos. Uma das premissas deste trabalho, foi que todo processo de desenvolvimento fizesse uso de softwares livres, para incentivar ao aprendizado democrático e gratuito. Assim, o mesmo poderá ser aplicado em escolas públicas, bandas de música, e que não dispõem de um quadro profissional (correpetidores) ou elementos musicais para acompanhar esse desenvolvimento. Esse artefato tem como nome Patch BoneAux, sua estrutura contém camadas de funções e subfunções interconectadas por Object-Oriented desenvolvidas a partir do software livre Pure Data (Pd) com conexões via QjackCtl, Patchage e Qsynth, e Soundfonts acionadas por instruções MIDI para a reprodução e acompanhamento musical. A partir dessas extensões e funcionalidades, buscou-se a flexibilização do andamento do playback para atender os diferentes níveis de complexidade das músicas e que ajudasse os instrumentistas, sobretudo, na utilização de funções como pausa, reprodução e gravação. Como procedimento metodológico, foi criado, a partir do modelo DSR e Teoria do Aprendizado Significativo, para um levantamento sistemático de literatura científica direcionado a esse tipo de produção. A partir da literatura obtida, elaboraram-se requisitos dentro de classes de problema buscando rigor e relevância para a criação desse artefato. Para validação do mesmo, realizou-se um Workshop com 16 especialistas trombonistas (artistas e pedagogos), atuantes no mercado de trabalho musical, com experiência reconhecida por parte da classe nacional de trombonistas da Associação Brasileira de Trombone (ABT), e integrantes do projeto de extensão da Universidade Federal da Paraíba (UFPB), intitulado Trombones na Quarentena. Foi percebido a interação por parte dos profissionais que visualizaram as funcionalidades da ferramenta e afirmaram sobre o impacto positivo que a ferramenta proporcionou. Esse reconhecimento técnico, permitiu compreender a utilidade do artefato para o desenvolvimento técnico-musical desde iniciantes até profissionais atuantes de música.

Submitted by Yasmin Palulian Maccari (yasmin.maccari@unesp.br) on 2021-04-08T14:19:04Z No. of bitstreams: 1 Corpo e festa em trance- Yasmin Palulian Maccari.pdf: 2115129 bytes, checksum: 777c03a69dfc0df4e29008edc5ec002b (MD5) Approved for entry into archive by Marcia Correa Bueno Degasperi null (mcbueno@rc.unesp.br) on 2021-04-09T13:32:33Z (GMT) No. of bitstreams: 1 maccari_yp_me_rcla.pdf: 2115129 bytes, checksum: 777c03a69dfc0df4e29008edc5ec002b (MD5) Made available in DSpace on 2021-04-09T13:32:34Z (GMT). No. of bitstreams: 1 maccari_yp_me_rcla.pdf: 2115129 bytes, checksum: 777c03a69dfc0df4e29008edc5ec002b (MD5) Previous issue date: 2021-02-10 Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) Os festivais de música eletrônica Trance nos colocam em outros regimes corporais, possibilitando outras experiências daquelas do cotidiano. Festas que duram de dois a dez dias e acontecem normalmente em meio à natureza, uso de drogas psicodélicas e estimulantes, práticas de dança, discussão de estilos de vida alternativos e promoção de arte das mais variadas, esses ambientes brincam com uma integração entre tecnologia, vida e natureza. Por meio da cartografia, baseada nas ideias de Deleuze & Guattari, este trabalho mergulha nesse universo colocando o corpo em jogo em todas essas relações. Busca-se observar se essas relações movimentam também os processos de subjetivação daqueles que se envolvem com a experiência trance. Para tanto, indaga-se: que movimentos os festivais trance ajudam a compor na subjetividade daqueles que participam desse evento? Para dar encaminhamento às proposições deste trabalho, foi feita pesquisa de campo em festivais de música eletrônica, nos quais foi criado um espaço chamado “Cantinho de troca de troca (d)e saberes”. Este espaço funcionava como uma instalação, com materiais visuais, artísticos e bibliográficos acerca do Trance, que ficavam disponíveis para todos os que dali se aproximavam, promovendo, assim, ampla integração e composição com o evento. Neste lugar de encontros e interações lúdicas e horizontais, foram produzidas entrevistas e diários de campo aproveitados neste estudo. As intensidades que irromperam deste material, foram observadas como multiplicidades, isto é, como rizoma, lida como movimento de uma experiência caleidoscópica constituída a partir do Trance, dentre os quais se destacaram: a conexão com a natureza, o reencantamento e a vida em comunidade. Tais experiências concorreram a favor da composição de uma análise dialógica e diferencial acerca da problemática central assumida nesta pesquisa, na medida em que permitiram observar que os festivais e festas trance acabam por ser espaços potentes de mobilização de práticas de resistência, ao apontar para outros modos de existência mais ecológicos, que oportunizam a emergência de outros modos relacionais estabelecidos de si para consigo mesmo, de si para com o espaço e com os outros, que forçam os limites a ordem dos convencionamentos sociais, em função da expressão vibrante de um corpo festa, que ousa dançar, ao invés de simplesmente (sobre)viver. The Trance Music festivals place us in other body regimes, enabling possibilities which are different from the habitual ones. Parties that last from two to ten days and happen in natural sites, psychedelic and stimulating drugs, dance practices, discussions on alternative lifestyles, promotion of the most varied styles of arts; all these environments play with an integration between technology, life and nature. Through cartography, based on Deleuze & Guattari’s ideas, the present work looks into this universe putting the body in all these relations. It tries to find out if these relations also move the processes of subjectification of those who get involved with the experience of trance. In order to do that, we ponder: which movements do the trance festivals help form in the subjectivity of those who participate in the event? To forward the propositions of this research, we developed a field research in electronic music festivals, among which we created a space called “Corner of knowledge exchange”. This space worked as an installation, with visual, artistical and bibliographical materials about the Trance, which were available for everyone who approached, promoting, thus, integration and composition with the event. In this area of ludic and horizontal interactions, interviews and field diaries were produced. The intensity that emerged from this material was observed as multiplicity, that is, as rootstock, read as the movement of a kaleidoscope experience brought up from Trance, such as: connection with nature, re-enchantment, life in community. Such experiences contribute in favor of the composition of a dialogical and differentiated analysis about the central problematics discussed in this research, as they allowed us to observe that the festivals and trance parties end up being powerful spaces of mobilization of resistance practices, when they point to other more ecological ways of existence, which make emerge other types of relations established from self to self, from self to environment and the others, which force to its limits the order of social conventions, upon de vibrant expression of a party body, which dares to dance, instead of simply surviving. CAPES: 001

Esta tese examina um conjunto de práticas musicais de vários géneros da música experimental contemporânea. A partir da constatação de convergências e semelhanças entre peças de compositores contemporâneos e artistas de música eletrónica independentes, e partindo do pressuposto de que estas semelhanças se devem à presença de uma compreensão do som como uma entidade material complexa, esta investigação desenvolve uma abordagem multifacetada na análise e sistematização destas correspondências. O som como conceito central na música do século vinte é o ponto de partida para esta pesquisa e a presença desta focalização, durante o último século em diferentes géneros e contextos musicais, reflete-se na natureza transcultural deste estudo. O estudo baseia-se na conceção do som como uma entidade complexa, tal como foi proposto por Giacinto Scelsi e os espetralistas, para definir uma série de características essenciais que podem ser encontradas em obras de compositores oriundos de diferentes contextos, tais como a exploração do espetro sonoro, uma ideia alargada da harmonia e temporalidade musical e um uso específico da repetição. Estes autores abordam o som como se este fosse um material físico, evitando certas estruturas baseadas em notas no sentido tradicional e em construções abstratas, para se concentrarem na exploração do timbre, criando um material sonoro rico. As obras que constroem o corpus principal deste estudo – de Georg Friedrich Haas, Bernhard Lang, Giovanni Verrando, Riccardo Nova, Pan Sonic, Ryoji Ikeda e Raime – provêm de diferentes géneros, como o pósespetralismo, minimalismo, eletroacústica, eletrónica-glitch e dubstep. A partir destes casos de estudo, a investigação orienta-se tanto para o objeto (artístico) como para o sujeito (criador e recetor) incluindo uma análise das obras selecionadas (baseada numa análise auditiva, espetral e da partitura) das obras selecionadas e duas pesquisas empíricas: uma construída a partir de inquéritos de escuta a ouvintes e outra a partir de entrevistas aos compositores e intérpretes. Os resultados obtidos incluem dados analíticos – correspondentes à descrição de nove atributos musicais comuns – resultados dos inquéritos de escuta com a identificação de três modos de escuta e uma definição das intenções poiéticas dos compositores que, apesar de serem distintas, apresentam várias convergências. Estes resultados pretendem fundamentar uma perspetiva de cruzamento entre géneros musicais diferentes, à qual chamamos multi-género. Esta perspetiva sobre o som será definida como “extático-materialista”. Esta visão baseia-se numa conceção partilhada de som, envolve uma compreensão específica do tempo e do espaço na criação e perceção musical, e – longe de ser um conceito auto-reflexivo – inclui componentes da experiência cultural e da prática de compositores, artistas e ouvintes. O som, na perspetiva extático-materialista, é o território comum entre criador e o recetor; onde ambos os participantes captam elementos materiais do som e a partir daí constroem os caminhos subjetivos na sua escuta (emotivos, analíticos, culturais). Este modelo extático-materialista é examinado no âmbito da música contemporânea experimental, incluindo os aspetos mais problemáticos, como a sua natureza elitista e autorreferencial, para propor possíveis aplicações práticas. Os compositores e os ouvintes que representam a perspetiva extático-materialista participam na comunicação musical de forma contextual e inter-relacionada, motivados por uma espécie de ética que os desafia a fazer escolhas, agindo, afetando e sendo afetados pelo som. Por fim, esta investigação ilustra a forma como a visão multi-género pode ser aplicada a diferentes formas do conhecimento musical (didático, artístico e curatorial) através do uso de uma abordagem multimodal (sensorial-perceptiva, teórica, abstrata e histórica), com o objetivo de aproximar as práticas musicais experimentais de um público mais vasto. This doctoral research examines a cross-genre set of practices within today’s experimental music scene. Starting from the observation that there are convergences and similarities between pieces by contemporary composers and those by independent electronic performers, and proposing that these commonalities are due to the presence of a shared understanding of sound as being a complex and material entity, this study develops a multifaceted approach to explore and give shape to these correspondences. The centrality of sound in the music of the 20th century is the starting point for this research, and the presence of this radical reappraisal during last century in several different genres and contexts is reflected in the cross-cultural aspects of this study. The research elaborates on the conception of sound as a complex entity –postulated by Giacinto Scelsi and the spectralists– in order to define a series of key characteristics (including exploration of the sonic spectrum, an extended conception of harmony and temporality, and a particular use of repetition) which can be found in the pieces of composers working in very different contexts. These figures approach sound as a physical material, avoiding certain tone-based structures and abstract construction techniques in favour of focusing on creating a sonic material rich in timbral exploration. Selected pieces (i.e. compositions by Georg Friedrich Haas, Bernhard Lang, Giovanni Verrando, Riccardo Nova, Pan Sonic, Ryoji Ikeda, and Raime) coming from different genres (i . e . post-spectralism, minimalism, electroacoustic, glitch electronica, and dubstep) serve as the main body of research for both an object- and a subject-oriented investigation. In order to give shape to this shared perspective on sound, this study includes an analysis of these pieces (i . e . based on aural, spectral, and score examinations) and two empirical surveys, one targeting listeners (i.e. the listening questionnaires) and the other composers and interpreters (i.e. the interviews and other correspondence). The collected results subsequently encompass: analytic data and the description of nine shared musical attributes; perceptual examinations and the identification of three listening modes used in finding key elements within the selected pieces; and a clear definition of similar yet distinct poietic intentions among the different composers. These results serve to justify the proposed cross-genre perspective on sound that I define as the ecstatic-materialist perspective. This shared vision is grounded in a similar conception of sound, it involves a specific understanding of time and space in musical creation and perception, and –far from being a self-reflexive concept– it implicates components from the cultural and practical experience of composers, performers, and listeners equally. Sound in the ecstatic-materialist perspective is the common territory between creator and recipient; both participants locate material elements of sound and follow subjective paths in listening (e.g. affective, source-based, socio-cultural). The proposed ecstatic-materialist model is examined in relation to the current world of experimental contemporary music, including the more problematic aspects such as its elitist and auto-referential nature, in order to explore the practical applications of the outlook. Composers and listeners exemplifying the ecstaticmaterialist perspective are involved in musical communication in a contextual, interrelated fashion, motivated by a kind of ethic that empowers them to make choices, take action, affect and be affected by sound in the wider context in which it is experienced. Finally, this study illustrates how the cross-genre ecstatic-materialist view can be applied to the different ways in which musical knowledge is communicated (didactic, artistic, and curatorial) by using a multimodal approach (sensorial-perceptive, theoretical, abstract, and historical) in order to reduce the gap between experimental music practices and a wider audience.

This article explores ways of affecting and being affected in electronic music parties, and is based on Spinoza's ideas using the cartographic method for empirical research. Affects, machines and sociability are conceptual operators for the analysis of aspects of the communicational dimension of these parties. Affects are not limited to the subject's plan; they are flows of passage for various forms of expression and affectation, according to Deleuze & Guattari's perspective. Communication is seen as affect and flow from the perspectives of Morin, Beth & Pross and Marcondes Filho. We propose that media and communicative actions in such parties directly impact the bodies and alter the process of sociability; also, drawing on Latour, we argue that the affects are produced and potentialized through music and communication machines, which implies rethinking the concept of sociability to consider non-human participants as social actors. Este artigo explora formas de afetar e de ser afetado em festas de música eletrônica com base nas ideias de Spinoza e com o uso do método cartográfico de pesquisa empírica. Afetos, máquinas e sociabilidade são operadores conceituais para análise de aspectos da dimensão comunicacional das festas. Afetos não são exclusivos do plano dos sujeitos; são fluxos de passagens para diversas formas de expressão e afetação, segundo a perspectiva de Deleuze & Guattari. A comunicação é vista como afeto e fluxo a partir das perspectivas de Morin, Beth & Pross e Marcondes Filho. Propõe-se que os suportes e ações comunicativas nessas festas incidem diretamente sobre os corpos e alteram o processo de sociabilidade. Assume-se, com suporte em Latour, que os afetos são produzidos e potencializados também por meio das máquinas de música e de comunicação, o que implica em repensar o conceito de sociabilidade e considerar como atores sociais também os participantes não humanos.

The present research deals with the consecrated processes and their mechanisms of construction of differentiation between the DJs of Fortaleza, in Ceará, Brazil. Starting from Bourdieu's understandings, the actions of the agents in their social space, indicated by the habitus, create a symbolic struggle for prestige positions through the accumulation of symbolic capital within this scene. Through the historical recovery of their careers, it is likely to identify the possible instances of consecration and legitimation of the agents. I proposed to think the subjects and their attributions of meaning that establish from the experiences, ideas and knowledge necessary to become consecrated, recognized, and remembered by the other DJs of the city. The data collected are interviews with three agents (Fil, Fran Viana and Rodrigo Lobbão), associated with the news and stories published in newspapers, websites, magazines and blogs specialized in the dissemination of local scene activities. As a result, a particular logic is perceived, in which there is a direct relation between the accumulation of knowledge, provided by the experiences of their careers, and the deference positions to the others. A presente pesquisa trata sobre os processos de consagrados e seus mecanismos de construção de diferenciação entre os DJs da cidade de Fortaleza. Partindo das compreensões de Bourdieu, as ações dos agentes no seu espaço social, indicados pelo habitus, criam uma luta simbólica por posições de prestígio através do acúmulo de capital simbólico dentro da cena. Através do resgate histórico de suas carreiras, é possível identificar as possíveis instâncias de consagração e legitimação dos agentes. Propus-me a pensar os sujeitos e suas atribuições de sentido que estabelecem a partir das vivências, das ideias e do conhecimento necessário para se tornar consagrado, reconhecido, lembrado pelos demais DJs da cidade. Os dados utilizando são entrevistas com três agentes (Fil, Fran Viana e Rodrigo Lobbão), associadas às notícias e entrevistas veiculadas em jornais, sites, revistas e blogs especializados na disseminação das atividades da cena local. Como resultado, percebe-se uma lógica particular, no qual há relação direta entre o acúmulo de conhecimento, proporcionado pelas experiências de sua carreira, e as posições de deferência aos demais.

Resumo Diante de um contexto histórico de tensionamento político e econômico entre Cuba e Estados Unidos, toma-se um espetáculo de música pop ocorrido em março de 2016 na Tribuna Anti-imperialista em Havana e protagonizado pelo grupo de música eletrônica Major Lazer como uma performance em torno da memória cultural nas Américas, conforme postula Diana Taylor (2013). A encenação de disposições performáticas dos músicos e do público remete a rituais que evidenciam contradições em torno da presença de vestígios de produtos da cultura norte-americana em território cubano. Debate-se as rasuras das políticas comunicacionais restritivas do governo cubano e a ostentação de ícones ligados aos Estados Unidos por parte da juventude de Cuba como questionamentos em torno de um projeto de nação. Abstract Facing a historical context of political and economic tension between Cuba and the United States, we investigate a pop music concert held in March 2016 in Anti-Imperialist Tribune, Havana, played by electronic music group Major Lazer, as a performance around the cultural memory in America, as postulated by Diana Taylor (2013). The staging of performance arrangements of musicians and the audience refers to rituals that reveal contradictions around the presence of American products traces in Cuban territory. We debate the erasures of restrictive communication policies by the Cuban government and the display of icons linked to United States by the Cuban youth as an inner question about a national project built in the Caribbean island.

Este trabalho traz questões relacionadas com a glitch music, gênero ligado à estética do erro que surgiu na década de 1990. Divido em dois pontos: no primeiro, a pesquisa parte de definições iniciais sobre o glitch e a glitch music, buscando delinear um contexto geral que o gênero se desenvolveu. Levantamos também questões conceituais sobre o “erro”, procurando apontar o uso do erro como estética na música. No segundo, mostramos três perspectivas de abordagens distintas do glitch em três compositores diferentes: Yasunao Tone, Oval e Alva Noto. Por último, o trabalho busca abrir novas discussões a respeito do que é o gênero glitch music e o que ele engloba. This work brings questions related to glitch music, genre linked with the aesthetic of failure that arose in the 1990's. It is divided in two parts. In the first part, the research starts with definitions about glitch and glitch music, trying to outline a general context that the genre has developed. We also bring conceptual questions about "failure" trying to point out the use of error as an aesthetic in music. In the second part, we show three perspectives of different approaches of glitch in three different composers: Yasunao Tone, Oval and Alva Noto. Lastly, this work intends to open new discussions concerning what glitch music genre is, and what it includes.

Made available in DSpace on 2014-11-10T11:09:56Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2014-05-23Bitstream added on 2014-11-10T11:57:37Z : No. of bitstreams: 1 000795511.pdf: 4055079 bytes, checksum: 6d46a713ce2f8cb0992cb26e2c1e2638 (MD5) O objetivo desta pesquisa é compreender como os processos de escritura musical se instituem nos projetos composicionais envolvendo os recursos de eletrônica em tempo real. Para tal, fez se necessário compreender o que vem a ser a escritura musical; examinar as condições históricas e técnicas que possibilitaram o desenvolvimento da escritura musical; e investigar como os processos de escritura se instituem e se relacionam com os processos de criação e de percepção musicais, sejam eles instrumentais ou eletroacústicos. Em um segundo momento, após termos investigado a produção teórica de compositores do século XX que se dedicaram a conceituar a escritura musical – especificamente Pierre Boulez, Philippe Manoury, Hughes Dufourt e Flo Menezes –, empreendeu‐se uma pesquisa de criação musical envolvendo instrumentos acústicos e eletrônica em tempo real. Nesta pesquisa de criação, extensamente documentada neste trabalho, procuramos demonstrar como os processos de escritura se estabelecem no decorrer das diversas etapas da composição musical The objective of this research is to understand how the processes of musical writing are built in compositional projects involving live electronics. For this purpose, it was necessary to question the concept of musical writing; to examine the historical and technical conditions that gave rise to musical writing; and to investigate how the processes of musical writing are established and how they relate to the processes of creation and perception of instrumental and electroacoustic music. After investigating the theoretical production of twentieth‐century composers who dedicated themselves to conceptualize musical writing – specially Pierre Boulez, Philippe Manoury, Hughes Dufourt and Flo Menezes –, an artistic research was undertaken involving two compositions for acoustic instruments and live electronics. These two compositions, extensively documented in this work, demonstrate how the processes of musical writing are established during the various stages of musical composition

The research tries to understand the way by which the electronic music culture is signified in the urban space of João Pessoa. This comprehension passes through the conformation of a festive setting circuit that, on a certain way reflects assumptions and significances of certain places of the urban space by the young people who affiliate to it. This culture with the youthful character of contemporaneity was gestated in England at the second half of the eighties and, in a short time, assumed an eminent transnational character, arriving to lead in the urban space of João Pessoa city at the end of the 90´s. At some measure, this young cultural practice has as a characteristic to fuse diversion with commercial activity, when it manifests itself at the city´s night leisure sphere through parties, bars and night clubs, and whose dynamics can be observed through social practices that youth, from them, develop in the urban and social environment. It´s appearance at the capital of Paraíba came linked to the electronic music genre and to the different themes that form it, which are very consumed and appreciated by society´s medium and high stratums. This way, this report pretends to emphasize social, cultural and behavioral practices that people build from dancing meetings that youthful culture itself makes in these urban and social contexts. The report was developed using ethnographic procedures, especially because the active observation offered a close and internal look of the investigated phenomenon, at the same time that tries to interlace three lines of reflection: the youthful culture, the social actors and the city. Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES A pesquisa busca compreender o modo como a cultura da música eletrônica é significada no espaço urbano de João Pessoa. Essa compreensão passa pela conformação de um circuitocena festivo, que de certa forma reflete apropriações e significações de determinados lugares do espaço urbano pelos jovens que a ela se afiliam. Esta cultura de cunho juvenil da contemporaneidade foi gestada na Inglaterra na segunda metade dos anos 80 e, em pouco tempo, assumiu eminente caráter transnacional, vindo aportar no espaço urbano da cidade de João Pessoa no final da década de 90. Em alguma medida, esta prática cultural jovem tem como característica conjugar diversão com atividade comercial, quando se manifesta na esfera do lazer noturno da cidade por meio de festas, bares e night clubs, e cuja dinâmica pode ser observada por intermédio das práticas sociais que os jovens a partir dela desenvolvem no meio urbano e social. O seu aparecimento na capital paraibana surge atrelado ao gênero musical eletrônico e às diversas vertentes que o compõem, as quais são muito consumidas e apreciadas pela camada média e alta da sociedade. Desse modo, o estudo pretende destacar práticas sociais, culturais e comportamentais que os sujeitos tecem a partir dos encontros dançantes que a cultura juvenil em referência realiza nesse contexto urbano e social. O estudo desenvolveu-se por meio de procedimentos etnográficos, muito em razão de a observação participante propiciar um olhar de perto e de dentro do fenômeno investigado, ao mesmo tempo em que procura entrelaçar três linhas de reflexão: a cultura juvenil, os atores sociais e a cidade.

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:26:46Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2009-08-18Bitstream added on 2014-06-13T20:34:39Z : No. of bitstreams: 1 mendes_ds_me_ia.pdf: 2189081 bytes, checksum: e5a221ee7c7fac1bd8978c913d023cfd (MD5) Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de São Paulo (FAPESP) A obra de Karlheinz Stockhausen (1928-2007) é contornada por uma série de questões que concernem tanto ao âmbito das especulações próprias do fenômeno musical, quanto àquelas que permeiam este discurso. Dentre estas está a relação entre os procedimentos composicionais seriais, tal como ocorre nas primeiras obras, e outros situados em um âmbito mais alargado de possibilidades, onde os primeiros preceitos são remodelados e estendidos. Sob estas asserções proponho diálogos que versem sobre os vários desdobramentos da organização do discurso musical de sua música eletrônica. Como exemplo utilizo sobretudo Gesang der Jünglinge (1955- 1956) e Hymnen (1966-1967), mas também perfaço algumas incursões em sua obra instrumental e em seus primeiros estudos eletrônicos. Desta forma busco auxílios para uma melhor compreensão dos procedimentos composicionais que percorrem seu labor entre os anos de 1950 e 1966, sob o viés compositivo e auditivo. The work of Karlheinz Stockhausen (1928-2007) is contoured by several approaches that concern the range of the explorations of the very musical phenomena, and some others that permeate the musical discourse. Among them there is the relation between the serial procedures, as in the early works, and the procedures within a wider range of possibilities, where the first concepts are reviewed and extended. On these assertions, I propose a dialog that verse on the several implications on the organization of musical discourse in Stockhausen’s electronic music. I use Gesang der Jünglinge (1955-1956) and Hymnen (1966-1967) as main examples, but all the same I do some incursions in his instrumental works, as so as in his electronic studies. Thus I search for subsidies to a better understanding of the compositional procedures used along 1950 and 1966, through the compositional and aural aspects.

Made available in DSpace on 2015-03-05T18:24:06Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 29 Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior Este estudo cartografa uma qualidade de mistura composta por fissura-fusão entre imagens visuais e sonoras, entre modos de expressão, entre processos de produção audiovisual, entre corpos e acontecimentos, que marcam os parangolés eletrônicos com traços de uma ordem técnica e midiática de produção, os quais desembocam em sua diferença estética de composição. Os parangolés eletrônicos distinguem-se dos demais modos de expressão audiovisual (cinema, televisão e vídeo) pelo modo como articulam som, luz e movimento, marcados pela fissura-fusão, caracterizada no processo de mixagem e no modo de composição bricoleur, entre outros traços. Nesse percurso, os parangolés eletrônicos traçam algumas linhas das metamorfoses tecnológicas e midiáticas que os criam e os tornam midiática e expressivamente mutantes, passando de uma forma festival para um arquivo digital (vídeo Showskills) obtido pela Internet e ganham consistência nesta dissertação. Os parangolés eletrônicos visam apresentar um processo de criação de um concei This study maps a quality of mixture composed by a fissure-fusion among visual and audio images, among ways of expression, among audiovisual production processes, among bodies and occurrences, that trace the electronic parangolés with lines of a technical and media production order, which merge in their aesthetic difference of composure. This electronic parangolés are distinguish from the other ways of audiovisual expression (like film, television and video) by the way they articulate sound, light and movement, qualified by the fissure-fusion, by the process of mixing and by the bricoleur type of production, among other traces. In this course, the electronic parangolés trace a few lines in the technological and media metamorphosis that create them and make them media and expressively mutants, coming from a festival form to another consistence in a digital file (Showskills video) acquired on the internet and in a dissertation. The electronic parangolés aim to show a creation process of a concept that goes thr

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:24:04Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2006-09-15Bitstream added on 2014-06-13T19:07:15Z : No. of bitstreams: 1 lemos_sm_me_bauru.pdf: 766787 bytes, checksum: ccf5175c2fc664ef285a68a7ee9afed7 (MD5) Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) Uma escuta contemplativa dos acontecimentos sonoros do Psychedelic Trance. Agenciadas por Deleuze e Guattari, desde a gênese da música eletrônica, as afecções bergonianas nietzscheanas e espinosanas se desdobram em Psytrance, uma composição afectivo-sonora da mídia eletrônica. A contemplative audition of the sonorous events of the Psychedelic Trance. By the texture of Deleuze and Guatarri meaning, since the eletronic music genesis, the Bergson, Nietzsche and Espinosa affections unfold in Psytrance, an affective-sonorous composition of the eletronic media.

Orientador: Laymert Garcia dos Santos Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas Resumo: Começamos com uma análise das relações entre música eletrônica de pista e xamanismo a partir de um assim chamado discurso nativo e descobrimos que elas se concentram principalmente na produção de uma experiência de transe pela imersão em um ambiente sonoro intenso, repetitivo e técnico. Depois, realizamos uma pesquisa bibliográfica sobre xamanismo indígena e sobre suas relações com a tecnologia moderna, que revelou não apenas a íntima relação entre xamanismo e tecnologia, mas também uma tendência do xamarusmo tradicional a se distribuir tecnologicamente em situações de contato entre índios e brancos. Enfim, propomos uma interpretação da música eletrônica de pista como o som de uma máquina e de seu xamanismo como o uso dessa máquina pelo DI e pelo seu público na produção de estados de transe maquínico. Esboçamos também as linhas gerais de uma metodologia para a verificação dessa proposta em pesquisas futuras. Esta pesquisa se insere num esforço mais amplo de investigar os maquinismos inconscientes que fazem funcionar a máquina capitalista contemporânea Abstract: We began with an analysis of the relations between electronic dance music and shamanism as found in a so called native discourse, and discovered that they concern mainly the experience of trance produced by the immersion in an intense, repetitive and technical sonic environment. Then, we did a bibliographical research about indigenous shamanism and about its relations with modern technology which revealed not only the intimate relations between shamanism and technology but also a tendency of traditional shamanism to beco me technologically distributed in contexts of contact among Indians and Whites. At last, we proposed an interpretation of electronic dance music as the sound of a machine and of its shamanism as the use of this machine by the DI and his audience in the production of machinic trance states. We also sketched the main lines of a methodology for the verification of this proposal in future researches. This research is part of a bigger effort to investigate the unconscious machinisms which make work the contemporary capitalist machine Doutorado Doutor em Ciências Sociais

Orientador: Jose Eduardo Ribeiro de Paiva Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: A música eletrônica de pista apresenta-se, no começo da década de 2000, como um fenômeno portador de novos paradigmas para a música, no que respeita à criação, à difusão e à apreciação. Esta pesquisa examina o surgimento deste fenômeno, no começo da década de 1980, a partir do pensamento de Pierre Schaeffer, que fornece uma metodologia apropriada para tal empreendimento. No primeiro e segundo capítulos, estudam-se o entorno tecnológico da música no século XX, o arsenal de ferramentas fabricadas de forma industrializada e o processo social de incorporação destas tecnologias. No terceiro capítulo, disserta-se sobre os desafios estéticos da música eletrônica e as dinâmicas de trabalho que se desenvolvem. Promulga-se, aqui, a emergência de uma nova experiência musical, a que se denomina ¿discurso da reprodução¿. Por último, aprofunda-se no trabalho do grupo de música pop alemão Kraftwerk, como antecessor e elaborador da música eletrônica, assim como exemplo da incorporação da tecnologia ao trabalho em música realizado no século XX Mestrado Mestre em Multimeios