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Music serves as a narrative guide in the Cuban newsreel Noticiero ICAIC Latinoamericano (1960-1990). For three decades, the programme publicized the left-wing struggles of the Third World, propagating an ideal of solidarity between peoples oppressed by imperialism. This study examines the strategies used to musicalise images within the Cuban cultural project to build an internationalist and mainly Latin American identity for the Cuban audience.

This article aims to question the silence around the memory of the Partido de Independientes de Color (PIC) massacre following the tracks left by the inaudible voices of Oriente in regional popular music. The goal of this article is to observe how this memory acts from the margins and how it metamorphoses and resignifies the event over time.

This article takes a look at the history of the colonial and post-colonial gaze on the kapiwaya, a register of indigenous ritual dances and songs widespread in northwestern Amazonia. It shows that the current patrimonialisation of the kapiwaya and the relative debates are a continuation to the representations and practices promoted by missionaries, soldiers and politicians since the end of the 19th century. Although these ways of giving shape to the songs and dances have in common the occultation of the indigenous point of view on the kapiwaya, they become an arena where the political recognition of indigenous peoples is played out.

Copyright of Direito e Práxis is the property of Editora da Universidade do Estado do Rio de Janeiro (EdUERJ) and its content may not be copied or emailed to multiple sites or posted to a listserv without the copyright holder's express written permission. However, users may print, download, or email articles for individual use. This abstract may be abridged. No warranty is given about the accuracy of the copy. Users should refer to the original published version of the material for the full abstract. (Copyright applies to all Abstracts.)

This article aims to discuss and tension the cultures, the resistances and the countryside education by establishing dialogues from the work of Milton Nascimento. We recognize, in this context, music as a facilitating, tensioning, and negotiating instrument in the educational process, as it allows learning from listening actively and reflectively, developing sensitivity to sounds, melody, and affectivity, as well as the development of the ability to recognize cultural, ontological and social identity movements present in the lyrics of the songs. Thus, we will analyze some lyrics of music from the work of Milton Nascimento, seeking to reflect on the characteristics related to cultures, resistances, and the countryside education, highlighting the pulse of life and the teachings of peasant subjects, of their struggles in Resistance processes, as well as, the context and the rights of the countryside education that bring the issue of living life in all its fullness and beauty. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

This text's theme is music in the nursery curriculum, with curricular practices, in this age group, marked by singularities and subtleties that permeate the different situations in the daily life of educational spaces that serve babies. Thus, this work aimed to understand, from teaching narratives, how music is present in interactions and games through the body and expressiveness in everyday relationships, especially in the various curricular actions that are particularized in the ways of interacting and playing. musically from the expressive body in movement and its language and sound possibilities. In this sense, methodologically, this text is based on narrative research, in which teachers' narratives about curricular practices involve music as a language that enhances integral development. Such aspects contribute to the understanding of the different purposes and meanings of music to meet the varied curricular demands of a nursery class, such as the physiological, psychological, emotional, sentimental and cultural needs that resonate daily through communication and expression of the active body, sound, which produces culture, knowledge and human formation. The results indicate that the curricular practices that involve music in the daily life of the nursery gain new perspectives, which go beyond moments of caring for the body, but also educational moments, based on sung games and the inseparable situations of caring for and educating babies. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

Within the scope of decolonial studies, this paper is dedicated to analyzing "alternative" music produced by Latin American bands associated with a decolonial perspective. This music is critical of the social, cultural, economic, religious, and political structures that challenge human rights, such as the oppression of indigenous peoples, racism, poverty, violence against the poor, and the exclusivist Western religious tradition. To this end, bibliographical research with discourse analysis of musical lyrics and audiovisual pieces from such artistic groups have been combined. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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Unplanned meetings can stem from complex movements across geographies, with serendipity playing a key role. Media artist Budhaditya Chattopadhyay unexpectedly meets researcher Budhaditya Chattopadhyay at a café in Budapest. This is their eighth meeting, following previous encounters in Copenhagen (2017), Den Haag (2021c), Kolkata (2021b), Berlin (2022a), Beirut (2022b), Basel (2023), and Rampurhat (2024). Each interaction has fostered a reflexive exchange of ideas, merging their artistic and theoretical perspectives on sound, listening, migratory experiences, and decolonial activism. Despite the differing lenses they bring, their conversations generate new insights. In the bustling café, surrounded by disengaged students emblematic of the isolation in European universities, the two engage in thoughtful discussions on acoustic ecologies, sonic environments, field recording, and audiovisual media. Their dialogue embodies a spirit of camaraderie, underscoring the value of interdisciplinary exchanges in nurturing knowledge and understanding across artistic and scholarly domains.

Este artigo apresenta o desenvolvimento de uma pesquisa em gravação e reprodução de áudio imersivo multicanal ocorrida de 2016 a 2020 na Universidade Estadual de Campinas (Brasil), que resultou em arranjos circulares de transdutores (microfones e caixas acústicas) espaçados em segmentos iguais. A mesma tecnologia de captação sonora multicanal imersiva já havia sido formulada em 1991 pelo engenheiro de som Michael Williams. Por caminhos distintos, os dois estudos chegaram a um resultado comum. Reconhecendo o mérito do achado a Williams, detalha-se, neste artigo, o percurso da pesquisa brasileira, com comentários complementares que ilustram a potência e a riqueza dos fenômenos envolvidos na solução do problema. Também são apresentados os desdobramentos do produto inicial, notadamente o desenvolvimento de uma ferramenta de simulação acústica e auralização com aplicações em artes, comunicação, bioacústica, ecologia e monitoramento ambiental. Ao final apresentamos composições musicais em áudio espacial destacando as facilidades expressivas dos novos recursos desenvolvidos.

Neste artigo, analisamos a aplicação de recursos miméticos nos processos composicionais das obras Doppelbelichtung (2016) e Zugvögel (2012) da compositora alemã Carola Bauckholt. Essas composições ilustram a associação direta que Bauckholt estabelece entre as características sonoras de instrumentos musicais e os sons a serem imitados, especificamente cantos de pássaros e chamados de aves. Em Doppelbelichtung, a compositora utiliza os registros mais agudos do violino para imitar os cantos dos pássaros, enquanto, em Zugvögel, associa instrumentos de palheta a sons de aves migratórias. Realizamos uma análise descritiva do uso do material sonoro aviário para compreender os procedimentos composicionais utilizados por Bauckholt, bem como suas soluções criativas para o desafio da mimese instrumental.

This article reflects on the study of performative listening with trees in the sonic ecology of forests, based on a practice-based multispecies ethnography conducted in distinct forests of Turkey. By integrating the concepts from sound studies, performance studies, and posthumanist theory, I present performative listening as a method that highlights the significance of embodied, multisensory engagement with the sonic ecology of forests. Drawing on fieldwork insights, I demonstrate how performative listening can serve as a tool with potential for enhancing empathy and understanding of plant agency. This practice advocates a more inclusive approach to multispecies interactions by emphasising the transformative impact of encounters and sound

Este estudo investiga a variação socioterminológica dos nomes de aves do Pantanal cuja etimologia faz referência a uma descrição do som produzido pela ave, seja essa descrição onomatopeica ou de outra natureza. Fundamentado na teoria da motivação linguística e nos princípios da lexicologia e da terminologia, o trabalho analisa uma amostra de um corpus de 82 nomes vernaculares e populares de aves coletados em fontes lexicográficas, ornitológicas e também entrevistas orais com as diferentes comunidades pantaneiras. A metodologia empregada combina pesquisa documental, análise etimológica e consulta a especialistas. Os resultados revelam uma rica variedade de processos linguísticos por trás da criação desses termos, incluindo onomatopeias, descrições de sons, metáforas e empréstimos linguísticos. O estudo contribui para uma melhor compreensão da interface entre linguagem, percepção sonora e nomenclatura ornitológica na região do Pantanal.

The “critical ear” is a concept crossing ideas of “technical listening” and “ear cleaning”. It was first presented as a workshop (Synth Library Prague, July 2024) dedicated to listening in its manifolds and complexities. It discussed our sonic environment and the several contexts in which listening takes place. Based on exercises that train frequency recognition, for example, how can we recognise that content in our mundane soundscape? In that sense, these exercises take a very pragmatic perspective, aiming at identifying frequencies and acoustic phenomena out-in-the-world. These comprise a basic relationship with sound, that of spatial acoustics, but at the same time, it adopts practices of deep listening and sound healing, towards the poetics of listening. The critical ear reflects the author’s practice endeavour: a constant sway between a technical understanding of sound and a socio-political reflection on being a listener.

Este artigo faz a conjectura de um mercado emergente na paisagem comunicacional e aural contemporânea, um Mercado de Ruídos e Sons para o Bem-Estar (MERSBE). Tal mercado seria caracterizado por produtos ruidosos com sonoridades singulares que visam a diferentes formas de bem-estar: de melhoria física e psíquica, como o aprimoramento da memória, da concentração, da qualidade do sono, ao foco em atividades de estudo e trabalho, além de diversas formas de prazer, como os “orgasmos cerebrais”, relatados por consumidores de ASMR. A MERSBE revelaria, ainda, como a cultura contemporânea se abre para novos modos de relacionamento com aquilo que a teoria da comunicação condenou como sua parte espúria: os ruídos. Passando de uma posição provocativa – como era o caso no Manifesto Futurista de Russolo, na Música Concreta e na noise music – e chegando à comoditização em mercado sônico global, os ruídos estão sendo docilizados como experiências terapêuticas.

Em publicação recente, apresentamos um procedimento analítico destinado ao reconhecimento e à evidenciação de relações tonais-funcionais (tanto locais como de larga escala) latentes em obras geralmente tidas como pós-tonais, ou limítrofes de uma tonalidade expandida. Fundado poética e metodologicamente sobre a prática do comentário composicional – noção que tem origem na obra de Luciano Berio e que temos desenvolvido em trabalhos anteriores –, tal procedimento consiste, basicamente, em acrescentar à obra analisada (de resto intacta) uma linha melódica que opere, em cada formação harmônica dissonante, preparações e resoluções que busquem demonstrar como tal formação poderia ter ocorrido ainda no seio de uma tonalidade pré-1908 (i. e., anterior a uma emancipação generalizada da dissonância). Assumindo que, de uma perspectiva tonal-funcional, o repertório de interesse de nossa abordagem seja inerentemente ambíguo e tendo já anteriormente reconhecido que as interpretações ressaltadas por nossas linhas acrescentadas não são nem podem ser unívocas, objetivamos, no presente trabalho, explorar diferentes maneiras como possamos assimilar nos próprios comentários composicionais por nós produzidos – e não apenas em um plano verbal e hipotético – as ambiguidades que reconheçamos ao longo do processo analítico. Para tanto, tomamos aqui por objeto de análise a pequena peça para piano intitulada Masque, Op. 63/1 (1912) de Scriabin, a qual em boa medida se estrutura a partir de um jogo de ambiguidades harmônicas. No comentário que produzimos sobre a obra em questão, integralmente reproduzido ao fim do artigo, nós não apenas evidenciamos relações funcionais locais e de larga escala latentes em Masque, como, cumprindo com nosso objetivo, demonstramos ao menos cinco diferentes maneiras como nosso procedimento analítico pode contemplar e trazer à tona ambiguidades harmônicas das peças sobre as quais nos debruçamos.

Este artigo explora a aparente e paradoxal contradição presente na Klavierstück Op. 33a de Arnold Schoenberg, na qual uma forma musical inerentemente típica do tonalismo clássico — a forma sonata — foi utilizada para organizar uma composição feita em uma linguagem dodecafônica que de certo modo é “alienígena” à tonalidade tradicional. O texto discute em que capacidade as linguagens harmônicas da tonalidade tradicional e do método dodecafônico criado por Schoenberg são estranhas entre si, investigando, por meio do uso da teoria da Angústia da Influência de Harold Bloom (2002), o processo composicional daquela obra enquanto uma ação de desleitura e de apropriação poética do classicismo musical que resulta na escritura musical específica utilizada por Schoenberg. As considerações acerca dos processos de influência propostos por Bloom — nas figuras de suas seis proporções revisionárias, clinamen, tessera, kenosis, askesis, daemonização e apophrades — são tecidas e ilustradas ao longo de uma decupagem em detalhes da estrutura formal e dos procedimentos harmônicos da Klavierstück Op. 33a, análise esta que é realizada com o uso do ferramental da Set-Theory norte-americana aliada às teorias de Edmond Costère (1954) sobre a atratividade polar entre notas, escoliada ainda por meio de seleções de observações teóricas sobre a forma sonata clássica e seus componentes estruturais feitas pelo próprio Schoenberg (1996) em sua atividade pedagógica como teórico musical. O artigo argumenta e procura demonstrar que a elucidação do paradoxo daquela obra esbarra na confirmação da magnitude da importância histórica mantida por Schoenberg e por sua obra musical e teórica, com o desvelamento do lugar único e especial que ele conseguiu circunscrever para si mesmo dentro da história da música por meio de um hábil e engenhoso comando das influências que recebeu de seus predecessores.

O objetivo é refletir sobre o fenômeno das chamadas fórmulas de compasso irracionais, considerando o que são, por que receberam essa denominação, as justificativas para o seu uso e a pertinência dessa terminologia. Para tanto, inicio oferecendo apontamentos históricos para basear a compreensão das convenções estabelecidas para a notação rítmica. A seguir, apresento breve revisão de literatura com o propósito de verificar convergências e divergências entre autores e como estes avaliam a necessidade de os compositores se afastarem das convenções da grafia musical. Por fim, apresento considerações sobre a adequabilidade das nomenclaturas propostas para denominar esse recurso de mensuração e divisão rítmica.

Schoenberg normalmente é associado ao método dodecafônico, à música serial e atonal que revolucionou a música do século XX. Mas, com menos frequência, Schoenberg é visto como um teórico que propôs desenvolvimentos no entendimento da tonalidade tradicional. Um dos conceitos inovadores de Schoenberg é sua concepção acerca de monotonalidade, no qual, regiões tonais são sempre relacionadas a uma tonalidade central. Ademais, ao considerar a escala cromática como material referencial das regiões, Schoenberg abre para uma expansão da tonalidade. Assim, em um contexto tonal, a escala cromática, acordes vagueantes, escala de tons inteiros, acordes quartais, tonalidade suspensa (schwebende Tonalität) e flutuante podem ser utilizados gerando uma tonalidade expandida. Neste texto, apresenta-se uma teorização acerca de monotonalidade e tonalidade expandida e aplicadas em análises de duas canções de Schoenberg, Traumleben Op. 6, n. 1 e Natur Op. 8, n. 1.

No presente trabalho, realizei uma revisão crítica dos conceitos centrais relacionados à minha pesquisa, notadamente os de sistema composicional e planejamento composicional. Enfatizei uma expansão desses conceitos, refinando suas definições para uma aplicação mais musical e intuitiva. Introduzi o paradigma arquetípico como uma categoria ampla na qual se inserem os sistemas composicionais e os modelos ainda não explorados. Destaco dois desses modelos: 1) o proto-rizoma, inspirado no rizoma deleuziano, com uma perspectiva estruturalista; e 2) o sistema composicional desordenado, situado em uma fronteira conceitual, que é examinado por desafiar a essência determinística ou probabilística dos sistemas composicionais plenos. Mantendo o espectro estético aberto, este estudo busca contribuir para a evolução teórica e prática das metodologias que se concentram na aplicação de processos formais à composição, promovendo uma compreensão mais profunda e uma utilização mais fluida desses conceitos pelos compositores e compositoras.

No âmbito da Teoria dos Sistemas Composicionais (Pitombeira 2020), podemos especificar sistemas com diversas estratégias de hibridismo. No presente trabalho, analisamos a possiblidade de quatro tipologias básicas de hibridismo, e suas especializações. O hibridismo decorrente da concatenação de sistemas de tipologias distintas; produziu o primeiro tipo. O uso de modelagens com graus de intertextualidade distintos gerou o segundo tipo (Miccolis 2023). Outra estratégia de especificação de sistemas híbridos surgiu com a possibilidade do encapsulamento de modelos originalmente híbridos, resultando no terceiro tipo. Finalmente, um último tipo de hibridismo pode ser construído pela integração de dados de origens estéticas distintas num sistema original aberto ou em um sistema modelado semiaberto.

Neste trabalho, pretendemos avaliar a recepção, crítica e circulação da obra de Arnold Schoenberg no Brasil ao longo da década de 1930. A partir da análise de comentários publicados em periódicos no Rio de Janeiro, então Capital Federal, verificamos que, ao mesmo tempo em que compositor fora reconhecido como protagonista do modernismo musical, sua obra e técnica musicais mantiveram?se relativamente desconhecidas para o público de concertos.

Neste artigo, o dodecafonismo é revisitado com o objetivo de criar uma perspectiva histórica sobre sua significação, abrangendo desde seu desenvolvimento por Arnold Schoenberg, passando por algumas teorizações e debates suscitados pela técnica, até sua recepção no Brasil no contexto do Movimento Música Viva. Com base em ampla bibliografia sobre o tema, a pesquisa conclui que, em anos recentes, houve uma transformação na compreensão do conceito de dodecafonismo. Essa mudança decorre do aumento quantitativo de análises de obras dodecafônicas, que revelou a diversidade de usos da técnica e imensa variedade de resultados sonoros alcançados por compositoras e compositores ao longo de cerca de 100 anos desde sua criação. Por meio do estudo sobre o dodecafonismo, esta pesquisa também busca divulgar a história dos conceitos musicais como uma abordagem historiográfica que integra teoria e experiência, contribuindo para a compreensão de momentos históricos relevantes e para a relação entre teoria musical e história.

Este trabalho objetiva encontrar encadeamentos relacionados por semitom na peça em epígrafe seguindo o modelo do espaço atonal de encadeamentos. A partir da tese de doutorado de Deborah How identifica-se problemas analíticos ao escandir a série e faz-se uma perquirição das propriedades dos tetracordes e seus tricordes derivados. Escolhe-se trechos selecionados para investigar a presença de encadeamentos por semitom, colhe-se os dados avaliando suas possíveis configurações, faz-se um levantamento de distribuição estatística e conclui-se compilando os dados relevantes em perspectiva.

Este artigo traz uma análise formal e estilística da obra Capricho Polonês (1949) para violino solo da compositora Grazyna Bacewicz (1909–1969). Propõe relacionar parâmetros como forma, recursos temáticos e motívicos, rítmica, articulação e agógica com base nos conceitos de Capriccio e Hauptsatz de Bonds (1991) e nas descrições de funções formais de Mathes (2007). O artigo menciona a busca por uma sonoridade que se assemelhe à do violino popular na Polônia, uma vez que o Capricho Polonês remete a uma dança popular polonesa, o kujawiak. Na conclusão, são destacadas especificidades do estilo composicional de Bacewicz nesta obra.

A atuação musical do frei franciscano, Pedro Sinzig (1876-1952), que aguarda ainda ser investigada em suas mais diversas expressões, se apresenta na correspondência bilíngue a Curt Lange, escrita em alemão e em português, sobretudo em seu aspecto musicológico. A partir do diálogo entre editores de periódicos musicais, nos deparamos com temas caros à música brasileira da primeira metade do século vinte, como a formação de associações e a criação de obras de referência. Nosso método de investigação inclui o estudo da totalidade de cartas e demais manuscritos do Acervo Curt Lange, assim como de documentos e fontes secundárias a eles relacionados. Constatamos a relevância que a formação de redes locais de informações, pessoas e instituições exercem sobre o fazer musical e sua consequente expansão internacional, assim como a importância do trabalho de Sinzig nas interfaces entre fenômenos religiosos e seculares, e em seu consequente impacto social.

Este estudo teve por objetivo investigar como pianistas em nível de pós-graduação compreendem, explicam e produzem diferentes timbres no piano em obras dos séculos XX e XXI. Foram delineados dois estudos. O primeiro contou com a participação de dois pianistas executando um mesmo trecho da obra Vers la flamme, de Scriabin (c. 1-40). Após a análise preliminar dos dados coletados nessa fase, foi levantada a seguinte hipótese: o processo de maturação de uma obra requer tempo e reflexão relativa à prática. Em vista disso, realizaram-se alguns ajustes nos critérios da composição da amostra para a coleta de dados do segundo estudo. Este contou com a participação de três pianistas pós-graduandos executando obras de seus repertórios. Concluiu-se, que a produção de timbres no piano está associada ao resultado combinado entre múltiplos parâmetros de performance, pensamento metafórico, realização de diferentes toques pianísticos e gestos corporais.

Earworms, ou Imaginação Musical Involuntária (Involuntary Musical Imagery, InMI), constituem uma das formas mais difundidas da imaginação musical, designando a experiência mental espontânea com fragmentos musicais geralmente melódicos, familiares ao indivíduo e de maneira repetitiva. A terminologia InMI é imprecisa, pois pode englobar fenômenos diversos como obsessões ou alucinações, enquanto que earworms constituem uma experiência mais específica, cotidiana e não patológica, altamente prevalente, ainda que compreendida de forma incipiente. Este trabalho visa discutir (1) a literatura atual sobre o fenômeno, identificando consensos emergentes e pontos controversos, (2) certas limitações metodológicas, e (3) as interpretações generalistas correntes que associam a experiência a conceitos cognitivos correlatos. A partir de uma revisão narrativa das pesquisas teóricas e empíricas nos campos da cognição musical, psicologia e neurociências, os resultados mostram que tratar o fenômeno como mera rememoração involuntária valida alguns preditores intuitivos, como a exposição musical repetitiva e gatilhos associativos, mas obscurece nuances mnemônicas específicas à cognição musical. O artigo contribui para o entendimento interdisciplinar dos earworms, oferecendo insights sobre sua natureza enquanto uma manifestação cotidiana da musicalidade humana, indicando a existência de alguma especificidade cognitiva musical para a compreensão do fenômeno.

La escucha musical ha sido analizada por sus efectos positivos en la vida individual y social del individuo. Tal escucha está asociada con patrones neurofisiológicos complejos, los cuales se relacionan con estilos cognitivos. Se han desarrollado instrumentos para identificar dichos estilos en estudiantes de educación superior angloparlantes, pero no con hispanohablantes, por lo que en este trabajo se reporta la adaptación al español del Music-Empathizing-Systemizing (ME-MS) Inventory debido a que permite identificar dos estilos cognitivos de la escucha musical. Se trabajó con muestras de estudiantes de educación superior de diversas licenciaturas de una universidad pública Los análisis estadísticos de la segunda y tercera fase del reporte muestran datos adecuados para considerar que la adaptación del instrumento al español resulta apropiada

La obra Lo que nos va dejando de M. Etkin se caracteriza por la restricción de los medios expresivos lo que permite examinar en profundidad los aspectos esenciales de su estructura. En ésta, se manifiestan las preocupaciones estéticas y técnicas centrales del compositor: la repetición mínimamente variada, la configuración modular de los materiales, la centralidad del timbre y las resonancias, todos ellos elementos fundantes de su concepción antiorganicista de la forma musical. Nuestro trabajo agrega el descubrimiento de un fino encadenamiento rítmico de naturaleza lineal que es analizado y descripto a lo largo de toda la pieza. En ese marco general, proponemos que la obra puede entenderse como el resultado de la tensión entre esos dos polos: el típico antiorganicista, por un lado, y el lineal (organicista en última instancia), por el otro.

Estamos de acuerdo en que la creatividad es un fenómeno complejo que permea diferentes aspectos de nuestra vida. Los desarrollos conceptuales actuales sobre la creatividad apoyan la idea de que podemos ser creativos en diferentes campos como la vida cotidiana, el trabajo, la ciencia, la enseñanza y, por supuesto, las artes. La creatividad como proceso complejo implica la generación de ideas diversas y la construcción de objetos y productos novedosos. De estos acuerdos generales sobre los diversos campos donde la creatividad es posible, surge la necesidad de precisiones conceptuales. Intentaremos en el presente escrito arriesgar algunas posibles respuestas o al menos más preguntas sobre las relaciones creatividad, arte y transformación. En el artículo, abordamos modelos que integran diversas manifestaciones de creatividad e intentar conceptualizar este complejo constructo desde perspectivas dinámicas. A partir de las discusiones teóricas, y definiendo la creatividad como herramienta de desarrollo individual y social, intentamos hacer algunos aportes para generar innovaciones en contextos educativos formales y no formales.

O texto apresenta uma investigação que objetivou elaborar uma proposta educativo musical com base no multiculturalismo a partir de uma perspectiva crítica. Propusemos, assente na Abordagem Triangular, a criação de dois e-books para a Educação Musical Coletiva com Instrumentos Musicais, voltados para o ensino de música na educação básica. A elaboração do material tomou como referência os direcionamentos pedagógicos presentes em um projeto de música intitulado ‘Cajuzinhos do Cerrado’ e nas minhas experiências vividas enquanto Educador Musical no Brasil. A pesquisa se justifica na necessidade de investigar a temática em questão, haja vista o reduzido número de pesquisas na área da Educação Musical Multicultural, sobretudo no que concerne as metodologias coletivas de ensino de instrumento, tencionando contribuir para a ação pedagógica de outros educadores. Ante o apresentado, considera-se que a abordagem musical multiculturalista está intrinsicamente relacionada a ação pedagógica do corpo docente e que, portanto, deve valer-se de medidas didáticas que tornem a ação pedagógica efetiva.

La propuesta de Gilles Deleuze para la música de Hacer audibles fuerzas que en sí mismas no lo son encuentra como fuerza privilegiada al tiempo mismo, un tiempo ya definido por Bergson cómo heterogeneidad y que se dispone no sólo para nuestra conciencia, sino también para nuestros sentidos. Es así como, en cuanto la música se despliega para la sensibilidad en el tiempo de la conciencia, la experiencia musical se alza como territorio privilegiado para conocer cómo se produce la configuración del tiempo psicológico. Intentando develar los aspectos de la música que modelan el tiempo de la conciencia se abordará la relación establecida por Heidegger entre tiempo y técnica, dos modos de sacar de lo oculto.

Este artigo tem como objetivo interpretar, sob uma perspectiva histórica, a trajetória da Banda Luiz Gonzaga, fundada em 1991 em uma escola municipal de Teresina, Piauí. Analisamos a criação da banda, sua consolidação e a formação musical de seus integrantes, com base na História Cultural de Burke (2005). Adotamos uma abordagem da História do Tempo Presente segundo Chartier (2006) e Scocuglia (2007), utilizando a História Oral com entrevistas semiestruturadas para coletar dados sobre o grupo. Entrevistamos professores e diretores da banda, cujas histórias foram arquivadas no acervo digital do NEHEMus da Universidade Federal do Piauí (UFPI). Ressaltamos que a formação musical inicia-se com aulas teóricas, seguidas de prática instrumental, promovendo a socialização e até dois alunos. Concluímos que a Banda Luiz Gonzaga desempenha um papel significativo na formação musical e social dos jovens da periferia de Teresina, capital do Nordeste do Brasil, apesar de possuir recursos limitados.

Alfred Brendel holds a prominent place among the great pianists of the 20th and 21st centuries, being recognized not only for his acclaimed performances, but also for his significant contributions as a thinker, poet, and lecturer. This paper aims to share a question-and-answer session between Alfred Brendel and Óscar Caravaca, which took place during his lecture on January 31, 2018 in Mallorca, Spain. The reflections shared here illuminate the continuing tension between the performer's moral responsibility to honor the composer's intentions and the desire for personal artistic expression.

A dimensão espacial de uma obra musical gravada refere-se tanto à interação dos sons com o ambiente onde foram captados quanto à disposição dos elementos gravados no campo sonoro. Com o objetivo de enfatizar a importância da dimensão espacial para a compreensão da produção musical mediada por tecnologias de gravação, este artigo lança luz sobre alguns dos procedimentos técnicos e artísticos utilizados para moldar o campo sonoro, ao mesmo tempo em que propõe uma análise comparativa entre dois exemplos de fonogramas cujos produtores, ao buscarem alternativas para a manipulação da dimensão espacial, romperam com a estética hi-fi, no início dos anos 1950: Good Morning Mr. Echo (1951), de Bill e Belinda Putnam, interpretada por Jane Turzy e Bom dia Mister Eco (1952), versão brasileira da mesma obra, interpretada pelo Trio Madrigal.

Acoustic ecology is a rapidly expanding discipline which can reveal details about ecosystems that are not visually apparent, and field recording has been used in an increasing variety of ways in music compositions, opening the door to collaborative projects that walk the line between science and art. Ecosystem [512] is rooted in acoustic surveys that I carried out over nine months in Iceland’s National Parks. These surveys provided more than 10,000 hours of recordings that are processed, compressed, combined, and analyzed before being used as the fundamental material for a music composition for electronics and clarinet. The piece uses multiple strategies such as algorithmic composition to handle the transition from rough acoustic survey recordings to final music product. The process of composing this piece reveal insights about both acoustic ecology processes and music composition considerations.

O artigo apresenta uma entrevista com o compositor Hans Tutschku sobre os seus processos criativos, precedida por uma análise descritiva dos fundamentos teóricos e técnicos empregados em suas criações recentes. Neste texto são abordadas práticas como gravação de campo, composição instrumental e eletroacústica, além da forma como o compositor utiliza a inteligência artificial para processos de composição assistida por computador. Materiais como partituras e patches foram cedidos pelo compositor para subsidiar as discussões trazidas no artigo, e com isso espera-se contribuir para reflexões no campo da criação musical, principalmente através de uma abordagem estruturada e interdisciplinar relatada pelo entrevistado através da influência advinda de outras artes como dança e teatro no seu trabalho composicional.

A pesquisa aqui exposta busca demonstrar a aplicabilidade de movimentos de murmurações de estorninhos como modelo para a espacialização sonora. A partir de uma transdução a ser adotada em diversos níveis, este estudo propõe a aplicação e desenvolvimento de um modelo no qual se operem controle dinâmico e perspectiva espacial a partir da abstração de murmurações e sistemas dinâmicos. Para tanto é utilizado o software Max/Msp/Jitter para implementar no meio computacional o modelo de Boids para a representação do comportamento de murmurações, que é utilizado para a espacialização sonora.

This article explores the potential contributions of Gibson's Ecological Psychology to artistic creation within the scope of Interactive Sound Installations. It provides a historical overview of the evolution of this form of art, highlighting the growing emphasis on the role of space and body (audience action) in shaping interactive art concepts. The article delves into how ecological acoustics research has integrated interdisciplinary perspectives from sociology, anthropology, and cognitive science to promote a more equitable and fair acoustic environment. Considering that the concept of the body embedded in the world is both central to interactive arts and Cognitive Science, particularly to Gibson's Ecological Psychology, this text presents its main aspects. It then discusses how these aspects can be applied in Interactive Sound Installations. In conclusion, it suggests that applying Ecological Psychology concepts to Interactive Sound Installations can contribute to the goals of recent acoustic ecology in creating a fairer acoustic environment.

O Discorso della Voce (1562), do médico e músico Camillo Maffei, consiste em uma carta dedicada ao seu patrão, Giovanni di Capua, cujo objetivo central era o de discutir a forma de se cantar os passaggi sem um professor de canto. Apesar de ser considerado um documento único pela riqueza de informações sobre a fisiologia da voz e os ideais de estilo da época, há poucos trabalhos que investigaram exclusivamente o Discorso, sendo o presente estudo o primeiro no Brasil. Este artigo, além de apresentar uma tradução de trechos importantes do documento, discute as concepções de Maffei referentes à natureza da voz e à prática do canto do final do Renascimento Italiano. As informações do tratado foram interpretadas a partir das tradições da cortesania e da arte oratória sobre a voz, de outros escritos sobre passaggi do período e dos conceitos clássicos e renascentistas sobre o funcionamento do aparelho vocal.

A Teoria da Dissonância Métrica, desenvolvida desde as últimas décadas do século XX a partir de análises de repertórios ocidentais do século XIX, tem recebido certo número de contribuições recentes. Uma dessas novas propostas trata do aspecto dual de uma dissonância métrica ou, como utilizado neste artigo, da métrica dual – um princípio que aproxima aspectos próprios da consonância e da dissonância métricas. Este trabalho revisita o conceito da métrica dual e busca articulá-lo com a ideia de métrica como processo e com princípios próprios da psicologia cognitiva. Identificam-se três meios possíveis de dualização de uma dissonância métrica: entre a primeira e as demais escutas; entre a primeira e as demais ocorrências; por convenção de estilo. Esta reinterpretação também conta com exemplos analíticos de repertórios dos últimos cento e vinte anos, de tradição popular e erudita, que recortam todo o corpo do texto a seguir.

O presente artigo aborda a importância da Fundação de Educação Artística (FEA) no contexto da música contemporânea erudita de Belo Horizonte. Como estudo de caso, o trabalho examina os quase 500 concertos realizados em seu teatro nos dez anos que antecederam à pandemia de COVID-19. Ao se verificar a quantidade de compositores representados e a diversidade de obras executadas, o estudo destaca a importância de se compreender melhor como o fechamento de seu espaço cultural em 2020, devido à pandemia, afetou a cena musical da cidade.

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The paper discusses the aestheticization of nostalgia in the audiovisuality of lofi hip hop videos on YouTube, based on a exploratory analysis of the aspects present in their sounds, visuals and interactions in the comments field. The method used in the study is the netnography (Amaral et al, 2008; Kozinets, 2014). In the first part of the work, a bibliographical review on the topic of nostalgia is carried out (Ballam-Cross, 2021; Boym, 2001; 2017; Goulart Ribeiro, 2018; Löwy e Sayre, 1993; Niemeyer, 2018; Pickering e Keightley, 2006). Next, a survey, produced on YouTube Data, presents the most popular channels and videos of the genre, and the comments on the most watched video on the platform. The results indicate that the nostalgic imaginary of lofi hip hop is constructed through the purposeful exploration of "technostalgia" (Niemeyer, 2018) by its producers, which involves a lofi ambience and references to elements of pop culture from the 1990s and 2000s, and the comments, in which users share personal stories and memories, evoked by the sounds and images. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

Objective/context: this article analyzes the construction of youth representations through the musical repertoire produced by MTV Brasil in its first year. The objective is to understand the musical segments most explored by the broadcaster during this period, as well as how to articulate their protagonism in the transformation of the "youth music" category, with a singular impact on Brazilian youth culture. MTV was a television channel aimed at young audiences, which started in the United States in 1981 and arrived in Brazil in 1990 through Grupo Abril, a national media conglomerate. The broadcast on Brazilian soil is based on the American format, showing musical videos from artists and specific musical segments, with a strong attraction for consumption in this sector of the population. Methodology: considering music as a social marker, this study analyzes the specific repertoire of musical segments and artists produced by the broadcaster as a means of identification. Therefore, an examination based on the first musical videos by Brazilian artists produced by the broadcaster and broadcast in its first year is proposed. Originality: the level of importance of certain media or media programs in the constitution of the identities of social agents, especially in the development of juvenile identities in the recent past, is only a little analyzed. Conclusions: it can be concluded that MTV operated as a musical authority for young people, acting as a curator of what they should consume to perform their youthful condition, acting as an artificer of youth. The broadcaster was based on its initial repertoire among a group of artists linked to rock music, with a strong influence on the recording industry in the 1990s and a decisive impact on Brazilian youth. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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