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O presente artigo, segmento de pesquisa de Pós-Doutorado amparada pela Capes, pretende uma reflexão em torno de uma correspondência inédita trocada de 1926 a 1928 entre Charles Kiesgen, então secretário-geral da Société Musical Indépendante (SMI) (1910-1935), e a compositora Nadia Boulanger (1887-1979), então membro do comitê de direção dessa importante associação musical francesa. No decorrer de seus 25 anos de existência, a SMI teve como principal atividade a realização de suas temporadas de concertos, responsáveis por revelar nomes referenciais da música do século XX e apresentar em primeira audição um número impressionante de obras. As 26 cartas que integram a correspondência que representa o foco deste estudo fazem parte do acervo privado do Departamento de Música da Bibliothèque nationale de France (BnF) e classificadas “Rés. Vm. Dos 138”. No decorrer desses escritos, é possível entender o modo de funcionamento, a seleção dos compositores, intérpretes, das obras para as temporadas de concertos e as inúmeras dificuldades enfrentadas pela associação em seus últimos anos de existência, parte da história da SMI que permanece ainda desconhecida e que a presente investigação busca compreender.

Carlos Althier de Sousa Lemos Escobar é Guinga, violonista nascido em 10 de junho de 1950 no Rio de Janeiro, que em 2020 completou 70 anos. Compositor e instrumentista, ao longo das décadas de percurso profissional suas músicas ressoaram nas diversas salas de concerto, teatros e palcos do Brasil e do mundo. Sua linguagem composicional, seu estilo interpretativo e suas influências são híbridos e ecléticos, exercitando releituras idiomáticas do choro, do baião, do samba, como também do cool jazz, do impressionismo musical francês, das cantilenas villalobianas ou das politonalidades à la Stravinsky. Desde o seu primeiro disco – em parceria com Aldir Blanc –, Simples e absurdo (1991), a produção discográfica de Guinga reserva um lugar de destaque ao gênero canção e à música instrumental, esta última em formato camerístico – violão e outros instrumentos, como em Cheio de Dedos (1996) – ou solista, como Roendopinho (2014) e Canção da Impermanência (2017). No entanto, a dimensão do seu pensamento político-estético ainda não foi suficientemente explorada nas pesquisas científicas em música quando observamos o corpus atual de teses, dissertações, artigos e eventos acadêmicos. Espera-se que os temas abordados nesta entrevista subsidiem os diálogos universidade-sociedademultiplicando a diversidade epistemológica, em particular aquela referente à construção de uma historiografia crítica – e não apenas a musicológica – do instrumento e à compreensão do assim chamado “violão brasileiro”.

En este texto trato de una posible nueva aproximacion al estudio de la musica contemporanea orientada por la actitud de Helmut Lachenmann que, cuando propone el concepto de musica concreta instrumental, sugiere una conceptuacion derivada de la musica concreta de Pierre Schaeffer, llevandolo inclusive a la elaboracion de los Tipos Sonoros de la Nueva Musica. Ya que los modelos teoricos tradicionales, pensados desde el paradigma de la nota, vienen mostrandose insuficientes para el estudio de una musica en la que la organizacion de notas e intervalos no es, necesariamente, el unico medio de organizacion sonora, intentare dirigirme hacia el analisis de la musica no-electroacustica a partir de conceptos tomados de la investigacion electroacustica. Para esto, propongo la adopcion del modelo de Denis Smalley para estudiar lo que llamare de musica acustica basada en el sonido, idea esta que tambien sera propuesta en este texto.

Este ensaio, de caráter teórico e base bibliográfica interdisciplinar, retoma a discussão sobre o ensino conservatorial, com base em autores que abordaram o assunto. São apresentadas as principais características deste modelo e as críticas a ele traçadas. Analisa-se como, apesar de o modelo já apresentar modificações, ele ainda permanece. Tomando como referencial teórico o sociólogo Pierre Bourdieu, o texto desenvolve o assunto, mostrando que as disputas que ocorrem no campo acadêmico-musical influenciam as questões curriculares e pedagógicas dos cursos de graduação brasileiros. Conclui-se que existe a necessidade de maior discussão entre as diversas especialidades do estudo da Música, a fim de proporcionar uma mudança paradigmática que supere as concepções tradicionais relativas à formação do músico.

A análise musical é frequentemente relegada a um estágio de aprendizagem posterior na sequência do estudo instrumental, quando já estão dominadas a teoria musical e a harmonia. Neste trabalho propomos a aplicação da análise musical desde a infância, respeitando a capacidade cognitiva da criança em cada estágio do seu desenvolvimento. Nosso foco de estudo é a criança do período operatório-concreto (aproximadamente de 7 a 12 anos) e seu potencial de análise musical. Serão examinados elementos presentes no processo de aprendizagem do piano com base na teoria piagetiana e, a seguir, discutidas algumas possibilidades de análise musical pela criança, amparadas pela abordagem cognitiva.

The present paper serves a theoretical as well as a musicological purpose in addressing metrical dissonances in the multifaceted act of Baroque dance music. In identifying the centrality of the minuet in eighteenth-century repertoire as a capital example of the aesthetic style of the time, this article discusses its complex metrical structure in the integrative art of music and dance. By way of established analytical tools designed by contemporary theorists (KREBS, 1999; LERDAHL; JACKENDOFF, 1983; LITTLE; JENNE, 2001) the minuet’s metrical dissonances are systematically analyzed. The complex metrical structure of the minuet is then discussed in light of its practical implications for today’s performance scene. Such a discussion illuminates the need for mutuality between theory and practice in an intentional endeavour to reconcile and, therefore, better understand the historically segregated arts of music and dance in the performance of Baroque repertoire.

O emprego da língua vernácula em cânticos católicos não ocorreu somente a partir do Concílio Vaticano II (1962-1965), conforme faz crer o senso comum. Ao contrário, no Brasil, sabe-se ter sido prática ao menos desde a década de 1860, com a produção de hinários pelos religiosos lazaristas. Neste trabalho, busca-se analisar uma fonte impressa em Portugal em 1800, sem notação musical, que sistematiza diversos cantos em vernáculo. Embora impressa em Portugal, há notícias de sua circulação em território brasileiro na primeira metade do século XIX. A fim de constatar eventuais continuidades dos textos, procede-se à comparação entre Canticos Christaõs e cinco coletâneas posteriores, sobretudo as de circulação no Brasil. Para fins de análise, recorre-se a referenciais acerca das memórias e identidades coletivas. Os resultados apontam para um extenso processo de continuidade no uso dos cantos em vernáculo na liturgia católica, ainda que fora do Ordo Missae.

A performance musical exige um alto nível técnico e artístico que, sem a preparação adequada, pode gerar sintomas de adoecimento. Os sintomas físicos, em geral, são mais discutidos do que os emocionais. Esta pesquisa, de metodologia mista, objetivou investigar as possíveis relações entre autoestima e improvisação musical de um grupo de músicos, antes e após o processo musicoterapêutico. Os critérios de inclusão foram: ter mais de 18 anos de idade; ser aluno da Universidade Federal de Goiás (UFG); cursar Graduação em Música e praticar improvisação em música popular. Os instrumentos utilizados para coleta e análise dos dados foram: a Escala de Autoestima de Rosenberg (EAR) e a Improvisation Assessment Profiles (IAPs), ambas aplicadas antes e após o processo musicoterapêutico. O grupo teve três músicos, que participaram de seis sessões de musicoterapia. A análise deu-se por meio da comparação dos dados iniciais e finais das duas escalas em relação aos relatos dos participantes no final do processo musicoterapêutico. Os resultados evidenciaram que o nível de autoestima pode impactar no perfil de improvisação musical do músico, mas são necessários estudos que aprofundem as investigações acerca da relação entre estes dois elementos analisados. Concluiu-se que a musicoterapia trouxe benefícios aos músicos participantes, impactando na autoestima e no fazer musical dos mesmos.

Throughout history, we find some music styles that can be associated to places that for some reason, like certain cities, confer a symbolic and identity charge to a characteristic sound. Currently, Barcelona is a focus of attraction for many musicians since it has a broad background in international-level production of popular urban music. The objective of this work is to determine whether the popular music of the city of Barcelona has its own sound that can be identified from the music produced in this city. For this purpose, several musical producers working in Barcelona have been interviewed who have analyzed the cultural and musical situation of the city and have pointed out the difficulties and contradictions between the recording industry and cultural policy that both help and hinder the current production of a sound Made in Barcelona.

In recent years, increased demand for music education has promoted discussions related to the efficiency of the music conservatory and its unique characteristics in responding to this demand. The objective of this study focuses on analyzing the management perspectives of those who administrate both municipal and private music conservatories to define the management and organizational styles of these institutions and the differences that may correspond to the type of ownership. We use an interpretive research approach applying a mixed methodology carrying out both qualitative series of semi-structured interviews and a quantitative research questionnaire given to school administrators to establish a set of variables that are the object of analysis. The results revealed that there are significant differences in the management and organization between public and private music conservatories, even though both types of institutions comply to the same legal regulations. Furthermore, both the number of students and the organizational and management styles of music conservatories are highly influenced by the numerous peculiarities of local musical traditions.

O presente artigo trata das discussões acerca de tecnologias de gravação, reprodução e difusão sonoras entre educadoras e educadores de movimentos pedagógicos de renovação escolar. Para tanto, as fontes analisadas consistem principalmente nas revistas pedagógicas Progressive Education (EUA) e La Nouvelle Éducation (França), publicadas por associações homônimas nas décadas de 1920, 1930 e 1940. Dirigir a atenção a estas publicações se justifica pela sua profusão e protagonismo no cenário internacional à época. Defende-se que, assim como outras áreas dos estudos musicais, a educação sofreu impactos significativos e particulares com a popularização dessas novas tecnologias, constituindo um quadro de discussão crítica sobre elas. O estudo sobre os materiais selecionados dá a ver que, em alguns momentos, avanços tecnológicos e modernização pedagógica convergiram de maneira positiva, como nas possibilidades trazidas pelo uso de gravadores. Entretanto, frequentemente as discussões foram pautadas por reservas e resistência, especialmente quando tematizaram novos hábitos de escuta e novas relações de consumo.

O presente estudo busca analisar, discutir e compreender a conformação do trabalho do músico às regras impostas pelo mundo do trabalho e a forma como esta força de trabalho vem sendo apropriada por mecanismos de exploração próprios à atual fase do modo de produção capitalista. Em particular, destacamos o Rio de Janeiro como um estado protagonista no ranking cultural – de acordo com dados estatísticos produzidos pela Firjan –, porém, que reflete uma outra realidade quando investigado a partir do depoimento e da observação do trabalho de músicos neste estado. A partir de grandes transformações no modo de produzir e consumir música, é delegada ao músico a necessidade de “reinventar-se” e “sair da caixa”, o que seria uma premissa para a permanência desse trabalhador no mercado de compra e venda de produtos e serviços musicais. Do nosso ponto de vista, o que ocorre é um acirramento na precarização das relações de trabalho, e, tal qual nos demais setores produtivos, os músicos estão entregues a um mar de incertezas, próprio da atual fase do modo de produção capitalista.

O artigo apresenta a análise da série Acalantos do Folclore Brasileiro, que reúne 17 cantigas de ninar harmonizadas por Aloysio de Alencar Pinto (1911-2007). A análise é metodologicamente orientada pelas propostas do Grupo Resgate da Canção Brasileira (UFMG) e do Grupo Africanias (UFRJ), com a finalidade de contribuir para uma construção da performance musical a partir de decisões interpretativas fundamentadas. O estudo foi aprofundado no diálogo com autores que se dedicaram à investigação da canção de ninar no Brasil e em Portugal, possibilitando compreender essas cantigas como representativas dos (des)encontros culturais que constituíram a diversidade brasileira. As harmonizações de Aloysio, que integram a busca modernista por uma identidade nacional, apresentam características típicas dos acalantos, como a previsibilidade, a pequena duração e a repetição – muito visível no acompanhamento rico em ostinatos; e a presença de sons nasais e palavras com o fonema /u/, fechado, interiorizado e nasal, compondo como que um mantra que pretende induzir ao sono. Tudo isso enriquecido com figuras de terror de origens portuguesa e afro-brasileira, com a mística indígena e revelando traços da escravidão que marcou a história do Brasil. A análise das africanias presentes nas canções possibilita que intérpretes (brasileiros e estrangeiros) compreendam mais profundamente as palavras e suas variações que são portadoras de significados culturais mais amplos. O estudo contribui para a superação da ideia dos acalantos como canções ingênuas, ampliando suas possibilidades interpretativas.

Body movement has played an important role in music education and there appears to be a consensus that it is one of the most effective means to develop rhythmic skills. In this article, we relate and analyze recent findings of neurocognitive research that support formative actions in this direction. Some results show that the link between sensory and motor systems provides a sophisticated mechanism of temporal prediction and feedback, which has led to the belief that body expression influences the way certain rhythmic elements are perceived. Finally, we propose some suggestions for rhythm education in school and cross training perspectives related to the link between music and movement. El movimiento corporal ha tenido un importante rol en la formación musical y parece existir consenso en que este es uno de los medios más eficaces para el desarrollo de habilidades rítmicas. En el presente artículo se analizan y relacionan hallazgos recientes de investigación neurocognitiva que respaldan acciones formativas que apuntan en esta dirección. Algunos resultados muestran que el vínculo entre sistemas sensoriales y motores proporciona un sofisticado mecanismo de predicción temporal y retroalimentación, lo cual ha llevado a pensar que la expresión corporal influye en la forma en que se perciben ciertos elementos rítmicos. Finalmente, se plantean algunas sugerencias para la educación rítmica en la escuela y perspectivas formativas transversales relacionadas con el vínculo entre música y movimiento.

In the narratives of contemporary musicians, the choro tradition is regularly treated as exclusively employing the specific instrumentation of a musical ensemble known as the regionals. We observe in the literature, however, the use of greater diversity of instruments and formations during performances of the genre in its beginnings. To understand the divergence between these two perspectives, we approach choro from the notion of tradition as conceived by Anthony Giddens. Pervaded with the idea of permanence, tradition is also subject to conflicting discourses and practices by its agents who operate within its abstract systems, thereby able to transform the tradition itself. Based on this observation, we stress that such changes, in the case of choro, are subjugated to negotiations that take place in its ritual space: the roda. We argue, finally, that regionals established themselves–by way of diverse ritual negotiations–as part of an invented choro tradition, which, at present, helps to standardize and particularize the heterogeneity of the instrumental groups dedicated to performing the genre at the turn of the nineteenth to twentieth century. The data used to support our direction and conclusions were extracted from the literature, a participant observation in a choro roda located in the city of Belo Horizonte (Brazil), and from interviews with musicians who dedicated to the performance of the choro genre.

This article is a partial result of a doctoral research study. Through applied means, it aims to demonstrate the “tools for a descriptive transcription of the expressiveness in a guitar performance”. This “tool” is being developed for the purpose of systematically describing the expressive resources used by performers in phonographic recordings. Methodologically, a discussion was carried out around the terminology of expressiveness and the idea of descriptive transcription, the latter developed by the ethnomusicologist John Blacking (2007). In addition, we prepared an exposition of expressive resources to be described (time, dynamics, timbre, articulation, vibrato), and presented an applied proposal that demonstrates the use of the “tool” in a recording of Insistência - Ponteio no. 1 written by the composer Orlando Fagnani (1960) and performed by the guitarist Milton Nunes (RECITAL, 1961). In conclusion, we consider that the application of this “Tool” in a wide number of phonograms of different performers and different periods may help to identify recurring performance choices, which, in turn, would point out similarities and differences among the various schools of performance.

Partindo de uma discussão sobre escolas nacionais de música, o artigo examina a criação e o impacto da “escola franco-belga” de violino no Conservatório de Bruxelas, a partir da independência da Bélgica, em 1830. Os ensinamentos da escola franco-belga, por sua vez, tiveram grande ressonância entre os músicos brasileiros até a segunda metade do século XX e podem ser sentidos também na fundação do Instituto Nacional de Música, no Rio de Janeiro, a partir de 1890. Procuramos mostrar que, na fundação de ambas as instituições de ensino, as questões musicais, ao serem examinadas com minúcia, mostram-se intrinsecamente ligadas, e por vezes subordinadas, às disputas que eram travadas no âmbito político. Estas se relacionavam à afirmação nacional de Estados que acabavam de passar por transformações em seus regimes.

This paper describes the formalization and application of a compositional system, called SIMILARE, which articulates microstructure and macrostructure based on similarity relations among pitch-class sets. After a detailed examination of the two references that give theoretical support to the work (compositional systems and similarity), the system was defined and, from it, two works were planned: one for string quartet and other for solo piano. During the research process, Python applications were designed to assist composers in manipulating sets.

A existência da obra XIV Variações sobre o tema de Xangô, de Almeida Prado, em duas versões (uma de 1961, para piano, e outra de 1998, para fagote e piano), e o depoimento do compositor de que cada variação se refere a um gênero do folclore brasileiro criam um cenário complexo de intertextualidade. Primeiramente, o artigo traz uma contextualização da obra nacionalista, obra esta que segue as instruções de Mário de Andrade e Mozart Camargo Guarnieri. Em seguida são abordados conceitos de intertextualidade que importam neste recorte de trabalho, entre outros, a bússola intertextual de Gabriel de Mesquita, e representamos em gráfico as quatro camadas de intertextualidade encontradas nessa obra. Durante a abordagem destas camadas, damos um enfoque na relação da variação IV com sua referência externa, o Ponteio n. 45 de Guarnieri. A análise comparativa dos dois intertextos, tanto nos seus parâmetros superficiais quanto profundos, mostra que eles se relacionam através de modelagem de perfil. A comparação das duas versões, escritas com uma distância de 37 anos, evidencia como a nova versão, mesmo mantendo o piano inalterado, ambienta a obra na fase pós-moderna do compositor. Por último, compilamos as tipologias de intertextualidade dentro da bússola intertextual e propomos uma reformulação da bússola bidimensional e sua ampliação para três dimensões, no intuito de incorporar nesta um novo conceito, a metaintertextualidade, a partir da relação sugerida pelas duas versões das XIV Variações de Almeida Prado.

Hearing rhythm and meter: analyzing metrical consonance and dissonance in commom-practice period music é um livro recentemente escrito e publicado pelo professor e pesquisador norte-americano Matthew Santa. Seguindo alto rigor científico na exposição dos conceitos, esta produção tem um forte propósito didático na explicação de conceitos teóricos sobre ritmo e métrica, centrando o discurso na análise de dissonâncias métricas. Importante para especialistas em teoria e análise musical e fundamental para estudantes de Graduação em Música, Hearing rhythm and meter deve alterar a forma com que o leitor ouve repertórios do período da prática comum. O texto que segue abaixo procura resumir os principais tópicos abordados nesta produção bibliográfica.

In this investigation, I analyze the documents comprising the collection of conductor and composer Chiquinha Gonzaga, now in possession of the Moreira Salles Institute in Rio de Janeiro. This collection was started by the musician herself preserving countless fragments of her life, memories, and personal and professional trajectory. That said, I consider part of this material “representations of the self”, i.e., a potential for autobiographical narrative. Based on the notions of “culture of the self” and “discursive formations” by Foucault (2015), “biographem” by Barthes (1977), and “autobiographical pact” by Lejeune (2014), I employ Discourse Analysis based on the grounds that the information contained in the collection is a system of statements, partial truths, and historically and culturally constituted interpretations, therefore, more than describing and interpreting the material, I am interested in understanding how its contexts – social and symbolic − were conceived, modified and produced. The analysis questioned the mechanisms by which the discourse and narrative on Gonzaga’s life and work have endured over time, as well as the implications of archiving life itself. Moreover, the study reveals that the collection is a privileged source and good alternative for understanding the social universe of women, given the lack of information on female artists – often ignored and undervalued − in Brazilian music historiography.

Este trabalho analisa e relata a colaboração compositor-intérprete para a escrita e para a construção da interpretação de O Caldeirão dos esquecidos, de Danilo Guanais (1965-). O método adotado envolveu o acompanhamento ativo da elaboração da composição e da interpretação, por parte dos pesquisadores-intérpretes, através de reuniões presenciais, trocas de correspondência eletrônica e telefonemas com o compositor. Os dados assim coletados foram cronologicamente registrados em diário eletrônico. Através da análise comparativa entre os esboços da obra e o conteúdo das reuniões, observou-se que a atuação dos pesquisadores-intérpretes impactou significativamente o resultado da composição, levando a alterações que afetaram, sobretudo, o idiomatismo da escrita da obra. Os dados coletados demonstram, ainda, que a colaboração influenciou a construção interpretativa para a estreia da peça por meio do contato direto com o compositor. Concluiu-se que a colaboração compositor-intérprete analisada impactou positivamente tanto a composição quanto a interpretação da obra.

O presente artigo explora a noção de dialogismo musical e a sua relação com o Tempo. Embora cada obra tenha seu contexto específico (sua época, sua cultura), ela não permanece aprisionada à sua contemporaneidade, seus contatos dialógicos se estendem ao passado e ao futuro e, por consequência, podem incidir ativamente sobre ambos. Para refletir sobre isso, este texto toma como eixo os pensamentos do filósofo e estudioso da linguagem Mikhail Bakhtin (que também transitava pela Música) e do compositor Luciano Berio (que tinha uma rica interlocução com os estudos da linguagem). Ao relacionar as propostas de Berio e Bakhtin, verificamos a plausibilidade de se observar o tempo como um todo simultâneo no qual os enunciados musicais podem interagir com o seu passado com a capacidade de modificá-lo e trazer consequências de volta para o futuro.

Este artigo pretende investigar a relação entre composição e improvisação musical no contexto estético da música contemporânea, tendo por base a noção de improvisação não idiomática (improvisação livre). Aborda-se tal relação inicialmente a partir de um panorama histórico da ontologia por trás do conceito de obra musical segundo os escritos de Treitler (1993), delineando-se a predominância de um senso hierárquico entre partitura (escrita por um compositor) e interpretação (desenvolvida por um performer). Ao se apresentar uma conceituação sobre improvisação musical e sua relação histórica de oposição à composição, são expostas ideias de Bailey (1993), Falleiros (2006) e Canonne (2016). Trabalha-se com o conceito de comprovisação, conforme delimitado por autores como Bhagwati (2014) e Aliel (2017). A obra musical de Richard Barrett (2014) surge como exemplo de superação da hierarquia entre composição e improvisação por utilizar-se do conceito de improvisação semeada (seeded improvisation), um recurso criativo que engloba a improvisação livre por parte dos intérpretes no contexto de obras compostas com o uso de elementos notacionais. A partir desta ferramenta composicional, se desenvolveu a comprovisação Hiatos (BACELLAR, 2019). Concluiu-se que nesta obra foi amenizada a distância hierárquica entre compositor e performer através do emprego da improvisação e da escrita notacional, emergindo interações entre diferentes idiomas musicais. Destacam-se os aspectos interculturais como próprios da prática comprovisativa, os quais necessitam do desenvolvimento de ferramentas analíticas apropriadas.

The present research investigates the effectiveness of an instructional protocol of practice strategies for the initial learning stage of a musical piece by three organ students. Seventeen practicing strategies were developed for learning the Prelude in F major (BWV 556) by J. S. Bach. Provided over ten practice sessions, the strategies involved activities before and after contact with the score. Participants were interviewed about the perceived effectiveness of the protocol. The analyses of the verbatim transcribed interviews indicated emerging themes regarding perceived effectiveness of the strategies: acceleration of time for understanding the work, artistic image, technical and self-efficacy aspects for musical practice, and relationship with the final performance. The results suggest that strategies applied at the early stages of organ learning may foster robust strategies in beginning students.

The main objective of this work is to understand how music teachers and students enrolled in the Rural Education Licentiate degree program (LEDUC) at the Federal University of Tocantins (UFT) in Tocantinopolis (Brazil) perceive the music practices learned during teacher training. For this purpose, students answered a questionnaire and teachers were interviewed. The data analysis reflected the expectations of students and teachers, the music repertoire, and the degree in which they identified with the objectives of Rural Education from the construction of a dialogue mainly in line with the thinking of Paulo Freire and Boaventura de Sousa Santos. This work celebrates the role of LEDUC-UFT in proposing a teacher’s training course in Art and Music for the people of rural areas, a unique initiative in Brazil. The results lead to an understanding that the music education practiced in Rural Education requires a methodological approach capable of breaking the paradigm of the abyssal line of traditional European musical knowledge and that there is an ongoing process of construction and reconstruction of the project and its subjects to provide for a libertarian, post-abyssal music program.

The aim of this study is to unveil the baião rhythm by identifying its instrumental and rhythmic characterization as taken from select phonograms of Luiz Gonzaga’s work who was considered the creator of this phonographic genre of Brazilian popular music. For the study, the method comprises: repeated listening to recordings of Gonzaga’s baiões, the use of audio converters and editors to improve listening quality, and the editing of transcript scores to support the analysis and notes concerning rhythmic tissue. The baião rhythm is usually reduced to (and represented by) a cell considered by many authors to be "standard". A close examination of the phonography reveals that Luiz Gonzaga's recordings of baiões, regarding the rhythmic aspect of accompaniment, present a variety of patterns in playing the instruments that make up the music ensembles. The results of the research show that there is not only one “basic pattern”, “basic pulsation” or “standard beat” as referred to in the music literature. Luiz Gonzaga's phonographic baião configures a plurality of patterns played together, generating diverse rhythmic resultants, which from this bias, create a much broader profile of the genre. Seen like this, from the beginning the baião has constituted an environment conducive to the emergence of hybridism and fusion.

Luciano Berio was a fascinating composer that made his mark in music history with a variety of intriguing pieces. Among them is Naturale , a work written with Sicilian folk songs for viola, percussion and recorded voice, which is the focus of this research. To better understand the interpretation and meaning of this composition I had an interview with Maestro Aldo Bennici (1938-), violist born in Palermo-Sicily, and Artistic Director of the famous Summer Festival at the Accademia Musicale Chigiana in Siena, to whom Berio composed the piece in 1985. That conversation not only clarified details never written about Naturale but also revealed Bennici´s great artistic vision and humanity when he puts in perspective an interpreter´s task.

Research on technology-based learning and teaching has demonstrated evidence of its relevant role in music education. However, the application of technology to studio-based instrumental learning and teaching remains a relatively under-researched area. The article draws on findings from a recent exploratory study (HAMOND, 2017) which included fieldwork in Brazil. The aim of this study was to investigate the nature and potential pedagogical use of technology-mediated feedback in a higher education piano studio. Participants were one student-teacher dyad plus the researcher (the first author) with the dyad working on a memorised movement of a classical sonata of the student’s current repertoire. The technology system involved a digital piano connected to a laptop computer running Digital Audio Workstation (DAW) software via Musical Instrument Digital Interface (MIDI) interface, and an additional computer screen. Three data sets were collected: videoed piano lessons (n = 2), semi-structured interviews with participants after each piano lesson (n = 4) and technology-generated MIDI data through the use of DAW software. Qualitative data analysis (QDA) involved a multi-methods approach. Research outcomes demonstrated how new digital technology can improve accessibility to aspects of advanced musical behaviour and learning that are often outside the individual’s conscious awareness. The use of new digital technology can also optimise traditional pedagogical approaches in one-to-one piano studios, since it is likely to make the lesson foci clearer and the learning process more efficient.

O texto apresenta uma resenha do livro Especialização em Educação Musical: reflexões e pesquisas, organizado por Cássia Virgínia Coelho de Souza e publicado em 2018. A obra resenhada reúne oito textos de professores e estudantes do curso de pós-graduação lato sensu em Música. Cada capítulo foi escrito por autores que desenvolveram suas pesquisas no âmbito da pós-graduação em diferentes contextos em que há práticas educativo-musicais em um município localizado na região Sul do Brasil. A resenha não tem o intuito de tecer críticas ao conteúdo apresentado, mas de socializar e dialogar com a obra que se inscreve no campo da educação musical.

Edino Krieger’s Sonâncias is considered one of the most representative works of his production for the violin. This article aims to present stylistic, idiomatic and interpretative characteristics in Edino Krieger's writing for his own instrument based on the analysis of Sonâncias II (1981), for violin and piano. After an introduction, we present a biographical summary of the composer (concentrating on his relationship with the violin) and approach the particularities of his musical language and his production for the instrument. Then, we present concepts and criteria used in the structural, stylistic and idiomatic analysis of the selected piece. We examine how this work manifests particularities of Krieger's third compositional phase and how his style and writing influence the interpretive choices in the process of constructing the performance. Considering the experience of the composer as a violinist, we sought to relate his writing to the idiomatic characteristics of the instrument. In Sonâncias II (1981) the intervals (both melodic and harmonic) are used as a basic structural unit. Its idiomatic nature reveals a deep mastery of the composer in writing for the instrument, despite no longer playing it during this process and having abandoned his career as a violinist early in his adulthood. Through this article that constitutes a first approach to Edino Krieger’s writing for the violin we seek to contribute to a better understanding and diffusion of Brazilian music for the instrument.

O sistema Boehm fornece um padrão estável para construção da flauta transversal, criando um espaço estruturado de ideias concebíveis. Este espaço está relacionado ao incremento tecnológico, metalúrgico e ao desenvolvimento de chaves e sapatilhas na flauta. O sistema incorpora uma “disposição para ação”, ou um “padrão estruturado de restrições”. O surgimento de técnicas estendidas para flauta transversal constitui um caso exemplar para investigação de fenômenos de criatividade transformacional, de sua dependência de artefatos cognitivos (notações e instrumentos) e da transformação produzida em espaços conceituais específicos. Mas a expansão técnica atua com grande variabilidade. Nós examinamos aqui exemplos paradigmáticos do repertório de técnicas estendidas para flauta transversal. Na obra Voice, de Toru Takemitsu (1971), a técnica estendida foi desenvolvida a partir de parâmetros vocais relacionados à fala, enquanto em Das atmende Klarsein (1981), de Luigi Nono, a escrita para flauta é transformada pelo aparato eletrônico. Nestes casos, observamos episódios de criatividade transformacional, que correspondem à criação de espaços conceituais, cuja continuidade se observa no repertório posterior para o instrumento.

This work is a scientific essay based on bibliographic and documentary research that seeks to analyze issues involved in the use of documentary sources in music and educational research of historical character. Starting by questioning the status of absolute reliability often conferred to historical documents, we discuss how even authentic and legitimate sources are exposed to external influences – most notably those related to the political and ideological context of their production, dissemination, and updating. Such influences affect the content of the data contained in those documents, even characterizing them in a way to support and legitimize a given interpretation of events. Based on a series of examples from diverse research studies on topics in the area of music, particularly the experience of Orpheonic singing during the Vargas era, we analyze how narratives are elaborated based on documentary sources, supporting an official discourse that does not contemplate the complexity of historical events and excludes divergent interpretations. The conclusion points to the need for discernment and investigative effort by the researcher to contextualize sources, while always questioning the circumstances under which the work was produced, as well as understanding the logic behind the various interpretations of its content and its role in the construction of historical narratives.

Este artigo apresenta um balanço da produção de trabalhos publicados em periódicos classificados pelo Qualis A1 e A2 da Capes (Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior), no campo da educação musical. O objetivo foi conhecer e analisar estudos que abordam o uso e o conceito de socialização em revistas da referida área, compreendendo o mesmo como processo educativo em múltiplos espaços presentes na contemporaneidade. Este trabalho integra a primeira etapa da pesquisa de pós-doutorado realizada na Faculdade de Educação da Universidade de São Paulo, a partir do interesse por um aprofundamento conceitual das teorias sociológicas dos processos de socialização. Os trabalhos que compuseram o corpus documental desta investigação compreendem vinte artigos publicados entre 2005 e 2017, no período de doze anos, nas três categorias analíticas delineadas, a saber: (1) uso tradicional do termo, (2) uso em compreensão sociológica e (3) ênfase teórica. Observa-se o crescente interesse da área de educação musical em compreender os efeitos das mídias na socialização de crianças e jovens, notadamente a partir de artigos identificados na segunda e terceira categorias. Junta-se às discussões sobre mídias o lugar da família para compreender um espaço privilegiado de formação de gosto e referenciais musicais, que trabalha junto à construção identitária dos indivíduos. Nesse sentido, o espaço educativo da escola não trabalha sozinho, carrega consigo a responsabilidade de abrir-se para novos desafios e demandas da vida cotidiana, considerando experiências e saberes individuais construídos em outros espaços de formação.

O artigo trata sobre a voz do famoso cantor, alaudista e compositor do início do período barroco Francesco Rasi, conhecido por ter personificado o personagem de Orfeu na ópera homônima de Claudio Monteverdi. Uma análise da afinação utilizada pelos músicos naqueles dias e nas localidades onde ele atuou, em conjunto com as obras por ele executadas e compostas, é feita no sentido de esclarecer suas qualidades vocais e sugerir ao fim uma aproximação destas ao sistema de classificação vocal utilizado em nossos dias. Pretende-se construir uma ponte entre a análise documental musicológica e a prática interpretativa historicamente orientada a fim de desmistificar termos cunhados no século XVII e transformados no curso da história da música como o termo “tenor”.

O presente artigo procura discutir a noção atual de técnica estendida ao violão, partindo da ideia de que são a curiosidade e a inventividade do instrumentista que o propulsam a investigar seu instrumento em busca de novos sons, e que se completa por uma nova escrita musical corporificada, com que o compositor integra a seu pensamento estrutural o gesto instrumental. Faz-se um levantamento da evolução da técnica violonística ao longo de sua história e da maneira através da qual os gestos de extensão do som foram progressivamente integrados ao repertório de técnicas consagradas. Reconhecem-se os anos 1970 como originários de uma nova maneira de se combinarem gestos e de se emprestarem técnicas de outras culturas musicais. Por fim, o artigo se atém a estudar quatro modelos fundamentais da expansão sonora e gestual ao violão, embasados nos aspectos do timbre e texturas, da scordatura e microtonalismo, do gesto percussivo e da relação ao ruído, em obras de Brouwer, Ferraz, Kampela e Lachenmann.

The present article investigates the effects of music on babies from zero to two years and the possibilities of their physical, social and affective development. We conducted a bibliographic study based on Delalande, Gordon, Beyer, Ilari, among other authors. We conceptualize baby, music and musicalization within a perspective based on Jean Piaget’s sensorimotor stage of development. We discuss the Theory of Musical Development and musical stimulation. We outline relevant aspects of musical practices and stimuli, their probable causes and effects, emphasizing the influence of music on child development and the vital roles of family and school in this process.

O autismo é uma condição do neurodesenvolvimento infantil que apresenta déficits na comunicação social recíproca e padrões restritivos e repetitivos do comportamento. A educação musical especial e a musicoterapia são duas formas importantes de intervenção para crianças com autismo, o que torna relevante a busca por instrumentos de mensuração capazes de avaliar seu desenvolvimento musical. O principal objetivo deste trabalho é analisar as evidências de validade da Escala de Desenvolvimento Musical de Crianças com Autismo (DEMUCA), por meio de quatro análises de validação: análise semântica, interexaminadores, de consistência interna e de consistência externa. A aplicação cega da escala foi feita por jurados que avaliaram 10 vídeos pré-filmados das primeiras e últimas sessões de musicoterapia de crianças com autismo. A análise semântica mostrou a importância de se esclarecer a conceituação de alguns itens e indicou não haver necessidade de outros itens. A análise interexaminadores indicou ótimas correlações entre todos jurados para todos os vídeos. A análise de consistência interna indicou ótima correlação entre itens e número adequado de itens na escala. Finalmente, a análise de consistência externa mostrou correlações satisfatórias entre a maioria das categorias semelhantes da Escala DEMUCA e da Escala Individualized Music Therapy Assessment Profiles (IMTAP), com indicações para futuros estudos. Conclui-se que os resultados oferecem fortes evidências para uso da Escala DEMUCA no Brasil, para avaliações do desenvolvimento musical de crianças com autismo.

The object of this article is the phonographic genre known as "musica caipira" (Brazilian country music) that emerged in 1929 with the first recordings of the musical group “Turma Caipira Cornelio Pires” produced by Columbia Records. Far from being an exclusive product of the phonographic industry, whose market was expanding thanks to the technical advances introduced by the electric recording, this genre also resulted from intense identity disputes that came to light in the musical theater of Sao Paulo. To support this idea, excerpts of theatrical texts, scores and phonograms from the 1910s to 1930s will be analyzed within the crossroads of Social History, Musicology, and Theater Studies.

Esta pesquisa investigou a potencial relação entre habilidades de memorização na prática violonística em função das habilidades imagéticas. Nove violonistas foram submetidos a testes de memorização com privação de feedback sensorial de três condições experimentais: motora (remoção do feedback sonoro), aural (remoção do feedback motor) e visual (remoção dos feedbacks motor e aural). Condições de controle foram também testadas. Os participantes foram instruídos a imaginarem o feedback ausente. Após dez repetições dos trechos musicais construídos especialmente para os testes, os violonistas tocavam o que memorizaram em condições habituais de performance. O desempenho na memorização dos trechos estudados nas condições motora e visual foi inferior àquele obtido nas condições aural e controle, o que indicou a importância da presença do feedback sonoro durante o estudo de peças novas para o processo de memorização. Relacionando esses desempenhos com as habilidades de imagética aural dos participantes, notou-se que aqueles com maiores habilidades de imagética não foram prejudicados pela ausência dos feedbacks nas tarefas de memorização, mantendo o desempenho em todas as condições testadas. Estes dados sugerem a importância da habilidade de imagética aural e corrobora com a ideia de que os músicos podem se beneficiar dela para o processo de memorização.

This article is part of an effort to understand the state of the art of vocal gestures in Brazilian popular song especially in reference to their relationship to traditional aesthetics. Having auto-ethnographic aims, it situates the researcher-interpreter in relation to research and uses conceptual and analytical tools linked to the realm of semiotics of song, such as identifying the Emotional Qualities of the Voice. Laterally, we use the Actor-Network Theory to understand the configuration of Brazilian popular music through vocal gestures in the here and now of this tradition. Also, as an ancillary tool to song analysis, we use Molina's (2014) procedures to understand the interference of musical moments and sound units as intervening elements in constructing narrative meaning. From the analysis brought to this article we can see how two interpretive gestures (by Caetano Veloso and Filipe Catto) can interfere in the project of making compatible the melody and lyrics of a song i.e., Amor mais que discreto, offering different alternatives to fruition. Concerning the relationship between traditional and contemporary vocal gestures, we identify distinct forms of activation: at times it chooses to recover the past by critical bias, other times by revealing endorsement and praise; sometimes from a parodistic perspective, other times by means of pastiche; at some point it celebrates tradition while at another it questions and reinvents itself.

This article proposes to investigate the process of music production in the recording studio in analogy to complex systems. Given its collaborative nature, the inherent stages of such music production (planning, recording, editing, mixing and mastering) may be understood as a series of subsystems whose interactions produce novelties that are considered here as emergent properties. Therefore, given the different stages of the music production process from a systemic perspective, this article explores the figure of the artist, the roles of the agents involved, and the creativity and interplay between both technical and aesthetic actions within the recording studio. As a result, the analogy of the music production process in terms of complex systems highlighted the difficulty in establishing distinctions between technical and artistic actions within the studio. At the same time, this analogy allowed an approach to creativity, not as something individualized, but as an emergent element of an intricate network of interrelationships inherent to collaborative processes. We conclude that any action within the studio creates a type of chain reaction whose impact cannot premeditate the final outcome of a work. Thus, the unpredictable arises during the process in the form of novelties or emergent properties whose interrelationships and interactions with other elements contribute to the configuration of the musical piece.

Made available in DSpace on 2020-12-10T17:01:59Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2019-09-01 The structural development of what we understand as cadence has a long and complex history associated with an awareness and appreciation of musical elements assimilated by a decodification process that is related to adapted morphology. Thus, the connection between music and text goes beyond its joint praxis: it lends structural elements from its main vehicle (text), engendering a true corpus grammaticae musicae. In general terms, this principle resulted in parameters from both synchronic and diachronic dimensions, i.e., a specific set of intervals with a particular melodic progression. The argument presented in this study aims to exam the musical treatises through the end of the fifteenth century in testimonies that contain evidence that corroborate a probable dichotomy between understanding of cadence as a metaphor of instability and conclusive unity. Univ Estadual Paulista, Sao Paulo, SP, Brazil Univ Estadual Paulista, Sao Paulo, SP, Brazil

This paper aims to demonstrate the functionality of applying principles of Gestalt theory as an analytical tool to the field of music. Attempting to consider the sound object in its entirety, whose structure is composed of the relations between its constituent elements, we intend to provide subsidies that help the performer understand and perform musical material. First, we present a study of the fundamentals of Gestalt and its various approaches from its inception. Then we demonstrate and define the principles that govern performance and its structural organization that are later applied to the sound phenomenon using examples of musical excerpts taken from select pieces. Finally, we present a practical analysis of Nuevo Estudio Sencillo X – Omaggio a Stravinsky composed by the Cuban composer Leo Brouwer (1939) in which Gestalt principles are applied.

Este trabalho trata da trajetória musical do baterista catarinense Lourival Galliani, conhecido como Toicinho. Músico pertencente ao que se poderia chamar de “velha guarda” da música catarinense que tem não só grande importância e influência na cena musical de Santa Catarina, mas também acompanhou artistas e grupos de relevância nacional, como Fafá de Belém, Eduardo Araújo e Som Nosso de Cada Dia. Tem como objetivo principal investigar a trajetória de Toicinho nos seus anos de formação e parte de sua trajetória profissional em Florianópolis e São Paulo. A partir deste recorte temporal, e com o suporte de autores como Paul Berliner e Ingrid Monson, buscou-se observar os processos de aprendizado vividos por ele, e, uma vez que Toicinho teve uma educação pouco formal, investigou-se os possíveis papéis exercidos pelos meios social e musical na formação de seus conhecimentos, habilidades, técnica e concepções sobre bateria e música. Por meio do documentário Sistema de animação, dos cineastas Alan Langdon e Guilherme Ledoux, que retrata um pouco de sua trajetória, e as entrevistas semiestruturadas com o músico, foi possível estabelecer um registro de sua trajetória e dos ambientes musicais em que atuou. Por meio de gravações e vídeos, foi possível transcrever e observar alguns elementos característicos de sua performance. Os dados trazidos neste trabalho ajudam a preservar a memória e o trabalho de um músico catarinense de grande relevância, de uma geração considerada como uma “escola de bateria brasileira” e que aos poucos vai se perdendo.

This paper presents the results of a graduate research project with the objective to understand the process of developing teaching skills of undergraduate performance majors who work as musical instrument teachers. We address, specifically, the results regarding the professor’s knowledge employed during the practice of teaching the undergraduate performance major. We adopted a biographical narrative methodology (BOLIVAR; DOMINGO, 2006) producing narratives of three performance majors that graduated with a bachelor’s degree from UFSM (Federal University of Santa Maria) and are musical instrument teachers. As a theoretical framework, this inquiry was based on studies by Gauthier et al. (2006) and Tardif (2012). With regard to the knowledge employed during the practice of teaching, we observe that the teachers, in some way, employed the knowledge described by the above mentioned authors, among them: knowledge of the pedagogical, disciplinary, curricular, and experiential traditions, of educational sciences and knowledge of pedagogical action; and knowledge specific to musical instrument teachers, such as knowledge of the educational function (ARAUJO, 2006) in reference to the methodology and didactics specifically used for the teaching of instruments. Moreover, this research advances knowledge when we identified a type of knowledge that has not yet been mentioned within the context of the teacher of a musical instrument: knowledge related to technique and musical expression, as well as the physical and emotional preparation for a public performance, which we denominate “performance knowledge”.

O texto apresenta uma resenha do livro Pedagogias brasileiras em educação musical, organizado por Teresa Mateiro e Beatriz Ilari, publicado em 2016. A obra resenhada reúne, ao longo de oito capítulos, pedagogias brasileiras em educação musical de músicos pedagogos que marcaram época no Brasil. Cada capítulo foi escrito por autores diferentes e nesta resenha são apresentados resumidamente, não com o intuito de tecer críticas ao conteúdo trazido pelos autores, mas buscando socializar ainda mais este livro, enquanto material didático para a educação musical brasileira. Finalizando, trazemos breves considerações acerca da obra.

This paper presents the research results of applying an experimental procedure involving piano students with the purpose of obtaining data on the use of a practice planning and organization system called Rodizio [alternation] (PÓVOAS, 2017, 2015). The repertory for Rodízio is previously analyzed and distributed into work units (WU) that are delimited according to the musical and technical material and organized into training sheets (TS). A WU corresponds to a portion of musical content or training session. The procedure consisted of applying rodizío during the preparation of a performance of Canhoto (1943) for solo piano by Radamés Gnattali (1906-1988). Initially, the process was practiced by one of the researchers as a pilot study to guide and support the development of the protocol to be applied to the pianists of the experimental and control subject groups (EG and CG). In this study, audio assessment data of the piano performance conducted by recognized and experienced professionals in the field demonstrated that Rodizio helps the performer improve his/her overall conception of the piece, thereby providing greater clarity and expressiveness during performance when compared to subjects that did not practice with rodizio. This result was possible since the work was distributed into training sessions which helps the pianist pay more attention to the details of each piece, especially the more complex pieces, in function of the priority resource. The data obtained from this experimental and theoretical work can open further investigation into instrumental practice.

This paper presents the results of a research project aimed to investigate the working conditions faced by basic education music teachers and how these conditions can affect their professional fulfilment. The research is based on assumptions regarding teaching as a profession, teaching career attractiveness, and concepts of working conditions for teachers. The research used a survey to collect data through a self-administered questionnaire given to twenty basic education music teachers in schools located in Porto Alegre, Brazil. The results allowed us to construct a profile of the participants, to describe the scope of the teacher’s job and the conditions to carry out this job and to analyse the teacher’s professional fulfilment. The paper concludes by calling attention to the need to strengthen the sense of professional community if we endeavor to increase the attractiveness of a career in basic education music teaching.

This article aims to analyze the procedures of decoding a music score in braille. Accordingly, we analyze the procedures for reading and writing the signs and symbols for notes and rhythm, octaves, intervals and chords, and writing in more than one voice. In addition, we also analyze the opportunities to develop more simplified scores for the early stages of learning. To carry out the research, a survey was conducted of experts in braille music code to verify the strategies used to improve the teaching process of these procedures. The results contribute to the teaching and learning process, as well as the transcription of braille music scores.