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En este trabajo nos detenemos en algunas recreaciones del horror en distintas producciones audiovisuales en las que resignifican los acontecimientos ocurridos durante la última dictadura militar en Argentina (1983-1976). Teniendo como eje la visualidad y los afectos, nos acercamos a los relatos audiovisuales Microrrelatos. Historias breves sobre los juicios de Lesa, que a través de la mediación digital cruzan arte, memoria y comunicación así como en la muestra que exhibe los trabajos realizados. En un segundo momento, nos detenemos los audiovisuales Granada (2005), Búsquedas (2009) y Memorial del espacio (2018) y cerramos con reflexiones sobre el documental de David Blaustein, Fragmentos rebelados (2018). Consideramos que estas obras iluminan zonas poco transitadas por los estudios de casos y le otorgan nueva significación ; tal como afirma Patricia Violi, el lenguaje artístico puede darle al tiempo pasado un nuevo tratamiento en el que no sólo se resignifica la ausencia sino también se evoca a los seres perdidos y se « abre un espacio de contacto entre los vivos y los muertos » (Violi 2021, p. 38). En este trabajo analizamos la apertura a esas zonas intersticiales en los videos y en el documental en las que la mirada del espectador también produce nuevos significados. In this work we stop at some recreations of horror in different audiovisual productions in which the events that occurred during the last military dictatorship in Argentina (1983-1976) are resignified. Taking visuality and affections as the axis, we approach audiovisual stories : Microrrelatos. Historias breves sobre los juicios de Lesa, that cross art, memory and communication through digital mediation, as well as in the sample that exhibits the work done. In a second moment, we stop the audiovisuals Granada (2005), Búsquedas (2009) and Memorial del espacio (2018) and we close with reflections on the documentary by David Blaustein, Fragmentos rebelados (2018). We believe that these works illuminate areas little traveled by the case studies and give them new meaning, as Patricia Violi (2021) affirms, artistic language can give the past time a new treatment in which absence is not only resignified but also evoked. lost beings and «a space of contact between the living and the dead is opened» (Violi 2021, p. 38). In this paper we analyze the opening to those interstitial zones in the videos and in the documentary in which the viewer's gaze also produces new meanings.

Investigación parcialmente financiada por los fondos NextGeneration (Unión Europea) y el Ministerio de Universidades (Gobierno de España). Este artículo muestra los resultados de un estudio exploratorio sobre el diseño y control de las imágenes patrióticas durante los períodos de gobierno de los presidentes Hugo Rafael Chávez Frías (1999-2013) y Nicolás Maduro Moros (2013- actualidad). El objetivo es reconocer, identificar y clasificar los objetos visuales constitutivos del régimen escópico de Venezuela, desgranando el plan iconográfico desarrollado por el Estado para su fundación. Tras el rastreo y la recuperación de 240 fotografías del espacio virtual observamos que los gobiernos chavistas consiguen el reconocimiento de su ideología a partir de una renovada iconografía patriótica en el espacio visual urbano. This paper presents an exploratory study on the design and control of patriotic images in Venezuela during the government of presidents Hugo Rafael Chávez Frías (1999–2013) and Nicolás Maduro Moros (2013 to the present). The aim is to recognize, identify and classify the visual objects that make up Venezuela’s scopic regime, unravelling the iconographic plan the state developed for its implementation. Having searched for and retrieved 240 photographs from the virtual domain, the paper shows that Chavist governments have gained ground for their ideology by way of a renewed patriotic iconography within the urban visual space.

A finales del siglo xix el desarrollo del pensamiento filosófico irrumpió contra la unidad de la verdad y el logocentrismo, e introdujo nuevos objetos descentradores como soporte conceptual de una tendencia del arte contemporáneo que enfrenta los procesos creativos desde una radical heterogeneidad: arte que, a la vez que se niega a ser representado, se produce en esa negativa, haciendo evidente un malestar con lo real. A partir de las curadurías en América Latina y de ejemplos de arte público de los últimos años, quiero hacer visible esta línea crítica que fragua una contaminación entre arte, semiótica y filosofía. At the verge of the 19th century, the development of a philosophical thought burst against the unity of truth and logocentrism, introducing new decentralizing objects that would be the basis of the conceptual source of a contemporary art trend that confronts creative processes at the level of radical heterogeneity: art that refuses to be represented and, in turn, with this denial, makes evident a discomfort with thereal. From a standpoint of curatorships in Latin America and examples of recent public art, I would like to make visible this critical line that forges in a contamination between art, semiotics and philosophy.

ilustraciones, fotografías, graficas Esta investigación se interesa por la interacción entre imagen, territorio y extractivismo en tres obras audiovisuales de arte contemporáneo latinoamericano: Viaje a una tierra otrora contada (2011) de Laura Huertas Millán, Suspensión I (2019) de Adrián Balseca, y El Oriente es un mito. Capítulo 01: Petróleo (2021) de Sofía Acosta. A partir de una aproximación interseccional el trabajo teje un diálogo entre la ecología política, los estudios decoloniales y visuales. Las tres obras permiten ahondar en diferentes formas de la violencia y la colonialidad, así como articular una serie de anotaciones en torno a la elaboración de visualidades del extractivismo desde el arte. Las visualidades del extractivismo se caracterizan, entre otras, por una visión sin suelo, la conversión del otro en recurso, y la hipervisibilización de ciertas imágenes. Estas visualidades encarnan manifestaciones estéticas, materiales y del pensamiento, que afectan cuerpos humanos y no humanos (texto tomado de la fuente) This research focuses on the interaction between image, territory, and extractivism in three Latin American contemporary audiovisual artworks: "Viaje a una tierra otrora contada" (2011) by Laura Huertas Millán, "Suspensión I" (2019) by Adrián Balseca, and "El Oriente es un mito. Capítulo 01: Petróleo" (2021) by Sofía Acosta. Through an intersectional approach, this study establishes a dialogue between political ecology, decolonial and visual studies. The three artworks enable a deeper exploration of various manifestations of violence and coloniality while also providing insights into the construction of visualities of extractivism through art. The visualities of extractivism are characterized, among other things, by a non grounded vision, the transformation of the Other into a resource, and the hyper-visibility of some images. These visualities embody aesthetic, material, and conceptual expressions that impact both human and non-human bodies. Maestría Magíster en Historia y Teoría del Arte, la Arquitectura y la Ciudad Historia, Teoría y Crítica del Arte

ilustraciones, fotografías, gráficas La investigación tiene el objetivo de visibilizar la manera en que el Estado colombiano utilizó la imagen de las mujeres amazónicas como un mecanismo para legitimar su dominación material y simbólica sobre el territorio amazónico durante la Guerra Colombo-peruana, entre 1932 y 1933. Para tal, se seleccionaron fuentes gráficas impresas como El Tiempo, El Gráfico y Cromos, dado que ellas permiten mostrar el discurso visual reproducido en aquel momento desde una perspectiva liberal y de élite que reflejó a concordancia las ideas del Estado Colombiano. La investigación hace una revisión de prensa, de la cual se extracta un corpus de 700 imágenes, se seleccionan las más significativas y se realiza un análisis visual desde una perspectiva interseccional. De esta manera, se da lugar a una narrativa alterna sobre la Guerra que tiene diferencias con el discurso patriarcal, racista, clasista, heteronormado y centralista sobre el cual se ha escrito la historia de este evento bélico. Así, se ponen en evidencia las diferentes instancias de dominación producidas desde la representación y estetización de los cuerpos amazónicos, posicionando una crítica desde la Amazonia y dando lugar a la visibilización de las mujeres indígenas de la región. (Texto tomado de la fuente). The research aims to make visible the way in which the Colombian State used the image of Amazonian women as a mechanism to legitimize its material and symbolic domination over the Amazonian territory during the Colombo-Peruvian War between 1932 and 1933. To such an extent, printed graphic sources such as El Tiempo, El Gráfico and Cromos were selected, because they allow to show the visual discourse reproduced at that time from a liberal and elite perspective that reflected the ideas of the Colombian State. The research makes a review of the press, from which a corpus of 700 images is extracted, where a visual analysis is carried out from an intersectional perspective. In this way, an alternate narrative about the War is created and that differs from the patriarchal, racist, classist, heteronormative and centralist discourse on which the history of this war event has been written. Thus, the different instances of domination produced from the representation and aestheticization of Amazonian bodies are highlighted, positioning a criticism from the Amazon and giving rise to the visibility of indigenous women in the region. Maestría Magíster en Historia y Teoría del Arte, la Arquitectura y la Ciudad Poéticas intertextuales

Amb la finalitat d'abordar un assumpte desatès en la recepció de la novel·la, el present article analitza la centralitat assumida pel sentit de la vista en Soldados de Salamina (2001) de Javier Cercas. Amb base en els Estudis literaris cognitius, la meva intenció és demostrar que la novel·la descriu de manera precisa no sols la facultat de la vista, sinó més significativament determinats processos cognitius associats a ella. D'aquesta manera, la meva hipòtesi és que la visualitat respon a una funció narrativa essencial en la novel·la: recrear l’experiencialitat dels personatges, entesa aquesta com l'evocació quasi mimètica de l'experiència dels fets per part d'un protagonista humà, la qual activa en el lector una sèrie de processos cognitius similars als experimentats en la vida real (Fludernik). Amb tot això, pretenc contribuir en última instància a l'estudi de la interrelació productiva entre el cos, la visió i la textualitat en una obra fonamental de la literatura hispànica recent., In order to address a neglected issue in the reception of the novel, this article analyzes the centrality assumed by the sense of sight in Soldados de Salamina (2001) by Javier Cercas. Based on Cognitive Literary Studies, my intention is to show that the novel not only describes accurately the faculty of sight, but more significantly certain cognitive processes associated with it. In this way, it is my hypothesis that visuality responds to an essential narrative function in the novel: to recreate the experientiality of the characters, understood as the quasi-mimetic evocation of the experience of the events by a human protagonist, which activates in the reader a series of cognitive processes similar to those experienced in real life (Fludernik). Thus, I intend to contribute ultimately to the study of the productive interrelation between the body, vision and textuality in a seminal work of recent Hispanic literature., Con la finalidad de abordar un asunto desatendido en la recepción de la novela, el presente artículo analiza la centralidad asumida por el sentido de la vista en Soldados de Salamina (2001) de Javier Cercas. Con base en los Estudios Literarios Cognitivos, mi intención es demostrar que la novela describe de forma precisa no solo la facultad de la vista, sino más significativamente determinados procesos cognitivos asociados a ella. De esta forma, es mi hipótesis que la visualidad responde a una función narrativa esencial en la novela: recrear la experiencialidad de los personajes, entendida esta como la evocación cuasi mimética de la experiencia de los hechos por parte de un protagonista humano, la cual activa en el lector una serie de procesos cognitivos similares a los experimentados en la vida real (Fludernik). Con todo esto, pretendo contribuir en última instancia al estudio de la interrelación productiva entre el cuerpo, la visión y la textualidad en una obra fundamental de la literatura hispánica reciente.

The article focuses on recent urban transformation in Salta, a Northwestern Argentinean city. These transformations refer to managerial intervention designed to protect, exhibit and embellish historical buildings in order to capture tourists’ attention. Like many other cities Salta has sought to stimulate service industries and consumption activities to become a “competitive” tourist destination. In order to do that, a visual delectation space was created as part of a strategy that aestheticizes local history. The aim of the paper is to analyze the relationship between this renewal process based on heritage and the definition of a tourist consumption space at Salta’s urban centre. It specifically pays attention to visuality and its role in urban design and tourist experiences. Therefore, the paper investigates the definition of symbolic capital for Salta, the actions intended to protect and display local heritage and the ways this historical centre was rearranged as a tourist consumption space in order to create a place to be considered unique., El artículo aborda las transformaciones reciente de la ciudad argentina de Salta (en el noroeste del país). Estas transformaciones refieren fundamentalmente a las intervenciones tendientes a proteger, destacar y embellecer las edificaciones históricas del centro de la ciudad con vistas a atraer turistas. Como acontece en otras ciudades, en Salta también se buscó estimular actividades del sector terciario y prácticas de consumo con el objeto de crear una ciudad “competitiva” desde el punto de vista turístico. Y lo hizo apuntando a hacer de su centro histórico un espacio de deleite visual, es decir, un lugar donde se ponen en juego aspectos estéticos que remiten a su capital simbólico relacionado con la historia local. Específicamente el trabajo apunta a indagar la relación entre el proceso de renovación urbana apoyada fuertemente en el patrimonio edificado y la definición de un espacio de consumo turístico teniendo en cuenta qué papel tiene lo visual en el diseño y en las formas de experimentar este destino. En este sentido, los interrogantes están orientados a conocer acerca de los usos del patrimonio salteño adscripto geográficamente al centro histórico de la ciudad, analizando cómo se buscó incrementar el capital simbólico de la ciudad, en qué forma se diseñó y acondicionó este espacio y cómo se orientó hacia el consumo turístico en pos de crear un lugar único., O artigo aborda as recentes transformações da cidade argentina de Salta (noroeste do país). Estas transformações referem-se principalmente a intervenções que visam proteger, valorizar e embelezar os edifícios históricos do centro da cidade com vista à captação de turistas. Como ocorre em outras cidades, Salta também buscou estimular as atividades do setor terciário e as práticas de consumo, a fim de criar uma cidade “competitiva” do ponto de vista turístico. E o fez com o objetivo de fazer do seu centro histórico um espaço de deleite visual, ou seja, um lugar onde são colocados em jogo aspectos estéticos que remetem ao seu capital simbólico relacionado com a história local. Especificamente, o trabalho pretende investigar a relação entre o processo de renovação urbana fortemente sustentado pelo património edificado e a definição de um espaço de consumo turístico, tendo em conta o papel do visual no design e nas formas de vivenciar este destino. Neste sentido, as questões visam conhecer os usos do património saltaiano geograficamente atribuídos ao centro histórico da cidade, analisando como se pretendeu valorizar a capital simbólica da cidade, de que forma este espaço foi desenhado e condicionado e como foi orientado para o consumo turístico de forma a criar um local único.

[ES] Comenzando desde lo que planteamos como un estudio sino¿ptico del medio fotogra¿fico a partir de la descomposicio¿n en su ¿grado Zero¿, proponemos analizar de que¿ manera el re¿gimen esco¿pico de la sociedad occidental, vinculado con los avances de los artilugios te¿cnicos, han influido en la forma y la direccio¿n que toma la construccio¿n de la mirada. Este trabajo plantea una deriva por diferentes acercamientos a la pra¿ctica fotogra¿fica, contemplando los distintos modos de autorreferencialidad, ana¿lisis y cri¿tica hacia el medio, comparado obras de artistas como Hito Steyerl, Ed Ruscha, Lee Friedlander, Paul Graham, Martha Rosler y Barbara Kruger, entre otros. En relacio¿n con estas pra¿cticas, este proyecto expone un estudio sobre co¿mo afecto¿ la inclusio¿n de la fotografi¿a en el museo de arte moderno al paradigma de la modernidad este¿tica al vincular la fotografi¿a a su condicio¿n documental y analiza desde que¿ posiciones opera la cri¿tica institucional para realizar una reinvencio¿n de dicha condicio¿n., [EN] Starting from what we propose as a synoptic study of the photographic medium from the decomposition in its ¿Zero degree¿ we propose to analyze how the scopic regime of Western society, linked to the advances of technical devices, have influenced the shape and direction taken by the construction of the gaze. This work proposes a drift through different approaches to photographic practice, contemplating the different modes of self- referentiality, analysis and criticism towards the medium, comparing works by artists such as Hito Steyerl, Ed Ruscha, Lee Friedlander, Paul Graham, Martha Rosler and Barbara Kruger, among others. In relation to these practices, this project exposes a study on how the inclusion of photography in the modern art museum affected the paradigm of aesthetic modernity by linking photography to its documentary condition and analyzes from which positions the institutional criticism operates to carry out a reinvention of that condition.

A partir del concepto de dominios escópicos se estudian las visualidades hegemónicas (científica y social) que han intervenido en la construcción de la categoría "enfermedades raras". Para ello se han investigado, entre 1940 y 2015, los tratados médicos -por su papel en la creación del concepto icónico de enfermedad y su transmisión mediante su uso pedagógico- y la prensa diaria, por la difusión social de las imágenes generadas. Entre los siete mil problemas de salud integrantes de la categoría se han seleccionado el Síndrome de Turner y las Enfermedades de Depósito Lisosomal. Metodológicamente se han adaptado las bases del análisis de contenidos con formulación de criterios de inclusión y exclusión a la investigación histórica, creación de corpus, de libro y hojas de códigos, su aplicación y análisis cuantitativo y cualitativo. El Síndrome de Turner se ha hallado en los tratados médicos entre 1952 y 2009, analizando el mecanismo de construcción icónica a través de la selección de mujeres representativas de la entidad, generando así una estereotipación, estigmatización e infantilización con consecuencias en la práctica médica, el entorno social y las propias pacientes. En la prensa diaria se han encontrado imágenes de enfermedades de depósito lisosomal entre 1982 y 2015, con una relevancia mediada por el valor noticiable de la proximidad y dos representaciones principales (la de las madres -como reivindicadoras de los derechos de sus hijos a la asistencia y el tratamiento- y la de los niños afectados como motivadores de campañas solidarias para recaudar fondos para ensayos clínicos de fármacos experimentales) condicionadas por coyunturas históricas como los recortes en las ayudas a la dependencia. Como conclusión, se han identificado dos tipos de visualidades necesarias y coexistentes: la de tipo biomédico, nosológica, que individualiza y fija las características de cada entidad y la de tipo mediático, única que puede construir el concepto de "enfermedad rara" por tratarse de una categoría cuyas características son exclusivamente sociales. Study of hegemonic visualities (scientific and social) that have intervened in the construction of the "rare disease" category is based on the concept of scopic domains. Accordingly, medical treatises published between 1940 and 2015 were examined due to their pedagogic role in creating the iconic concept of disease and its transmission, and the daily press was studied for their role in social diffusion of the images obtained. The Turner Syndrome and Lysosomal Deposit Diseases were selected from around 7,000 health problems listed in this category. Methodologically, the bases of content analysis were adapted to historical investigation, with the formulation of inclusion and exclusion criteria, the creation of corpus, book, and code sheets and their application, and the performance of quantitative and qualitative analyses. The Turner Syndrome featured in medical treatises between 1952 and 2009, analyzing the iconic mechanism of construction by selecting women representative of the entity, thereby generating stereotyping, stigmatization, and infantilization with consequences for medical practice, the social environment, and the patients themselves. A search of the daily press found lysosomal deposit images published between 1982 and 2015, whose prominence was mediated by the newsworthy value of proximity and of two main representations (mothers -as promoting the rights of their children to care and treatment- and the affected children - as motivating solidarity campaigns to raise funds for clinical trials of experimental drugs) and influenced by historical circumstances such as cutbacks in dependency allowances. In conclusion, two types of necessary and coexisting visualities have been identified: a nosological biomedical type, which individualizes and establishes the characteristics of each entity; and the mediatic type, which is the only one able to construct the concept of "rare disease" due to the exclusively social characteristics of this category.

Esta investigación ha sido desarrollada en el marco del Proyecto de Ciberactivismo, Ciudadanía Digital y Nuevos Movimientos Urbanos del Plan Estatal 2013-2016 Excelencia - Proyectos I+D con Referencia: CSO2016-78386-P del Ministerio de Economía y Competitividad (Gobierno de España). En el marco de los estudios visuales se observa un desarrollo de singulares prácticas cuya orientación tecnológica está basada en la innovación de algoritmos de inteligencia artificial. En este contexto, la investigación busca revelar la emergencia de una nueva interpretación de la visualidad, concretamente, mediante el análisis de dos líneas principales (cuya relación se trata de mostrar): por una parte, la visión artificial y su extensión en el universo posinternet de las RRSS y de la web, donde la imagen pierde su significado simbólico y su dimensión estética para valorarse como una información que cambia el estado de un sistema; y, por otro lado, el conocimiento social del mundo virtual a través del uso, la actitud y el comportamiento humano con los algoritmos inteligentes. Mediante la revisión bibliográfica multidisciplinar, como método principal, las conclusiones apuntan a una importante presencia de una visualidad dependiente de las máquinas inteligentes, que aportan un mayor enriquecimiento del estudio tanto de la naturaleza humana como de la realidad social en el entorno virtual. Within the framework of visual studies, we observe a development of singular practices whose technological orientation is based on the innovation of artificial intelligence algorithms. In this context, the research seeks to reveal the emergence of a new interpretation of visuality, specifically, through the analysis of two main lines (whose relationship we try to show): on the one hand, artificial vision and its extension in posinternet universe of social networks and the web, where the image loses its symbolic meaning and its aesthetic dimension to be valued as information that changes the state of a system; and, on the other hand, the social knowledge of the virtual world through the use, attitude and human behavior with intelligent algorithms. Through the multidisciplinary bibliographic review, as the main method, the conclusions point to an important presence of a visuality dependent on intelligent machines, which provide a greater enrichment of the study of both human nature and social reality in the virtual environment. Ministerio de Economía y Competitividad (MINECO) CSO2016-78386-P

Este texto es el resultado de la investigación creación realizada a partir de mi cicatriz, una construcción teórico-dramatúrgica a partir de la experiencia personal de ser un cuerpo escénico habitado por una otredad. Esta investigación se hace a partir de la reconstrucción de un diario intensivo como un ejercicio auto-etnográfico enfocado en la cicatriz como un acontecimiento físico con repercusiones mentales y sociales, permitiendo el encuentro de los lugares a reparar simbólicamente a través de la creación dramatúrgica: la otredad significativa que habita un cuerpo cicatrizado narrada a través de una dramaturgia postraumática, resultado de la triangulación metodológica como apuesta investigativa y creativa que pone en diálogo posturas teóricas, mi experiencia como cuerpo cicatrizado y la escritura dramatúrgica buscando la reparación simbólica. This text is the result of the creation research carried out from my scar, a theoretical-dramaturgical construction based on the personal experience of being a scenic body inhabited by an otherness. This research is made from the reconstruction of an intensive diary as an auto-ethnographic exercise focused on the scar as a physical event with mental and social repercussions, allowing the meeting of the places to be symbolically repaired through dramaturgical creation: the Significant otherness that inhabits a scarred body narrated through a post-traumatic dramaturgy, the result of methodological triangulation as an investigative and creative bet that puts theoretical positions in dialogue, my experience as a scarred body and dramaturgical writing seeking symbolic repair.

Resumen El objetivo de este artículo es analizar un legajo de 1957 generado por la Dirección de Inteligencia de la Policía de la Provincia de Buenos Aires (DIPBA) sobre la Unión de Mujeres de la Argentina (UMA), que contiene fotografías tomadas por los agentes del espionaje, así como fotografías confiscadas e imágenes incorporadas a materiales de prensa. El documento informa acerca de las actividades desarrolladas por militantes de la UMA en barrios marginales del Gran Buenos Aires para la instalación de una sala de primeros auxilios. Desde enfoques interdisciplinarios de Estudios visuales, Teoría feminista y Análisis del discurso, se indagan las implicancias de la presunción de peligrosidad que impulsa la elaboración del archivo por parte de las fuerzas policiales. Abstract The objective of this article is to analyze a file of 1957 generated by the Directorate of Intelligence of the Police of the Province of Buenos Aires (DIPBA) on the Union of Women of Argentina (UMA), which contains photographs taken by agents of espionage as well as confiscated photographs and images incorporated into press materials. The document informs about the activities developed by militants of the UMA in marginal neighborhoods of Greater Buenos Aires for the installation of a first aid room. From interdisciplinary approaches of Visual Studies, Feminist Theory and Discourse Analysis, the implications of the presumption of dangerousness that drives the elaboration of the archive by the police forces are investigated. Resumo O objetivo deste artigo é analisar um arquivo de 1957 gerado pela Diretoria de Inteligência da Polícia da Província de Buenos Aires (DIPBA) sobre a União das Mulheres da Argentina (UMA), que contém fotografias tiradas por agentes de espionagem. , bem como fotografias e imagens confiscadas incorporadas em materiais de imprensa. O documento informa sobre as atividades desenvolvidas por militantes da UMA em bairros marginais da Grande Buenos Aires para a instalação de uma sala de primeiros socorros. A partir de abordagens interdisciplinares de Estudos Visuais, Teoria Feminista e Análise do Discurso, são investigadas as implicações da presunção de periculosidade que impulsiona a elaboração do arquivo pelas forças policiais.

Resumen Introducción. Se ha planteado que el cine documental es un medio que ofrece otras narrativas sobre las distintas problemáticas sociales, más allá de las ofrecidas por los medios de comunicación hegemónicos. Objetivo. Por ello, en este artículo se pretende analizar las formas narrativas de las migraciones irregulares centroamericanas en el cine documental. Para ello, recuperamos dos documentales: ¿Cuál es el camino a casa? (2009), de Rebecca Cammisa, y Casa en tierra ajena (2017), de Ivannia Villalobos y Carlos Sandoval, para identificar y reflexionar qué se dice de la migración, cómo se enuncia y presenta a los migrantes, cómo se relata la experiencia vivida durante el camino y las causas de la migración. Método. Dada la naturaleza de la pesquisa, recuperamos los planteamientos de los estudios visuales y fílmicos, que nos permiten analizar las historias, las escenas, los personajes y diálogos que constituyen el relato fílmico. Resultados. Entre los resultados destaca que el cine documental habilita un espacio emergente para socializar y visibilizar las experiencias de los migrantes en su recorrido hacia los Estados Unidos y su paso por México. Conclusiones. Se concluye que el cine documental se aleja de los discursos y las visualidades mediáticas de los medios de comunicación hegemónicos, para ofrecer otras miradas de la movilidad y potenciar la visibilidad de lo negado, que permiten comprender las causas que motivan la migración centroamericana, que van más allá de la simple aseveración que se da en búsqueda «del sueño americano». Abstract Introduction. It has been argued that documentary film is a medium that offers other narratives on the different social problems, beyond references by the hegemonic media. Objective.For this reason, this article aims to analyze the narrative forms of irregular Central American migrations in documentary film. For this, we recovered two documentaries: What is the way home? (2009), by Rebecca Cammisa, and Casa en tierra ajena (2017), by Ivannia Villalobos and Carlos Sandoval, to identify and reflect on what is said about migration, how it is stated and presented to migrants, how the lived experience is related along the way and the causes of migration. Method. Given the nature of the research, we recover the approaches of visual and film studies, which allow us to analyze the stories, scenes, characters and dialogues that make up the film account. Results. Among the results, it is worth highlighting that documentary film enables an emerging space to socialize and visualize the experiences of migrants on their journey to the United States and their passage through Mexico. Conclusions. It is concluded that documentary film moves away from the discourses and media visions of the hegemonic media, to offer other views of mobility and enhance the visibility of the denied, which allows us to understand the causes that motivate Central American migration, which go further beyond the simple assertion that is given in search of «the american dream».

Este artículo plantea un debate sobre los modos tradicionales que la Historia del Arte ha implementado para el ordenamiento y la lectura de las imágenes. Se analizarán dos curadurías que problematizaron la relación entre historia y producción visual. La primera corresponde a la exhibición «El tiempo del arte. Obras siglos XVI al XXI» en Fundación PROA (2009), organizada con base en tópicos que impregnaron los movimientos artísticos. En segundo lugar, se analizará Verboamérica (2016), inaugurada en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires. En este caso se instauraron ocho ejes a partir de los cuáles se agruparon artistas de la colección del museo. La investigación describe de qué manera estos itinerarios visuales socavaron los límites cronológicos de la tradición occidental., This article poses a debate on traditional ways adopted by Art History for arranging and reading images. We will analyze two curatorial approaches that problematized the relation between history and visual production. The first approach refers to the exhibition «El tiempo del arte. Obras siglos XVI al XXI» (Art time. Works from the 16th century to the 21st century) at Fundación PROA (2009), organized around themes that permeated artistic movements. Secondly, we will examine Verboamérica (2016), opened at the Museo de Arte Latinoamericano (Museum of Latin American Art) in Buenos Aires. In this case, eight themes were established, from which artists of the museum’s permanent collection were grouped together. This research describes how the above visual itineraries undermined the chronological limits of Western tradition., Facultad de Artes

Este artículo plantea un debate sobre los modos tradicionales que la Historia del Arte ha implementado para el ordenamiento y la lectura de las imágenes. Se analizarán dos curadurías que problematizaron la relación entre historia y producción visual. La primera corresponde a la exhibición «El tiempo del arte. Obras siglos XVI al XXI» en Fundación PROA (2009), organizada con base en tópicos que impregnaron los movimientos artísticos. En segundo lugar, se analizará Verboamérica (2016), inaugurada en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires. En este caso se instauraron ocho ejes a partir de los cuáles se agruparon artistas de la colección del museo. La investigación describe de qué manera estos itinerarios visuales socavaron los límites cronológicos de la tradición occidental. This article poses a debate on traditional ways adopted by Art History for arranging and reading images. We will analyze two curatorial approaches that problematized the relation between history and visual production. The first approach refers to the exhibition «El tiempo del arte. Obras siglos XVI al XXI» (Art time. Works from the 16th century to the 21st century) at Fundación PROA (2009), organized around themes that permeated artistic movements. Secondly, we will examine Verboamérica (2016), opened at the Museo de Arte Latinoamericano (Museum of Latin American Art) in Buenos Aires. In this case, eight themes were established, from which artists of the museum’s permanent collection were grouped together. This research describes how the above visual itineraries undermined the chronological limits of Western tradition. Facultad de Artes

Resumen Este artículo presenta una perspectiva epistemológica del diseño gráfico a partir de una concepción ampliada del concepto de visualidad. En lugar de considerar la visión como un hecho cognitivo y la visualidad como la condición de visibilidad de los artefactos, fenómenos que han significado en la disciplina la omisión del cuerpo y el interés por el objeto, el texto propone entender, desde los planteamientos teóricos de los estudios de cultura visual, la hermenéutica y la fenomenología, el acto de ver como un hecho cruzado por todos los sentidos, con una intencionalidad y un carácter construido, que dependen del cuerpo y la alteridad, mas no de la objetividad. Al revelar al diseño gráfico como una experiencia más allá de la visual-óptica, se vivifica al cuerpo como la génesis de la experiencia creativa y de la semiosis de los artefactos diseñados, se traslada el énfasis del artefacto visual a la relación de interdependencia entre el sujeto y lo visto y se afianza la práctica en el campo como un ejercicio hermenéutico, aspectos que, a posteriori, buscan interrogar los modos de hacer, enseñar y analizar la disciplina. Abstract This article introduces an epistemological perspective of graphic design based on a broader conception of the concept of visuality. Instead of treating vision as a cognitive fact and visuality as the condition of visibility of artifacts, phenomena that have brought to the discipline the omission of the body and the interest in the object, the current text proposes to understand, on the basis of the theoretical approaches of the visual culture studies, hermeneutics and phenomenology, the act of seeing as a fact traversed by all senses, accompanied by an intentionality and a constructed nature, which depends on the body and the otherness but not on objectivity. By revealing graphic design as an experience beyond visual-optics, the body is vivified as the genesis of the creative experience as well as the semiosis of the designed artifacts, the emphasis of the visual artifact is transferred to the interdependent relationship between the subject and what is seen, and the practice in the field is consolidated as an hermeneutic exercise, aspects that a posteriori seek to interrogate the ways of doing, teaching and analyzing the discipline. Résumé Cet article présente une perspective épistémologique du dessin graphique à partir d'une conception élargie du terme visualité. Au lieu de considérer le concept d'un point de vue cognitif et la visualité comme la condition de visibilité des artefacts, des phénomènes qui ont signifié dans la discipline du corps et de l'intérêt pour l'objet, le présent texte propose de comprendre, depuis les approches théoriques des études de culture visuelle, l'herméneutique et la phénoménologie, l'act de voir comme un fait croisé, à travers tous les sens, avec une intention et un caractère construit, qui dépend du corps et de l'altérité, pas de l'objectivité. En révélant le dessin graphique au-delà des expériences visuelles-optiques, on vivifie le corps comme la genèse de l'expérience créative et la sémiose des artefacts conçus. On déplace l'accent sur l'artefact visuel à la relation d'interdépendance entre le sujet et l'objet, et on se consolide sur la pratique du champ comme un exercice herméneutique. Ces sont des aspects qu'à posteriori, cherchent à se questionner sur les façons de faire, enseigner et analyser la discipline. Resumo Este artigo apresenta uma perspectiva epistemológica do design gráfico baseada numa concepção expandida do conceito de visualidade. Em vez de considerar a visão como um fato cognitivo e a visualidade como a condição de visibilidade dos objetos, fenómenos que na disciplina ter significado a omissão do corpo, assim como, do interesse pelo objeto, o presente texto procura compreender, desde as abordagens teóricas dos estudos da cultura visual, a hermenêutica e a fenomenologia, o ato de ver como um fato envolto por todos os sentidos, com uma intencionalidade e caráter construído, que depende do corpo e da alteridade, embora não da objetividade. Ao revelar o design gráfico como uma experiência fora da visual-óptica, reforça-se o corpo como a gênese da experiência criativa, além da semiose dos artefa-tos projetados, transfere-se a ênfase dos objetos à relação de interdependência entre o sujeito e o visto e fortalecendo a prática no campo como um exercício hermenêutico, aspectos que a posteriori buscam interrogar os modos de fazer, ensinar e analisar a disciplina.

Introduction It has been argued that documentary film is a medium that offers other narratives on the different social problems, beyond references by the hegemonic media. Objective For this reason, this article aims to analyze the narrative forms of irregular Central American migrations in documentary film. For this, we recovered two documentaries: What is the way home? (2009), by Rebecca Cammisa, and Casa en tierra ajena (2017), by Ivannia Villalobos and Carlos Sandoval, to identify and reflect on what is said about migration, how it is stated and presented to migrants, how the lived experience is related along the way and the causes of migration. Method Given the nature of the research, we recover the approaches of visual and film studies, which allow us to analyze the stories, scenes, characters and dialogues that make up the film account. Results Among the results, it is worth highlighting that documentary film enables an emerging space to socialize and visualize the experiences of migrants on their journey to the United States and their passage through Mexico. Conclusions It is concluded that documentary film moves away from the discourses and media visions of the hegemonic media, to offer other views of mobility and enhance the visibility of the denied, which allows us to understand the causes that motivate Central American migration, which go further beyond the simple assertion that is given in search of «the american dream». Introducción Se ha planteado que el cine documental es un medio que ofrece otras narrativas sobre las distintas problemáticas sociales, más allá de las ofrecidas por los medios de comunicación hegemónicos. Objetivo Por ello, en este artículo se pretende analizar las formas narrativas de las migraciones irregulares centroamericanas en el cine documental. Para ello, recuperamos dos documentales: ¿Cuál es el camino a casa? (2009), de Rebecca Cammisa, y Casa en tierra ajena (2017), de Ivannia Villalobos y Carlos Sandoval, para identificar y reflexionar qué se dice de la migración, cómo se enuncia y presenta a los migrantes, cómo se relata la experiencia vivida durante el camino y las causas de la migración. Método Dada la naturaleza de la pesquisa, recuperamos los planteamientos de los estudios visuales y fílmicos, que nos permiten analizar las historias, las escenas, los personajes y diálogos que constituyen el relato fílmico. Resultados Entre los resultados destaca que el cine documental habilita un espacio emergente para socializar y visibilizar las experiencias de los migrantes en su recorrido hacia los Estados Unidos y su paso por México. Conclusiones Se concluye que el cine documental se aleja de los discursos y las visualidades mediáticas de los medios de comunicación hegemónicos, para ofrecer otras miradas de la movilidad y potenciar la visibilidad de lo negado, que permiten comprender las causas que motivan la migración centroamericana, que van más allá de la simple aseveración que se da en búsqueda «del sueño americano».

This study discusses both the concept of the Real Marvellous, elaborated by Cuban writer Alejo Carpentier, and its revolutionary potential from an unprecedented approach: a cultural analysis focused on the role played by vision and visuality in Carpentier's interdisciplinary thought before 1950. I analyse the perceptual model built to support his concept, its relationship with the observer's positioning, the inevitable mythical and historical-geographical projection that resulted from assuming such positioning as gaze and as epistemology, and its links with the interwars modernist preaching.

La comunicación audiovisual comunitaria es un fenómeno social en el que grupos históricamente oprimidos se reúnen para discutir, producir, fortalecer e identificar significados visuales comunes, puesto que no son visibilizados en los grandes medios de comunicación o se muestran desde perspectivas que no les identifican y que muchas veces reproducen las violencias que han vivido. Este tipo de prácticas promueven la cohesión social de las comunidades en un esfuerzo por defender el derecho a la comunicación y el derecho a ver y a ser vistos. Dicho esto, se parte de la idea de que el audiovisual comunitario potencia prácticas en torno a la pregunta por cómo vemos el mundo y cómo organizamos nuestra experiencia social desde y a través de las imágenes. A partir de lo anterior, esta investigación busca comprender cómo se configuran procesos de formación de la mirada y de cultura política en sujetos que han agenciado propuestas de comunicación audiovisual comunitaria. Para ello se recurre a la perspectiva teórica de los estudios visuales desde un enfoque metodológico biográfico-narrativo, por lo que para cumplir el objetivo de la investigación se reconstruyen las historias de vida de Lita, Pacheco, Lucha y Yesica, cuatro personas que han dedicado parte de su trayectoria existencial a participar de procesos de comunicación con diferentes comunidades en Colombia. El recorrido analítico del trabajo muestra que estas prácticas audiovisuales transforman la experiencia de los sujetos, fundamentalmente en aspectos concernientes a sus vínculos con las tecnologías visuales, a los modos de reconocimiento de sí y de los otros, a las formas en que significan el mundo social desde la visualidad y cómo crean y visualizan las imágenes. Universidad Pedagógica Nacional Magister en Educación Maestría Community audiovisual communication is a social phenomenon in which historically oppressed groups meet to discuss, produce, strengthen and identify common visual meanings, since they are not made visible in the mainstream media or are shown from perspectives that do not identify them and that often reproduce the violence they have experienced. These types of practices promote the social cohesion of communities in an effort to defend the right to communicate and the right to see and be seen. Having said this, the idea is that community audiovisuals promote practices around the question of how we see the world and how we organize our social experience from and through images. Based on the above, this research seeks to understand how processes of formation of the gaze and political culture are configured in subjects that have developed proposals for community audiovisual communication. To do this, we use the theoretical perspective of visual studies from a biographical-narrative methodological approach. To fulfill the objective of the research, we reconstruct the life stories of Lita, Pacheco, Lucha and Yesica, four people who have dedicated part of their existential trajectory to participating in communication processes with different communities in Colombia. The analytical journey of the work shows that these audiovisual practices transform the experience of the subjects, fundamentally in aspects concerning their links with visual technologies, the ways of recognizing themselves and others, the ways in which they signify the social world from the visuality and how they create and visualize images.

RESUMEN Este artículo plantea la conjetura de un lugar común en las miradas subversivas del arte político en territorios de Latinoamérica afectados por el conflicto social. Esta visión propia del arte contemporáneo latinoamericano se construye a partir de la correspondencia entre el arte, la política y las relaciones sociales de poder. El resultado es una propuesta abierta orientada a la concepción de una estética de la subversión, que el texto discute a partir de la creación artística producida alrededor de la denuncia social y el compromiso político. No es un estudio diacrónico de la historia del arte, sino una reflexión teórica sobre el arte que encuentra su inspiración en las convulsiones políticas de las opresiones sufridas en Latinoamérica. En conclusión, el texto aporta, desde la perspectiva interdisciplinar de los estudios culturales, la fundación de una cultura visual basada en la estetización de la insubordinación, la movilización política desde el arte y la visualización artística del conflicto humano. ABSTRACT This article proposes that a common thread unites the subversive gaze of political art in Latin-American territories affected by social conflict. This vision of contemporary Latin-American art is based on the correspondence between art, politics and social relations of power. This study offers an open proposal oriented toward an aesthetics of subversion, which is based on a discussion of artistic creation emerging from social denunciation and political commitment. Rather than a diachronic study of art history, this project aims at a theoretical reflection on art that finds its inspiration in the political convulsions arising from the oppression suffered in Latin America. In conclusion, this study provides, from the interdisciplinary perspective of cultural studies, a foundation for a visual culture based on the aestheticization of insubordination, artistically inspired political mobilization, and the artistic visualization of human conflict.

Throughout Western history, the body has been treated and conceived through different nuances, both ideological and religious, with political, moral and scientific arguments. Art, especially, has explored its representation from prehistory to the present day evidencing a need in the creation of images that mean it. This approach has been made by the media, through advertising for example, as well as the cinema. In the different treatments, elements such as the conception of beauty, power, identity, cult, life and death, etc. have been used. The present proposal consists of a dissertation about the body and the treatment of the representative images that make up the contemporary visual and ideological culture, having as a constructive axis the film “Las hijas del fuego” (2018), by Albertina Carri, which introduces us to a universe of diverse and imperfect bodies that do not reflect the historical-sexual hegemony of the corporeal, thus allowing a debate about the current treatment of the body, the norm, the destruction and selfconstruction of the body and its representation., A lo largo de la historia occidental el cuerpo ha sido tratado y concebido a través de diferentes matices tanto ideológicos como religiosos, con argumentos políticos, morales y científicos. El arte, especialmente, ha explorado la representación de éste desde la prehistoria hasta la actualidad evidenciando una necesidad en la creación de imágenes que lo signifique. Este abordaje lo han realizado los medios de comunicación, a través de la publicidad por ejemplo, así como también el cine. En los diferentes tratamientos se han utilizado elementos tales como la concepción de belleza, poder, identidad, culto, vida ymuerte, etcétera. La presente propuesta consiste en una disertación acerca del cuerpo y el tratamiento de las imágenes representativas que integran la cultura visual e ideológica contemporánea teniendo como eje constructor la película “Las hijas del fuego” (2018), de Albertina Carri, que nos adentra a un universo de cuerpos diversos e imperfectos que no reflejan la hegemonía histórica-sexual de lo corporal, permitiendo así un debate acerca del tratamiento actual del cuerpo, la norma, la destrucción y la autoconstrucción del mismo y su representación., Tout au long de l'histoire occidentale, le corps a été traité et conçu à travers différentes nuances idéologiques et religieuses, avec des arguments politiques, moraux et scientifiques. L'art, en particulier, a exploré la représentation du corps de la préhistoire à nos jours, démontrant un besoin de créer des images qui le signifient. Cette approche a été réalisée par les médias, à travers la publicité par exemple, ainsi que par le cinéma. Dans les différents traitements, des éléments tels que la conception de la beauté, le pouvoir, l'identité, le culte, la vie et la mort, etc. ont été utilisés. La présente proposition consiste en une dissertation sur le corps et le traitement des images représentatives qui composent la culture visuelle et idéologique contemporaine, avec pour axe le film "Las hijas del fuego" (2018), d'Albertina Carri, qui nous emmène dans un univers de corps divers et imparfaits qui ne reflètent pas l'hégémonie historico-sexuelle du corps, permettant ainsi un débat sur le traitement actuel du corps, la norme, la destruction et l'auto-construction du corps et de sa représentation., Ao longo da história ocidental, o corpo tem sido tratado e concebido através de diferentes nuances ideológicas e religiosas, com argumentos políticos, morais e científicos. A arte, em particular, tem explorado a representação do corpo desde a pré-história até aos dias de hoje, demonstrando a necessidade de criar imagens que o signifiquem. Esta abordagem tem sido levada a cabo pelos meios de comunicação social, por exemplo, através da publicidade, bem como pelo cinema. Nos diferentes tratamentos, elementos como a concepção de beleza, poder, identidade, culto, vida e morte, etc., têm sido utilizados.morte, e assim por diante. A presente proposta consiste numa dissertação sobre o corpo e o tratamento das imagens representativas que compõem a cultura visual e ideológica contemporânea, tendo como eixo o filme "Las hijas del fuego" (2018), de Albertina Carri, que nos leva a um universo de corpos diversos e imperfeitos que não reflectem a hegemonia histórico-sexual do corpo, permitindo assim um debate sobre o tratamento actual do corpo, a norma, a destruição e auto-construção do corpo e a sua representação.

El contexto actual, caracterizado por la naturaleza líquida de la cultura-red, puede categorizarse como caleidoscópico. Este artículo presenta cómo la estructura de la imagen caleidoscópica fue esencial en la época pre-internet, con el software conectivo de la artista Agnes Denes. Sus ideas, relacionadas con la visualización de lo invisible, recuerdan en cierto modo a procedimientos actuales como el Event Horizon Telescope para la visualización de agujeros negros, donde el flujo de imágenes es protagonista. The current context, characterized by the liquid nature of network-culture, can be categorized as kaleidoscopic. This article presents how the kaleidoscopic image structure was essential in the pre-internet era, with the connective software of the artist Agnes Denes. Her ideas, related to the visualization of the invisible, are somewhat reminiscent of current procedures such as the Event Horizon Telescope for visualizing black holes, where the flow of images is the protagonist., {"references":["Alazraki, J. (1994) Hacia Cortázar: aproximaciones a su obra. Anthropos.","Bauman, Z. (2002) Modernidad líquida. Fondo de Cultura Económica.","Borges, J. L. (1984) El Aleph. Alianza.","Bouman, K. (2016) How to take a picture of a black hole. Ted talks. Recuperado el 5 de mayo de 2019 https://www.ted.com/talks/katie_bouman_what_does_a_black_hole_look_like?utm_campaign=tedspread&utm_medium=referral&utm_source=tedcomshare","Bourriaud, N. (2009) Radicante. Adriana Hidalgo.","Cirlot, V. (2009) Hildegard von Bingen y la tradición visionaria de Occidente. Herder.","Deleuze, G. (1987) La imagen-tiempo: Estudios sobre cine 2. Paidós.","_________ (1983) La imagen-movimiento. Estudios sobre cine 1. Paidós.","Denes, A. (2015) The Living Pyramid (Ebook). New York: Socrates Publishing. Recuperado el 5 de mayo de 2019 de https://issuu.com/socratessculpturepark/docs/issuu-ad-catalog-08-10-2015","Denes, A. (1970) Triangulate your thoughts. En The Jewish Museum, Software. Information technology: its new meaning for art (pp. 26-27). New York: The Jewish Theological Seminary of America Library Congress.","Denes, A. & Homer, N. (2014) Agnes Denes: interview. A Visionary Artist [Entrevista]. Studio International. Recuperado el 5 de mayo de 2019 de https://www.studiointernational.com/index.php/agnes-denes-interview-a-visionary-artist","Doeleman, S. (2019) Focus on the First Event Horizon Telescope Results (Focus Issue). The Astrophysical Journal Letters, 875. Recuperado el 5 de mayo de 2019 de https://iopscience.iop.org/journal/2041-8205/page/Focus_on_EHT","Duchamp, M. (2012) Escritos. Galaxia Gutenberg.","Event Horizon Telescope (2019). Key Science Objectives. Imaging a Black Hole. Recuperado el 5 de mayo de 2019 de https://eventhorizontelescope.org/science","Fontcuberta, J. (2013) Joan Fontcuberta (Entrevista de B. Espejo). El cultural. Recuperado el 5 de mayo de 2019 de https://www.elcultural.com/noticias/buenos-dias/Joan-Fontcuberta/4416","___________ (2011) Por un manifiesto postfotográfico. La vanguardia. Recuperado el 5 de mayo de 2019 de https://www.lavanguardia.com/cultura/20110511/54152218372/por-un-manifiesto-posfotografico.html","Foster, H. (1985) La posmodernidad. Kairós","Heidegger, M. (1971) Poetry, Language, Thought. Harper Colophon.","Lippard, L. R. (2004) Seis años: la desmaterialización del objeto artístico de 1966 a 1972. Akal.","Martin Prada, J. (2018) El ver y las imágenes en el tiempo de internet. Akal.","Mateo, J. (2018a) La construcción fragmentaria como método de creación en la historia del arte. Revista de Investigación en Artes Visuales ANIAV, 3, 9-23. Recuperado el 5 de mayo de 2019 de https://doi.org/10.4995/aniav.2018.10059","Mateo, J. (2018b) Lo fragmentado como método y contexto: la modernidad y sus procesos de creación en la vanguardia. En M. Ansón et al., 1ª Jornada PhDay Complutense Bellas Artes (pp. 77-81). Madrid: Universidad Complutense. Recuperado el 5 de mayo de 2019 de https://eprints.ucm.es/50393/","Rioseco, F. (2017) Tigres azules de J. L. Borges. Lógica, verdad y mundos imposibles. Revista de Humanidades de Valparaíso, 10, 7-27. Recuperado el 5 de mayo de 2019 de https://revistas.uv.cl/index.php/RHV/article/view/67/1076","Vergara, M. N. (2018) La perspectiva caleidoscópica y la asociación visual como metodología de investigación artística. En M. Ansón et al., 1ª Jornada PhDay Complutense Bellas Artes (pp. 110-116). Madrid: Universidad Complutense. Recuperado el 5 de mayo de 2019 de https://eprints.ucm.es/50393/"]}

Este artículo parte del análisis del texto Una nación desplazada (2015) del Centro Nacional de Memoria Histórica, entendiendo allí un marco ideológico e institucional para situar las relaciones estructurales propias del origen y evolución del conflicto armado en Colombia. Establece un punto importante sobre el deber de memoria del Estado para la realización del derecho a la verdad de las víctimas y la sociedad en general, y de esta manera indaga en los eventos y acontecimientos que a lo largo de siete períodos históricos han permitido comprender el desplazamiento forzado como un eje transversal de la historia colombiana reciente. Desde aquí, presenta un estudio exploratorio de la imagen apoyado en el campo disciplinar de los estudios visuales, extendido a la idea de objeto visual y a la teoría de los regímenes escópicos, lo que conllevó al desarrollo del trabajo de campo y la búsqueda de un tipo de visualidad que insiste en la resignificación, testificación e inestabilidad de una imagen hegemónica y homogénea del desplazamiento forzado. This article is part of an analysis of the text: Una nación desplazada (2015) from Centro Nacional de Memoria Histórica, which results in an ideological and institutional framework to situate structural relationships inherent of the origin and evolution of armed conflict in Colombia. This text makes an important point on the State’s duty to remember for the fulfillment of the victims’ and society’s right to truth so as to investigate on the events and happenings that have allowed us to comprehend forced displacement during the seven historical periods here proposed, understood as a transversal axis in recent Colombian history. From that point, the article offers an exploratory study of image supported on visual studies as a discipline, and extended to the idea visual object and scopic regimes, which led to the development of the workfield and the search of a type of visuality insisting on resignification, witnessing and instability of hegemonic and homogenous image of forced displacement.

A lo largo de la historia occidental el cuerpo ha sido tratado y concebido a través de diferentes matices tanto ideológicos como religiosos, con argumentos políticos, morales y científicos. El arte, especialmente, ha explorado la representación de éste desde la prehistoria hasta la actualidad evidenciando una necesidad en la creación de imágenes que lo signifique. Este abordaje lo han realizado los medios de comunicación, a través de la publicidad por ejemplo, así como también el cine. En los diferentes tratamientos se han utilizado elementos tales como la concepción de belleza, poder, identidad, culto, vida y muerte, etcétera. La presente propuesta consiste en una disertación acerca del cuerpo y el tratamiento de las imágenes representativas que integran la cultura visual e ideológica contemporánea teniendo como eje constructor la película “Las hijas del fuego” (2018), de Albertina Carri, que nos adentra a un universo de cuerpos diversos e imperfectos que no reflejan la hegemonía histórica-sexual de lo corporal, permitiendo así un debate acerca del tratamiento actual del cuerpo, la norma, la destrucción y la autoconstrucción del mismo y su representación., Cinema & Território, N.º 4 (2019): O CORPO NO CINEMA

Resumen En la poesía hispánica el autorretrato conoció su auge en el Barroco y el Modernismo. Existe, además, una tradición femenina del género en la que sobresalen autoras como Sor Juana y Delmira Agustini. En este trabajo se propone una lectura de tres poemas de Amanda Berenguer (Montevideo, 1921-2010) en los que la poeta se autodescribe en distintas etapas de la vida, mientras transita respectivamente su cuarta, sexta y octava década. Su objetivo es confrontar las diversas estrategias de autofiguración que presentan estos textos, atendiendo a los tópicos, isotopías y procedimientos derivados de las tecnologías de la imagen que ellos manifiestan. Abstract In Hispanic poetry, the self-portrait reached its peak during the Baroque and Modernismo. There is a feminine tradition of the genre, which includes such authors as Sor Juana and Delmira Agustini. In this article, I propose an interpretation of three poems by Amanda Berenguer (Montevideo, 1921-2010) in which the poet describes herself in different periods of her life: during her forties, her sixties and her eighties. The aim is to confront the various strategies of self-figuration in these texts taking into account the topics, isotopies, and procedures derived from the technologies of the image that they include.

Este artículo se basa en una metodología que hacer dialogar representaciones de fotografías con otros repertorios visuales de la misma época. Como conclusiones sostenemos que las representaciones de género construidas en las fotos no son reflejos del estereotipo dominante de mujer, si no que combinan diversos repertorios, generando como resultado ciertos desplazamientos en las normatividades. Se analiza un corpus de fotografías pertenecientes a una mujer que poseía una cámara de fotos y tomaba imágenes de su estadía en las sierras de Córdoba, argentina en la década de 1930. El objetivo es estudiar un caso significativo que pone al descubierto el modo en que las representaciones visuales del cuerpo femenino fueron una de las vías por las cuales se construyeron las identidades de género., This article is based on a methodology that links representations of photographs with other visual repertoires of the same period. As conclusions we argue that the gender representations constructed in the photos are not reflections of the dominant stereotype of gender, but rather that they combine diverse repertoires, generating as a result certain displacements in the normativities. A corpus of photographs belonging to a woman who owned a camera and took pictures of her stay in the mountains of Córdoba, Argentina in the 1930s, is analyzed. The objective is to study a significant case that reveals the way in which visual representations of the female body were one of the ways in which gender identities were constructed., Facultad de Humanidades y Ciencias de la Educación

The Latin American national state of the late nineteenth century organized public life by setting new forms of visibility. It assumed technologies as a look police that imposed modern rules on bodies, landscapes and cities. In this way the old functions of the baroque prince were assumed by a scopic governance that focused its efforts on nationalizing the masses, through images and educating them around signs of decency, control and order. A symbolic contract was established between the state bureaucracy and the optical devices, allowing photography and cinema to become the instruments of an aesthetic and a sovereign subjectivity. El Estado nacional latinoamericano de fines del siglo XIX organizó la vida pública colocando en ella nuevas formas de visibilidad. Asumió a las tecnologías como una policía de la mirada que impuso reglas modernas a los cuerpos, los paisajes y las ciudades. De esta manera las viejas funciones del príncipe barroco fueron asumidas por una gubernamentalidad escópica que centró sus esfuerzos en nacionalizar a las masas, a través de las imágenes y educarlas en torno a signos de decencia, control y orden. Se estableció un contrato simbólico entre la burocracia estatal y los aparatos ópticos permitiendo que la fotografía y el cine se convirtieran en los instrumentos de una estética y una subjetividad soberana. O Estado nacional latinoamericano do final do século XIX organizou a vida pública implementando novas formas de visibilidade. Assumiu aparatos tecnológicos como uma policía do olhar impondo regras modernas aos corpos, paisagens e cidades. Desta maneira as velhas funções do princípe barroco foram assumidas por uma governamentalidade escópica que centrou seus esforços em nacionalizar as massas, por meio de imagens e educá-las com signos de decência, controle e ordem. Estabeleceu-se um contrato simbólico entre a burocracia estatal e os aparatos óticos permitindo que a fotografia e o cinema se convertessem em instrumentos de uma estética e subjetividade soberana.

El artículo aborda problemas vinculados a la materialidad y visualidad de los textos en la literatura borgeana. Se trata de una dimensión presente no sólo en las experiencias de Borges como lector sino también como escritor y como director de revistas y colecciones. A partir de 1921 fue parte activa del mundo editorial en expansión donde la literatura adquiría cuerpo visible y tangible. Algunas de sus ficciones tematizan -y resuelven imaginariamente- los conflictos derivados de ese contacto. Al hacerlo, interrogan algunas de las certezas no sólo del sentido común sino también de la bibliografía material y la sociología de los textos: en particular aquella que afirma que después de la escritura literaria las formas materiales y visuales transforman los textos y producen sentido., This article addresses problems related to the materiality and visuality of texts in Borges’ literature. This dimension is present not only in Borges’ experiences as a reader but also as a writer and as a director of periodicals and book collections. From 1921 on he was active in the publishing world where literature acquired a visible and tangible body. Some of his fictions thematize −and find an imaginary solution to− the conflicts derived from that contact. In doing so, they question some of the certainties of common sense and they also deal with the scope of some ideas of the material bibliography and sociology of texts: in particular, the one that states that material and visual forms transform texts and produce meaning after literary writing., Facultad de Humanidades y Ciencias de la Educación

La Fiesta Nacional de la Vendimia es una celebración que tiene lugar en la provincia de Mendoza y, si bien sus orígenes datan de una serie de expresiones espontáneas y dispersas, a partir de 1936 y de forma casi ininterrumpida, comenzó a consolidar la estructura con la cual es conocida hasta el día de la fecha. Desde el año 2003, el gobierno de la provincia de Mendoza declaró a la “Vendimia para todos” —más conocida como “Vendimia Gay”— como un evento de interés turístico y cultural, que formaba parte de la programación oficial de los festejos del fin de la cosecha. Ambas fiestas, sus diferencias y puntos de encuentro son el eje central en torno al cual gira el documental “La otra vendimia” de Néstor “Tato” Moreno, sobre el cual se desarrolla el presente trabajo. El análisis parte de una breve descripción histórico-contextual del surgimiento de las festividades y de las condiciones de producción del documental, posicionándolo como un mediador técnico de visibilidad social y un espacio de frontera capaz de traducir y negociar posturas en pugna en relación con los ejes temáticos que se presentan como paralelismos que comparten elementos antagónicos y puntos en común. Además revela la emergencia de otras posturas que se filtran como demandas que la fiesta intenta mantener silenciadas y que encuentran en el documental un espacio de registro y circulación. The National Vintage Festival is a celebration that takes place in the province of Mendoza and although its origins went back to a series of spontaneous and dispersed expressions, from 1936 onwards and almost continuously, it began to consolidate its structure as it is known today. Since 2003, the government of the province of Mendoza has declared the “Vintage for Everybody” — better known as “Gay Vintage”— as an event of tourist and cultural interest, forming part of the official program of the celebrations of the end of the grape harvest. Both celebrations, their differences and coincidences are the central topic of the documentary “The Other Vintage” by Néstor “Tato” Moreno which the present work deals with. The analysis starts with a brief historical-contextual description of the origins of the festival and the production conditions of the documentary, which is positioned as a technical mediator of social visibility and a frontier space able to translate and negotiate conflicting positions in relation to the thematic axes presented as parallelisms that share antagonistic elements and aspects in common. Besides this, the emergence of other positions that appear as demands that the festival tries to keep silent and find a space for recording and circulation in the documentary. Fil: Silva Fernández, Alejandro Alfredo Rafael. Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Técnicas. Centro Científico Tecnológico Conicet - Nordeste. Instituto de Investigaciones Geohistóricas. Universidad Nacional del Nordeste. Instituto de Investigaciones Geohistóricas; Argentina. Universidad Nacional del Nordeste. Facultad de Artes, Diseño y Ciencias de la Cultura; Argentina

La siguiente composición investigativa es el resultado de un tránsito que inicia desde una pregunta por la audiodescripción hasta llegar a la propuesta del concepto Visualidades Otras. Es precisamente en este recorrido que el sentido de la investigación va tomando forma para luego proponer una reflexión sobre cómo la discapacidad visual puede dar apertura a una comprensión ampliada respecto a lo que denominamos visualidades. Como apuesta metodológica esta investigación se inscribe como una composición orgánica en donde la revelación, la transformación y el devenir de las reflexiones convocan a un reconocimiento de que las ideas no llegan vacías ni en solitario, llegan en colectivo. Además, se hace manifiesto mi proceso de reflexión investigativa en el que tomo conciencia sobre cómo mis pensamientos y sentires van transformándose. Mediante una disertación se conversa respecto a cómo la hegemonía de la visualidad ha entrado a operar como un discurso dominante que ha perpetuado las formas de representar(se) la discapacidad visual. Esta confrontación toma como punto de partida varias de las reflexiones que hace Boaventura de Sousa Santos en su propuesta Las epistemologías del Sur y también retoma los planteamientos que hace Rod Michalko, en su libro The Difference that disability makes, para luego enlazarlos y proponer diálogos intertextuales con los estudios visuales, el enfoque de la audiodescripción y las conversaciones con cuatro invitados, que desde su experiencia como ciegos, nos ayudan a comprender cuál es la esencia de la discapacidad visual. Es así que en el texto el lector encontrará una propuesta acerca de cómo subvertir esta hegemonía, a partir de la formulación del concepto Visualidades Otras. Cabe resaltar que esta noción no es una propuesta de resistencia ni una pretensión de construir una visualidad propia y ajena a la misma visualidad, sino que por el contrario, se desea proponerla como parte de lo que puede darse en llamar una ecología de las visualidades. Abstract: The following research is the result of a path which starts with a question about audiodescription and ends with the concept of other visualities. Is precisely in the wandering of this route that this research makes sense, proposing a discussion about how visual disability can give opening to an extended comprehension about what we call visualities. As methodological proposal this research falls within an organic composition where revelation, transformation and becoming of the discussions convene the recognition of ideas coming in a collective way, not in a solitaire one. Additionally, my process of research reflection in which I become conscious about how my thinking and feeling change is manifested. Through a dissertation is discussed how the hegemony of visuality has operated as a dominant discourse which has perpetuated the ways in which visual disability is represented. This confrontation takes as starting point the thought of Boaventura de Sousa Santos, consigned in his proposal Las epistemologías del Sur, also considering the approach offered by Rod Michalko in his book The Difference that disability makes, linking them into intertextual dialogues with visual studies, the audiodescription approach and the conversations with four guests, those who from their experience as blind people support us to comprehend the essence of visual disability. The reader will find in this text a proposal of how to subvert this hegemony from the formulation of the concept of other visualities. It should be noted that this notion is nor a resistance proposal, even a claim to build an own and foreign visuality, it is, conversely, a desire to put forward what could be called an ecology of visualities. Maestría

Una de las reflexiones desde la Escuela de Estudios de Género de la Universidad Nacional de Colombia motivaba mi comprensión sobre las múltiples voces que nombraban los cuerpos de mujeres y con ellas las significaciones alrededor de poseer un cuerpo de mujer/es y las representaciones posibles desde un orden heteronormativo marcado históricamente por la mirada masculina. Un ejercicio de lectura de imagen desde las redes sociales propone al Humor Gráfico como un fuerte dispositivo de enunciación, marcaciones de género y nombramientos identitarios alrededor del cuerpo de la mujer. La tesis titulada: “Cartografías del cuerpo de la mujer/es en el Humor Gráfico: una mirada feminista”, explora a través de las miradas de jóvenes las representaciones y con ellas, las posibles interpretaciones que desde el feminismo circulan en relación con la enunciación de los cuerpos, los imaginarios y las formas identitarias para construirse un cuerpo de mujer/es. Por tanto, como objetivo fundamental, se busca identificar a través de pequeños discursos en las y los jóvenes las representaciones que se tienen de los cuerpos de las mujeres, los patrones y marcaciones de género que exterioriza el humor a través de la exhibición de esos cuerpos y propone un análisis de imágenes de humor gráfico desde la “mirada” a través de los estudios visuales con perspectiva feminista y valiéndome de herramientas de análisis ligadas a la lectura de imagen. Finalmente, se pretende determinar si el humor prevalece como espacio de resistencia o dominación, si replica formas de violencia simbólica contra la mujer, si es regulador de relaciones hegemónicas, si las produce, las rechaza o las fortalece y si se puede hablar de un humor sexista o feminista, marcado por un punto de enunciación o legitimado como humor “pensado” y sobre todo reflexionar sobre las responsabilidades políticas del humor gráfico en el campo de la enunciación y nombramientos de las mujeres. Abstract. One of the reflections from the School of Studies of Gender of the Universidad Nacional de Colombia motivating my understanding on the multiple voices that named the bodies of women and with them the meanings about owning a woman's body and the representations possible from a heteronormative order historically marked by the masculine gaze. An exercise in reading images from social networks proposes Graphic Humor as a strong enunciation device, gender markings and identity appointments around the body of women. The thesis titled: "Cartographies of the woman's body / is in Graphic Humor: a feminist look", explores through the eyes of young people the representations and with them, the possible interpretations that from feminism circulate in relation to the enunciation Of the bodies, the imaginary ones and the identitarias forms to construct a body of woman / es. Therefore, as a fundamental objective, we seek to identify through small discourses in the young and the representations that have of the bodies of women, the patterns and markings of gender that exteriorizes the humor through the exhibition of those bodies And proposes an analysis of images of graphic humor from the "look" through visual studies with a feminist perspective and using analytical tools linked to image reading. Finally, it seeks to determine if humor prevails as a space of resistance or domination, if it replicates forms of symbolic violence against women, if it regulates hegemonic relations, if it produces them, rejects them or strengthens them and if one can speak of a humor Sexist or feminist, marked by a point of enunciation or legitimized as "thought" humor and above all reflect on the political responsibilities of graphic humor in the field of enunciation and appointments of women. Maestría

La construcción de sentido de patria y la recuperación de la identidad como nación a través de las prácticas de la visualidad contemporánea constituyen una noción que intento categorizar como soberanía visual. El análisis de la Mujer Bandera, performance realizada durante el festejo del Bicentenario Argentino en Plaza de Mayo, dispara esta especulación acerca de la colonización cultural en relación con el sistema kitsch., The construction of the meaning of homeland and the recovery of identity as a nation through the practices of contemporary visuality constitute a notion that I try to categorize as Visual Sovereignty. The analysis of the Mujer Bandera, performance given during the bicentennial celebration of Argentina in Plaza de Mayo, is the engine of this speculation about the kitsch system and cultural colonization., Facultad de Bellas Artes

El presente texto repasa, como caso de estudio, la utilización de películas, cortos y documentales audiovisuales como argumento y referencia en determinados enunciados de proyectos arquitectónicos en los primeros cursos del Grado en Estudios en Arquitectura. A partir de esta contrastable y fructífera experiencia se trata no tanto de revisar y verificar las conocidas sinergias entre cine y arquitectura sino poner metodológicamente de relieve la importancia de dotar al alumno en sus primeros años de práctica proyectual de un apoyo referencial verosímil y verificable —a través de lo visual— que le ayude a caer en la cuenta de los anhelos de realismo al que todo proyecto aspira. El simulacro del proyecto encuentra un aliado en la ficción realista del cine. La asociación cine-arquitectura se pone por tanto al servicio, como medio no como fin, del aprendizaje y la metodología proyectual. The present paper reviews, as a case study, the use of films, short films and audiovisual documentaries as arguments and references for desing assignments in early design studios at the school of architecture. Out of this fruitful experience the goal is not so much to review and verify the well-known synergies between film and architecture but to methodologically emphasize the importance of endowing the student in his first steps of design practice with realistic and feasible referential support —through the visual— that could help him to realize the yearnings of realism to which every project aspires. The simulacrum of the project finds an ally in the realistic fiction of the movie. The film-architecture association is thus placed at the service, as a medium not as an end, of learning and design methodology.