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Auf dem Weg in die Berufstätigkeit standen Frauen aus dem Bürgertum lange Zeit vor allem pädagogische Berufe offen und da die meisten als Mädchen eine fundierte musikalische Ausbildung erhielten, lag Musikpädagogik nahe. Als Musik- und Gesangsinstitut, Musikakademie oder Gesangs- und Opernschule sind in Adressbüchern, Werbeanzeigen und weiteren Quellen des 19. und frühen 20. Jahrhunderts private Musikschulen omnipräsent, denn eine breite Nachfrage an Musikunterricht war - bis zum Siegeszug von Grammophon und Radio - stets vorhanden. In dieser gesellschaftlichen Ausgangslage eröffneten auch zahlreiche Frauen ihre eigenen Musikschulen, die mit Unterrichtsangebot und Konzerten ein fester Bestandteil des Musiklebens in Städten wie Leipzig, Dresden, Erfurt oder Halle waren. Zudem leisteten viele dieser Institutionen wichtige Beiträge bei der Professionalisierung von Musikpädagogik um die Jahrhundertwende. Dieses Buch trägt zur musikbezogenen Sozialgeschichte des Kaiserreichs neue gendersensible Einsichten bei: Neben berufs- und gesellschaftsgeschichtlichen Fragen zu den Musikschulleiterinnen und ihren Musikschulen steht auch die ökonomische Komponente von Musikkultur und Musikpädagogik im Fokus.

Die Autorin nimmt das bislang kaum erforschte Schnittfeld zwischen Musik- und Museumspädagogik in den Blick, indem sie untersucht, welche Zielsetzungen sich mit Musikermuseen verbinden. Sie kombiniert dazu historisch-quellenbasierte Zugänge mit einer empirisch-qualitativen Interviewstudie und fokussiert insbesondere Kulturelle Teilhabe als ein sowohl in der Musik- als auch in der Museumspädagogik relevantes Bildungsziel. (DIPF/Orig.) Composer house museums in Germany offer a variety of pedagogical activities for primary and secondary school classes. Therefore, the author explored the educational goals of these activities by combining a historical-philological research approach with a qualitative study. Focusing on the goal of cultural participation, this paper shows that the pedagogical activities of composer house museums are located in the interdisciplinary field between museum education and music education. (DIPF/Orig.)

Der Beitrag beinhaltet den Entwurf eines reliablen und validen Messinstruments für musikbezogene Kreativität, das am Kompetenzbegriff und -diskurs orientiert ist. Der Autor betrachtet zunächst verschiedene Bestimmungen und Modelle von Kreativität, wie sie in Psychologie und (Musik-)Pädagogik entworfen wurden. Schließlich führt er ein allgemeines und ein musikbezogenes Modell in einem eigenen Strukturmodell für musikbezogene Kreativität zusammen, das in der empirischen Kompetenzforschung eingesetzt werden kann. (DIPF/Orig.) Creativity is an important goal dimension of learning in school in general and of music education in particular. Despite a multitude of theoretical considerations, no valid and reliable measurement instrument for music-related creativity is available until today. Against the background of competence orientation, this paper therefore attempts to create a model of creative competence in music. For this purpose, considerations of Amabile and Webster are combined to a competence model with three dimensions and six subdimensions. The model differentiates between creative thinking processes, music-specific knowledge and expertise, and motivational prerequisites. Implications of this proposed model are discussed. (DIPF/Orig.)

Der Autor geht von begrifflichen Unklarheiten innerhalb der Interkulturellen Musikpädagogik aus und entwickelt im Rekurs auf die analytische Philosophie eine eigene Definition des Begriffs ‚Musikkultur‘. Dabei plädiert er für eine an die Alltagssprache angelehnte Auseinandersetzung mit zentralen Begriffen, um auf diese Weise eine tragfähige Ausgangslage für den musikpädagogischen Fachdiskurs zu schaffen. (DIPF/Orig.) In this paper, I will explain how analytic philosophy can contribute to answering the question of what we mean by ‘music culture’. I am going to outline the basic features of analytic philosophy and analyze a concept of ‘music culture’. Finally, I’ll discuss the resulting definition in the context of different definitions of ‘culture’. (DIPF/Orig.)

Leseprobe ----- Zusammenfassung Der Beitrag behandelt offentliche Musikschulen als Bildungsinstitution und ihre Strategien zur Realisierung des Paradigmas Inklusion. Er beschreibt zunachst eine Dethematisierung von Gender im Kontext der auserschulischen Musikpadagogik und setzt sich damit auseinander, inwieweit Gender als Strukturkategorie an Musikschulen sichtbar ist. Diverse genderbezogene Phanomene auf musikpadagogischer, aber auch auf organisationaler Ebene werden identifiziert. Datengrundlage bilden Dokumente des Musikschulverbands sowie statistische Datenbanken von Musikschulen. Es wird untersucht, inwiefern weitere Strukturkategorien wie soziookonomischer Status und (Dis)Ability In- und Exklusionsmechanismen an Musikschulen beeinflussen. Die Ergebnisse zeigen, dass gegenwartig nicht von einer reflektierten, gendersensiblen Praxis an Musikschulen ausgegangen werden kann. Eine intersektionale analytische Perspektive wird vorgeschlagen und durch methodologische Uberlegungen mit Blick auf eine praxeologisch begrundete empirische Rekonstruktion des Umgangs mit Gender bzw. Differenz an Musikschulen konkretisiert. Schlusselworter: Musikschule, Gender, Dis-/Ability, Inklusion, Intersektionalitat ----- Music schools and gender. Inclusive and intersectional perspectives on gender policies in extracurricular music education Summary The article deals with public music schools as educational institutions and their strategies for implementing the paradigm of inclusion. First, it describes how gender is not a topic of current discourses within extracurricular music education in Germany. Furthermore, it investigates whether gender is visible as a category of diversity in music schools. Different gender stereotypes in the music educational dimension as well as in the structural dimension of music schools can be made out. The data analysed come from different documents belonging to the association of public music schools in Germany as well as from music schools’ statistical databases. The article investigates to what extent other categories of diversity, such as class and dis-/ability, have an impact on music schools’ inclusion and exclusion policies. The results show a lack of gender awareness in music schools’ educational and institutional policies. To achieve an empirical qualitative and reconstructive analysis of policies of dealing with gender and difference in general it is suggested that an intersectional analysis be conducted, as is proposed and outlined in this article. Keywords: music schools, gender, dis-/ability, inclusion, intersectionality ----- Bibliographie: Gerland, Juliane: Musikschule und Gender. Inklusive und intersektionale Perspektiven auf Genderaspekte in der auserschulischen Musikpadagogik, GENDER – Zeitschrift fur Geschlecht, Kultur und Gesellschaft, 1-2021, S. 138-153. https://doi.org/10.3224/gender.v13i1.10

Der Artikel fragt nach Konturen der Musikpädagogik im deutschsprachigen Teil der Schweiz, die sie sich in den letzten 50 Jahren in Abgrenzung zum benachbarten Ausland diskursiv ausbildeten. Dazu wurden 150 Rezensionen von musikpädagogischer Literatur sowie Schulbüchern unter einer Foucault'schen Perspektive analysiert. Die Resultate bestätigen Kleinens komparative Studie zur Musikpädagogik in der Schweiz (Kleinen, 2006), weisen in zwei wichtigen Punkten aber darüber hinaus. Zum einen erscheint die Fachdidaktik als Leerstelle; zum andern wird der Sprache als Vermittlungsinstanz zentrale Bedeutung zugeschrieben. Die Ergebnisse werfen Fragen auf zu verschiedenen Wissensarten und ihrer Kommunikation und legen nahe, dass sich politische Kultur und pädagogisches Denken gegenseitig durchdringen. This article examines music education in the German-speaking part of Switzerland, which has developed discursively over the last 50 years in a way that is distinct from neighbouring countries. To this end, 150 reviews of music education literature and textbooks were analysed through a Foucauldian lens. The results confirm Kleinen's comparative study of music education in Switzerland (Kleinen, 2006), but point beyond it in two important respects. On the one hand, the didactics appear as a blank space; on the other hand, language takes on a central role in mediation. The results raise questions about different types of knowledge and their communication, and suggest a mutual exchange between political culture and educational thinking., + ID der Publikation: hslu_83358 + Art des Beitrages: Buchkapitel/Beitrag in Sammelband + Herausgeberschaft: Johannes Hasselhorn, Friedrich Platz, Oliver Kautny + Seiten: 279 - 298 + Titel der Reihe: Musikpädagogische Forschung + Nummer des Reihentitels: 41 + Sprache: Deutsch + Letzte Aktualisierung: 2023-05-15 10:27:33

Projektziel: Im Projekt «Klarinettenklang – Versuch einer physiologischen Analyse» wurde folgende Arbeitshypothese geprüft: In einer Spielweise mit bewusster Aktivierung der Wadenmuskulatur (Musculus gastrocnemius), der hinteren Oberschenkelmuskulatur (Musculus ischiocruralis) und des breiten Rückenmuskels (Musculus latissimus dorsi) kann die klangliche Komponente des Klarinettenspiels gegenüber einer Spielweise mit (meist unbewusster) Relaxation dieser Muskeln verbessert werden. Vorgehen: Während den akustischen Aufzeichnungen des Klarinettenspiels von 21 Probanden und Probandinnen wurden durch Elektromyographie (EMG) zeitgleich Messwerte der interessierenden Muskelspannungen gewonnen. Die Teilnehmenden spielten die gleichen Klangfolgen einmal mit, ein anderes Mal ohne Aktivierung der interessierenden Muskeln. Durch eine Analyse der EMG-Daten wurden diejenigen 13 Beispielpaare ermittelt, bei denen die Probanden die Muskelaktivierungen am besten umgesetzt bzw. mit deutlicher Relaxation dieser Muskeln gespielt hatten. Die mit diesen Beispielpaaren gekoppelten Klangproben wurden in einen klingenden Online-Fragebogen eingelesen. Der anschliessend mit Fachpersonen durchgeführte Hörtest sollte aufzeigen, ob sich die Klangproben klanglich unterscheiden und ob die Fachpersonen einheitliche klangästhetische Beurteilungen abgeben werden. Die statistische Auswertung des Fragebogens erfolgte als exakter Binomial-Test. Das «Klangfarbenstimmgerät» PRISMA (www.prisma-music.ch) wurde durch zahlreiche Features erweitert und diente der akustischen Analyse der aufgezeichneten Klarinettenklänge. So konnten die akustischen Eigenschaften der für die Spielhaltungen charakteristischen Beispielpaare (die Auswahl erfolgte aufgrund der EMG-Daten) den Ergebnissen des Fragebogens gegenübergestellt werden: mit Methode der binomialen Regressions-Analyse wurde geprüft, ob mit Hilfe der PRISMAVariablendifferenzen vorausgesagt werden kann, wie gross der Anteil Hörerinnen und Hörer ist, welcher die mit einer bestimmten Spielhaltung verbundenen Klänge bevorzugen würde. In einem Feldversuch testeten 14 Klarinettenlehrpersonen in ihrer pädagogischen und in ihrer persönlichen instrumentalen Praxis ein Übungsrepertoire. Das Übungsrepertoire kombinierte herkömmliche Übungen der Tonbildung mit der bewussten Aktivierungen der Muskeln, denen gemäss der Arbeitshypothese klangoptimierende Eigenschaften zugeschrieben werden. Analysen und Ergebnisse: 203 Fachpersonen hörten den klingenden Fragebogen und gaben ihr Urteil zu den Klangproben ab. Eine überwältigende Mehrheit stellte bei allen Beispielpaaren, die aus den beiden Spielhaltungen resultierten, einen deutlichen klanglichen Unterschied fest. Der exakte Binomial-Test über alle Fragebogenergebnisse konnte die Arbeitshypothese mit hoher Signifikanz bestätigen: Die Aktivierungen der favorisierten Muskeln, im Vergleich zu den entsprechenden Relaxationen, führten zu einer Klangänderung, die von einer klaren Mehrheit der Hörer als Verbesserung beurteilt wurde. Ergänzend dazu ist es mit der Methode der binomialen Regressions-Analyse gelungen, anhand weniger PRISMA-Variablen der Anteil der Hörerinnen und Hörer vorauszusagen, welche dem Klangresultat der favorisierten Spielhaltung ästhetisch den Vorzug geben. Dazu erwiesen sich PRISMA-Variablen als geeignet, welche die Klänge hinsichtlich ihrer Obertonstruktur, ihrer dynamischen Spannweite und ihrer Intonation quantifizierten. Schliesslich bestätigte die Auswertung des Feldversuches mit Lehrpersonen der Praxispartner, dass sich das Übungsrepertoire im Instrumentalunterricht mit Laien (Grundtechnik der Tonbildung) sowie für Studium und Performance auf professioneller Ebene bewährt. Schlussfolgerung: Durch Synthese klangästhetischer und wissenschaftlicher Untersuchungen wurde die Hypothese bestätigt, dass der bewusste Einsatz der oben genannten Muskulatur mit einer Optimierung des klanglichen Resultates gekoppelt ist. Die praktische Umsetzung dieser Grundlagen der Tonbildung in Studium, Lehre und Performance erweitert die methodische und künstlerische Kompetenz und kann von der Anfänger- bis zur professionellen Stufe gewinnbringend angewendet werden.

Projektziel: Im Projekt «Klarinettenklang – Versuch einer physiologischen Analyse» wurde folgende Arbeitshypothese geprüft: In einer Spielweise mit bewusster Aktivierung der Wadenmuskulatur (Musculus gastrocnemius), der hinteren Oberschenkelmuskulatur (Musculus ischiocruralis) und des breiten Rückenmuskels (Musculus latissimus dorsi) kann die klangliche Komponente des Klarinettenspiels gegenüber einer Spielweise mit (meist unbewusster) Relaxation dieser Muskeln verbessert werden. Vorgehen: Während den akustischen Aufzeichnungen des Klarinettenspiels von 21 Probanden und Probandinnen wurden durch Elektromyographie (EMG) zeitgleich Messwerte der interessierenden Muskelspannungen gewonnen. Die Teilnehmenden spielten die gleichen Klangfolgen einmal mit, ein anderes Mal ohne Aktivierung der interessierenden Muskeln. Durch eine Analyse der EMG-Daten wurden diejenigen 13 Beispielpaare ermittelt, bei denen die Probanden die Muskelaktivierungen am besten umgesetzt bzw. mit deutlicher Relaxation dieser Muskeln gespielt hatten. Die mit diesen Beispielpaaren gekoppelten Klangproben wurden in einen klingenden Online-Fragebogen eingelesen. Der anschliessend mit Fachpersonen durchgeführte Hörtest sollte aufzeigen, ob sich die Klangproben klanglich unterscheiden und ob die Fachpersonen einheitliche klangästhetische Beurteilungen abgeben werden. Die statistische Auswertung des Fragebogens erfolgte als exakter Binomial-Test. Das «Klangfarbenstimmgerät» PRISMA (www.prisma-music.ch) wurde durch zahlreiche Features erweitert und diente der akustischen Analyse der aufgezeichneten Klarinettenklänge. So konnten die akustischen Eigenschaften der für die Spielhaltungen charakteristischen Beispielpaare (die Auswahl erfolgte aufgrund der EMG-Daten) den Ergebnissen des Fragebogens gegenübergestellt werden: mit Methode der binomialen Regressions-Analyse wurde geprüft, ob mit Hilfe der PRISMAVariablendifferenzen vorausgesagt werden kann, wie gross der Anteil Hörerinnen und Hörer ist, welcher die mit einer bestimmten Spielhaltung verbundenen Klänge bevorzugen würde. In einem Feldversuch testeten 14 Klarinettenlehrpersonen in ihrer pädagogischen und in ihrer persönlichen instrumentalen Praxis ein Übungsrepertoire. Das Übungsrepertoire kombinierte herkömmliche Übungen der Tonbildung mit der bewussten Aktivierungen der Muskeln, denen gemäss der Arbeitshypothese klangoptimierende Eigenschaften zugeschrieben werden. Analysen und Ergebnisse: 203 Fachpersonen hörten den klingenden Fragebogen und gaben ihr Urteil zu den Klangproben ab. Eine überwältigende Mehrheit stellte bei allen Beispielpaaren, die aus den beiden Spielhaltungen resultierten, einen deutlichen klanglichen Unterschied fest. Der exakte Binomial-Test über alle Fragebogenergebnisse konnte die Arbeitshypothese mit hoher Signifikanz bestätigen: Die Aktivierungen der favorisierten Muskeln, im Vergleich zu den entsprechenden Relaxationen, führten zu einer Klangänderung, die von einer klaren Mehrheit der Hörer als Verbesserung beurteilt wurde. Ergänzend dazu ist es mit der Methode der binomialen Regressions-Analyse gelungen, anhand weniger PRISMA-Variablen der Anteil der Hörerinnen und Hörer vorauszusagen, welche dem Klangresultat der favorisierten Spielhaltung ästhetisch den Vorzug geben. Dazu erwiesen sich PRISMA-Variablen als geeignet, welche die Klänge hinsichtlich ihrer Obertonstruktur, ihrer dynamischen Spannweite und ihrer Intonation quantifizierten. Schliesslich bestätigte die Auswertung des Feldversuches mit Lehrpersonen der Praxispartner, dass sich das Übungsrepertoire im Instrumentalunterricht mit Laien (Grundtechnik der Tonbildung) sowie für Studium und Performance auf professioneller Ebene bewährt. Schlussfolgerung: Durch Synthese klangästhetischer und wissenschaftlicher Untersuchungen wurde die Hypothese bestätigt, dass der bewusste Einsatz der oben genannten Muskulatur mit einer Optimierung des klanglichen Resultates gekoppelt ist. Die praktische Umsetzung dieser Grundlagen der Tonbildung in Studium, Lehre und Performance erweitert die methodische und künstlerische Kompetenz und kann von der Anfänger- bis zur professionellen Stufe gewinnbringend angewendet werden.

"Das Verhältnis von (Jugend-)Soziologie und Pädagogik kann trotz vorhandener Überschneidungen - insbesondere im Hinblick auf gemeinsame Themen (z.B. Bildung, Sozialisation) - als spannungsreich beschrieben werden. Aufgrund ihrer vermeintlich fundamental unterschiedlichen Perspektiven auf ihre Untersuchungsgegenstände werden sie häufig sogar als unvereinbar betrachtet. Im Gegensatz dazu wird mit dem vorliegenden Beitrag am Beispiel der musikpädagogischen Jugendsoziologie eine Sicht des Verhältnisses von pädagogischer und soziologischer Jugendforschung zur Diskussion gestellt, die die Vereinbarkeit beider Perspektiven ausführt und als pädagogisch und soziologisch gleichermaßen fruchtbar zeigt. Ausgangspunkt ist die These, dass bereits seit ca. 40 Jahren im Schnittfeld von Jugendsoziologie und Musikpädagogik, von Musiksoziologie, Kultursoziologie, Sozialisations- und Identitätstheorie eine musikpädagogische Jugendsoziologie auszumachen ist, die die sozialen Bedeutungen von Musik und musikalischen Jugendkulturen für Jugendliche in den Blick nimmt. Am Beispiel dieser - als transdisziplinär verstandenen - musikpädagogischen Jugendsoziologie wird die Verwobenheit pädagogischer und soziologischer Perspektiven in Anlehnung an die Pädagogische Soziologie (Böhnisch 2003) als 'doppelter Blick' herausgearbeitet. 'Doppelter Blick' meint, dass sich diese Disziplin sowohl in der Pädagogik als auch in der Soziologie verortet, gleichzeitig aus pädagogischer und aus soziologischer Perspektive arbeitet sowie diese beiden Sichtweisen aufeinander bezieht. Diese 'doppelte Perspektive' wird auf zwei jugendsoziologische Forschungsprogramme angewendet, auf das der 'unsichtbaren Bildungsprogramme in Jugendszenen' sowie auf das der 'musikalischen Selbstsozialisation'." (Autorenreferat) "Even though education and sociology (here especially the youth sociology) share essential topics like schooling and socialization, the relationship between the two disciplines remains tense. Because their perspectives on their subject matter seem to differ fundamentally, they often are regarded as incommensurate. However, this article presents and discusses a perspective on educational and sociological youth research which combines both views. Using the example of a discipline called 'music-educational youth sociology', it shows that this combined perspective is productive for both education and sociology. For the past 40 years, work in intersecting areas of disciplines like youth sociology, music education, music sociology and socialization and identity theory have contributed to the emergence of music educational youth sociology, which focuses on the social significance of music and musical youth cultures for young people. Using the example of this transdisciplinary field, the interwovenness of educational and sociological perspectives is elaborated in accordance with the concept of educational sociology (Böhnisch 2003) as a 'double perspective': Music-educational youth sociology is positioned in both education and sociology, using both perspectives at the same time and relating them to each other. This 'double perspective' is applied to two youth sociological research programs - 'invisible educational programs in youth scenes' and 'musical self-socialization'." (author's abstract)

Wie denken (Musik-) LehrerInnen über die Planung und Durchführung ihres Unterrichts nach? Auf welche Weise fließen ihre Erfahrungen in die Unterrichtsgestaltung ein? Im Rahmen eines qualitativen empirischen Forschungsvorhabens wird mit Hilfe des Konstrukts "Individualkonzept" erhoben, was MusiklehrerInnen bei der Planung von Musikunterricht in der Oberstufe berücksichtigen. Außerdem werden Bezüge zwischen den Individualkonzepten und den biographischen Erfahrungen der ProbandInnen aufgedeckt. Die Auswertung der LehrerInneninterviews erfolgt nach den Grundsätzen der Grounded Theory Methodologie zunächst auf der Ebene von Einzelgesprächen; anschließend wird eine übergreifende "gegenstandsgegründete" Theorie über die Individualkonzepte der MusiklehrerInnen und deren biographische Einbettung entwickelt. Dabei stellt sich heraus, dass den Individualkonzepten ein einheitliches Muster zugrunde liegt, das sich in der Dimension der Zeit als Lernprozess gestaltet. Die Ergebnisse des Forschungsvorhabens legen es nahe, partiell berufsbegleitende Formen der LehrerInnenaus- bzw. -weiterbildung zu entwickeln und schon im Studium einen bewussten Umgang mit dem eigenen biographischen Hintergrund einzuüben. Vor allem aber wäre es sinnvoll, auch für LehrerInnen eine "Fehlerkultur" zu etablieren, die Unterrichtsprobleme in Lerndiskrepanzen umzudeuten hilft. URN: urn:nbn:de:0114-fqs080178, How do music teachers reflect on planning and performing school lessons? How do their experiences influence their teaching arrangements? In a qualitative research project the author uses the "Individualkonzept" (personal concept) to explore what music teachers think while planning music lessons. In addition, the relationship between personal concepts and biographical experiences is investigated. In accordance with grounded theory methodology, interviews with teachers were analyzed first at the level of the single interviews; followed by developing a grounded theory about the music teachers' personal concepts and their embedding in biography. In doing so an integrative pattern emerged unfolding in time as a learning process. Results of the research suggest finding forms of in-service-training for teachers that will allow them to foster a self-conscious acquaintance with their own biographical background. URN: urn:nbn:de:0114-fqs080178, ¿De qué forma reflexionan los maestros de música al planear y realizar las lecciones escolares? ¿Cómo influye su experiencia sus arreglos al enseñar? El autor usa el "Individualkonzept" (concepto personal) en un proyecto de investigación cualitativa para explorar lo que los maestros de música piensan al planear lecciones de música. Se investiga, además, la relación entre los conceptos personales y las experiencias biográficas. De acuerdo con la metodología de la teoría fundamentada, se analizaron primero las entrevistas con maestros al nivel de simples entrevistas, seguidas por el desarrollo de una teoría fundamentada acerca de los conceptos personales de los maestros de música y su encuadre en la biografía. Al hacerlo, emergió un modelo integrador desenvolviéndose en el tiempo como un proceso de aprendizaje. Los resultados de la investigación sugieren hallazgos para formar un entrenamiento-en-el servicio con los maestros, el cual les permitirá cultivar una auto-conciencia conocida con su propio fondo biográfico. URN: urn:nbn:de:0114-fqs080178

"In seinem Text 'Die rationalen und soziologischen Grundlagen der Musik' fragte sich Max Weber, warum ausgerechnet im Abendland eine rationale harmonische Musikentstanden ist. Der hier angestrebte Vergleich zwischen Indien und Europa ist ein Versuch, an die Problemstellung der unvollendet gebliebene Musiksoziologie Webers anzuknüpfen. Ausgangspunkt des Vergleichs ist die These, dass die Besonderheiten der klassischen europäischen Musik (insbesondere: Dur-Moll-System, Mehrstimmigkeit, Schriftlichkeit, Komposition) und die Strukturmerkmale der klassischen indischen Musik (insbesondere: Modalität, Einstimmigkeit, Mündlichkeit, Improvisation) als Ausdruck unterschiedlicher Kulturideen verstanden werden können. Im Rahmen der Kontrastierung von Musikinstrumenten (Gitarre vs. Sitar) und Musikformen (Sonatevs. Raga) wird exemplarisch gezeigt, wie die Materialität der Musik als Medium der interkulturellen Hermeneutik fungieren kann. Der zweite Teil des Kulturvergleichs gilt dem Lehren und Lernen von Musik. In der idealtypischen Kontrastierung der indischen Guru-Shishya-Beziehung mit dem europäischen Lehrer-Schüler-Verhältnis werden zwei unterschiedliche Formen sozialer Ungleichheit gegenübergestellt." (Autorenreferat)

Niessen, Anne [Hrsg.]; Knigge, Jens [Hrsg.]: Theoretische Rahmung und Theoriebildung in der musikpädagogischen Forschung. Münster ; New York : Waxmann 2015, S. 95-109. - (Musikpädagogische Forschung; 36), In modern pedagogical anthropology the term ‘image’ is often used to describe definitions of ‘man’ and ‘music’ as results of our imagination. Generating images and concepts allows us to make reasonable didactic decisions, but it also reduces the complexity and plurality of the numerous meanings of the terms ‘man’ and ‘music’. This approach especially points out the problems caused by an unquestioned belief in these images: it emphasizes the importance of reflecting on scientific and prescientific prejudices concerning the supposed ‘nature’, the ‘essence’ or the ‘substance’ of humanity as well as art. A knowledge of the plurality of ways in which former and contemporary authors thought and think about the relations between ‘man’ and ‘music’ is suggested as an important aim of music pedagogic research today. (DIPF/Orig.)

Vogt, Jürgen [Hrsg.]: Musiklernen im Vor- und Grundschulalter. Essen : Die Blaue Eule 2005, S. 129-146. - (Musikpädagogische Forschung; 26), Für die berufsbegleitende Fortbildung werden auch im Bereich der Musik erhebliche finanzielle Mittel in der Hoffnung bereitgestellt, dass sich dadurch spürbar die Qualität von Unterricht und damit letztlich auch das Schulsystem insgesamt verbessern. Über die Effektivität dieser Maßnahmen ist bislang jedoch nur wenig bekannt. [...] Der Beitrag versteht sich als Impuls zur verstärkten Auseinandersetzung mit Aspekten der Fort- und Weiterbildung von Musiklehrerinnen. Es zeichnet sich ab, dass dieser Bereich in einer Zeit der Reorganisation des Bildungssystems weiter an Bedeutsamkeit gewinnen wird. Thematische Anschlüsse lassen sich u.a. zu einer sich erst langsam etablierenden Debatte zur Professionalisierung von MusiklehrerInnen herstellen. Diese Debatte hat sich bislang überwiegend mit der Problematik der Musiklehrerausbildung an Universitäten und Hochschulen beschäftigt [...]. Zunächst stellen die Autoren das Projekt Me[i]Mus, das den Ausgangs- und Bezugspunkt für die gewählte Thematik darstellt, kurz vor. Es handelt sich dabei um ein musikpädagogisches Lehrerfortbildungsangebot mit dem Schwerpunkt Neue Medien im Musikunterricht. Anschließend wird ausgehend von dem Begriff „medienpädagogische Kompetenz“ ein Konzept skizziert, das aus der Medienpädagogik stammt. Dieses theoretische Konzept konfrontieren die Autoren mit eigenen Erfahrungen aus der Durchführung von Fortbildungsveranstaltungen im Rahmen des Projekts Me[i]Mus und formulieren anschließend Perspektiven für zukünftige musikpädagogische Forschungen in diesem Bereich. (DIPF/Orig.)