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La capilla de Jesús fue erigida a finales del siglo XV sobre uno de los puntos más altos de la villa de Moguer. A lo largo de los siglos ha sufrido importantes remodelaciones auspiciadas por algunos indianos como Pedro Gupil de Herrera, pero también por la propia labor de la cofradía de Nuestro Padre Jesús Nazareno. En el siglo XX comienza un ambicioso proyecto de adecentamiento y enriquecimiento pictórico ideado por el artista Miguel Ollero Márquez, que incluye el camarín y el presbiterio de la capilla, y que supone uno de los conjuntos murales más asombrosos de la provincia de Huelva., The chapel of Jesús was erected at the end of the 15th century on one of the highest points in the town of Moguer. Over the centuries it has undergone important renovations sponsored by some Indians such as Pedro Gupil de Herrera, but also by the work of the brotherhood of Nuestro Padre Jesús Nazareno. In the 20th century, an ambitious pictorial clean-up and enrichment project began, devised by the artist Miguel Ollero Márquez, which includes the camarín and the chancel of the chapel, and which is one of the most amazing mural ensembles in the province of Huelva.

The world of contemporary sacred art has experienced in recent decades a return to figuration linked to the rediscovery of icons. Different authors have turned to the Eastern tradition to retake a path of the sacred image that in the Church of the West had already been lost for the sake of a certain iconoclasm especially present in the central decades of the 20th century.Overcoming these moments of crisis of the sacred image, especially linked to the Liturgical Movement and its architectural expression through German functionalism, a determined attitude of recovery of the icon is observed as a category especially conducive to the creation of sacred and liturgical art, also rediscovering itself, in a more theoretical sphere, the theology associated with these plastic expressions. For this reason, we have discovered over the last decades a recovery of the icon that extends beyond the limits of the Orthodox world, creating paths of reciprocal influences between East and West.In this paper, the influence of the oriental icon in contemporary sacred art will be analyzed through the study of the contributions that Kiko Argüello and Marko Ivan Rupnik have made in the Cathedral of La Almudena in Madrid between 2004 and 2011. The comparative study of different Iconographies will allow us to appreciate the assumption and reinterpretation of eastern models as a vehicle for the renewal of western sacred art. El mundo del arte sacro contemporáneo vive en las últimas décadas un retorno a la figuración vinculado al redescubrimiento de los iconos. Diferentes autores han vuelto la vista a la tradición oriental para retomar un camino de la imagen sagrada que en la Iglesia de Occidente ya se había perdido en aras de una cierta iconoclastia especialmente presente en las décadas centrales del siglo XX.Superando estos momentos de crisis de la imagen sagrada, vinculados especialmente al Movimiento Litúrgico y su expresión arquitectónica a través del funcionalismo alemán, se observa una decidida actitud de recuperación del icono como categoría especialmente propicia para la creación de arte sacro y litúrgico, redescubriéndose también, en un ámbito más teórico, la teología asociada a estas expresiones plásticas. Por ello, descubrimos a lo largo de las últimas décadas una recuperación del icono que se extiende más allá de los límites del mundo ortodoxo, creando caminos de influencias recíprocas entre Oriente y Occidente.En el presente texto se analizará la influencia del icono oriental en el arte sacro contemporáneo a través del estudio de las aportaciones que Kiko Argüello y Marko Ivan Rupnik han hecho en la catedral de La Almudena de Madrid entre 2004 y 2011. El estudio comparado de distintas iconografías permitirá apreciar la asunción y reinterpretación de modelos orientales como vehículo de renovación del arte sacro occidental.

RESUMEN: Las Edades del Hombre es una fundación dedicada a la conservación y difusión del amplio patrimonio artístico sacro que posee la comunidad autónoma de Castilla y León. Desde el año 1988, dicha fundación celebra unas exposiciones periódicas que han alcanzado una repercusión y prestigio a nivel internacional. Mediante el análisis de las cifras relacionadas con la exposición podemos comprobar el éxito de las mismas a lo largo de los años, así como la repercusión desde el punto de vista turístico para las provincias de la comunidad autónoma. ABSTRACT: “Las Edades del Hombre” (“The Ages of Man”) is a foundation dedicated to the preservation and promotion of the significant sacred artistic heritage that the autonomous region of Castilla y León boasts. Since 1988, this foundation has been holding regular exhibitions that have achieved international repercussion and prestige. Through the analysis of the statistics related to exhibition attendance, we demonstrate the success of these exhibitions over the years, as well as their impact from a tourist point of view on the provinces within Castilla y León. Grado en Turismo

The recent rehabilitation of the Episcopal Palace of Segovia has involved the renovation and reform of the diocesan museum. The article starts from the precedents to expose the further development and the main points of the museographic project that receives the title of Splendor Fidei. La reciente rehabilitación del Palacio Episcopal de Segovia ha supuesto la renovación y reforma del museo diocesano. El artículo parte desde los precedentes para exponer el desarrollo ulterior y los puntos principales del proyecto museográfico que recibe el título de Splendor Fidei.

The recent rehabilitation of the Episcopal Palace of Segovia has involved the renovation and reform of the diocesan museum. The article starts from the precedents to expose the further development and the main points of the museographic project that receives the title of Splendor Fidei. La reciente rehabilitación del Palacio Episcopal de Segovia ha supuesto la renovación y reforma del museo diocesano. El artículo parte desde los precedentes para exponer el desarrollo ulterior y los puntos principales del proyecto museográfico que recibe el título de Splendor Fidei.

La exposición A Su imagen. Arte, Cultura y Religión, tiene por objetivo compilar los hechos más trascendentes de la relación de la humanidad con Dios a lo largo de la historia a través del arte. Aprovechando este recorrido expositivo, las siguientes páginas pretenden ofrecer una serie de reflexiones centradas en la relación de la imagen artística con la soteriología.

Marko Ivan Rupnik’s classification distinguishes spiritual art, religious art, sacred art and liturgical art. It allows us to remember definitions made by previous authors and, at the same time, to determine, more precisely, the sense and meaning of liturgical art, which is an essential part of liturgy, as it manifests the Mystery even outside of active liturgical celebration. Its main elements are: its ecclesiastical character, the importance of tradition and the knowledge of the liturgy, the harmony between creative freedom and the inspiration from the Holy Spirit, essentiality, the symbolic conception of light and the central role of the materials utilized in the work. Consequently, the current research of liturgical art must be stimulated, but without forgetting that this art has its own quid. La clasificación que Marko Ivan Rupnik establece al diferenciar el arte espiritual, arte religioso, arte sacro y arte litúrgico, nos permite recordar definiciones de autores precedentes y, al mismo tiempo, determinar, con mayor precisión, el sentido del arte litúrgico, que es parte constitutiva de la liturgia, de modo que sigue haciendo presente el Misterio incluso cuando esta no se celebra. Sus principales elementos son: su carácter eclesial, la importancia de la tradición y del conocimiento de la liturgia, la armonía entre la libertad creadora del artista y la inspiración del Espíritu Santo, la esencialidad, la concepción simbólica de la luz y el protagonismo de la materia. Por ello, se debe estimular la búsqueda del arte litúrgico en la actualidad, pero sin olvidar que este arte tiene un quid propio.

The result of the rendered image obtained after the restoration has been and is a complex and controversial issue. It has been treated throughout history by many specialists, who have built their theories in the shelter of the cultural sensitivity of its time. Especially important for current experts of the Mediterranean area are the premises that Cesare Brandi formulated in the middle of the last century, although, nowadays, the concept of heritage on which he built his treatise has changed. Cultural properties are not only those that are relevant for their historic or artistic quality. The symbolic value of the work of art is a fundamental aspect to take into account also, therefore, the classical theories may not be valid. The current premises say that the authenticity of an artistic property lies in the sum of the values that characterize that object in the present and that, therefore, it is not something that comes because of the past. That is why the terms of the cultural property ceases to be, in some works, the main thing, because not only is restored this aspect. Both values have to be preserved, the immaterial and the material ones. From this perspective, since the subjects bring values, it is essential for the intervention take into account the needs of the users of the works. But this, in the workshops seems to be not accepted. The influence of positivism at the base of the formation of the majority of the technicians and the advances in technology make the intangible information stays relegate to the background. It is not assumed that science provides only part of the information and that it does not have all the answers. You need to search, in the restoration of the lost image, aims to recover the aesthetic experience of those who provide consideration of heritage to that cultural property. For this reason it is essential to judge the problem from the consensus and shared dialogue, which have to be involved both, specialists and users. And in this intersubjective space it is where there are the answers that better they will answer to the horizon of expectations of all the involved parts. To understand how to apply to the praxis all these new current theoretical concepts, there are exhibited thirteen cases of works of sacred art with different problems. The selected works are of religious themes because, in them, the symbolism plays an essential role and makes the critical judgment more complex., El resultado de la imagen representada que se obtiene tras la restauración ha sido y es un tema complejo y polémico. Ha sido tratado a lo largo de la historia por numerosos especialistas, que han construido sus teorías al abrigo de la sensibilidad cultural de su época. Especialmente importantes para los técnicos actuales del ámbito mediterráneo son las premisas que enunció Cesare Brandi a mediados del siglo pasado, aunque, hoy en día, el concepto de patrimonio sobre el que edificó su tratado ha cambiado. Los bienes culturales no son sólo aquellos que son relevantes por su calidad artística o histórica. El valor simbólico de la obra es un aspecto fundamental a tener en cuenta también, por ello, las teorías clásicas pueden no resultar válidas. Las premisas actuales dicen que la autenticidad de un bien reside en la suma de los valores que caracterizan a ese objeto en el presente y que, por tanto, no es algo que venga dado del pasado. De ahí que la materia del bien cultural deja de ser, en algunas obras, lo prioritario, porque ya no sólo se restaura esta. Se tienen que conservar tanto los valores materiales como los inmateriales. Desde esta perspectiva, y dado que los sujetos aportan los valores, es imprescindible que en la intervención se tenga muy en cuenta las necesidades de los usuarios de las obras. Pero esto, en los talleres parece no ser aceptado. La influencia del positivismo en la base de la formación de la mayoría de los técnicos y los avances de la tecnología hacen que la información intangible se quede renegada a un segundo plano. No se asume que la ciencia aporta sólo parte de la información y que no tiene todas las respuestas. El objetivo que se tiene que buscar, en la restauración de la imagen perdida, es recuperar la experiencia estética de los que aportan la consideración de patrimonio a ese bien. Por ello es imprescindible enjuiciar el problema desde el consenso y el diálogo compartido, en el que tienen que participar tanto los especialistas como los usuarios. Y en ese espacio intersubjetivo es donde se encuentran las respuestas que mejor responderán al horizonte de expectativas de todas las partes involucradas. Para entender cómo aplicar a la praxis todos estos nuevos conceptos teóricos actuales, se exponen trece casos de obras de carácter sacro con diferente problemática. Las obras seleccionadas son de temática religiosa debido a que en ellas el simbolismo juega un papel esencial y hace que el juicio crítico sea más complejo., El resultat de la imatge representada que s'obté després d'una restauració ha sigut i és un tema complex i polèmic. Ha estat tractat al llarg de la història per nombrosos especialistes, que han construït les seues teories a l'empara de la sensibilitat cultural de la seua època. Especialment important per als tècnics actuals de l'àmbit mediterrani són les premisses que va enunciar Cesare Brandi a mitjan segle passat, encara que, avui dia, el concepte de patrimoni sobre el qual va edificar el seu tractat ha canviat. Els béns culturals no són només aquells que són rellevants per la seua qualitat artística o històrica. El valor simbòlic de l'obra és un aspecte fonamental a tenir en compte també, per això, les teories clàssiques poden no resultar vàlides Les premisses actuals diuen que l'autenticitat d'un bé resideix en la suma dels valors que caracteritzen a aquest objecte en el present i que, per tant, no pot vindre establert del passat. Per aquest motiu la matèria del ben cultural deixa de ser, en algunes obres, el prioritari, perquè ja no només s'hi restaura aquesta. S'han de conservar tant els valors materials com els immaterials. Des d'aquesta perspectiva, i atès que els subjectes aporten els valors, és imprescindible que en la intervenció es tinga molt en compte les necessitats dels usuaris de les obres. Però açò als tallers sembla no estar acceptat. La influència del positivisme a la base de la formació de la majoria dels tècnics i els avanços de la tecnologia fan que la informació intangible es quede renegada a un segon pla. No s'assumeix que la ciència aporta sols part de la informació i que no té totes les respostes. L'objectiu que s'ha de buscar, en la restauració de la imatge perduda, és recuperar l'experiència estètica dels quals aporten la consideració de patrimoni a aquest bé. Per això és imprescindible enjudiciar el problema des del consens i el diàleg compartit, en el qual han de participar tant els especialistes com els usuaris. I en aquest espai intersubjetiu és on es troben les respostes que millor respondran a l'horitzó d'expectatives de totes les parts involucrades Per entendre com aplicar a la praxi tots aquests nous conceptes teòrics actuals, s'exposen tretze casos d'obres de caràcter sacre amb diferent problemàtica. Les obres seleccionades són de temàtica religiosa a causa que en elles el simbolisme juga un paper essencial i fa que el judici crític siga més complex.

This article is not only a classification of artists and the works of the XX Century dedicated to mercy in painting as well as in sculpture, it is not a comprehensive work in that sense. It presents a series of suggestions from the polysemia essential to the discourses relating to how mercy in contemporary art has become clear through the plastic creation of the last century, even despite the artist’s own intention. Furthermore, in this work, those artists dedicated to holy or devotional art have been set aside, while searching on behalf of certain works that, however out of this scope, could result to be important by attending to mercy in a society where religion has gradually been banished to the general circuits of aesthetic creation. El presente artículo huye de la mera catalogación de artistas y de obras dedicadas a la misericordia en la pintura y la escultura del siglo XX, no pretende ser un trabajo exhaustivo en este sentido. Se plantean más bien una serie de sugerencias a partir de la polisemia, inherente a los discursos del arte contemporáneo, en torno a cómo la misericordia se ha hecho patente a través de la creación plástica de la última centuria, incluso al margen de la propia intención del artista. Es más, en este artículo se ha dejado a un lado, salvo alguna excepción, a aquellos artífices dedicados al arte sacro o al arte devocional en pro de la búsqueda de determinadas aportaciones que, fuera de dicho ámbito, puedan resultar llamativas por abordar la misericordia en una sociedad donde la religión paulatinamente ha quedado relegada de los circuitos generales de la creación estética.

The relationship between art and religion is one of constant evolution in the light of new esthetic trends. Indeed, even the most groundbreaking art continues to process the raw materials provided by transcendence, religion, and, specifically, Christianity. One of the recent movements in which this process may be found is the work of young British Artists, also known as BritArt. In this respect, David Mach is a sculptor who anticipated BritArt and who has produced numerous significant works of religious art. His is an apocalyptic form of art that compels human nature to come to terms with its essence through anger, violence, fury and overwhelming profusion. In its religious sense, Mach’s art seeks authenticity through a poetics of waste and the recycling of physical and symbolic materials. It is also a populist art that strives to attain spectacular achievements and employs Shock-Art, which attracts attention and opposes common sense. As in his crucifixions, Mach frequently undertakes radical searches in which he forces visual reality. In any case, Mach’s art —and BritArt at large— finds protection in irony, for it would appear that, in order to relate freely with religion, it needs to remain a playful, sarcastic and irreverent form of art. Las relaciones entre arte y religión continúan desarrollándose a la luz de las nuevas tendencias estéticas. Incluso el arte más rompedor sigue procesando creativamente la materia prima de la trascendencia, la religión y, específicamente, el cristianismo. Uno de los movimientos recientes donde es más interesante estudiarlo es el Arte Joven Británico, conocida como BritArt. David Mach es un escultor que anticipó el BritArt y que ha desarrollado numerosas obras religiosas de primera magnitud. Aporta un arte religioso apocalíptico, que fuerza a que, a través de la ira, la violencia, la furia y la profusión desbordante, la naturaleza humana confiese su esencia. Lo religioso en el arte de Mach busca la autenticidad mediante la poética de los deshechos y el reciclaje de los materiales físicos y simbólicos. Es un arte populista, que busca logros espectaculares y practica el Shock-art o arte chocante que consigue atención y produce extrañamientos del sentido común. Mach pone en marcha búsquedas radicales forzando la realidad visual como es el caso de sus crucifixiones. No obstante, el arte de Mach —y el BritArt— siempre se protege tras la ironía. Funciona como arte lúdico, sarcástico e irreverente y parece que necesita esas actitudes estéticas para poder relacionarse libremente con la religión.

En: Tradición y modernidad en la obra de Marko Iván Rupnik: implicaciones estéticas e iconográficas de los mosaicos del Centro Aletti (Roma), pp 145-161. Madrid: CEU Ediciones, 2014. ISBN 978-84-15949-24-4 Los mosaicos de Marko Iván Rupnik logran mostrar la verdad de fe con sencillez, sin embages, pero con toda su hondura. Puede afirmarse que son verdaderos "lugares teológicos". La Sagrada Escritura se convierte en sus teselas "en una especie de inmenso vocabulario de de Atlas iconográfico" (M. Chagall), hasta el punto de que las escenas logran inmortalizar en el instante que reproduce la piedra distintas páginas de la Escritura. La Tradición nutre y suple lo que la letra no es capaz de abarcar. Al mismo la configuración de la obra artística como elemento constitutivo de la Liturgia sugiere e incita al espectador a buscar más allá. Y en esa búsqueda se logra la segunda finalidad de la liturgia: el encuentro personal del hombre con su Dios. Marko Iván Rupnik's mosaics manage to show the truth of faith simply, without embezzlement, but with all its depth. It can be said that they are true "theological places". Sacred Scripture becomes in its tesserae "a kind of immense vocabulary of an iconographic Atlas" (M. Chagall), to the point that the scenes manage to immortalize different pages of Scripture at the moment that the stone reproduces. Tradition nurtures and supplies what the letter is unable to cover. At the same time, the configuration of the artistic work as a constitutive element of the Liturgy suggests and encourages the viewer to seek further. And in that search the second purpose of the liturgy is achieved: the personal encounter of man with his God.

La siguiente publicación parte de la iniciativa del proyecto escultórico desarrollado en el seno de la Facultad de Bellas Artes de Sevilla. El mismo se ha elaborado una obra escultórica adaptada a los criterios formativos de la asignatura de Imaginería polícroma. En la que se ha profundizado desde la experiencia profesional en la investigación de técnicas tradicionales de la policromía adaptada a la escultura postconciliar en relación al arte sacro actual. This article is the result of the work experience at the Faculty of Fine Arts in Seville. It shows the development of a sculpture work adapted to the subject of Imaginería Polícroma and it´s criterions of training. In this subject we study consciously from the professional experience of traditional techniques, used in sculptures after the II Vatican Concilium and above all in the current religious sculptures.

Conferencia impartida en las II Jornadas de Imaginería, Las raíces de la imagíneria andaluza del siglo XXI, celebradas los días 1 a 3 de junio de 2011 y organizadas por el Colegio Oficial de Doctores y Licenciados en Bellas Artesde Andalucía. Desde la Dirección se me invitó a dicho evento para participar como ponente invitado, desarrollando por mi parte desde el prisma de la profesión de la escultura sacra mi parecer en el tema. Dada la formación en este ámbito de la escultura, qué mejor criterio que el de seguir los principios de mi maestro, D. Juan Abascal Fuentes. Fue por ello, que esta ponencia se centró en su persona y en la valoración de los principios estéticos seguidos en su magisterio como escultor de arte sacro. En el texto se recogen algunos apuntes genéricos de su biografía y su producción artística como referente en el capo de la imaginería hispalense y de nivel nacional e internacional como se puede observar.

Con esta comunicación quiero hacer constar el valor documental que entiendo posee la obra artística del escultor Miguel Fuentes del Olmo. En mi opinión, considero que este artista representa un claro exponente de las artes plásticas de la segunda mitad del siglo XX en España, y ha sido heredero directo de maestros de primerísima talla en un marco de ebullición y proliferación del arte a todos los niveles. With this representation of my lecture I want to confirm the documentary value that I believe the artistic work of the sculptor Miguel Fuentes del Olmo possesses. As I understand, this artist has become a clear exponent in plastic art of the second half of the 20th century here in Spain, being a direct inheritor of highly rated masters in a frame of vital and prolific art at all levels.

¿Qué singular poder transfigurador tiene el arte para haber disuadido a Beethoven de recurrir al suicidio al verse privado del encanto del sonido? A esta inquietante pregunta responde el Dr. López Quintás en esta obra, merced a la luz que arroja sobre la esencia del arte y la experiencia artística su novedosa teoría de los “ámbitos” o “realidades abiertas”, donadoras de posibilidades creativas. Bien entendida, la experiencia artística amplía nuestra visión de la realidad, concede a nuestra inteligencia sus tres condiciones básicas (largo alcance, amplitud, profundidad) y nos permite superar el bloqueo espiritual que sufrimos al pensar que la libertad y las normas, la independencia y la solidaridad, la autonomía y la heteronomía se oponen entre sí insalvablemente. Para quienes deseen comprender el secreto del lenguaje poético, en todas sus modalidades, su lectura marcará sin duda un hito, un antes y un después. Este sorprendente poder formativo del arte fue clarificado por el autor en tres obras anteriores (Estética de la Creatividad. Juego. Arte. Literatura, Rialp, Madrid 31998; La formación por el arte y la literatura, Rialp, Madrid 1993; La experiencia estética y su poder formativo, Universidad de Deusto, Bilbao, 32010) y es mostrado de manera sugestiva en este breve y denso libro. pre-print 1336 KB

La colección de ornamentos litúrgicos de la Basílica Catedral de Lima es de gran valor, a pesar de la fragilidad de los materiales y de su continuado uso. Estos ornamentos destacan por su singularidad, calidad técnica, cualidades estéticas y suntuosidad, manifestadas tanto en la selección de los materiales como en la riqueza de los temas iconográficos que ostentan, a la vez que reflejan las prácticas cristianas desarrolladas durante el período virreinal y los primeros años de vida republicana. A pesar de su importancia, estas prendas aún no han suscitado el interés de los investigadores y no se han desarrollado estudios al respecto. Esta es una primera aproximación.