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Le succès de l’exposition de Garry Winogrand, au Jeu de Paume, du 14 octobre 2014 au 8 février 2015, atteste encore une fois de l’immense potentiel expressif de la photographie de rue chez les photographes américains, ainsi que de l’intérêt du public pour ce genre photographique. Le paysage urbain, toujours changeant, a une façon particulière chez Winogrand de mettre l’humain au premier plan, suggérant un perpétuel spectacle et créant chez le spectateur, une relation double de complicité et d...

This article analyzes representations of female Wars on Terror witnesses by Helen Benedict and Lynsey Addario. In their narratives of U.S. soldiers and Arab refugee lives, both criticize effects of (counter-)terrorist warfare and argue for transcultural compassion. Benedict’s documentary novel Sand Queen (2011) unsettles the categories of Oriental terrorist and U.S. hero, as a military sexual assault survivor and an Iraqi refugee interact. Journalistic photographs from Addario’s series for The New York Times (“Women at War”; 2010) and National Geographic (“Veiled Rebellion”; 2010) document the suffering experienced by female soldiers and civilians. These counter dominant Wars on Terror discourses by complicating the gender stereotypes underwriting the U.S. defense melodrama and its anti-colonial resistance. Through field research, including interviews, Benedict and Addario strive toward “authentic” reports of war, but their documentary aesthetics anticipate receptions that sensationalize pain and commodify colonial power asymmetries. This article also asks if demanding that subaltern woman testify to oppression commemorates depoliticized compassion or further precludes the participation of “others” from political spheres.

En febrero de 1867, algunas mujeres reunidas en Asunción decidieron ofrecer al presidente de la República del Paraguay, el mariscal Francisco Solano López, un libro manuscrito con tapa de oro, en el cual constaba el proyecto de organizar una manifestación de joyas en todo el país y las actas de cada pueblo que respondió favorablemente a la convocatoria lanzada desde la ciudad capital. ¿Qué representa el Libro de Oro? ¿Cómo se vincula con los otros obsequios al Mariscal López realizados entre 1866 y 1868? Este estudio pretende esclarecer el contexto de producción del Libro de Oro, insertándolo en un sistema mucho más amplio de regalos que se hicieron al presidente paraguayo entre 1866 y 1868. De igual modo, pretende aproximarse al estudio de las características y de los actores de este sistema de presentes que iría evolucionando con los eventos de armas, permitiéndonos, de este modo, observar y analizar el clima general de Asunción, así como el de las zonas alejadas de los campos de batallas.

En la última década del siglo XIX, surgieron asociaciones de veteranos de la guerra del Paraguay en Argentina y Uruguay. La conservación, en el Museo Histórico Nacional de Montevideo, de un importante fondo documental que reúne la información producida por la institución uruguaya nos ha permitido avanzar en el estudio de ésta y de su par argentina, a partir de las comunicaciones sostenidas desde 1895. Las huellas dejadas por la institución creada en Buenos Aires son, en cambio, escasas y se hallan dispersas en fuentes indirectas. A partir de un estudio comparativo y conectado que considera las especificidades de cada caso y el desequilibrio heurístico generado por las condiciones de producción y conservación de los documentos, avanzamos algunas hipótesis sobre la génesis, características, dinámicas y prácticas de estas experiencias asociativas.

The importance and distinctiveness of the Holocaust as a 20th century genocide make its appearance currently reoccur in studies related to trauma, memory, intergenerational transmission, and postmemory. This article analyzes two works whose authors come from two distinct generations and from two very different cultural spaces. Helga Weiss, a Holocaust survivor from The Czech Republic, is a first-hand witness and a child during World War II, while Art Spiegelman, the renowned American cartoonist, tells and illustrates his father’s survival story through a graphic novel, as a member of the 2nd generation.

Este trabalho analisa as reações populares à expansão do recrutamento militar no Brasil, durante a Guerra da Tríplice Aliança (1864-1870) e na União norte-americana, durante a Guerra Civil (1861-1865). A hipótese é de que a luta pelo recrutamento militar e a consequente expansão dos governos centrais em cada uma das sociedades nos períodos anteriores ao início de cada um dos conflitos interferiu nas prerrogativas locais e voluntárias que prevaleceram em cada uma das sociedades nos períodos pré-guerra.

Se reconstruye el impacto de la violencia paraestatal en la cotidianidad de ámbitos legislativos locales y nacionales durante el tercer gobierno peronista en Argentina; se analiza esta forma de violencia desde un abordaje que nos permite el cruce de cotidianidades en distintas escalas de análisis: en primer lugar, la política legislativa de decisión de alcance nacional, geográficamente emplazada en el Congreso Nacional, en la ciudad de Buenos Aires. Y en segundo lugar, la política legislativa del municipio de la ciudad de Bahía Blanca, escenario distante del capitalino (ubicado a 700 km de distancia de la ciudad de Buenos Aires). También se analizan perfiles políticos de actores que resultan centrales para explicar lo paraestatal entre 1973 y 1976.

Michael Rothberg’s new book, The Implicated Subject. Beyond Victims and Perpetrators, develops his seminal ideas from his 2009 study, Multidirectional Memory. Remembering the Holocaust in the Age of Decolonization. While in his previous work Rothberg focused on intersecting comparative, non-competitive forms of memory deployment, his new book builds upon and nuances the entanglements and networks of previously touched-upon aspects of solidarity and complicity.

El estudio de la guerra como fenómeno histórico plantea con frecuencia algunos dilemas para el investigador. La guerra del Paraguay o guerra de la Triple Alianza fue la contienda bélica en la que mayor cantidad de paraguayos, brasileños y argentinos luchó y fue víctima en toda la historia de esos países. En los últimos años , se han producido interesantes avances sobre el área en Argentina. Estos trabajos trascienden los juicios morales a los que un investigador se enfrenta cuando aborda una guerra de resultados tan devastadores. Los análisis, lejos de erigirse en jueces de la historia, parten del reconocimiento de la magnitud que tuvo la contienda en ese país. Un repaso por los abordajes más recientes del tema en Argentina es el propósito de este artículo. The study of war as a historical phenomenon often raises dilemmas for the researcher. The Paraguayan War or Triple Alliance War was the most deadly conflict in the history of Paraguay, Brazil and Argentina. Interesting advances have been made on the field in recent years in Argentina. These works go beyond the moral judgments faced by researchers dealing with a war of devastating results. Analysts do not position themselves as judges of history, they start rather from the recognition of the struggle magnitude. A review of the most recent approaches to the subject in Argentina is the purpose of this article. Fil: Baratta, María Victoria. Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Técnicas. Oficina de Coordinación Administrativa Saavedra 15. Instituto de Historia Argentina y Americana "Dr. Emilio Ravignani". Universidad de Buenos Aires. Facultad de Filosofía y Letras. Instituto de Historia Argentina y Americana "Dr. Emilio Ravignani"; Argentina

En 1898, Julio A. Roca regresó a la presidencia de Argentina. Su segundo gobierno debió hacer frente a una sociedad profundamente transformada como resultado de una economía en expansión, poderosas corrientes migratorias y la aparición de nuevos actores sociales. En busca de respuestas a una serie de cuestiones derivadas de esos cambios, el gobierno mostró una temprana disposición reformista que lo llevó a plantear su política sobre nuevos principios. Los Territorios Nacionales, que representaban la mitad de la superficie argentina y dependían del Estado federal, no escaparon a esa actitud reformista. En 1900, el gobierno impulsó una nueva ley de Territorios para reemplazar la vigente desde 1884. Este artículo analiza las innovaciones principales del proyecto, su trayectoria institucional y la concepción de la representación en la que se fundaba, con el propósito de comprender el modo en que el roquismo repensó la transformación de dichos espacios en nuevas provincias.

El recorrido de Enrique Zuleta Álvarez (1923- 2015) muestra un conjunto de características biográficas significativas para abordar el tema de las derechas radicales y sus circulaciones internacionales desde el final de la Segunda Guerra Mundial. Historiador de las ideas hispanoamericanas, marcado por las ideas de Charles Maurras, nuestro actor reforzó, durante su viaje intelectual y académico, sus relaciones con varias figuras intelectuales y políticas de otras latitudes. Las actividades académicas a las que se dedicó en Argentina le permitieron realizar diversas estadías en América Latina, Europa y Estados Unidos, durante las cuales se encontró con personalidades de la Acción francesa, del carlismo y del neofascismo. En términos de sociabilidad e ideas compartidas, su caso ilustra, de una manera particular, el proceso de internacionalización de las derechas, así como algunos de sus límites, representativos del déficit de estructuración de las derechas en Argentina.

For almost thirty years following the end of the Second World War, very few first-person narratives of the war by combat veterans were published in America, and, as a result, those veterans’ traumatic experiences failed to inform the national memory of the conflict. A number of cultural influences contributed to these veterans’ silence, including wartime propaganda, Hollywood’s participation in crafting an image of the war that justified America’s large Cold War military, and postwar perceptions of trauma and manhood. Not until Vietnam veterans returned and told their stories did WWII veterans address their experiences publicly in memoir and challenge the national narrative of the conflict.

This article compares two graphic novels dealing with the subject of modern border crises, namely Joe Sacco’s Palestine and Jérôme Ruillier’s The Strange, by considering empathy creation in visual media. Ruillier’s The Strange, whose stated goal is to elicit empathy by presenting the viewer with as many narrative perspectives as possible, is a graphic novel dealing with the translation of a refugee in a nondescript fantasy world which only vaguely alludes to the recent refugee crisis in France. Ruillier gives passersby, police officers, activists, and the protagonist’s own smuggler equal self-representation, which results in a fragmented narrative structure that does not bring the refugee’s own voice to the fore. This technique, combined with the lack of a specific socio-political context for the protagonist’s translation, engenders empty empathy in the viewer’s reaction to the refugee’s trauma, mainly due to The Strange being a patchwork creation of refugee stories whose common denominator is personal pain, something which cannot elicit authentic empathy. This article proposes a comparison with Joe Sacco’s Palestine, which illustrates specific stories from Gaza and the West Bank, and whose events compel Sacco to throw in his lot with the refugees; this second perspective highlights the difference between empty empathy and witnessing, and in the process underlines what Ruillier’s work lacks in its treatment of borders and refugees.

Entre 1893 y 1896, se publicó en Buenos Aires el Álbum de la Guerra del Paraguay, auspiciado por la Asociación de Guerreros del Paraguay, creada en 1891 por jefes y oficiales que formaron parte del bando argentino en el ejército aliado. Desde de sus primeras entregas, el Álbum buscaba resaltar las figuras militares a partir de una doble intención reivindicativa-histórica que trataba de contrarrestar una ingratitud social y estatal. Además, mostraba en el mismo movimiento un problema: el guerrero era una figura heroica pero humillada a la cual se debía socorrer. El objetivo de estas líneas es preguntarnos por la especificidad de este problema representado, ubicando el discurso del Álbum, por un lado, como antecesor de aquellos que se preocuparon por la cuestión social a fines del siglo XIX y, por otro lado, simultáneamente como parte de una larga tradición respecto a las obligaciones del gobierno hacia las fuerzas militares y de otra sobre el asociacionismo militar sobre la base de la participación bélica.

En los primeros años de la dictadura militar, el gobierno municipal de Rosario implementó una serie de iniciativas y acciones dirigidas hacia la sociedad civil en el ámbito local, buscando generar adhesiones sociales hacia la gestión o hacia algunas de sus políticas. Generalmente, estas convocatorias fueron muy eficaces y recibieron el apoyo de diversos sectores, notablemente las denominadas “fuerzas vivas” (corporaciones empresarias, medios de prensa, autoridades eclesiásticas), pero también otros actores pasibles de ser encuadrados en los sectores populares, como sucedió con las asociaciones vecinales de los barrios de Rosario, que se convirtieron en unos de los principales soportes de la gestión del capitán Cristiani. Este trabajo indaga en las políticas del régimen y en las respuestas y los comportamientos sociales a la luz del estudio de un actor específico: las asociaciones vecinales.

La revisión de las dinámicas de la violencia política contra el proyecto de la dictadura cívico militar de Augusto Pinochet en un escenario regional, nos obliga a reconocer su intensidad, continuidad o ruptura con el ciclo anterior. Postulamos que la existencia, durante el período de estas dinámicas de la lucha armada y la contrainsurgencia, posibilitaron un escenario postdictatorial más que transicional en la política chilena, permitiendo una continuidad de la lucha contra la actividad política armada por medio de la lucha contra la delincuencia, más cercana a una guerra de baja intensidad. Revisar estas dinámicas nos obliga a reconocer su impacto a nivel nacional, ya que es imposible que dichas estrategias sean consecuencia exclusiva de lo ocurrido en los territorios al centro político histórico del Estado chileno, el eje Santiago - Valparaíso - Talca. Dicho proceso fue vivido con aguda intensidad en espacios regionales, como el Gran Concepción. En esta zona, el Frente Patriótico Manuel Rodríguez y el MAPU-Lautaro desarrollaron una intensa actividad partidaria y militar. Se ha revisado para ello prensa local, documentos y medios partidarios, y documentación del Archivo de la Presidencia de Patricio Aylwin.

O artigo analisa as estratégias de (re)ocupação da Amazônia brasileira durante a ditadura militar implantada com o golpe de 1964, em particular o estímulo ao que se convencionou chamar de “projetos de colonização e agropecuários” e o consequente surgimento de cidades como parte desses projetos. Analisamos as políticas públicas no âmbito dos dispositivos e tecnologias de poder, implementadas e usadas como estratégias para os deslocamentos dos trabalhadores rurais, bem como os resultados práticos das suas condições de vida e trabalho na Amazônia. Nesse quadro histórico, situa-se a expropriação do pequeno proprietário rural, a concentração e monopólio do uso capitalista da terra, a violência aos povos indígenas e a devastação ao meio ambiente e, que ao final, resultou em um grande processo de urbanização, concentração fundiária e produção de commodities.

Se investiga la creación de instituciones formales para la toma de decisiones políticas y el rol del caudillo Estanislao López en la provincia de Santa Fe, Argentina, durante los años posteriores a la independencia. Se recurre a un marco teórico novedoso que entiende el proceso de toma de decisión no como un acto meramente mental interno individual, sino como un proceso comunicativo propio de la acción social. Se propone el concepto de hipocresía, propio del sociólogo sueco Nils Brunssson, relacionándolo con teorías sobre el poder y la violencia para comprender mejor el rol de los caudillos en la etapa de la construcción de estados provinciales en el Río de la Plata y el surgimiento de decisiones estructurantes provisorias. Usando cartas y manifiestos de Estanislao López y otros documentos pertenecientes al Archivo General de la Provincia de Santa Fe como fuentes principales, se concluye que su actuación se puede caracterizar, de una manera no necesariamente negativa, como toma de decisiones hipócritas, basándose en estructuras provisorias. Así la hipocresía permitió a los caudillos resolver conflictos de manera autoritaria y, al mismo tiempo, contribuir en la implementación definitiva de altos criterios formales de legitimación para las decisiones políticas.

La casona de la familia Seré cumplió un rol clave durante la última dictadura argentina al funcionar como centro clandestino de detención. Tras la fuga de cuatro detenidos el día 24 de marzo de 1978, el sitio se desarticuló y fue incendiado con el fin de borrar las marcas de su uso represivo. Este artículo analiza los efectos a escala local de los usos socioespaciales de la Mansión Seré sobre las prácticas vecinales cotidianas. Examinaremos el interior y el exterior de la casona como espacialidades arquitectónicas, territorialidades del poder y ámbitos utilizados por las fuerzas represivas entre 1977 y 1978 y posteriormente por los vecinos de la zona.

En el contexto de recurrentes conflictos militares y políticos que se sucedieron entre 1853 y 1862, las presiones del Estado hacia el juez de paz de Mercedes por reclutar paisanos para los cuerpos militares determinaron el ritmo de las detenciones y las sentencias, violentando las relaciones sociales. En estas coyunturas de crisis, la actividad del juez de paz se ve condicionada a cumplir con las exigencias del estado provincial, exacerbando su despotismo local. Si bien determinamos continuidades con la lógica de estas variables al compararlas con los gobiernos de Rosas, demostramos que los controles a los paisanos se profundizaron, empeorando sus condiciones de vida. El juzgado de paz priorizó el orden más que la justicia, como en los tiempos del federalismo.

En Uruguay, la última dictadura comenzó el 27 de junio de 1973 cuando el presidente Juan María Bordaberry, en acuerdo con varios de sus ministros, disolvió las cámaras de Senadores y Diputados y las diecinueve Juntas Departamentales del país. El presidente fue apoyado por políticos de su partido, el colorado, y del blanco; también por los militares. Aunque resulte paradójico, el golpe fue, al mismo tiempo, rechazado por otros sectores y figuras coloradas, blancas, militares y frenteamplistas. A pesar de los amplios rechazos, no se consolidó un frente político de oposición. El objetivo principal es analizar ciertos aspectos de los apoyos iniciales con los que contó el nuevo régimen, fundamentalmente desde la perspectiva de un medio de prensa local de la ciudad de Durazno, donde se expresaban, además de su director, “padres demócratas” y colectivos anticomunistas.

This article focuses on the most recent writings of Don DeLillo, and in particular it analyzes three of DeLillo’s later works, namely The Body Artist, Point Omega and Zero K, as examples of a more meditative and reflective attitude towards the themes of time and image in his recent production. By studying how these books present the reader with a sort of suspended narrative time, I will read them in the light of concepts and notions drawn from the philosophy of Henri Bergson and Gilles Deleuze, in particular Bergsonian duration and Deleuze’s idea of the time-image. Reading DeLillo’s recent novels according to this philosophical framework enables one to consider the implications his writing draws between time and images in configuring the perception of time as an almost physical, substantial and non-subjective whole to be sensed and described through narrative and figurative strategies. Cet article propose une lecture de la production la plus récente de Don DeLillo et, en particulier, vise l’analyse de trois romans, The Body Artist, Point Omega et Zero K, ces livres représentant, par rapport à la production précédente de l’écrivain, des exemples d’une attitude plus réflexive et méditative à l’égard de sujets comme le temps et l’image. En analysant la manière dont ces ouvrages présentent une sorte de suspension du temps narratif, on tracera une connexion entre les descriptions de moments et de scènes plus contemplatifs et certains concepts dérivés des philosophies d’Henri Bergson et de Gilles Deleuze, notamment l’idée de durée bergsonienne et la notion deleuzienne d’Image-Temps. L’étude de ces trois romans de DeLillo dans un tel cadre philosophique permet de considérer toutes les implications que l’écriture trace entre le temps et l’image, en configurant et exprimant une perception du temps comme totalité physique, sensible et non-subjective, qui est perçue et décrite à travers des stratégies narratives et de figuration.

This article begins by proposing a very partial reading of Lookout Cartridge (1974) as a means of opening the way to a more comprehensive analysis of Women and Men (1987), an analysis which restricts itself, however, to a treatment of the main “man” of the novel, James Mayn, and in particular to his relation to his apparently suicidal mother. In doing so, it attempts to conceptualize various pastoral themes and intentions that appear in McElroy’s writing, thus finding a way of rendering an account of the author’s anti-paranoid stance with respect to science and technology, and enabling certain observations on the viability of an eco-critical approach to literature. The main objective, however, is an attempt to understand McElroy’s intention to “transmute” our technological fears without merely rejecting them, which involves a fundamental rethinking of the Art-Nature, Technè-Phusis conflict at the heart of the pastoral tradition. This rethinking, as it is deployed by the text of Women and Men, enables a critique of Western power and of its will to domination and destruction that appear infinitely capable of ignoring themselves. What McElroy’s pastoral ethos ultimately amounts to is a respect for the enigma of appearance in its difference from nature, an ethos which neither dominant modes of power nor eco-critical approaches to its catastrophic effects seem eager to acknowledge. Cet article commence par proposer une lecture partielle de Lookout Cartridge (1974) afin d’ouvrir la voie à une analyse de Women and Men (1987), une analyse qui se borne toutefois à une discussion de l’ « homme » principal du roman, James Mayn, et en particulier à la relation de celui-ci avec sa mère apparemment suicidaire. Ce faisant, certains thèmes et intentions liés à la tradition pastorale, qui apparaissent dans l’œuvre de McElroy, sont abordés dans l’optique de rendre compte de l’attitude de l’auteur vis-à-vis de la science et de la technologie modernes, ce qui permettra par ailleurs quelques observations à propos du bien-fondé des approches éco-critiques de la littérature. L’objectif principal, cependant, consiste en une tentative de comprendre l’intention, telle que la formule McElroy, de « transmuer » nos craintes technologiques au lieu de simplement les fuir, intention qui implique la nécessité de repenser de manière fondamentale le conflit Art-Nature, Technè-Phusis, qui est au cœur de la tradition pastorale. Cette pensée, telle qu’elle se déploie dans le corpus de Women and Men, permet à son tour une critique fondamentale de la volonté de puissance occidentale et d’une volonté de domination et de destruction qui semblent infiniment capables de s’ignorer. Ce en quoi consiste finalement l’éthos pastoral de McElroy est un respect pour l’énigme de l’apparence dans sa différence vis-à-vis de la nature, un ethos que ni les formes dominantes du pouvoir ni les approches éco-critiques qui tentent de prendre en compte leurs effets catastrophiques semblent vouloir reconnaître.

L’annee 2020 restera dans les annales comme une annus horribilis pour les relations civilo-militaires aux Etats-Unis. Lors des manifestations massives contre le racisme et les violences policieres qui eurent lieu au printemps, le 45e president menaca a plusieurs reprises d’utiliser l’armee pour « dominer les rues », au point que les hauts responsables militaires craignirent d’avoir a se battre contre leurs propres concitoyens. Trump sembla mettre ces menaces a execution le 1er juin lorsque, a...

At first sight, an ecocritical study of American art entitled “Nature’s Nation” may call to mind the lavish canvasses of the Hudson River School or Ansel Adams’s pristine Yosemite prints. Yet what to make of a high chest of drawers from the 1760s, a woven robe by a Tlingat artist from Alaska, or Alexander Gardner’s Civil War photographs and their ecological underpinnings? The monumental exhibition catalogue Nature’s Nation unites these (and many more) objects in an eye-opening, unapologetical...

International audience; This paper explores Graham’s revaluation of American morality, as well as her Whitman-inspired conception of “physical morality” promoting the free expression of the truth of the body, and her conception of the universal beauty of the body performing true movement, free from the stifling falseness of puritan conventions. Influenced by Nietzsche, Graham opposed the repressive forces of a Puritan “priestly mode of valuation” to a life-affirming, joyful urge in the soul that fosters creativity and doesn’t devalue the body. This opposition will be particularly examined in her use of Nietzschean Umwertung in her ballet Letter to the World, that was inspired by the life and work of Emily Dickinson.; Cet article s’intéresse à la manière dont Graham, inspirée par Nietzsche et Walt Whitman, revisite la notion de moralité, et en particulier d’une "moralité physique" où la vertu s’incarne aussi dans le corps, et non seulement dans l’esprit – une vertu qui viendrait de l’expression libre et "vraie" du corps, débarrassé du fardeau et de la fausseté des conventions puritaines. Comme Whitman et Nietzsche, Graham met en scène cette opposition entre les forces répressives du puritanisme et la pulsion de vie, créatrice et vertueuse, et refuse une séparation du corps et de l’esprit dans la conception de la morale ou de la vertu. Cette opposition sera particulièrement examinée dans l’interprétation que Graham donne de la notion Nietzschéenne d’Umwertung dans son ballet Letter to the World, inspiré de la vie et de l’œuvre d’Emily Dickinson.

Starting from Giorgio Agamben’s observation that “the end of the poem” is threatened by generic indefiniteness, this article explores what occurs when, on the other end, the text refuses to begin, postponing its own formulation in favor of a never-ending foreword. Far from enabling an absolute contact between words and things that would settle once and for all the ambiguous relationship between reality and imagination, the seemingly close unit of the poem or collection, more particularly as it was expressed by American modernism, is thus jeopardized, the text being assigned to the virtuality of a “placeless place” (Aristotle; Agamben) where poetry and philosophy may meet. Refusing its own closure, the page of the poem, through the fluctuations of its contours and the engagements it stages, joins the tentative field of the essay, thereby abolishing generic categories as much as the Platonic scission between philosophical and poetical words. Partant du constat que livre Giorgio Agamben sur l’indéfinition générique qui menace « la fin du poème », cet article examine ce qui se joue en parallèle lorsque le texte se refuse à tout à fait commencer, différant sa propre formulation au profit d’un avant-propos sans cesse relancé. Loin de fournir le lieu et le moment privilégiés d’un contact absolu entre les mots et les choses, qui réglerait une fois pour toutes les termes du commerce équivoque entre réalité et imagination, l’unité en apparence close du poème ou du recueil, tout particulièrement tels que les formula le modernisme américain, se trouve ainsi remise en jeu, renvoyant le texte à la virtualité d’un « lieu sans lieu » (Aristote, Agamben) où faire se rencontrer poésie et philosophie. D’espace de clôture, la page du poème, par les fluctuations de sa circonférence et les élans qui s’y opèrent, se fait terrain d’essai où s’abolissent les lignes génériques autant que la scission platonicienne entre paroles philosophique et poétique.

“Explaining is where we all get into trouble,” affirms Richard Ford’s anti-hero Frank Bascombe in The Sportswriter. Frank spends however a great deal of the novel explaining why explanation must be avoided, and why life must be not interpreted, but rather lived. This position may be compared to Nick Shay’s misological efforts, in Don DeLillo’s Underworld, to preserve a “wordless shock” before the world, or the renouncement of the search for meaning in Philip Roth’s American Pastoral (“He had learned the worst lesson that life can teach—that it makes no sense”). Such explicit protests against self-reflection may initially appear symptomatic of an anti-intellectual impetus within a society which views philosophy as a threatening limitation of the free American self. As challenges to a reductive, rationalizing and explicative logos, such novelistic discourses of resistance against the philosophical are highly self-critical, self-reflexive, and metatextual. They thus represent a solipsistic philosophy, with a history arguably as long as philosophy itself, which this article considers in specific reference to the fiction of Richard Ford, especially his 1986 novel The Sportswriter. Far from proposing the United States as an anti-philosophical culture, these discourses, as fictional incarnations of an ironic Socratic archetype, rather explore ways in which modes of reticence against philosophy, construed at once as an institution, mode of discourse, and epistemological method, are themselves explicitly philosophical positionings. « Explaining is where we all get into trouble », affirme Frank Bascombe, l’anti-héros du roman The Sportswriter de Richard Ford. Et pourtant, Frank ne cesse d’expliquer, au fil de longues pages, en quoi il faut éviter toute explication et pourquoi la vie doit être vécue plutôt qu’interprétée. Cette forme d’anti-philosophie peut évoquer les élans misologiques de Nick Shay dans Underworld de Don DeLillo, qui veille à maintenir un état de « choc muet » devant le monde, ou le renoncement à toute quête de sens dans American Pastoral de Philip Roth (« He had learned the worst lesson that life can teach—that it makes no sense »). Ces attaques explicites à l’égard de la réflexion sur soi peuvent apparaître, a priori, symptomatiques d’une attitude d’anti-intellectualisme propre à une société qui considère la philosophie comme une limitation menaçant le moi américain libre. Cependant, de tels discours de résistance à l’encontre du philosophique, en cela même qu’ils prétendent défier un logos réducteur, rationalisant et explicatif, se révèlent hautement autocritiques, réflexifs et métatextuels. Ils relèvent d’une philosophie solipsiste dont l’histoire est au moins aussi longue que celle de la philosophie, et que cet article interroge à travers les romans de Richard Ford, plus particulièrement The Sportswriter (1986). Loin d’ancrer les États-Unis dans une culture anti-philosophique, ces discours se présentent comme les incarnations fictives d’un archétype socratique ironique. Ils invitent à explorer dans leur pluralité les formes de réticence envers la philosophie – comme institution, modalité discursive et méthode épistémologique.

Entre le bilan d’une présidence républicaine marquée par l’apparition et l’affirmation du « trumpisme » et une opposition démocrate qui a dû se relancer structurellement et idéologiquement au lendemain de l’élection de Donald Trump en 2016, les enjeux de l’élection du 3 novembre 2020 vont au-delà d’une simple confrontation partisane. Comme les évènements de Minneapolis du 25 mai 2020 et le décès de George Floyd l’ont révélé, l’Amérique est en proie à une crise identitaire profonde. Quelles sont les options qui se font face et, plus important encore, quels sont les réels enjeux de ce scrutin historique ? À l’heure du choix, cette journée d’études nous offre une présentation dynamique des différentes perspectives et problématiques auxquelles fait face l’Amérique d’aujourd’hui. Far from a mere partisan contest, the election of November 3, 2020 represented a moment of truth for a Republican presidency marked by the appearance and affirmation of “Trumpism” and a Democratic opposition on the path to structural and ideological reinvention ever since Donald Trump’s 2016 election. As the events of Minneapolis of May 25, 2020 and the passing of George Floyd revealed, America is in the thralls of a deep identity crisis. What are the options open to voters and, more importantly, what are the real issues that lie behind this historic election? At this historic juncture, this seminar gave us a dynamic presentation of the different perspectives and issues facing America today.

The article explores a corpus of Hollywood Westerns spanning a fifty-year period between 1931 and 1980 in which Frenchwomen are prominent agents on the Western frontier. It suggests that while the American film industry has had a long-standing esteem for French culture, it was during the 1950s that Hollywood began to promote systematically positive representations of Frenchwomen in the Western. It proposes that a genre of “Frenchness Westerns” emerged in the 1950s as a sub-genre of commercially successfully “Frenchness films” (Schwartz 2007) such as An American in Paris (1951) and Gigi (1958). Issuing from a general climate of American post-war Francophilia, Frenchwomen in the “Frenchness Western” are intelligent and daring, even outdoing American male heroes. These women are understood as incarnating an “admirable alterity,” and are often compared to indigenous and Mexican women, sometimes aiding the latter in the sphere of interracial romance. These broadly positive representations of the Frenchwoman as agent and potential ally to other women would last until 1980 and Michael Cimino’s Heaven’s Gate. This essay suggests that the commercial failure of this film seems likely to have had a hand in ending the presence of Frenchwomen in the Hollywood Western—Frenchness becoming synonymous with the financially unviable. Cet article étudie un corpus de westerns hollywoodiens qui couvre une période de cinquante ans entre 1931 et 1980. Le cinéma américain a toujours estimé la France, perçue comme le pays du glamour, du luxe et des Lumières. Néanmoins, c’est à partir des années 50 que des « westerns à la française » se développent en tant que sous-genre des « films à la française » (Schwartz 2007), genre filmique rentable, tels Un Américain à Paris (1951) et Gigi (1958). Dans un contexte de francophilie hollywoodienne, les Françaises dans ces westerns sont présentées comme des femmes intelligentes qui n’ont pas peur du danger, à tel point qu’elles surpassent le héros américain. Incarnant une altérité quasi-racisée et positive (« admirable alterity »), elles sont souvent comparées aux femmes mexicaines et indigènes. Elles promeuvent la possibilité du mariage interracial, habituellement désavoué par le western hollywoodien. Cette représentation positive de la Française, personnage fort de l’Ouest américain et alliée des femmes racisées, durera jusqu’à la sortie de La Porte du paradis de Michael Cimino en 1980. Il est probable que l’échec commercial de ce film ait contribué à la disparition de la Française dans le western hollywoodien.

© Gaspar Tringale Jeffrey Eugenides’s debut novel, The Virgin Suicides, was published to major critical and popular acclaim in 1993. It has since been translated into thirty-four languages and adapted on screen by Sofia Coppola. His second novel, Middlesex (2002), was awarded the Pulitzer Prize, was shortlisted for the National Book Critics Circle Award and the French Prix Medici. The Marriage Plot (2011), his third novel to date, was a National Book Critics Circle Award finalist. First publi...

This article discusses the relationships between Thomas Pynchon’s novels and the philosophy of chance and probability, especially in connection with quantum theory, which radically redefined our thinking concerning both concepts, and to begin with, the nature of physical reality. The article considers how different scientific theories dealing with chance and probability figure in Pynchon’s major novels, which, the article argues, helps us to think more deeply about Pynchon’s use of these theories or other mathematical and scientific theories, and about the relationships among literature, philosophy, and mathematics and science in general. Cet essai s’interroge sur les relations que tissent les romans de Thomas Pynchon avec la philosophie du hasard et de la probabilité, notamment dans son rapport avec la théorie quantique, qui a radicalement redéfini la façon dont nous pensons ces deux concepts, ainsi que, pour commencer, la nature même de la réalité physique. Cet article interroge la présence de diverses théories scientifiques traitant du hasard et de la probabilité dans les principaux romans de Pynchon, et cherche à approfondir la réflexion autour de l’utilisation que fait le romancier de ces théories et d’autres, qu’elles soient mathématiques ou scientifiques. Ce sont donc les articulations entre littérature, philosophie, mathématiques et, plus largement, la science que cet article vise à interroger.

Although in the history of the West the relation between the literary and the philosophical has often been conceived in terms of a rivalry, perhaps with one field or regime of discourse attempting to annex or tame the other, what the articles collected in this volume devoted to twentieth and twenty-first century American writing reveal is a rather striking display of conjunctions presenting a less antagonistic image of their relation. This may confirm Stanley Cavell’s famous assertion that Am...

Before puzzling over some possible conjunction between literature and philosophy, one has to agree on what such concepts mean. However, as soon as one wonders about their definitions, concepts like “literature” or “the novel” on the one hand, or “philosophy” or even “concept” on the other, prove all too elusive. If one thinks they know what a novel is, it proves virtually impossible to freeze a suitable definition of the aesthetic concept. The reason for that impossibility might be that philosophy’s mission, to the extent that it reflects upon concepts, is somehow to blur them. Yet this article aims to show that it is precisely in that sense that literature, through the example of the novel, is in itself philosophical to the degree that what defines the novel is a self-reflexive interrogation of what makes it so. With the example of Virginia Woolf’s To the Lighthouse, the article concludes that there might be no intrinsic knowledge of our (aesthetic) concepts outside examples. Avant de s’interroger sur une éventuelle conjonction entre littérature et philosophie, encore faut-il s’entendre sur ce que recouvrent ces concepts. Or dès qu’on soulève la question de leur définition, les concepts de « littérature » ou de « roman » d’un côté, de « philosophie » voire de « concept » de l’autre, s’avèrent éminemment fuyants. Si on pense savoir ce qu’est un roman, en arrêter une définition acceptable s’avère quasiment impossible. La raison en est que la philosophie, en tant qu’elle s’interroge sur des concepts, a pour mission de les brouiller. Or, cet article vise à démontrer que c’est précisément en ce sens que l’écriture littéraire, à travers l’exemple du roman, est philosophique, puisque c’est aussi le propre du roman, à l’instar de To the Lighthouse de Virginia Woolf, de s’interroger sur ce qui le définit en tant que tel. De sorte qu’il n’y a de connaissance possible que dans l’exemple.

Comme son titre l’affichait clairement, la journée d’étude « Visual and verbal self-portraiture / Se donner à voir, se donner à lire », organisée à distance par Jean-Louis Claret, Richard Phelan et Sophie Vallas (LERMA) à Aix-Marseille Université le 9 octobre 2020, portait sur l’art de l’autoportrait lorsqu’il est tout à la fois visuel et textuel. L’appel à communications rappelait les parallèles qui ont toujours été tracés entre la capture d’une image dans le miroir en verre du peintre et ce...

The Water Cure and Percival Everett by Virgil Russell are two of Percival Everett’s novels that most overtly intertwine literature and the philosophical. They do so not so much by promoting philosophical theories as by putting to the fore that the literary text is a mode of becoming, a gesture of thought. By experimenting with language and form, these two novels participate in the advent of thought and meaning. The Water Cure et Percival Everett by Virgil Russell sont deux romans de Percival Everett dans lesquels littérature et philosophie ne forment qu’un corps écrit qui se dessine non tant dans l’exposition et l’exploitation de théories philosophiques que dans l’exhibition du texte littéraire comme mode de devenir et geste de pensée. En expérimentant avec le langage et les formes narratives, ces deux romans font advenir la pensée et le sens.

This article investigates how the relation between poetry and philosophy is developed in a sample of reflections on the philosophical qualities of the American Modernist poet Wallace Stevens’s work. It offers a critical presentation of a handful of twenty-first-century published responses to Stevens’s poetry emanating from two different quarters: fellow poets and philosophers. The five selected poets (David Baker, Linda Gregerson, Carl Phillips, Stanley Plumly, and Carol Frost) collectively pondered Stevens’s philosophical qualities in a recent issue of the New England Review, while the responses by philosophers Alain Badiou and Peter Hare were published in collections of their essays. The two different angles are investigated precisely because they fall outside mainstream literary criticism on Stevens and help to dramatize several of the difficulties confronted by poets and philosophers seeking to find common ground. By pitting the voices of poets against those of philosophers, the article allows the reader to observe empirically how poets are often wary of addressing Stevens’s philosophical weight except by noting the formal and stylistic enactment of mental activity in his verse, while philosophers sometimes fail to acknowledge the intrinsic nature of lyric thinking, and thus do not always manage to contribute to a deeper understanding of the poetry as such. Cet article s’interroge sur la manière dont la relation entre poésie et philosophie se développe dans certaines réflexions sur la portée philosophique de l’œuvre du poète moderniste américain Wallace Stevens. Il dresse le portrait critique de certaines réponses proposées au vingt-et-unième siècle à la poésie de Stevens, qui proviennent de champs différents : poésie d’un côté, philosophie de l’autre. Les cinq poètes choisis dans le cadre de cette étude (David Baker, Linda Gregerson, Carl Phillips, Stanley Plumly, et Carol Frost) se sont collectivement penchés sur les ressorts philosophiques de Stevens dans un numéro récent de la New England Review, tandis que les réponses apportées par les philosophes Alain Badiou et Peter Hare ont été publiées dans des ouvrages recueillant certains de leurs essais. Nous choisissons de nous intéresser à ces deux approches précisément dans la mesure où la critique littéraire dominante sur l’œuvre de Stevens tend à les ignorer, mais aussi parce qu’elles permettent de dramatiser plusieurs des difficultés auxquelles font face poètes et philosophes à la recherche d’un terrain d’entente. Or en confrontant la voix de poètes à celle de philosophes, cet article propose au lecteur d’observer de manière empirique comment les poètes tendent à se méfier du poids philosophique de Stevens en concentrant leurs efforts sur la façon dont l’activité mentale vient s’incarner formellement et stylistiquement dans les vers du poète, alors que les philosophes ont de leur côté tendance à ignorer la nature intrinsèquement lyrique de la pensée, ne parvenant pas, ce faisant, à proposer une compréhension fine de la poésie en tant que telle.

Larisa Dryansky’s Cartophotographies is an original and ambitious exploration of the intersections between cartography and photography in the period that extends from the 1960s to the beginning of the 1970s. Her analysis focuses on the work of five American artists: Ed Ruscha, Robert Smithson, Dennis Oppenheim, Douglas Huebler, and Mel Bochner. What are the cartophotographies in the title? They refer to artistic practices that combine photographs and maps in a variety of ways: artists taking ...

The Fictions of American Capitalism est un ouvrage collectif, issu de plusieurs journees d’etudes, qui reunit les contributions d’historien-nes, d’economistes, de sociologues et de specialistes d’etudes litteraires etats-uniennes. Malgre la diversite d’horizons des contributeurs et contributrices de l’ouvrage, celui-ci presente une certaine unite dans l’ambition disciplinaire qu’il revendique. En effet, le projet general du livre est de depasser l’idee que « literature and economics make odd ...

Cet article se penche sur les récits inspirés à Louisa May Alcott par ses visites des institutions caritatives pour garçons sans abris à New York au milieu des années 1870. Soucieuse de divertir autant que d’instruire son jeune public et convaincue de la réussite par le travail, Alcott minimise la part d’exploitation et d’oppression pourtant manifeste dans les refuges pour garçons qu’elle décrit. Exempts de tout moralisme, ses récits présentent de forts échos biographiques avec la vie de l’autrice : son expérience de la pauvreté, son chemin vers l’abstinence et surtout un humanisme directement hérité de ses parents et de leurs actions caritatives. This article examines Louisa May Alcott’s tales based on her mid-1870s tour of philanthropic institutions for New York’s homeless boys. In an effort to make her lessons more palatable to her young readership and reflecting her own beliefs in the themes of self-improvement, Alcott often euphemizes the shelters’ evidently oppressive and exploitative dimensions. Devoid of moralism, Alcott’s tales also carry strong biographical accents, from her own experience of poverty to her own temperance journey and, most importantly, the humanistic spirit which she inherited from her parents’ own charity efforts.

The paper addresses the issue of education in art museums. It examines the first attempt to establish an art education project at the Museum of Modern Art (MoMA) in New York. Firstly, the paper explains why MoMA based its original art education program on the fundamental ideas of John Dewey’s theories of progressive education. Secondly, it analyzes the grassroots of five progressive art education initiatives launched by MoMA’s founding Director of the Department of Education Victor D’Amico in 1937-1969. The paper concludes that D’Amico’s experiential philosophy of art education, although no longer practiced at MoMA, advanced the value of art education as social experience in art pedagogy both in the United States and abroad.; Cet article traite de l’éducation dans les musées d’art. Il revient sur la première tentative de création d’un projet d’éducation artistique au Musée d’art moderne (MoMA) de New York. L’article explique en premier lieu pourquoi le MoMA s’est appuyé, pour son premier programme d’éducation artistique, sur les théories de John Dewey en matière d’éducation nouvelle. Il se consacre ensuite à cinq programmes d’éducation artistique progressiste lancés entre 1937 et 1969 à l’initiative de Victor D’Amico, directeur du département de l’Éducation. L’article en conclut que le projet éducatif expérimental de D’Amico, bien qu’il ne soit plus aujourd’hui pratiqué au MoMA, aura mis en avant la valeur de l’éducation artistique en tant qu’expérience sociale dans la pédagogie artistique contemporaine aux États-Unis et à l’étranger.

The aim of this paper is to explore the experience of exile in two folk ballads by Bruce Springsteen, “American Land” (2006) and “The Ghost of Tom Joad” (1995). The paper examines the aesthetic and poetic aspects of the two ballads. “American Land” tells the story of a new immigrant who settles in America and portrays it as a Promised Land. In “The Ghost of Tom Joad,” Springsteen suggests that ordinary people undergo a metaphorical exile that has led John Steinbeck’s protagonist Tom Joad in The Grapes of Wrath (1939) to express his anger against the injustice of the Great Depression. L’objet de cet article est d’explorer l’expérience de l’exil dans deux ballades de Bruce Springsteen, « American Land » (2006) et « The Ghost of Tom Joad » (1995). Il sera question d’examiner les aspects esthétiques et poétiques de ces deux ballades. « American Land » aborde le thème de l’immigration aux États-Unis et propose le récit d’un nouvel immigrant qui dépeint son nouveau pays d’accueil comme une terre promise. Dans « The Ghost of Tom Joad », Springsteen suggère que les gens ordinaires en Amérique contemporaine subissent un exil métaphorique qui a conduit Tom Joad, personnage principal du roman de John Steinbeck Les Raisins de la colère (1939) à exprimer sa colère contre les injustices de la Grande Dépression.

This article examines the individuals who came to London in order to lobby the imperial authorities in favour of the expansion of French-Canadian rights from the 1763 Treaty of Paris to the 1840 Act of Union and who were delegated by a significant body or institution within French Canada. Early efforts were centred on the expansion of religious rights and the perpetuation of Quebec’s legal and social institutions, including French civil law and the seigneurial system. Religious affairs remained an important facet of French-Canadian lobbying throughout the British regime, though the issue of political reform, which came to the fore in the 1780s, soon came to dominate lobbying efforts. These efforts were predicated on ideas of loyalty, as delegates sought to negotiate a place within the British Empire for French Canada. They lobbied London to allow French Canadians to fully participate in civic life within the framework of British political institutions while also allowing Quebec to retain its particular religious and social institutions. Delegates experienced some success, especially when they enjoyed the support of the colonial authorities at Quebec, but often failed to achieve their goals because they ran counter to British policy or because their English-speaking opponents had greater access to Whitehall.

La franchise My Little Pony: Friendship is Magic est célèbre pour son public « inattendu », un fandom composé en grande partie d’hommes adultes, et qui semble contraster fortement avec son public « cible » (les petites filles). Cette vision clivée invite à s’interroger sur les attentes et intentions des différents agents impliqués dans la production des récits, sur la façon dont ces attentes se manifestent et sur le type de comportements encouragés. En effet, MLP: FiM se situe à la convergence de nombreuses injonctions (commerciales, morales, idéologiques etc.) visant à construire un public spécifique. Les comics et dessins animés MLP: FiM sont une commande d’Hasbro visant à stimuler ses ventes de jouets pour filles, mais ils sont également tributaires de contraintes juridiques et idéologiques liées à leur statut de divertissement enfantin, destiné à préserver et éduquer leur jeune public. Par ailleurs, les équipes impliquées dans le développement des récits de MLP: FiM possèdent leurs propres attentes ; en particulier, il s’agit de remettre en question les stéréotypes de genre véhiculés par l’industrie du divertissement pour filles en inculquant à ces dernières des valeurs d’indépendance, de solidarité et de développement personnel. Cette prise de position est en fait au cœur de l’attraction transgénérationnelle de MLP: FiM et constitue le terreau dans lequel une communauté de fans plus âgés s’est enracinée, développant de nouveaux modes de consommation. Popular and academic discussions of My Little Pony: Friendship is Magic often tend to contrast the “expected audience” of very young girls with an adult, mostly male “unexpected audience.” This polarizing view begs the question of what the various agents involved in the production of the series actually expect of their audience, and how such expectations are expressed through the material they produce and the type of behaviors they encourage. I argue that MLP: FiM is in fact the site of a complex combination of expectations (moral, commercial, and otherwise) that create a specific type of audience. Beyond their obvious commercial nature, the MLP: FiM show and comics are tied with ideological and legal concerns regarding the status of children’s entertainment, which is expected to protect and educate its audience. Moreover, the creators had their own set of expectations: they set out to question gender stereotypes by creating quality entertainment for girls that presented independence, solidarity, and individual development as positive values. The desire to reappraise girls’ entertainment helped create a franchise that was in fact transgenerational and encouraged different modes of participation, thus creating the conditions for the emergence of an older, more media-savvy fan audience.

Dans le cadre du projet « Faire le point sur les fictions historiques » (https://mhma.hypotheses.org/133) était présentée, le 21 juin dernier, la journée d’études intitulée « Fiction historique : enjeux théoriques et idéologiques / Theoretical and Ideological Issues in Historical Fiction », à l’Université de Paris, sur son campus Paris Rive Gauche. Réunissant une trentaine de chercheurs, les quatre sessions ont permis d’entendre huit présentations couvrant des champs aussi divers que la litté...

A wealth of pre-Confederation weather and climate observations were recorded in Canada by individuals and institutions during both the French and British empires. This scientific heritage came about for a number of reasons. For instance, the Hudson’s Bay Company wanted to reduce operating costs by having their posts in Canada’s north-west become self-sufficient in agriculture. Others wished to save lives from cholera or shipwrecks, or to satisfy curiosity about the ever-present debate concerning anthropogenic climate change. Today, historical climate observations can be found in many diverse locations. Despite our rich scientific heritage, turning archival paper and ink observations into scientific data remains an enormous technical challenge. This challenge falls to our generation, both to use this heritage to investigate the historical context of current climate change and variability, and to use the digital resources in development today to safeguard our scientific heritage for future generations.

From 1849 to 1851, Canada’s first international literary celebrity, the Mississauga writer Kahgegagahbowh, or George Copway, travelled the United States, Great Britain and Europe promoting his vision for the future of Indigenous peoples in the United States. Building on a theological critique of settler colonialism, he called for the creation of a new Indigenous territory west of the Mississippi led by a legislature made up of English-speaking Indigenous Christians. Copway believed that through the establishment of this territory he called Kahgega, European settlers would be able to atone for the sins committed against Indigenous North Americans, thus escaping the impending wrath of God. More importantly, believing that Indigenous peoples faced imminent extinction, he saw Kahgega as a permanent means of preserving his people and safeguarding their shrinking lands and political agency. Though Kahgega failed to impress the public, Copway’s vision offers a fascinating window into an early attempt at reconciling the Indigenous and non-Indigenous halves of North American society. Using the Truth and Reconciliation Commission of Canada’s definition of ‘reconciliation’, this article shows that past, often failed, Indigenous political visions reveal the complexities and tensions inherent in dialogue surrounding reconciliation.

The editor’s integral role in the production of a literary piece has traditionally been overlooked in favor of solitary authorship. Tim Groenland’s meticulously researched book seeks to turn the spotlight on the hidden figure behind the author and evaluate the role of the self-effacing editor in the literary process. A thorough examination of archival material has enabled Groenland to study two significant author-editor collaborations of the twentieth century. First, Groenland focuses on the ...

Cette introduction au dossier thématique replace la question de l’émergence de médias à destination des enfants dans le temps plus long de l’histoire des médias aux États-Unis. L’introduction interroge la place et le rôle des enfants, des adolescents et des jeunes adultes dans l’écosystème médiatique destiné à l’enfance et à la jeunesse, avant de présenter les contributions qui composent le dossier. An introduction to the thematic dossier, this contribution situates the emergence of child-media in the larger history of the media in the United States. After raising the question of the place assumed by children, teenagers, and young adults in the media system that targets them, as well as the roles they get to play in it, this introduction presents the contributions in the dossier.