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Fine arts are becoming more and more attractive. The socio-occupational uncertainties and the challenges artists are bound to have to cope with made us question their commitment and the way they lead their lives as artists and view their work. Paying attention to involvement, artistic calling or passion for making art, we focused our survey on an undifferentiated population of artists in terms of socio-occupational groups, exposure on markets or even style. This enabled us to follow the significant outlines of experiments of creative work through the manifold conjunctions that gather artisticities and sociabilities, materialities and imaginations, subjects and objects, administrative situations and ambitions but also private stories and great histories of art. Thus, this research led us to underline the fact that, in the field of art or artists, and for the whole entities of this sphere, any attempt to model, typify or determine will face the opposition of personal experiences., Les arts plastiques exercent un attrait grandissant. Face aux incertitudes socio professionnelles et aux enjeux de réussite qui attendent pourtant les artistes, nous nous sommes interrogés sur l’engagement et la façon dont ils mènent leur « vie d’artiste » et conçoivent leur travail. Attentif à l’engagement, vocation ou passion à « faire de l’art », nous avons fait porter notre enquête sur une population d’artistes indifférenciée en termes de catégorie socio professionnelle, de visibilité sur les marchés ou encore de style. Nous avons pu ainsi décrire les contours marquants des expériences d’un travail de création sous l’angle des multiples interférences qui assemblent des artisticités et des sociabilités, des matérialités et des imaginaires, des sujets et des objets, des statuts administratifs et des ambitions mais aussi des histoires particulières et des grandes histoires d’art. Cette recherche nous a donc conduit à mettre en relief le fait que dans le domaine de l'art ou des artistes et pour l'ensemble des entités qui constituent ce champ, toute tentative de modélisation, caractérisation, détermination se trouve confrontée à la résistance des expériences singulières.

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International audience; Dès la Renaissance puis, de manière plus affirmée à partir du XVIIe siècle, des artistes ont accompagné les souverains et leurs armées sur le champ de bataille. Leur production, composée d’après des croquis pris sur le vif, peut-elle être perçue comme un témoignage privilégié des événements historiques qu’ils immortalisaient, comme ils en revendiquaient l’ambition ?Cet ouvrage vise à présenter, du XVIIe au XIXe siècle, une synthèse de ces maîtres connus ou oubliés qui, au gré de l’évolution du goût et des courants artistiques auxquels ils étaient affiliés, cherchaient à rendre dans leurs œuvres un aspect « exact et vrai » des scènes de combat et des lieux qui s’offraient à leurs regards.

International audience

Cet article analyse les moyens dont les artistes entrepreneurs disposent pour protéger leur liberté de création artistique et atténuer ainsi leur dépendance à l’égard des mécanismes qui les gouvernent. Il s’appuie sur une étude de cas multiples dans le secteur de l’art vivant. Les résultats de l’analyse de contenu manuelle des entretiens semi-directifs, menés auprès de cinq structures culturelles d’art vivant de Bourgogne, mettent en évidence l’importance des réseaux et des mécanismes informels, tels que la confiance et la réputation, ainsi que les relations durables avec les parties prenantes. Le recours aux mécanismes formels et intentionnels de gouvernance, tel que le conseil d’administration, joue un rôle d’une importance très variable d’un cas à l’autre. This article analyses the possibilities the artist-entrepreneurs have at hand in order to protect their freedom of creative action in regard of the mechanisms that govern them. It relies on a multiple case study in the Live Art Sector. The results of a manual content analysis of the in-depth interviews with five Burgundy theatrical companies highlight the importance of networks and informal mechanisms, like trust and reputation, as well as building long term relationships with stakeholders. Formal governance mechanisms, like the board of directors, play a very variable role.

Position de thèse; International audience

The question of the border between artisan and artist has been discussed for a long time. The aim of this research is to enrich this debate from an entrepreneurial and marketing perspective, using the semiotic square method. The “artisan / artist” semiotic square highlights four types of activities (artisanal, artistic, commercial and industrial) which are opposed on several criteria: intrinsic vs extrinsic motivations, product vs customer orientation and manual vs non-manual know-how., La question de la frontière entre les concepts d'artisan et d'artiste fait débat depuis de très nombreuses années. L'objectif de cette recherche est de contribuer à enrichir ce débat dans une perspective entrepreneuriale et marketing, grâce à la méthode du carré sémiotique. Le carré sémiotique « artisan / artiste » permet de mettre en évidence quatre natures d'activités (artisanal, artistique, commerciale et industrielle) qui se différencient, voire s'opposent, sur plusieurs critères : motivations intrinsèques vs extrinsèques, orientation produit vs client et savoir-faire manuel vs non manuel.

International audience; L'article envisage la pratique ekphrastique de Chateaubriand à partir de la description qu'il donne des portraits peints, vus au cours de ses voyages, et notamment de ses visites de musées. Il montre comment ces portraits contemplés deviennent le vecteur privilégié de la méditation sur le temps, sur la mémoire, sur les pouvoirs de l'art, qui est au cœur des derniers livres des "Mémoires d'outre-tombe".

International audience; Cet article analyse les conditions de naissance d’un nouveau lieu de création artistique public dans un quartier populaire de la région parisienne. Il identifie les différentes dynamiques à l’œuvre : les luttes d’influence, les injonctions contradictoires, la confrontation des logiques de politiques sectorielles (culturelle et urbaine) à différentes échelles (du local au national), les contingences matérielles et quotidiennes des professionnels en action, les difficultés internes de management. Pour ce faire, l’article articule les intentions portées par le spectacle d’inauguration du lieu avec des observations menées dans le cadre d’une résidence de recherche au sein de cette institution.

Understanding the words that are forming the lexicon of the art world is a necessity for the contemporary artist. Nevertheless, the meaning of each notion, of each concept, for the art practitioner, must remain personal. This is the position of a painter, a fluid position of the psyche of an image-maker and a (almost religious) practitioner of painting. It is formed mainly from these words : image, personal, myth, shaman, artist, word, aura, psychoanalysis. The personal myth being a story specific to the individual life of a speaking being, thus manifests the intimate aspect of an existence. It is the source of the artistic approach aiming at reproducing fragments of this mythology. This research takes, as the first figure of the artist, the shaman, and I propose to name him ‘artist-shaman’. In order to build the identity of the artist in a contemporary and mixed society, this research is oriented towards the spiritual characteristics of the shamanas well as towards the search for a meaning given to an individual spirituality. The main problematic of this thesis is formed from a question : Is the aura of a art work, particularly painting, the consequence of a myth-biographical approach ? This work establishes a reflection on creative action, subject to a personal mythology. The concept of myth in a personal imagery, as well as its link to the interior-exterior space - the world that surrounds it and the world that inhabits it, through which the artist identifies himself as such - together form the scheme of this work. With regard to the common characteristics between the place of the shaman and the place of the artist in a society, this thesis proposes the consideration of a myth-biographical element present in any artistic and creative process, an element that seeks to overcome the artist and transcend the speaking being. Personal mythology and the aura of the art work form the conceptual basis of this thesis. I therefore propose some questions: could personal myth be the only subject of the art work ? Is the contemporary artist an ‘approximate artist’ ? Who could be an artist-chaman ? This thesis is also built around the primary and material issues of the artist’s life. Where is the place of the artist in a contemporary society ? Is ‘making art’ a work ? In the professional life of each artist, these questions arise one day or another, and each one will choose his answer or will invent it. My answer is not yet clear, because - apart from the question of death, the reality of death being part of our destiny - nothing is clear in life or in art. Personal mythology is in a way the tortuous and uncertain path that I have chosen to go down to meet my idea ofthis thesis. In order to analyze the paintings present in this work, I set up an analysis of the elements of each image. All the analyses are formed from the idea of ‘personal myth’., Cette recherche prend, comme première figure de l’artiste, le chaman, et je me propose de le nommer ‘artiste-chaman’. Pour bâtir l’identité de l’artiste dans une société contemporaine et métissée, cette recherche s’oriente vers les caractéristiques spirituelles du chaman ainsi que vers la quête d’un sens donné à une spiritualité individuelle. La problématique principale de cette thèse se forme à partir d’une question : L’aura d’une œuvre d’art, en particulier la peinture, est-elle la conséquence d’une démarche mythe-biographique ? Ce travail établit une réflexion sur l’action créative, soumise à une mythologie personnelle. Le concept de mythe dans une imagerie personnelle, ainsi que son lien à l’espace intérieur-extérieur — ce monde qui l’entoure et celui qui l’habite, au travers desquels l’artiste s’identifie en tant que tel — forment ensemble le schéma de ce travail. En regard des caractéristiques communes entre la place du chaman et la place de l’artiste dans une société, cette thèse propose la considération d’un élément mythe-biographique présent dans toute démarche artistique, un élément qui cherche à surmonter l’artiste et à transcender l’être parlant. La mythologie personnelle et l’aura de l’œuvre d’art forment la base conceptuelle de cette thèse. Elle est construite à partir d’une sensibilité personnelle par rapport à l’art. Je propose donc quelques questions : le mythe personnel pourrait-il être le seul sujet d’une œuvre d’art ? L’artiste contemporain est-il un ‘artiste approximatif’ ? Qui pourrait être un artiste-chaman ? Cette thèse se construit également autour des problématiques primaires et matérielles de la vie de l’artiste. Où est la place de l’artiste dans la société contemporaine ? Est-ce-que ‘faire œuvre’ est un travail ? Dans la vie professionnelle de chaque artiste, ces questions se posent un jour ou l’autre, et chacun va choisir sa réponse ou va l’inventer. Ma réponse n’est pas claire, car — à part la question de la mort, la réalité de la mort qui fait partie de notre destin — rien n’est clair dans la vie ou dans l’art. La mythologie personnelle est en quelque sorte le chemin tortueux et incertain que j’ai choisi pour aller à la rencontre de mon idée que je me fais de cette thèse. Pour analyser les peintures présentes dans ce travail d’écriture, je mets en place une analyse des éléments de chaque image. Toutes les analyses se forment à partir de l’idée du ‘mythe personnel’.

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International audience; En Europe, plusieurs techniques apparaissent au cours du xve siècle pour imprimer des images sur papier. Les estampes obtenues par ces nouveaux procédés sont des œuvres reproductibles, relativement peu onéreuses et particulièrement mobiles, qui circulent facilement d’un pays à l’autre. Ce nouveau médium est très apprécié par les artistes et les artisans, qui y voient un réservoir de motifs prêts à réemployer dans leurs œuvres, mais aussi un bon moyen de connaître les innovations artistiques ayant cours dans certaines régions d’Europe. Cette culture visuelle commune passe notamment par les estampes originales de graveurs allemands comme Martin Schongauer et Albrecht Dürer, mais aussi par les estampes interprétant les peintures et dessins des grands maîtres italiens tels que Raphaël ou Michel-Ange. Ces estampes de qualité connaissent une grande fortune dans les ateliers germaniques, flamands, italiens, français, espagnols et anglais, où elles sont étudiées, adaptées et retravaillées par les apprentis et par les maîtres.

International audience; (Civ. 1re, 22 mai 2019, n° 17-28.314, Bull., D. 2019. 1101 ; ibid. 1784, chron. S. Vitse, S. Canas, C. Dazzan-Barel, V. Le Gall, I. Kloda, C. Azar, S. Gargoullaud, R. Le Cotty et A. Feydeau-Thieffry ; ibid. 2216, obs. S. Godechot-Patris et C. Grare-Didier ; Dalloz IP/IT 2019. 558, obs. S. Delayen ; Légipresse 2019. 335 et les obs. ; RTD com. 2019. 665, obs. F. Pollaud-Dulian)

At the end of the fourteenth century and in the first half of the fifteenth, English are almost always at war – against the French of course, but also inside the country, after the deposition of Richard II by Henry IV Lancaster in 1399. Several poets working through this period have written to exhort their sovereigns and their compatriots to peace, for instance John Gower, Thomas Hoccleve or John Lydgate, as well as anonymous writers. This paper analyses their discourse on peace, based on a traditional ethical and christian basis, but offering numerous variants and nuances linked to the circumstances of composition., À la fin du XIVe et dans la première moitié du XVe siècle, les Anglais sont presque continuellement en guerre – contre les Français bien sûr, mais aussi entre eux, suite à la déposition de Richard II par Henri IV en 1399. Plusieurs poètes actifs durant cette période ont alors écrit pour exhorter leur souverains et leurs compatriotes à la paix – tel John Gower, Thomas Hoccleve ou John Lydgate mais aussi des anonymes. Cet article explore les modalités de leurs discours sur la paix, qui s’appuient certes sur un socle traditionnel éthique et chrétien, mais qui offrent nombre de variantes et de nuances, intimement liées au contexte dans lesquels ils sont composés.

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This text proposes a reflection on the intercultural encounter, the notion of interstructuration in Malrieu and that of individuation in Jung. It is inspired by research in intercultural clinical psychology on the effects of therapeutic workshops offered to people suffering from disorders related to Alzheimer's disease or related diseases. This work was carried out in an accommodation facility for elderly people (EHPAD). Within this establishment a secure extension called UHR (Enhanced Accommodation Unit), welcomes elderly people with behavioral disorders and requiring specific care. The UHR is a living space that houses residents suffering from "Alzheimer's" disease or a related illness. The aim of care is to preserve as long as possible the quality of life of the people received, through personalized support, through individual or group activities: occupational therapy, memory workshops, gardening, manual activities, art- therapy, shared meals, relaxation ... This is where we met Mr M., Este texto propone una reflexión sobre el encuentro intercultural, la noción de interstructuración en Malrieu y la de individuación en Jung. Se inspira en la investigación en psicología clínica intercultural sobre los efectos de los talleres terapéuticos ofrecidos a personas que padecen trastornos relacionados con la enfermedad de Alzheimer o enfermedades relacionadas. Este trabajo se realizó en un alojamiento para personas mayores (EHPAD). Dentro de este establecimiento, una extensión segura llamada UHR (Unidad de Alojamiento Mejorado) da la bienvenida a personas mayores con trastornos de conducta y que requieren atención específica. El UHR es un espacio habitable que alberga a residentes que padecen la enfermedad de "Alzheimer" o una enfermedad relacionada. El objetivo de la atención es preservar el mayor tiempo posible la calidad de vida de las personas recibidas, a través del apoyo personalizado, a través de actividades individuales o grupales: terapia ocupacional, talleres de memoria, jardinería, actividades manuales, arte. terapia, comidas compartidas, relajación ... Aquí es donde conocimos al Sr. M., Ce texte propose une réflexion sur la rencontre interculturelle, la notion d’interstructuration chez Malrieu et celle d’individuation chez Jung. Il est inspiré par une recherche en psychologie clinique interculturelle sur les effets d’ateliers thérapeutiques proposés à des personnes souffrant de troubles liés à la maladie d’Alzheimer ou des maladies apparentées. Ce travail a été réalisé dans un Etablissement d’Hébergement pour Personnes Agées Dépendantes (EHPAD). Au sein de cet établissement une extension sécurisée dite UHR (Unité d’Hébergement Renforcée), accueille les personnes âgées souffrant de troubles du comportement et nécessitant une prise en charge spécifique. L’UHR est un lieu de vie qui héberge des résidents souffrant de la maladie d’«Alzheimer» ou d’une maladie apparentée. L’objectif de la prise en charge est de préserver le plus longtemps possible la qualité de vie des personnes accueillies, grâce à des accompagnements personnalisés, au travers d’activités individuelles ou collectives : ergothérapie, ateliers mémoire, jardinage, activités manuelles, art-thérapie, repas partagés, relaxation… C’est là que nous avons rencontré Mr M., Este texto propõe uma reflexão sobre o encontro intercultural, a noção de interestruturação em Malrieu e a noção de individuação em Jung. Ele é inspirado em pesquisas em psicologia clínica intercultural sobre os efeitos de oficinas terapêuticas oferecidas a pessoas que sofrem de distúrbios relacionados à doença de Alzheimer ou doenças relacionadas. Este trabalho foi realizado em uma instalação de alojamento para idosos (EHPAD). Dentro deste estabelecimento, uma extensão segura chamada UHR (Enhanced Accommodation Unit), acolhe idosos com distúrbios comportamentais e requer cuidados específicos. O UHR é um espaço que abriga residentes que sofrem da doença de "Alzheimer" ou de uma doença relacionada. O objetivo do cuidado é preservar, tanto quanto possível, a qualidade de vida das pessoas recebidas, por meio de suporte personalizado, por meio de atividades individuais ou em grupo: terapia ocupacional, oficinas de memória, jardinagem, atividades manuais, arte- terapia, refeições compartilhadas, relaxamento ... Foi aqui que encontramos o Sr. M.

International audience

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Le 9 octobre 1973, le bureau politique du comité central du parti socialiste unifié de la République démocratique allemande décide de célébrer en 1975 le 450e anniversaire de la mort de Thomas Müntzer, le héros-martyr de la guerre des Paysans de 1525, par une série de colloques et de commémorations. Est également retenu, selon le protocole de la réunion, le principe d’une vaste fresque peinte dédiée à la mémoire de la première révolution allemande pré-bourgeoise, une expression empruntée au l...

L'interrogation qui nous guidera tout au long de ce chapitre porte sur le fait de savoir comment l'on peut entretenir des liens de solidarité au sein d'une structure collective, alors même que ses membres sont animés par des mobiles d'action très individualistes, ce qu'implique le travail de création artistique. Pour répondre à ce questionnement, la première partie présentera le fonctionnement de Scop-artistes et le défi que constitue la conciliation de la solidarité collective avec l'autonomie individuelle. La deuxième partie montrera que la réponse qui y est apportée combine responsabilisation des individus et adhésion au projet collectif de la structure, la gouvernance démocratique étant essentielle à la réussite de cette combinaison.

International audience; For the past ten years, Chinese cities have been developing creative clusters. The article analyzes the ways in which this urban model is used in China to promote old industrial districts in disuse, while being adjusted to the local political context. The case of the M50 in Shanghai is detailed while being put into perspective with other examples (Tianzifang, 798, etc.).; Depuis une dizaine d'années, les villes chinoises se mettent à l'heure des clusters créatifs. L'article analyse les modalités selon lesquelles ce modèle urbain est repris en Chine pour revaloriser d'anciens quartiers industriels en désuétude, tout en étant ajusté au contexte politique local. Le cas du M50 à Shanghai est détaillé tout en étant mis en perspective avec d'autres exemples (Tianzifang, 798, etc.).

International audience; For the past ten years, Chinese cities have been developing creative clusters. The article analyzes the ways in which this urban model is used in China to promote old industrial districts in disuse, while being adjusted to the local political context. The case of the M50 in Shanghai is detailed while being put into perspective with other examples (Tianzifang, 798, etc.).; Depuis une dizaine d'années, les villes chinoises se mettent à l'heure des clusters créatifs. L'article analyse les modalités selon lesquelles ce modèle urbain est repris en Chine pour revaloriser d'anciens quartiers industriels en désuétude, tout en étant ajusté au contexte politique local. Le cas du M50 à Shanghai est détaillé tout en étant mis en perspective avec d'autres exemples (Tianzifang, 798, etc.).

Nous vivons au temps de tout et de son contraire. Un temps fait de rapidite et de lenteur, d’archaisme et de science-fiction, d’artisanat et de grandes series, d’Occident et d’Orient, de purete et de violence […]. Des objets d’usage quotidien s’entremelent aux objets theoriques, a la virtuosite productive, a l’ordinateur, aux objets historiques, aux œuvres d’art. Empruntee au champ des arts plastiques, la notion de « multiple » reste-t-elle pertinente dans le cas de productions qui se definis...

International audience; « L’essentiel du don ne réside pas pour nous dans son utilité pour l’individu ou dans la gratuité, ni dans quoi que ce soit qui touche à l’un ou à l’autre des pôles de la relation. Il est dans la relation elle-même et dans le fait que celle-ci introduise une tension dans la façon dont l’être humain se pense par rapport aux autres et trouve sa place au sein du groupe. C’est ce dont témoignent les études du M.A.U.S.S par leur recherche du « juste milieu » et des propos de J. Lageira et A. Lontrade : « le don est en effet aussi inutile que nécessaire pour la constitution de la communauté, aussi désintéressé qu’intéressé à la valorisation personnelle du donataire ». Le don et l’art ont une communauté sinon de nature, du moins d’esprit. Ils sont, tous les deux des manifestations de la tension relationnelle qui cimente les groupes humains et structure les individus, ce qui fait qu’ils se mêlent de façon intime. C’est ce que nous étudierons sur le plan individuel et sur le plan sociétal. »

International audience

International audience; Dans le cadre de la première édition du Video Mapping Festival, treize créateurs en résidence sur le site d’Arenberg Creative Mine, ont élaboré des œuvres diffusées lors d'une soirée en mars 2018 à Lille. Ces résidences ont été l’occasion de réaliser des recherches sur l’expérience de création, guidées par les questions suivantes : pouvons-nous accéder à la dynamique de création vécue par les créateurs ? Si oui, que pouvons-nous observer et comprendre de cette dynamique de création ? Quelles perspectives offre cette compréhension ? En étudiant le vécu intime des créateurs pendant leur activité de production, nous questionnons les modalités de création en résidence.

International audience

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Comme nous avons pu le voir tout au long de notre recherche, ce sujet est vaste et complexe. Ainsi, nous ne saurions apporter de réponse claire et définitive à cette étude. Cependant, les lectures, entretiens, visionnage de films documentaires, séjour dans la ville de Rome et de Marseille, mais aussi la participation active durant deux ans à la préparation du Street art fest à Grenoble nous ont permis d'être confronté directement aux œuvres, aux artistes, mais aussi et surtout aux passants. Notre problématique « Comment l'acceptation du Street Art par les pouvoirs publics change la relation avec l'artiste, la société et le pouvoir ? » est révélatrice des enjeux nouveaux et à la fois majeurs dans l'évolution de cet art.

National audience

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International audience; Chintz fabrics recall cotton canvas printed with oriental patterns. The samples preserved in the Manuscrit de Richelieu show that the painted canvas factories of Marseille took up this vocabulary, between the end of eighteenth century and first half of the nineteenth century, when these articles were prohibited from 1686 to 1759. The end of this prohibition led to the relocation of the factories to other parts of Provence. The most famous of these was the Orange factory, which employed artists trained in academies. The rare fabrics preserved raise the question of their importance in the creation of patterns and the artistic renewal of painted canvas. Did the opening of the Marseille Academy of Painting and Sculpture in 1752 and the drawing school at Lyon in 1756 contribute to the stylistic evolution of patterns? Studying the fabrics preserved in the Orange factory and comparing them to the Marseille samples will provide us with some answers.; Les indiennes évoquent des toiles de coton imprimées de motifs orientaux. Les échantillons conservés dans le Manuscrit de Richelieu montrent que les fabriques de toiles peintes marseillaises ont repris ce vocabulaire, entre la fin du xviie siècle et la première moitié du xviiie siècle, pendant la prohibition (1686-1759). La levée de la prohibition entraîne la délocalisation des manufactures dans le reste de la Provence, la plus célèbre est la manufacture d’Orange qui aurait employée des artistes formés dans les académies. Les rares étoffes conservées posent la question de leur rôle dans la création de motifs et le renouvellement artistique des toiles peintes. L’ouverture de l’Académie de peinture à Marseille en 1752 et de l’école de dessin à Lyon en 1756, a-t-elle contribuée à l’évolution stylistique des motifs ? À partir des sources, quelques étoffes conservées de la manufacture d’Orange comparées aux échantillons marseillais, nous donnerons plusieurs éléments de réponse

Contributions en quatre langues: français, espagnol, anglais, basque; International audience

Claire Bourguignon, doctorante en histoire de l’art et archéologie médiévale, UCADans les sociétés occidentales médiévales, modernes et contemporaines, le monde végétal occupe une place importante dans la vie quotidienne et les arts. La perception de la nature repose sur une opération psychologique par laquelle l’esprit, en organisant les données sensorielles, se forme une représentation des objets extérieurs et prend connaissance du réel. Il existe donc deux échelles de la perception : celle des sens et celle de l’intellect. Stricto sensu, l’artiste rend présent, montre ce qu’il perçoit de la nature. Son œuvre est le produit d’une représentation mentale, de la manière dont il s’approprie un motif végétal. Un bref résumé de l’évolution des définitions des notions d’artiste, de nature et de réalité permet, dans un premier temps, de mieux comprendre les problèmes et les enjeux qu’elles soulèvent...

The initial task of this thesis consisted in considering the artist mainly as an author. As for the author, this led us to suggest that his death, once announced, required to think of his resurrection from other criteria and conceptual tools than those which made it possible to bury him. Having established, on the one hand, that authorship defines the intrinsic status of the artist, and put forward, on the other hand, a necessary historical reminder in order to encompass the conditions of its emergence, we attempted to clear up (in the sense of displaying interactions and leaving a clearance between) the elements which structure the artistic phenomenon, its doctrines and related discourses. We sought to uncover, in this unadjusted space full of paradoxes and contradictions, the place of a possible redefinition of the artist-author, built on a rationality broader than that of a mere causality., Le premier travail de cette thèse a consisté à envisager l'artiste, essentiellement, comme un auteur. Il nous a conduit à suggérer, quant à l'auteur, que sa mort jadis annoncée imposait de penser sa résurrection à partir d'autres catégories et outils conceptuels que ceux qui ont permis de constater son décès. Après avoir démontré, d'une part, que l'auctorité (authorship) définissait exemplairement l'artiste, et s'être acquitté, d'autre part, d'un indispensable rappel historique permettant de comprendre les conditions de son apparition, nous avons tâché de faire jouer entre eux (au double sens de mettre en relation et de donner du jeu) les éléments qui structurent le phénomène artistique, ses doctrines et ses discours associés. Nous avons cherché à déceler, dans cet espace non ajusté, propice aux paradoxes et aux contradictions, le lieu d'une possible redéfinition de l'artiste-auteur, bâtie sur une rationalité plus large que celle d'une simple causalité.

This thesis focuses on the theme of the artist in the works of Pierre Michon. The artist as a practitioner of a career linked to creation (pictorial, poetic, musical, etc.) is a complicated figure, because he lives on the edge of an inner world proper to himself and of the socio-historical world that surrounds it and that guides its trials. Having written extensively about painters and writers, Michon is one of the contemporary writers who has widely dealt with the labyrinthine process of becoming-artist. Moreover, the question of the artist in this author can only be approached in the company of the socio-historical aspects of his works. Thus, the objective of this work is to analyze the formation of the artist, as well as the crucial role played by the socio-historical bodies in the becoming-artist, in the works of Michon, in order to formulate the point of view of this author with regard to the various dimensions of artistic creation., Cette thèse porte sur le thème de l’artiste dans l’œuvre de Pierre Michon. L’artiste comme pratiquant d’une carrière liée à la création (picturale, poétique, musicale, etc.) est une figure compliquée, car il habite à la lisière d’un monde intérieur propre à lui seul et de l’univers socio-historique qui l’entoure et qui oriente ses essais. Ayant beaucoup écrit sur les peintres et les écrivains Michon est l’un des auteurs contemporains qui ont largement traité le processus labyrinthique du devenir-artiste. D’ailleurs, la question de l’artiste chez cet auteur ne peut être abordée qu’en compagnie des aspects socio-historiques de son œuvre. Ainsi, notre objectif durant ce travail consiste à analyser la formation de l’artiste, de même que le rôle crucial que jouent les instances socio-historiques dans le devenir-artiste, à partir de l’œuvre de Michon, afin de formuler le point de vue de cet auteur en ce qui concerne les diverses dimensions de la création artistique.

International audience; La Renaissance et Léonard de Vinci, notamment pour déconstruire le modèle de l’artiste-artisan, ont décrit l’art comme cosa mentale. Cette idée a concomitamment lutté contre celle de l’artiste inspiré par les dieux ou les muses que décrivait déjà Platon dans son Ion. Les siècles qui ont suivi, et le xviiie siècle en particulier, ont toutefois réhabilité ces discussions par le biais du thème du génie. Ainsi quelque chose échappe à nouveau à l’artiste, qui ne peut ni acquérir ni enseigner ce qui fait son artisticité, et ce quelque chose renvoie à ce qui dépasse les hommes : la nature et Dieu. Or, avec la relative déchristianisation des sociétés occidentales, l’artiste a perdu sa spécificité et a dû rechercher une nouvelle source d’inspiration – la source divine semblant parfois tarie. Ce changement accompagne une nouvelle manière de penser la place de l’artiste au regard des œuvres d’art, comme si la désacralisation de la création artistique permettait une meilleure consécration de l’artiste. L’hagiographie vasarienne des artistes est devenue une mythologie barthesienne.Cette petite histoire de l’artiste, brossée à grands traits, doit être mise en relation avec toutes les autres descriptions – plus ou moins originales et fantasques – dont les artistes ont été affublés : être inspiré des dieux et génial, c’est une chose, mais l’artiste évoque aussi une forme de folie, de dépression mélancolique, de marginalité ou encore de mégalomanie. À toutes ces facettes s’ajoute encore le mythe persistant de l’artiste maudit et pauvre jusqu’à sa mort – qui cohabite très bien avec celui de l’artiste riche sans aucun mérite.Autant l’identité sociale de l’artiste semble plurielle et contradictoire, autant la volonté de la ranger dans une boîte bien étiquetée est claire et singulière : les artistes n’échappent pas aux démarches d’Othering et de marginalisation. C’est précisément ce processus de stigmatisation telle que l’a théorisé Erving Goffman et sa proximité aux démarches visant à donner une définition de l’artiste que questionnent ce numéro 14 de la revue Proteus. Si tant est que cette démarche définitionnelle a été pertinente, l’est-elle encore ? Les nombreuses formes artistiques rendent-elles seulement difficile ou totalement impossible toute tentative de subsumer les artistes sous un trait identitaire commun ? Avant d’essayer de le faire, il est important d’interroger les présupposées et les éventuelles conséquences épistémiques de cette démarche analytique qui, nécessairement, court le risque d’être réductrice. Aussi, même si là n’est pas le but qu’elle vise, elle peut donner l’illusion d’expliquer de manière déterministe ce qui fait que telle personne est ou n’est pas artiste.Au-delà et en-deçà de la (dés)identification de la figure de l’artiste et de son rôle au regard de la société, les articles de ce numéro se saisissent également d’identités plus restrictives et revendiquées par les artistes – identités qui peuvent avoir un impact sur l’œuvre et sa réception.

D’art d’art, Metropolis, Stupéfiant !, À vos pinceaux : des émissions aux formats variés et aux lignes éditoriales bien différentes qui ont toutes la même vocation, parler d’art à la télévision. Des formats hybrides qui représentent l’artiste et son œuvre comme un divertissement, qui rapprochent culture et loisirs.Au travers de l’analyse de ces quatre formats, ce travail de recherche s’attache à montrer quels enjeux sont à l’œuvre dans la production et la programmation d’émissions culturelles sur les chaînes du service public. « Informer, cultiver, distraire », tels sont les trois mots d’ordre imposés à France Télévisions et Arte, et cette étude montre dans quelle mesure les missions de culture et de distraction se confondent peu à peu pour finalement transformer l’œuvre en objet de consommation et l’artiste en produit marketing sur lequel capitaliser. Le service public doit se soumettre à des contraintes législatives mais aussi des contraintes économiques et d’audience, et l’hybridation des programmes sur l’art en émissions de divertissement semble être l’une des réponses possibles apportées aux chaînes.La fin de cette étude vise également à proposer des recommandations pour les émissions présentes et futures, des suggestions qui portent tant sur la communication que sur le contenu et la forme des productions audiovisuelles sur les arts.

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International audience

Au cours du travail suivant, je propose de réfléchir sur le cinéma d'horreur français ainsi que sur le cinéma d'horreur espagnol. Mon idée, mon but est d'observer, de montrer l'influence des cultures nationales sur la production de films d'horreur. Il s'agit à la fois de relever les éléments issus des films de ce genre qui soulèvent des questions culturelles et historiques et également de se demander qu'est-ce qui dans l'histoire, la culture, la cinématographie d'un pays va permettre ou non l'émergence d'un cinéma d'horreur, son succès. Il y a là un long cheminement historique mais aussi beaucoup d'actualité, de questions philosophiques essentielles et intemporelles. Ma volonté est aussi d'esquisser, au regard du passé, du présent, les possibilités d'avenir pour ce genre cinématographique en pensant d'ailleurs audiovisuel de manière large. Si la base du travail est effectivement la recherche d'éléments nationaux, la transnationalité, la transversalité de cette réflexion me permet aussi d'observer le mouvement de globalisation culturelle à travers le 7e Art.

This work is about the construction of identity for the women who work around an artistic activity. The will to do this study came from the statement that women are more represented than men in the artistic training. However the few that came “in the limelight”, are recognized as great artists, exhibited in museum and celebrated as mentors, are really rare.I based my work on the notion of intersectionality to enrich my analysis of the notion of identity. I was interested in the concept of male domination in order to see how the power relationship is built within art worlds. I have analyzed how the artist's role is socially constructed in order to understand the ways in which female artists build their professional identityThis research is about the path of women artists perceived by three different points of view. In the life story of my interviewees, I spotlighted the label from a female differential socialisation, the disruption of the gender identity and, finally, the average of gender stereotypes in the way that women artists saw their identity. I specified the elements of the primary socialisation that has allowed them to move towards an artistic career since their childhood.In a second time I analysed how, in their secondary socialisation, women built and developed an artistic career, whose role model gave inclination to create, whose training shaped professional aspiration and whose network was implemented in the field of creation. Viewing their academic career and the beginning of their work, I detailed the way of learning a profession and codes and standards that regulate them.Finally in a third time I studied how women artists may feel perceived today, how they find their place into art worlds and what roles are approved for them. In a working world still primarily masculine I examined how women are affected by the question of family, couple and maternity, how they manage the pre-existing patterns and how they navigate into professional networks, which often means masculine self-segregation.This research brings a vision of identity building for women artists today. It allows us to envisage how the survey participants find their place into a particular professional position, because of the small number of women in this work and because of the role that this activity plays in social relationships. This research is finally a way to assess, generally speaking, the manner that gender, class and professional identity can be combined.; Ce travail porte sur la construction identitaire des femmes dont la profession est centrée autour d’une activité artistique. L’envie de réaliser cette étude me vient du constat que le sexe féminin est autant (voire plus) représenté que le sexe masculin dans les formations culturelles et artistiques et, pourtant, les femmes qui accèdent au « devant de la scène », celles qui sont reconnues en tant qu’artistes, exposées dans les musées et célébrées comme références restent rares en proportion. Je me suis appuyée sur la notion d'intersectionnalité pour enrichir une analyse de la notion d'identité. Je me suis intéressée au concept de domination masculine pour voir comment s'effectuent les rapports de pouvoir au sein des mondes de l'art. J'ai analysé comment le rôle de l'artiste est socialement construit afin de mieux comprendre les mécanismes d'élaboration de l'identité professionnelle chez les femmes artistes. Cette recherche porte sur les parcours de femmes artistes lus sous trois angles différents. Dans les récits de vie de mes interviewées, j'ai mis en avant les marques d'une socialisation différentielle féminine, les dérèglements des identités genrées et les dépassements des stéréotypes de genre dans la façon dont les femmes artistes se représentent leurs identités. J'ai précisé les éléments de la socialisation primaire qui avaient pu leur permettre, dans l'enfance, de s'orienter vers une carrière artistique. Dans un deuxième temps, j'ai analysé comment, dans leurs socialisations secondaires, les femmes se construisent et se développent des carrières d'artistes, quels modèles donnent envie de créer, quelles formations façonnent les devenirs professionnels et quels réseaux sont mis en place dans le champ de la création. En observant leur parcours scolaire et leur entrée dans le métier j'ai détaillé les modalités d'apprentissage d'une profession ainsi que des codes et des normes qui la régissent. Dans un troisième temps, enfin, j'ai étudié comment se sentent perçues aujourd'hui les femmes artistes, comment elles trouvent leur place dans les mondes de l'art et quels rôles leur sont accordés. Dans un univers professionnel encore majoritairement masculin j'ai notamment examiné la façon dont les femmes se trouvent confrontées aux questions de la famille, du couple, de la maternité, comment elles se débrouillent avec les modèles préexistants et comment elles naviguent dans des réseaux professionnels souvent synonymes d'un entre-soi masculin.Ce travail de recherche apporte une vision de la construction identitaire genrée chez les femmes artistes aujourd'hui. Il nous permet d'entrevoir comment des enquêtées trouvent leur place dans une position professionnelle particulière, profession caractérisée par le peu de femmes qui la constitue et par le rôle que cette activité tient dans la vie sociale. Cette thèse est enfin l'occasion de faire un point plus général sur la façon dont peuvent se combiner au présent identités de genre, de classe et professionnelle.

International audience; Cet article explore la relation entre créativité artistique et innovation en urbanisme. Il décrit une situation où un service municipal de l'urbanisme demande à des artistes d'intervenir sur un problème d'appropriation d'un espace public. Il montre que le travail des artistes ne se manifeste pas dans la création d'une forme ou d'un objet urbains nouveaux mais agit sur les professionnels de l'urbanisme eux-mêmes: par une remise en question de leur approche d'un espace public et par une redéfinition du rôle de chacun dans les relations entre professionnels et habitants ou entre commanditaires et prestataires.

International audience

The project Artists’ Libraries – part of the laboratory “Past for the Present” – aims to provide researchers and the general public not only with lists of works that constitute or constituted artists’ libraries in the nineteenth and the twentieth centuries, but also their dematerialized version. In order to manage the large amount of data, to ensure wide dissemination, and to be able to cross-reference searches around a library, a writer, or a book, the choice to digitize has been made. This article sets out to describe this approach through an extensive bibliography on the subject and by explaining the different stages and the thinking, theoretical as well as practical, that are given rise by such a project.; Le projet Bibliothèques d’artistes, mené au sein du labex « Les Passés dans le présent », a pour objectif de rendre accessible aux chercheurs et au grand public non seulement les listes d’ouvrages qui constituent ou constituaient les bibliothèques des artistes des xixe et xxe siècles mais également leur version dématérialisée. Afin de gérer le grand nombre de données, d’assurer une large diffusion et de pouvoir croiser les recherches autour d’une bibliothèque, d’un écrivain ou d’un livre, le choix du numérique a été fait. C’est cette approche que cet article entend exposer à la lumière d’une bibliographie foisonnante sur le sujet et en exposant les différentes étapes et les réflexions, aussi bien théoriques que pratiques que soulève un tel projet.