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L'acousmographie complète est disponible sur demande, en version film html5 comme en version native acousmographe; In November 2019, an acousmatic work by Jean Marc Duchenne was premiered in Micadome, a 26 speakers cube installed at the Conservatory of Nice-University of Côte d'Azur for the creation and study of the composition of space specificities and its listening in immersive environments. The audience listening at the exact place where the composition is finalized, the creator extract a specific track of sound sources whose spatial play is given to the listener himself, with 3D physical sensors : a new type of interpretation of the musical space.For this purpose, a detailed analysis of this composition of spaces is realized with the Acousmographe (Ina-GRM software). This text explains the notation choices and shows how the notion of space in music can be translated into various concepts to be compared to more common musical parameters : scales, polyphony, chords, transitions, variations... building scenarios of perception, often linked to other dimensions of the musical discourse in foliated meanings.The project also explore clinical potentials of therapeutic mediation through music engulfment sessions for young visually impaired people with associated mental disorders. The immersivity offers them an unusual sensory framework of bodily perception, in sound extended reality.; Fin 2019, une nouvelle œuvre acousmatique de Jean Marc Duchenne a été composée pour Micadôme, un cube de 26 haut-parleurs installé au Conservatoire de Nice-Université Côte d’Azur, pour la création et l’étude des spécificités déployées dans la composition de l’espace et son écoute en environnement immersif. L’écoute publique étant faite à l’endroit même où la composition est finalisée, on a demandé au créateur d’extraire une piste spécifique de sources sonores dont le jeu spatial sera confié au spectateur/auditeur lui-même, via un capteur physique en 3D : une forme inédite d'interprétation de l'espace musical.A cette fin, une analyse détaillée de la composition des espaces dans l'œuvre a été réalisée avec le logiciel Acousmographe (Ina-GRM). Ce texte explique les choix opérés pour réaliser ce relevé et montre comment la notion d’espace en musique peut se traduire en concepts variés qu'on rapprochera de paramètres musicaux plus courants : échelles, polyphonie, accords, transitions, variations… des scénarisations de la perception, souvent liés à d’autres dimensions du discours musical dans un feuilletage riche de sens. Le dispositif est également utilisé pour explorer les potentialités cliniques au travers d’ateliers de médiation thérapeutique par la musique pour jeunes déficients visuels avec troubles psychiques associés. L'immersivité (engulfment) leur propose un cadre sensoriel inhabituel de perception corporelle.

The opportunity I had to analyse socially oriented musical practice in Venezuela (El Sistema) and Scotland rose the question of time perception. From a music teacher's and performer's perspective, the matter seemed to be essential.Thus, from an ethical and political angle, I formulate the hypothesis that musical practice can influence our relation to time and to the world. I analyse different forms of temporality (or temporalisation) as developed by thinkers (philosophers, historians, sociologists, physicists...) who tried to think outside of the frame of time as an urgency, as it is imposed by capitalist society. These thinkers advocate anticipation and imagination, rather than the perpetual planification of time that leaves very little space, if any at all, to individuation.I suppose that musical practice, if considered this way, allows the expression of individual rhythms (idiorrhythmy). It also helps shaping another relation to time and, consequently, to learning, to oneself and to others.Therefore, it is the teacher's responsibility to design a new form of musical teaching, even within the institutions.; A partir d’une analyse en immersion de pratiques musicales à vocation sociale au Venezuela et en Ecosse (El Sistema), la question de la perception du temps s’est imposée à moi comme essentielle à penser en tant qu’enseignante en conservatoire et musicienne. La musique entretient en elle-même un rapport étroit au temps, et l’utilisation du temps est devenue aujourd’hui une question politique cruciale sur deux aspects : dans notre vie quotidienne et dans les rapports de production. Je pose donc l’hypothèse qu’un travail de la musique peut modifier notre rapport au temps et au monde, dans une visée à la fois éthique et politique. J’analyserai les formes de temporalités (ou de temporalisations) qui sont développées par des penseurs (philosophes, historiens, sociologues, physiciens...) qui cherchent à sortir de l’urgence du temps imposée par notre société capitaliste, et qui encouragent l’anticipation, l’imagination, plutôt que la planification perpétuelle qui ne laisse aucune place – ou si peu, à l’individuation. Je suppose que la pratique de la musique, si elle est pensée dans ce sens, permet aux rythmes propres de chacun de s’exprimer (idiorrythmie), et de travailler un autre rapport au temps, et par là à l’apprentissage, à soi-même, aux autres. Il relève donc de la responsabilité de l’enseignant de penser un autre enseignement de la musique y compris au sein d’un environnement institutionnel.

In November 2019, an acousmatic work by Jean Marc Duchenne was premiered in Micadome, a 26 speakers cube installed at the Conservatory of Nice-University of Côte d'Azur for the creation and study of the composition of space specificities and its listening in immersive environments. The audience listening at the exact place where the composition is finalized, the creator extract a specific track of sound sources whose spatial play is given to the listener himself, with 3D physical sensors : a new type of interpretation of the musical space.For this purpose, a detailed analysis of this composition of spaces is realized with the Acousmographe (Ina-GRM software). This text explains the notation choices and shows how the notion of space in music can be translated into various concepts to be compared to more common musical parameters : scales, polyphony, chords, transitions, variations... building scenarios of perception, often linked to other dimensions of the musical discourse in foliated meanings.The project also explore clinical potentials of therapeutic mediation through music engulfment sessions for young visually impaired people with associated mental disorders. The immersivity offers them an unusual sensory framework of bodily perception, in sound extended reality., Fin 2019, une nouvelle œuvre acousmatique de Jean Marc Duchenne a été composée pour Micadôme, un cube de 26 haut-parleurs installé au Conservatoire de Nice-Université Côte d’Azur, pour la création et l’étude des spécificités déployées dans la composition de l’espace et son écoute en environnement immersif. L’écoute publique étant faite à l’endroit même où la composition est finalisée, on a demandé au créateur d’extraire une piste spécifique de sources sonores dont le jeu spatial sera confié au spectateur/auditeur lui-même, via un capteur physique en 3D : une forme inédite d'interprétation de l'espace musical.A cette fin, une analyse détaillée de la composition des espaces dans l'œuvre a été réalisée avec le logiciel Acousmographe (Ina-GRM). Ce texte explique les choix opérés pour réaliser ce relevé et montre comment la notion d’espace en musique peut se traduire en concepts variés qu'on rapprochera de paramètres musicaux plus courants : échelles, polyphonie, accords, transitions, variations… des scénarisations de la perception, souvent liés à d’autres dimensions du discours musical dans un feuilletage riche de sens. Le dispositif est également utilisé pour explorer les potentialités cliniques au travers d’ateliers de médiation thérapeutique par la musique pour jeunes déficients visuels avec troubles psychiques associés. L'immersivité (engulfment) leur propose un cadre sensoriel inhabituel de perception corporelle.

International audience; Marie Demeilliez, « L'enseignement de la basse continue en France au XVII e siècle : du rôle des exemples musicaux », Musiques en liberté. Entre la cour et les provinces au temps des Bourbons, éd. Bernard Dompnier, Catherine Massip et Solveig Serre, Paris, École nationale des chartes, 2018, p. 169-188.

International audience; Une certaine officialisation de l’enseignement du violon a prisforme en France avec la première méthode pour l’instrument éditéeà Paris par le Magasin de musique en 1803, Méthode de violon par lesCens Baillot, Rode et Dancla, ouvrage qui servira de matrice disciplinaireaux publications suivantes. L’Art du violon de Pierre Baillot, publiéune trentaine d’années après, semble marquer une première évolutiondans la conception pédagogique de l’enseignement de l’instrument.D’autres évolutions pédagogiques ou didactiques suivront entre1830 et nos jours. Évolutions ou ruptures épistémologiques au sensoù l’emploie Thomas S. Khun ? Notre chapitre s’intéresse à l’histoirede cette évolution pédagogique de l’instrument au cours des xixe etxxe siècles à partir de quelques méthodes significatives employées parles professeurs de violon du Conservatoire de Paris. À l’aide du conceptde matrice disciplinaire développé par Khun, adapté à l’enseignementmusical, nous décrirons, en prenant quelques ouvrages significatifs,les signes de ces ruptures ou évolutions pédagogiques et didactiques.

International audience; Musical education and choral singing programs from French junior high schools published between 1995 and 2008 show that practices in computer assisted instruction (CAI) have evolved very quickly, notably thanks to the progress of tools created for computer aided music (CAM). The combined effect of CAI and CAM has allowed the exploration of new pedagogical practices and profoundly changed teachers’ teaching style in musical instruction at the junior high level. This article is a retrospective analysis of the experiences of a group of music education and choral singing teachers in the early 2010s. This action research was undertaken from the sequence of courses given by the teachers grouped in small teams within the community, using only copyright-free software to observe the impact of CAM on students’ musical learning. It shows how these new technologies used in musical education allow the students to develop their interest and be more actively engaged in musical learning. This article gives an account of this academic and pedagogical research by placing it in the context of the works completed and published during this time period and proposes critical study using characteristics specific to the theories of the activity.; Des programmes d'éducation musicale et de chant chorale de 1995 à celui publié en 2008, les pratiques de l'enseignement assisté par ordinateur (EAO) au collège en France ont très rapidement évolué, notamment grâce aux progrès des outils créés pour la musique assistée par ordinateur (MAO). L'effet conjugué de l'EAO et de la MAO ont alors permis de tenter des expériences pédagogiques qui ont profondément modifié les rapports didactiques des professeurs et de leurs élèves à l'apprentissage musicale au collège. Cet article retrace l'expérience d'un collectif de professeurs d'éducation musicale et de chant chorale français qui enseignait au tournant des années 2010. Cette recherche-action a été réalisée à partir des séquences de cours élaborées par les professeurs regroupés en petites équipes au sein du collectif et utilisant uniquement des logiciels libres de droits pour observer l'impact de la MAO sur les apprentissages musicaux des élèves. Est-ce que ces nouvelles technologies utilisées en éducation musicale permettaient de développer l'intérêt des élèves et de les engager plus activement dans des apprentissages musicaux ? Nous rendons compte de cette aventure didactique et pédagogique en la resituant dans le contexte des travaux réalisés et publiés à cette époque dans le champ de l'enseignement assisté par ordinateur et nous en proposons une analyse à l'aide de certaines caractéristiques propres aux théories de l'activité.

International audience; Au XVIIIe siècle, les leçons de musique font nécessairement partie de la formation des jeunes filles de la grande bourgeoisie et de la noblesse, que celle-ci soit assurée dans le cadre familial ou déléguée, au moins pour un temps, à une institution – pensionnat conventuel le plus souvent. Les frères de ces demoiselles l'apprennent aussi, au collège ou à la maison, mais pour eux cet apprentissage s'inscrit dans des cursus beaucoup plus complets que ceux des filles, et l'écho de leurs leçons s'en trouve atténué. Endogamie sociale aidant, les initiations musicales de jeunesse, féminine et masculine, anticipent une future pratique amateur mixte dans l'entre-soi des salons, et les mélomanes des deux sexes se mêleront aussi évidemment dans le public des concerts. Si apprendre la musique n'est pas une spécificité de l'éducation féminine, les effets de genre à l'oeuvre dans cette initiation, composante de formations bien distinctes par ailleurs, sont révélateurs de ses enjeux sociaux. Le Paris des décennies pré-révolutionnaires, concentrant toute la diversité des usages pédagogiques, institutionnels ou familiaux, offre un terrain privilégié pour observer l'intégration des pratiques musicales propres à l'éducation des filles dans la socio-économie culturelle de la ville et décrypter les stratégies familiales qui les commandent.

Session "Atelier IHMA"; National audience; Le système pédagogique d'apprentissage de la rythmique que nous présentons dans ce papier relève à la fois de l'interaction gestuelle et de l'instrument de musique virtuel. Il utilise le gant de données CyberGlove® comme modalité en entrée pour piloter une application musicale d'enregistrement, de production et de modification de sons de percussion. Le papier présente les principes de base du système qui consiste à générer des sons de percussion par reconnaissance de gestes de la main. Cette reconnaissance de la gestuelle est obtenue en temps réel par une méthode de type logique floue.

This thesis is about machine learning, music representation and multimedia teaching., Pour un chercheur en apprentissage symbolique automatique amateur de musique, formaliser certains aspects de la représentation, de la pratique et de la pédagogie musicale est un thème séduisant. Mieux, ce thème peut prendre place au sein des préoccupations et des ambitions de l'intelligence artificielle. En effet, s'il est important que l'intelligence artificielle se renforce dans ses domaines de prédilection, il lui reste des références à élargir et des champs à gagner, comme ceux que lui soumet la problématique musicale.C'est ainsi que ce thème devient un objectif d'études et de recherches : mais dans cette optique, il est nécessaire de prendre en compte l'état de l'art en informatique musicale, et d'écouter les besoins manifestés par les musiciens, afin de prendre pied sur une réelle communauté d'intérêts entre les deux disciplines.En toute hypothèse, la musique est un objet abstrait dont il existe plusieurs représentations, aucune n'étant complète ni générale, et chacune possédant des propriétés spécifiques. Qui plus est, ces représentations ont tendance à évoluer, naître et mourir au gré des besoins des musiciens, même si la représentation sonore reste essentielle et par définition indissociable de l'objet abstrait : mais il faut bien admettre que le son musical n'est pas seul à évoquer la musique, et que si l'homme éprouve le besoin d'inventer des représentations pour mieux s'approprier le phénomène musical, il peut être enrichissant d'examiner la transposition de ce comportement aux machines.On peut certes isoler une de ces représentations, la traduire informatiquement et lui dédier des outils : c'est ainsi que de nombreux systèmes informatiques abordent la musique. Mais il existe une approche plus typique de l'intelligence artificielle, qui consiste à chercher à atteindre l'objet abstrait à travers l'ensemble de ses représentations et de leurs relations : pour un système informatique, faire preuve d'intelligence dans ce contexte, c'est utiliser cette diversité et cette multiplicité de représentation; c'est savoir s'appuyer sur une réalité mouvante et se déplacer dans un univers d'abstractions.Mais les représentations ne prennent leur sens qu'avec ceux qui communiquent à travers elles, qu'avec les activités qu'elles engendrent. On peut alors imaginer un système qui constituerait un véritable lieu de rencontre, de réflexion, de création, en un mot de communication : car la musique est avant tout un médium de communication. Mais quelle est la nature de ce qu'on pourra communiquer à travers un tel système ? Par exemple, on pourra s'exercer aux pratiques musicales, expérimenter de nouveaux rapports entre les représentations, en un mot s'approprier le médium musical lui-même.Mais alors, on a besoin d'un système qui sache témoigner de ces rencontres, plus précisément qui apprenne à en témoigner; c'est là notre définition de l'apprentissage dans le contexte : on dira qu'un système apprend s'il témoigne, et éventuellement s'adapte à un univers de communication musicale. Sans cette exigence, la valeur de la communication est perdue : en effet les parties prenantes quittent le système avec leur nouvelle richesse, quelle que soit la réussite de la médiation. Aussi, l'enjeu pour un système apprenti consiste à retourner un témoignage aux musiciens, aux pédagogues et aux informaticiens, afin qu'ils puissent en tirer profit : bien entendu, on exigera de ce témoignage qu'il produise de la connaissance utile, sans se contenter de cumuls d'événements ou de faits ordonnés historiquement.Ainsi, à travers un enseignement ouvert, il s'agira pour des élèves d'appréhender et d'expérimenter le médium musical, d'enrichir leurs connaissances et d'obtenir des explications. Pour des enseignants, il s'agira de créer et d'organiser cette médiation, et de rendre des oracles pédagogiques au système. Mais l'intelligence artificielle et l'apprentissage symbolique automatique sont les sciences de l'explication : il faut mettre en jeu la dimension cognitive qui permettra d'expertiser l'adéquation du lieu de rencontre; il faut se placer au cœur des besoins et des préoccupations des enseignants et des élèves, en tentant de formaliser les théories cognitives de la musique. On pourra même inventer des représentations à vocations cognitive et explicative : à terme, un système construit sur un tel modèle pourrait bien être capable de faire lui-même des découvertes dans ce domaine.