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Reseña de: Ferrer del Río, Estefania, Rodrigo de Mendoza. Noble y coleccionista del Renacimiento. Madrid, Sílex Ediciones, 2020, 202 pp. ISBN: 978-84-7737-583-8.

Este artículo repasa la historia de las exposiciones de mujeres en España desde los años treinta, como precedente de las primeras exposiciones feministas de los años noventa, contextualizándolas en su momento político. Profundiza en algunos de los proyectos comisariados por la autora, en los que rescata a artistas ignoradas por las historias del arte contemporáneo, especialmente las artistas Pop de los años sesenta, como pioneras del arte feminista.AbstractThis essay examines the history of women’s exhibitions in Spain since the 1930s, considering said shows as a precedent for the first feminist exhibitions in the 1990s, and providing them with a context within their political time. This text delves in some of the projects curated by the author, in which she rescued a number of women artists who had been ignored by the usual histories of contemporary art –especially the female Pop artists from the 1970s– as pioneers of feminist art.

Desde la década de los sesenta del siglo XX, Lanzarote se ha integrado de forma plena en el turismo internacional. Esto ha conllevado una profunda transformación de su realidad territorial, demográfica, económica, social, cultural y también una laboriosa construcción de su imagen. La fotografía ha contribuido a consolidar y difundir itinerarios, iconografías y modos de percibir propiamente turísticos. Al mismo tiempo se han extendido otras propuestas fotográficas que nos aproximan a nuevas posibilidades de diálogo con la isla. Estas han servido para dar importancia a otros temas y han indicado otras posibilidades de mirar. Sus planteamientos enriquecen porque aportan claves e interrogantes vitales y humanos, resaltan el interés natural y cultural de Lanzarote y nos invitan a reflexionar desde el conocimiento y el respeto. En este artículo se analizan y muestran las aportaciones de Carlos A. Schwartz y Hamish Fulton. Abstract Since the 60´s in the twentieth century, Lanzarote has been fully integrated into international tourism. This has entailed a profound transformation of its territorial, demographic, economic, social and cultural reality and also a laborious construction of its image. Photography has helped consolidate and disseminate tourist-oriented routes, iconographies and perceptions. At the same time, other photographic proposals have been extended that bring us closer to new possibilities for dialog with the island. They have served to give importance to other topics and have indicated other possibilities to look at. Their approaches are enriching because they bring essential and human leads and questions, highlight the natural and cultural interest of Lanzarote and invite us to reflect from knowledge and respect. This article analyzes and shows the contributions of Carlos A. Schwartz and Hamish Fulton.

Este artículo se acercará al Centro Galego de Arte Contemporánea (Santiago de Compostela) desde su construcción en los años noventa del siglo XX para comprobar, a través de su historia, si es posible a día de hoy hablar de feminismo o no en su trayectoria. Se intentará llegar a unas conclusiones repasando la labor de sus gestores/as y algunas de las muestras más interesantes de las artistas que tienen un papel relevante en el ámbito del feminismo.AbstractThis article will approach the Galician Center for Contemporary Art (Santiago de Compostela) since its construction in the nineties of the 20th century, to check, through its history, if it is possible today, to speak of feminism or not in its history. We will try to reach some conclusions by reviewing the work of their directors and some of the most interesting exhibitions of the artists who have a relevant role in the feminism.

Ante esta cuestión: ¿Cómo cambiar los marcos, los relatos, las estructuras del museo actual, para que podamos identificarnos con él, para reconocernos en sus imágenes y en sus narraciones? planteo referencias que tramadas podrían atisbar el principio de un nuevo debate. El título se va desgranando a lo largo del artículo. Para «El peligro de ablandarse» trabajo con el legado de las salonnières y la obra de Benedetta Craveri y Roger Chartier. Para «Hermandad», me apoyo en Carla Hesse y su descubrimiento de la historiadora dieciochesca francesa Louise-Félicité Guynement de Kéralio-Robert (1758-1822). En el tercer apartado, «Igualdad», trabajo desde los variados acercamientos al feminismo en los años 70, reviso a Linda Nochlin y reivindico a Mierle Laderman Ukeles. Y finalmente «Solidaridad», me apoyo en Angela Davis y su redescubrimiento de las blues ladies, así como en mi propio trabajo en el que reivindico la importancia para la historia del feminismo español de las cupletistas. AbstractFaced with this question: How to change the frameworks, the stories, the structures of the current museum, to identify them with it, to recognize us in its images and in its narrations? The title is unraveling throughout the article. For «The peril of tenderice» I work with the legacy of the salonnières and the work of Benedetta Craveri and Roger Chartier. For «Sisterhood» , I rely on Carla Hesse and her discovery of the French eighteenth-century historian Louise-Félicité Guynement de Kéralio-Robert (1758-1822). In the third section, «Equality», I work from the various approaches to feminism in the 70s, I review Linda Nochlin and I claim Mierle Laderman Ukeles. And finally «Solidaridad», I rely on Angela Davis and her rediscovery of the blues ladies, as well as my own work in which I claim the importance for the history of Spanish feminism of the cupletistas.

Este texto expone reflexiones y análisis derivados de la experiencia de dos personas que han estado implicadas en la ideación e implementación a través de prácticas concretas de los enunciados feministas en el Museo Reina Sofía. La primera parte aborda las maneras en que el Museo ha ido modulando su potencial como institución feminista durante el primer periodo bajo la dirección de Manuel Borja-Villel (2008-2015). En la segunda parte, se abordan las posibilidades y limitaciones de actualizar dicho potencial a partir de la práctica y teoría de la mediación cultural. Partimos de su inicial marginalidad y precariedad, hasta proponer una más reciente capacidad de experimentación para albergar y transformar cuerpos, espacios, experiencias, discursividades...Abstract This text comprises some reflections and analysis deriving from the experience of two individuals who were directly engaged in the conception and implementation of the feminist aims of Reina Sofía Museum. The first part focuses on the different ways the Museum modulated its potential as a feminist institution during the first years of the mandate of Manuel Borja-Villel (2008-2015). The second part deals with the possibilities and limitations involved in the actualization of such a potential in the practice and theory of cultural mediation. Starting from a situation of marginality and precariousness, this analysis moves towards the more recent attempt at experimenting with both the presence and the transformation of bodies, spaces, experiences and discourses.

Este artículo explora las características de la intervención curatorial feminista a partir del análisis de un caso de estudio: la exposición Yo, la peor de todas, comisariada por su autora. Se articula en torno a una reflexión crítica sobre las distintas estrategias que se pusieron en marcha en este proyecto. Primero, tergiversar un encargo inicial de la institución, que pedía una exposición de mujeres artistas para cumplir con la cuota de lo políticamente correcto. Segundo, profundizar en la cita, entendida como encuentro afectivo y como práctica de reconocimiento, pero también como estrategia artística y curatorial feminista. Finalmente, se interroga sobre las propias condiciones de existencia de la práctica curatorial feminista en el contexto del arte contemporáneo, donde predominan formas de trabajo precarizadas y modos neoliberales de entender los afectos que invisibilizan y denostan los trabajos de cuidado. AbstractThis article explores the characteristics of feminist curatorial intervention based on the analysis of a case study: the exhibition Yo, la peor de todas, curated by myself. It begins with a critical reflection on the different strategies that were implemented in this project. First, to shift an initial commission from the institution that asked for an exhibition of women artists to meet the quota of political correctness. Second, to deepen in the notion of cite, understood as an affective encounter and as a practice of recognition and as an artistic and curatorial feminist strategy. Finally, it questions the very conditions of existence of feminist curatorial practice in the context of contemporary art, where precarious forms of work and neoliberal modes of understanding affects predominate, denigrating care work and rendering it invisible.

Presentación de este número y de los artículos que en el aparecen, acompañada de una breve introducción al debate y un ejemplo, tomado del trabajo de la autora y de otras comisarias, de un aspecto ignorado en dicho debate: el de las exposiciones que sin tener una temática explícitamente feminista o centrarse en nombres femeninos trabajan desde una perspectiva feminista, cuestionando el canon historiográfico.AbstractPresentation of this issue and the articles that appear in it, including by a brief introduction to the debate and an example, taken from the work of the author and other curators, of an aspect ignored in said debate: the exhibitions that nor being openly feminist in its subject, neither focusing on female names, work from a feminist point of view, questioning the historical canon.

El actual contexto de cambio social está afectando al sector de la Cultura y, de manera específica, al sistema del arte. Dentro del mismo, la institución «museo» se ha visto afectada de una manera especial por este escenario de transformación. Los debates en el sector (ICOM, OME) permiten introducir propuestas diversas para abordar este escenario. Aparecen así nuevos planteamientos y líneas de abordaje, presentándose la perspectiva de género como la más potente y adecuada para ello. En este artículo se presentan el conjunto de acciones llevadas a cabo en la Comunidad Foral de Navarra desde el aparato institucional en los últimos años, amparados por una legislación diseñada en este sentido y que ya ha empezado a dar resultados, abriendo caminos que prometen ser muy interesantes: reflexión autocrítica, remodelación de la exposición permanente, exposiciones temporales de nuevo cuño, visitas guiadas, etc. La actual situación requiere sistematizar estos medios y procedimientos y mantener la dirección usando las sinergias generadas y apoyándose en las reflexiones ya elaboradas con éxito.AbstractThe current context of social change is affecting the world of Culture, and specifically the Art system. Within this area the «museum» as an institution has been deeply affected by this transformation scenario. The discussions in this sector (ICOM, OME) allow us to introduce diverse suggestions to deal with this issue. This is how new proposals and approaches have appeared, being the gender perspective the most powerful and accurate tool to achieve that. In this article we present a number of actions carried out in the CFN by the local Administration in the last few years, supported by some laws designed in this direction; actions that have already yielded good results, opening up new paths that can be very interesting: self-criticism reflection, reorganization of the permanent exhibition, temporary exhibitions with a new perspective, guided visits, etc. The present situation demands to structure these tools and procedures, in order to maintain this course of action, using the generated synergies and relying on the successful reflections already accomplished.

Reseña de: Juliana Colomer, Desirée: Fiesta y urbanismo. Valencia en los siglos XVI y XVII. Universitat de València, 2019. ISBN: 978-84-9134-482-7, pp. 337.

El presente texto confirma que el monumento funerario encargado en 1609 por Juan Alfonso Pimentel, conde-duque de Benavente a los genoveses Giuseppe Carlone y Oberto Casella fue para la sepultura del fraile Domingo Anadón en el convento de Santo Domingo de Valencia. Se analizan las vicisitudes de este sepulcro junto al de fray Juan Micó en la capilla de San Luis Beltrán del convento, en el marco de la llegada de piezas genovesas a España en época Moderna.AbstractThis text confirms that the funerary monument commissioned in 1609 by Juan Alfonso Pimentel, count-duke of Benavente to the genoese sculptors Giuseppe Carlone and Oberto Casella was for friar Domingo Anadon in the dominican convent of Valencia. The history of this sepulchre linked to the one of friar Juan Micó in the chapel of Saint Louis Beltran of this convent is taken into account focusing on the arrival of genoese sculptures to Spain in Modern Times.

El reposo al que la enfermedad conduce para mitigar el dolor encuentra –cultural e históricamente– como escenario paradigmático el lecho, la cama. Este mueble, en tanto metáfora corporal, suele ser testigo de acontecimientos como el nacimiento, la enfermedad, la sexualidad y el erotismo o la muerte. En el arte, ha devenido tropo frecuente al exponer dichas cuestiones, conduciendo a una re-experimentación creativa del espacio doméstico. Analizaremos una genealogía de artistas que aportan otra mirada a este enser por el que el cuerpo pasa, y que, debido a la experiencia de la enfermedad y el trauma, se resignifica, llevando al autor a replantar su propio habitar e incluso su práctica artística. Partiremos de la Estética y la Historia del Arte para localizar las principales exposiciones sobre el tema y pondremos en relación a los artistas que han tratado la cama como repositorio de dicho padecer.AbstractThe repose to which the disease leads to mitigate the pain, finds –culturally and historically– as a paradigmatic scenario the bed. This piece of furniture, as a body metaphor, is usually witness of events such as birth, disease, sexuality and eroticism or death. In art, the bed has become a frequent trope especially to expose the illness as a moment of forced rest in which it is possible to creatively re-experience the domestic. We propose a genealogy of artists who bring another look to this belonging that, due to the experience of pain, trauma or disease, is re-signified, leading the author to reconsider his own habitat. We will start from Aesthetics and History of Art to analyse the main exhibitions on the subject and we will put in relation the artists who have treated the bed as a repository of said suffering.

El artículo se propone analizar como caso de estudio el proyecto «Relecturas. Itinerarios museales en clave de género», nacido en 2017 bajo la coordinación de la Universitat de València con el fin de conectar museos de la ciudad de València y de su área metropolitana a través de itinerarios que ofrezcan relecturas a sus colecciones en clave de género o feminista. Se abordan algunos antecedentes del proyecto, así como su contextualización en un momento aparentemente propicio para la paulatina entrada de las mujeres en los museos. Se exponen los diferentes objetivos y metodologías de trabajo del proyecto, así como los retos que debería afrontar en un futuro para conseguir una mayor consolidación en el panorama valenciano.Abstract This paper analyses as a case study the project «Relecturas. Itinerarios museales en clave de género». It was conceived in 2017 under the coordination of University of València, to coproduce with museums in the València metropolitan area, gendered interpretative pathways and rereadings of the collections through the lens of gender or feminism. This study presents some antecedents of the project, as well as its contextualization at a moment apparently promoting to the gradual entry of women into museums. This implies the different objectives and working methodologies developed by the team project, as well as the future challenges that should face this follow-on project to achieve greater consolidation in the València museological world.

El objetivo principal del presente artículo es abordar el estudio de la Sevilla islámica a través de los diferentes testimonios documentales que han llegado hasta nosotros, desde los primeros años de la conquista islámica hasta época almorávide. Sin embargo, y teniendo en cuenta los diferentes campos en los que nos podríamos centrar (realidad histórica, geográfica, política, social…), consideramos oportuno detenernos en el ámbito artístico, concretamente en aquellas construcciones que emanan del ejercicio del poder político y religioso en el mundo islámico como son la arquitectura palatina y religiosa, entre otras. Con esta finalidad, y convirtiéndose las fuentes escritas en el eje articulador de nuestro discurso, pretendemos destacar el valor que tienen los textos árabes como punto de partida para el conocimiento de este escenario, sin olvidarnos de lo necesario que resulta en la actualidad contar con diferentes estudios interdisciplinares para una mayor comprensión del tema.AbstractThe main objective of this article is to address the study of Islamic Seville through the may written testimonies that we have from the early years of Islamic conquest to the Almoravid period. Taking into account the different aspects on which we could focus (historical, geographical, political, social reality...), we consider it appropriate to delve on the artistic field, specifically on those constructions that stem from the exercise of political and religious power in the Islamic world such as palatine and religious architecture. To this end, and constructing our discourse through the written sources, we intend to highlight the value of Arab texts as a starting point for scholar research about this scenario, we also take into account the need of different interdisciplinary studies for a better understanding of the subject.

In questo saggio l’autore propone una riconsiderazione globale del rapporto di Albrecht Dürer con il De Architectura di Vitruvio, prestando costante attenzione alle fonti rimaste. Inoltre, l’autore indaga anche un aspetto trascurato di questo rapporto, che riguarda la significativa accoglienza dei trattati di Dürer tra i traduttori e i commentatori di Vitruvio tra il XVI e il XVII secolo.AbstractIn this essay the author proposes an overall reconsideration of Albrecht Dürer’s relationship with Vitruvius’ De Architectura, paying constant attention to the surviving sources. Furthermore, the author also investigates an overlooked aspect of this relationship that concerns the significant reception of Dürer’s treatises among Vitruvius’ translators and commentators between the XVIth and the XVIIth centuries.

Partiendo de algunas perspectivas teóricas sobre la construcción social del espacio y teniendo presentes los estudios que vinculan el arte actual y ese nuevo concepto espacial, este artículo investiga las posibles articulaciones entre espacio social, arte y forma de exposición de ese arte. Con la ayuda de dos propuestas artísticas de la última edición de documenta, se reflexiona acerca de la construcción social del espacio expositivo. Documenta 14 se entiende como el resultado de unos cambios políticos y sociales más generalizados. Su propuesta expositiva sigue una tendencia que viene consolidándose los últimos años. En el presente artículo sirve como ejemplo de creación de un nuevo espacio relacional, ampliado hacia lo temporal y lo social, como medio de representación de una sociedad inclusiva en un entorno social adverso.AbstractBased on some theoretical perspectives on the social construction of space and bearing in mind the studies that link current art and this new spatial concept, this article investigates the possible articulations between social space, art and ways of exhibition of that art. With the help of two artistic proposals from the latest edition of documenta, we reflect on the social construction of the exhibition space. Documenta 14 is understood as the result of more generalized political and social changes. Its expository proposal follows a trend that has been consolidated in recent years. In this article serves as an example of creating a new relational space extended to temporal and social dimensions, as a way of representing an inclusive society in an adverse social environment.

Agüero Carnerero, Cristina (dir.), Carreño de Miranda. Dibujos, Madrid, Biblioteca Nacional de España y CEEH, 2017. ISBN: 978-84-15245-70-4. Páginas: 248.

El aprecio que se tuvo por los tejidos islámicos desde el Medievo es patente en la pintura religiosa. A través de estas líneas se analiza la pervivencia de motivos ornamentales en el Renacimiento, en concreto, el uso de letras árabes a partir del estudio de tres escenas de las puertas del retablo mayor de la catedral de Valencia pintadas por los Hernandos. En ellas los maestros copiaron un tejido nazarí con una inscripción cuya traducción ha pasado inadvertida hasta este momento y que plantea distintas hipótesis sobre su utilización en la obra.The appreciation of Islamic textiles since the Middle Ages is evident in religious painting. The aim of this paper is to analyze the survival of ornamental motifs in the Renaissance, specifically, the use of Arabic letters from the study of three scenes of the doors of the main altarpiece of the cathedral of Valencia painted by the Hernandos. In them the Masters copied a Nasrid fabric with an inscription whose translation has gone unnoticed until now and that raises different hypotheses about its use in this masterpiece.

Teodoro Miciano fue nombrado académico de Bellas Artes a punto de cumplir 70 años. Su discurso de ingreso habla con total naturalidad de práctica y teoría artística. Joven ilustrador para revistas y maduro grabador con excepcionales conocimientos y dominio técnico, su ensayo toma como eje conductor una de las técnicas más pictóricas de la calcografía, el aguatinta, trazando una breve pero ambiciosa historia. Preocupado por el devenir de las artes gráficas, plantea la problemática realidad de la obra gráfica original y del arte de las ediciones limitadas. Traza las líneas maestras del grabado europeo, describiendo profusamente la gráfica de Goya y reconociendo los hallazgos plásticos de Picasso en el mundo del grabado. Se analiza la clarividencia de sus ideas y su vigencia en la actualidad, con desarrollos en otros países que no han terminado de producirse en España.Teodoro Miciano was named Academician of Fine Arts nearing 70 years old. His Entrance speech talks with total naturalness about artistic theory and practice. Young illustrator for magazines and mature printmaker with exceptional knowledge and technical proficiency, his essay takes as the driving force one of the pictorial techniques of engraving, aquatint, tracing a short but ambitious story. Concerned about the future of the graphic arts, presents the problematic reality of the original graphic work and the art of the limited editions. He traces the lines of European engraving, profusely describing the graphic of Goya and recognizing the plastic finds of Picasso in the world of engraving. The clairvoyance of their ideas and their validity in the present is analyzed, with developments in other countries that have not finished producing in Spain.

El interés de la historiografía artística española por las representaciones del santo de origen alemán, san Norberto, ha sido muy escaso. De ahí el interés de este artículo en el que abordamos el estudio de una serie de estampas de este santo, realizadas en Amberes a lo largo del siglo XVII. Como otros santos de medievales canonizados al calor del Concilio tridentino, se debido a que respondía al nuevo modelo de santidad defendido por la Iglesia: fue predicador de Amberes, fundador de una orden religiosa, defensor de la Eucaristía y se enfrentó al hereje Tanchelino. Todos ellos aspectos que vemos captados en estas estampas amberinas. También abordamos el papel crucial que tuvo el convento premostratense de San Miguel de Amberes, sobre todo gracias al abad Jan Chrisostomus van der Sterre que encargó muchas de ellas.The interest of the Spanish artistic historiography for the representations of the Saint of German origin, Saint Norbert, has been very scarce. Hence the interest of this article in which we address the study of a series of prints of this saint, made in Antwerp throughout the seventeenth century. Like other medieval saints canonized in the heat of the Tridentine Council, it was because he responded to the new model of sanctity defended by the Church: he was preacher of Antwerp, founder of a religious order, defender of the Eucharist and faced the heretic Tanchelino. All of them aspects that we see captured in these amberine prints. We also addressed the crucial role played by the Premonstratensian convent of San Miguel de Antwerp, especially thanks to the abbot Jan Chrisostomus van der Sterre, who commissioned many of them.

Notre imaginaire du costume médiéval est nourri par ces nombreuses représentations qui, dès le début du XIIIe siècle et jusqu’à la fin du Moyen Âge, nous présentent une façon singulière de porter l’image : le vêtement armorié. Toutefois, à lire les comptes ou à analyser plus précisément les textes narratifs ou les documents iconographiques, la réalité semble relativement différente et la diffusion de ces vêtements emblématiques nettement moins importante que l’iconographie ne le laisse penser. Même si le sujet demande à être approfondi, l’analyse des différents contextes d’utilisation de ces vêtements (guerre, tournois, rituels liturgiques et chevaleresques) et de leurs porteurs (chevaliers, dames, prélats, hérauts, animaux), permet de s’interroger sur les formes et les fonctions de ce support spécifique du signe héraldique.Nuestro imaginario sobre la indumentaria medieval se alimenta de numerosas imágenes que, desde inicios del siglo XIII y hasta el final de la Edad Media, nos presentan una manera singular de encarnar la imagen: el vestido heráldico. Sin embargo, cuando se leen los libros de cuentas o cuando se analizan con más detenimiento los textos narrativos o los documentos iconográficos, la realidad se nos muestra diferente y la difusión de estos vestidos emblemáticos se nos muestra menos importante de lo que podría hacer creer la iconografía. A falta de una mayor investigación sobre el tema, el análisis de diferentes contextos de utilización de estos vestidos (guerra, torneos, rituales litúrgicos y caballerescos) y de sus portadores (caballeros, damas, prelados, heraldos o animales) permiten que nos interroguemos sobre las formas y las funciones de este soporte específico de signo heráldico

Este artículo presenta la actividad desarrollada por el erudito sevillano José Gestoso y Pérez en el comercio de antigüedades en España a principios del siglo XX. Para su estudio y análisis hemos recurrido a documentación inédita presente en el epistolario de Gestoso que acredita su intervención en distintos episodios de compra-venta de objetos artísticos, así como la amplia red de contactos establecida entre él y conocidos marchantes europeos, anticuarios, comunidades religiosas y el Arzobispado de Sevilla. Con este trabajo tratamos de acrecentar el conocimiento sobre el comercio de antigüedades en España a principios del siglo XX.This paper presents the activity developed by the Sevillian scholar José Gestoso in the antiques trade in Spain at the beginning of the 20th century. For its study and analysis we have used unpublished documentation belonging to Gestoso’s collection of letters. These documents accredit his intervention in various episodes of purchase and sale of artistic objects, as well as the extensive network of contacts established between him and known European dealers, antiquarians, religious communities and the Archbishopric of Seville. With this work we try to increase the knowledge about the antiques trade in Spain at the beginning of the 20th century.

The dossier explores movement in four different meanings and their implications. This introductory article lays out these topics and places the contributions to the dossier in relation to them. It starts with movement in the most obvious sense – the cinematic. I examine how a few modernist figurative paintings display the primary features of the cinematic without resorting (only) to representing movement. The second meaning of movement comes from the act of perception. According to Henri Bergson, perception is a selection by the perceiving subject and that subject’s memories. The third meaning of movement is affective. This is related to the synaesthetic nature of seeing, and the importance of especially tactility and hearing in it. The last meaning is the result of this: the potential to move us to action in the political domain.El presente dossier explora el movimiento y sus implicaciones en cuatro significados diferentes. Este artículo introductorio sienta las bases de estos temas y pone en contexto las contribuciones del dossier. Comienza con el análisis del movimiento en su sentido más obvio, el cinemático. Examino cómo algunas pinturas figurativas modernistas muestran las características primarias de la cinemática sin recurrir –únicamente– a la representación del movimiento. El segundo significado del movimiento procede del arte de la percepción. Según Henri Bergson, la percepción es una selección producida por el sujeto perceptor y sus recuerdos. El tercer significado del movimiento es afectivo. Está relacionado con la naturaleza sinestésica del ver y, especialmente, con la importancia del sentido del tacto y del oído implícitos en ella. El último significado es el resultado de esto: el potencial de conducirnos hacia la acción en el terreno político.

RESEÑA de : GIMENO, María y COLLAZOS, Raquel (coord.). Paradores de Turismo. La colección artística. Madrid, Paradores de Turismo, Fundación Mapfre, 2015.

En el presente artículo se aborda la implicación del silencio en la escucha. El objetivo principal consiste en mostrar por qué el silencio constituye en su acción un espacio resonante, esto es: un lugar para la recepción, creación e interpretación de sentido. Con el fin de acometer esta cuestión, en el texto se tratan: relevancia del silencio para las artes según las dos posguerras, percepción del silencio y sensibilización del sentido del oído durante la Gran Guerra, ejercicios de escucha en la vanguardia española, observaciones a la obra 4’33’’ de John Cage y otras interpretaciones contemporáneas de esta pieza. El recorrido que se plantea a lo largo del texto no solo muestra que la aportación de Cage tiene sus matices también subraya la relevancia histórica de las prácticas realizadas en el territorio español y la determinación que supone silencio en las artes y la sociedad, pues desde el s. XX no ha dejado de ser el eje de esa relación dialógica y coextensiva que se da entre ambas.The present paper addresses the issue of the implication of silence on hearing. The main objective is to show why silence is in its action, a resonating space, i.e. a place for the reception, creation, and interpretation of sense. In order to achieve such issue are discussed in the text: the relevance of silence for the arts, according to the two post-war periods, the perception of silence and awareness of hearing during the Great War, the listening exercises in Spanish Avantgarde, observations on John Cage’s 4'33'' piece of work, and other contemporary interpretations of that piece. The text will expose not only that the contribution of Cage has its nuances, but also the historical significance of the practices in the Spanish territory. This highlights the determination that silence implies for the arts and society because, from the Twentieth Century, silence has continued being central to the dialogic and coextensive relationship that exists between them.

El arte siempre se ha preocupado por la naturaleza de la visión humana. Esa visión, en apariencia tan limitada, se ha visto auxiliada por infinidad de instrumentos y tecnologías. Microscopios y telescopios nos han acercado lo infinitamente pequeño y lo extremadamente lejano. El arte no ha sido ajeno a ese sueño humano de dominación de los espacios aparentemente inaccesibles, mostrándonos con insistente frecuencia imágenes del interior del cuerpo humano. Un interior que finalmente ha podido convertirse en un espacio transitable gracias al auxilio de las tecnologías digitales. El objetivo del presente artículo es mostrar cómo el mundo del audiovisual contemporáneo ha mostrado una obsesión recurrente por la exploración y representación del interior del cuerpo humano, generando para ello imágenes que, lejos de ser estáticas, se nos presentan en todo su dinamismo y atravesadas por la magnitud del tiempo. El instinto de traspasar la piel para asomarnos al interior del cuerpo humano ha sido una necesidad del arte que el cine y la televisión han recogido sin rubor alguno. Y de todos los órganos y componentes del cuerpo fue, y sigue siendo, el cerebro el más enigmático, pues su compleja actividad no puede simplemente asociarse al resultado de la interacción de sus componentes básicos. Por ello siempre ha fascinado la capacidad de nuestro cerebro para generar unas imágenes igualmente dotadas de una compleja dimensión temporal y que nos han llegado convertidas en espacios igualmente transitables.Art has always been concerned about the nature of human vision. That vision, apparently so limited, has been assisted by numerous tools and technologies. Microscopes and telescopes have brought small worlds and distant spaces nearby. Art has not been immune to this human dream of domination of inaccessible spaces. It has frequently shown images from inside the human body. An interior that eventually could become a traversable space thanks to digital technologies. The aim of this article is to show how the world of contemporary cinema and television has shown a recurring obsession with the exploration and representation of the interior of the human body. This audiovisual world has generated dynamic images crossed by the magnitude of time. The desire to penetrate the skin to see the human body from the inside has been a compulsion for art that cinema and television have picked up shamelessly. The most enigmatic body organ is the brain and its complex activity cannot simply be explained as the result of the interaction of their basic components. We have always been fascinated by its ability to generate complex images crossed with the concept of time and shown also as passable spaces.

Cet article se propose de confronter deux types d’oeuvres d’art qui relèvent également du land-art et des arts paysagers. Il s’agit d’oeuvres qui, pour être perçues, exigent un parcours, un déplacement dans un site défini et délimité pour lequel elles ont été intentionnellement créées. Nous souhaitons montrer que ces oeuvres donnent lieu à des expériences esthétiques de régime tout à fait distinct et que leur performativité opère tout autrement dans chacun des cas. Elles nous touchent et nous émeuvent de manière différente. Nous essaierons alors de comprendre les raisons de cette dissemblance, et nous pensons que nous pouvons en trouver le fondement dans la forme de l’oeuvre et dans la capacité de l’artiste à inscrire en elle des idées esthétiques de manière à nous capter, à nous aspirer dans un temps et un espace spécifiques.The aim of this paper is to consider two types of works of art that both participate from land-art and art of landscape. These objects require to be perceived during a course, a move on a defined and specified site, and have been intentionally designed for this walk. Some of them are scattered along the coastline, others are all set on top of a former (WW2) submarine base. We aim at showing that these works give rise to very different kinds of aesthetical experiences, and that their performativity is two fold. They move us differently. So, we’ll try to understand the reasons of this difference and we believe that we could find the basics in the form of the work and in the artist’s ability to embed aesthetical Ideas, in order to attract or draw us in a specific time and space.Este artículo se propone confrontar dos tipos de obras del arte que pertenecen al land-art y al arte del paisaje. Obras que necesitan un trayecto o un movimiento para ser percibidas, porque se sitúan en un sitio bien delimitado, obras que fueron creadas intencionalmente para este lugar. Deseamos mostrar que estas obras causan una experiencia estética de un tipo claramente diferente, que su performatividad actúa de una manera particular, diferente según cada uno de los casos: estas obras nos tocan y nos mueven de maneras distintas. Seguimos después comprendiendo las razones de esta disimilitud. Pensamos que es posible encontrar su fundamento en la forma de la obra y en la capacidad del artista para inscribir en esta forma las ideas estéticas

Con este trabajo se pretende abordar la tarea desempeñada por los ingenieros del ejército en las obras públicas de la isla de Cuba como cuerpo facultativo y asistente de la Real Junta de Fomento, corporación encargada entre los años de 1832 y 1854 de articular las infraestructuras y medios necesarios para la promoción de la agricultura y el comercio. Para ello estudiaremos la particularidad de esta labor en el contexto de las atribuciones del Cuerpo de Ingenieros Militares en España, e igualmente veremos, con ejemplos documentales, de qué manera se organizó esta Junta y cómo los ingenieros se integraron en ella, para finalmente tratar las obras más destacadas, producto de esta estrecha colaboración.In this article we will study the task executed by the Spanish military engineers in public works in the island of Cuba. These engineers worked in Cuba as a specialized body in infrastructures and civil buildings, along with the Real Junta de Fomento, the responsible institution for the promotion and development of agriculture and commerce in the island between 1832 and 1854. To that end, we will analyse the particular work tackled by these engineers in the context of their functions in Spain, and how these ones took part in the organization of the Junta. Finally the most important works undertaken by both institutions will be studied.

En el presente artículo se analiza la concepción de estética relacional de Nicolas Bourriaud, ahondando en la estrecha vinculación de ciertas prácticas artísticas performativas con la participación activa del espectador en la creación de situaciones construidas. A partir de determinadas acciones de Marina Abramović y Tino Sehgal, en las que el público deviene uno de los agentes principales, se bosquejarán los vasos comunicantes entre el creador y la audiencia, entre la experiencia individual y la colectiva. Bajo tales premisas el arte parte de la voluntad de emocionar, conmover, conmocionar, y se establece claramente la conexión entre la esfera pública y la íntima. Dentro de dichos parámetros la obra de arte deviene un intersticio social, un instrumento para esbozar nuevos modos de relación, lo que Bourriaud denomina “utopías de proximidad” o “micro-utopías”. Tales situaciones construidas entienden la creación, en definitiva, como un dispositivo para dar que pensar y fomentar el diálogo y el pensamiento crítico.This paper analyses the concept of relational aesthetics proposed by Nicolas Bourriaud considering the close connections of some performative art practices with the active participation of the spectator in the creation of «constructed situations». I will examine a range on actions of Marina Abramović and Tino Sehgal, in which the audience becomes one of the main agents: stressing the relationship between creator and spectator, between individual and collective experience. Under such premises art shows the will to move, to touch, to affect deeply, connecting the public with the private sphere. Within these parameters, the work of art emerges in the interstices of society as a tool to outline new ways of creating relations, which Bourriaud termed «utopias of proximity» or «micro-utopias». Such situations understand creation as a device to give food for thought and encourage dialogue and critical thinking.

In this article I propose to conceive music as a sonic object that, different from visual art forms, has its own ways of moving through time and space. Through the analysis of the song “Aquele abraço,” written in 1969 by the Brazilian musician and performer Gilberto Gil, I will focus on how he narrates an experience, which, I argue, is affectively diasporic. This means that the sense of alienation from the homeland is not exclusively related to a physical separation, but also to the affective induction of this experience. Through the work of Brian Massumi and that of Gilles Deleuze and Félix Guattari, I will elaborate on the way affect emerges as an intensity circulating between bodies, which I relate to resonance and harmonic musical representation. This allows me to reflect on the dwelling in multiple worlds that is presented in the song’s narration, as well as on its layering of performative characteristics that interact with the listener on an affective level.En este articulo propongo la música como objeto sónico que, a diferencia de las artes visuales, tiene maneras propias de moverse a través del tiempo y del espacio. A través del análisis de la canción “Aquele abraço,” escrita en 1969 por el cantautor Brasileño Gilberto Gil, prestaré atención a su manera de narrar una experiencia que, sostengo, es afectivamente diaspórica. Esto significa que la sensación de alienación de la patria no se debe exclusivamente a una separación física, sino también a la inducción afectiva de esa experiencia. A través del trabajo de Brian Massumi y el de Gilles Deleuze y Félix Guattari elaboraré como el afecto emerge como intensidad que circula entre cuerpos, relacionándolo con la resonancia y la representación armónico-musical. Esto me permite reflexionar sobre la experiencia, expresada en el nivel la narración, de estar presente en diferentes mundos a la vez, y cómo la multiplicación de características performativas interactúan con el oyente en el nivel afectivo.

En el presente artículo se aborda, mediante fuentes documentales inéditas, el estudio directo de los últimos restos conservados y la bibliografía publicada, la historia y arquitectura del monasterio premonstratense de Sancti Spiritus de Ávila. Hoy prácticamente desaparecido, sus últimos restos se conservan descontextualizados, insertos entre construcciones de nueva planta e incluso reaprovechados en fincas a kilómetros de su emplazamiento original. Ante tal situación, resulta de especial interés la publicación de un estudio de conjunto en que se aportan noticias sobre sus diseminados bienes e interpretan sus restos a la luz de las últimas novedades documentales. Para ello se ha realizado un recorrido a través de su historia desde el momento de su fundación en el último tercio del siglo XII hasta su desamortización en el XIX, que sirve como marco a las sucesivas campañas constructivas.In this article is discussed by unpublished documentary sources, the direct study of the last remnants preserved and published literature, history and architecture of the Premonstratensian monastery of Sancti Spiritus in Avila. Today virtually disappeared, their last remains are preserved decontextualized, inserts between new constructions and even reused on farms kilometers ago from its original site. In this situation, it is of special interest the publication of a joint study that news of their goods are given and interpreted scattered his remains in the light of the latest developments documentary. For this we have made a journey through history from the time of its founding in the last third of the twelfth century until its confiscation in the nineteenth, which serves as a framework for constructive successive campaigns.

This paper examines the dynamics of inclusion and exclusion within national historical museum exhibitions by analyzing two photographic research projects of the Moldovan-Israeli artist Ilya Rabinovich. I employ Edward Said’s method of contrapuntal analysis to tease out the way in which Rabinovich turns the customary relation between artifacts and exhibitions inside out. I show how the artist’s personal history of double migration is not only the driving force behind the projects, but also underlies their aesthetic rationale of dis-identification.Este artículo examina las dinámicas de inclusión y exclusión en el marco de las exposiciones de museos históricos a partir de dos proyectos de investigación fotográfica del artista moldavo-israelí Ylya Rabinovich. Utilizaré el método del análisis de contrapunto de Edward Said para desentrañar el modo en que Rabinovich le da la vuelta a la habitual relación entre objetos y exposiciones. Mostraré cómo la historia personal de la doble migración del artista no sólo es la fuerza conductora que hay tras los proyectos, subyaciendo también una estética racional de la desidentificación.

Suprimida como parroquia en el siglo XIX y expoliada durante la Guerra Civil de 1936, la antigua iglesia parroquial de San Lorenzo de Úbeda (Jaén) inició un imparable proceso de deterioro que amenazó incluso con arruinar totalmente la fábrica. Gracias a la intervención privada de la Fundación “Huerta de San Antonio”, dicho deterioro se ha frenado y se han iniciado tareas de consolidación del templo. Durante las últimas intervenciones se han descubierto numerosos vestigios de gran interés, que han venido a arrojar nuevos datos sobre la evolución histórica del edificio, y que pasamos a analizar en este estudio. Suppressed as a parish in the 19th century and plundered during the Civil War in 1936, the ancient Church of Sant Lawrence of Úbeda (Jaén) started an unstoppable process of deterioration which threatened even with completely ruin of the factory. Thanks to the intervention of the private foundation «Huerta de San Antonio», the process of damage has been stopped and the recovering and consolidation works in the temple have started. During this intervention, several remains of great interest have been discovered, which offer new data on the historical evolution of the building, that will be analyzed in this study.

In La Triennale 2012 - Intense Proximité, curator Okwui Enwezor describes his activity as that of ethnographer, combining «images of reality and models of examining reality». Thus, he proposes a journey that starts with the exhibited works and goes beyond the field of art. Among them is a set of drawings and photographs produced by Claude Levi-Strauss in the course of fieldwork in Brazil in 1935. The displacement proposed by the ethnographer’s photographs documents in ethnological interpretations, direct one’s gaze to distant lands, as well as ancient times. From the images, the ethnographer’s presence relates to a book, Tristes Tropiques, in which displacement unfolds in references to his predecessor, Guido Boggiani, and his successor, Darcy Ribeiro. The duality of approximating-distancing, a central movement in curatorial discourse, opens a way to seeing the ethnographic image as framing both a subject and its viewer.En la Triennale 2012 - Intense Proximité, el comisario Okwui Enwezor describe su actividad como etnógrafo, combinado «imágenes de la realidad y modelos de examen de la realidad». Así, propone un viaje que se inicia con las obras expuestas y va más allá del campo del arte. Entre esas obras se encuentra un conjunto de dibujos y fotografías realizadas por Claude Levi-Strauss en el transcurso de su trabajo de campo en Brasil en 1935. El desplazamiento propuesto por las fotografías y documentos del etnógrafo en las interpretaciones etnológicas, dirigen la mirada a tierras distantes, así como a tiempos antiguos. A partir de las imágenes, la presencia del etnógrafo se relaciona con el libro Tristes Tropiques, en el cual el desplazamiento se despliega en referencias a su predecesor, Guido Boggiani, y a su sucesor, Darcy Ribeiro. La dualidad proximidad-distanciamiento, un movimiento fundamental dentro de su discurso expositivo, conforma una nueva manera de ver la imagen etnográfica que es tanto un marco del propio tema como un marco del espectador.

In this article, I focus on three artistic tactics that I identify in Vahit Tuna’s bust installation from the exhibition «We were always spectators…» in the art space DEPO, Istanbul, 2011: the reconfiguration of space, the superimposition of different visual elements, and the opening up of affective channels. The analysis of these tactics go beyond this specific installation and allows me to explore the role of distance, the correlation between physical closeness and the ability to grasp an image, the genre of portraiture and its subversion, and the role of affect in challenging the representational fixities of national symbols. In this way, I explore the notion of «disorientation » with regard to a more general discussion of aesthetics and politics.En este artículo, me centro en tres tácticas artísticas que identifico en la instalación de Vahit Tuna, de la exposición «Siempre somos espectadores…» organizada en el espacio DEPO, de Estambul en 2011. Dichas tácticas son la reconfiguración del espacio, la superimposición de diferentes elementos visuales y la apertura de canales afectivos. El análisis de esas tres vías va más allá de esta instalación en concreto, lo que permite explorar el rol de la distancia, la correlación entre la proximidad física y la habilidad para entender una imagen, el género del retrato y su subversión, el rol del afecto en el hecho de desafiar la fijeza en la representación de los símbolos nacionales. De este modo, se explorará la noción de la «desorientación» en relación a una discusión general de la estética y la política.

Proponemos un acercamiento, analítico y comparativo, al movimiento desde una serie de obras organizadas como pictogramas visuales que argumentan la sintaxis de la representación desde el empleo de la imagen fotográfica, el dibujo y la palabra. Por un lado, en el pictograma fotográfico, el movimiento no sólo aparece como inscripción de un recorrido físico, recogido a través de una serie de imágenes fotosecuenciadas, o por la acción de capturar e ir tras el objetivo, sino también como un trayecto ideológico organizado a través del orden semiótico de la propia imagen fotográfica y del encuadre como estructurador de la mirada. Por otro lado, en el pictograma dibujado, el movimiento es iniciado por el propio acto de marcar y manchar el papel. El dibujo es interpretado como una acción que establece relaciones escénicas y temporales tanto con el espacio real y físico como con la psique. Las obras que han motivado este análisis tituladas La Imagen Negada, Affidamento y Correspondencias persiguen poner en pie una gramática dinámica de la representación. With this article I propose an analytical and comparative approach to movement based on a series of works organised as visual sequences which argue for the syntax of representation using the photographic image, drawing and words. On the one hand, in the sequences of photos, movement does not only appear as an inscription of a physical route, recorded by a fluency of photography images or by the action of capturing and pursuing the objective, but also as an ideological trajectory organised through the semiotic order of the photographic image itself and of the framing as the element that structures the gaze. And on the other hand, in the drawn pictogram, movement is initiated by the very act of marking and staining the paper. Drawing is interpreted as an action that establishes scenic and temporary relations both with the real, physical space and with the psyche. The works that motivated this analysis, entitled, Affidamento, Posiciones, La imagen negada and Correspondencias, aim to establish a dynamic grammar of representation.

Moving images of travel and exploration have a long history. In this essay I will examine how the trope of navigation in 3D moving images can work towards an intimate and haptic encounter with other times and other places – elsewhen and elsewhere. The particular navigational construction of space in time afforded by 3D moving images can be considered a cartography of time. This is a haptic cartography of exploration of the surfaces on which this encounter takes place. Taking Werner Herzog’s film Cave of Forgotten Dreams (2010) as a theoretical object, the main question addressed is how the creative exploration of new technologies of visualization – here: from rock painting, principles of animation, to 3D moving images – entails an epistemological inquiry into, and statements about, the power of images, technologies of vision, and the media cartographies they make. These questions turn new technologies into relevant sources for cultural, historical and philosophical reflection.Las imágenes en movimiento del viaje y de la exploración tienen una larga tradición. En este artículo examinaré cómo el tropo de la navegación en las imágenes en tres dimensiones puede crear un encuentro íntimo y háptico con otros tiempos y otros lugares. La particular construcción relativa a la navegación del espacio en el tiempo en las imágenes en tres dimensiones puede ser considerada como una cartografía del tiempo. Esta es una cartografía háptica de la exploración de superficies en las cuales ese encuentro tiene lugar. Tomando el film de Werner Herzog Cueva de los sueños olvidados (2010) como un objeto teórico, la cuestión principal que se formula es cómo la exploración creativa de las nuevas tecnologías de la visualización – ya sea desde la pintura sobre rocas, y los principios de animación, hasta las imágenes en tres dimensiones – implica una investigación epistemológica, con las consecuentes afirmaciones, sobre el poder de las imágenes, las tecnologías de la visión y los medios cartográficos que ellos crean. Estoy interesada en el modo en que el film muestra cómo su tecnología no es un mero truco sino más bien una herramienta para explorar el espacio y el tiempo de nuevas maneras. En otras palabras, en mi análisis de la película pretendo explorar cómo invita a la exploración por sus propios medios de exploración. Estas cuestiones convierten las nuevas tecnologías en fuentes relevantes para la reflexión cultural histórica y filosófica.

La inmovilidad de (lo fijado en) la imagen-objeto invita a considerarla incompetente a la hora de representar el tiempo. Esta carencia fue considerada una virtud mientras el arte se consagró a representar lo inmutable, privilegiado por la metafísica clásica frente a las cambiantes percepciones de la sensibilidad. La imagen tecnológica habría venido a suplir aquella carencia justo cuando periclitaba este prestigio metafísico de la eternidad. La rotunda lógica de este relato minimiza la importancia de la «invención del cuadro» que inaugura la posibilidad de practicar la «temporalidad comparada», un ejercicio de anacronismo que permite representar el desplazamiento precisamente desde la inmovilidad. Desde esta perspectiva, y valiéndose de la teoría de la alegoría de Walter Benjamin, este artículo analiza la serie fotográfica de Fischli & Weiss, Aeropuertos, tratando de interpretar el relato de un proceso histórico de decadencia a partir de su eventual relación anacrónica con la pintura barroca. Ello permitiría concluir que la representación del cambio y la temporalidad no dependen exclusivamente del registro tecnológico.The Immobility of the image-object invites us to consider it incompetent when it comes to representing time. However, this inefficiency was considered a virtue, since art was devoted to represent the unchanging, privileged by the classical metaphysics against the changing perceptions of sensibility. The technological image would have come to fill that lack just when this metaphysical prestige of eternity became outmoded. The apparent clarity of this argument minimizes the importance of the «invention of painting», which opened the possibility of practicing a «dialectic temporality», a sort of anachronism that allows us to precisely represent displacement by means of immobility. From this perspective, and using Walter Benjamin’s theory of allegory, this paper analyzes the photographic series of Fischli & Weiss Airports, trying to see in them the story of a historical process of decadence from the starting point of its anachronistic relationship with baroque painting. This would entice me to conclude that the representation of change and temporality does not rely exclusively on technological devices.

RESEÑA DE: CAPRIOTTI, Giuseppe. Lo scorpione su petto. Iconografia antiebraica tra XV y XVI secolo alla periferia dello Stato Pontificio. Roma, Gangemi Editore, 2014

Durante el siglo XVIII el Reino de Mallorca y la ciudad de Palma sufrieron las consecuencias de su adscripción al bando austracista durante la Guerra de Sucesión. El resultado fue la pérdida de algunos de los elementos de su identidad. Esto no fue impedimento para que los mallorquines cumpliesen con el requerimiento de festejar las proclamaciones y organizar las exequias fúnebres de la nueva dinastía. Las arquitecturas efímeras construidas para estos acontecimientos mostraron la tendencia retardataria presente también en la corte. Tan sólo un proyecto frustrado de Cristóbal Vilella planteó un catafalco neoclásico para Carlos III. Más innovadora fue la iconografía, y especialmente la de los tablados de jura, en la que los signos de identidad, la historia, la idiosincrasia de los baleáricos fueron notorios, junto con la exaltación monárquica y las manifestaciones de lealtad. Este estudio analiza estos aspectos arquitectónicos e iconográficos a través de los artefactos efímeros levantados para exequias y proclamaciones reales.During the 18th century, the Kingdom of Majorca and Palma city suffered the consequences of their allegiance to the Austrian side during the War of Succession. The result was the loss of some of the elements of their identity. This was no impediment for the Majorcans to obey with the order of celebrate the Royal Oath and organize the Funeral Rites of the new dynasty. Ephemeral architectures built for these events showed the retardant artistic style also in the Court. Only a frustrated project for King Carlos III by Cristobal Vilella pretended to raise a neoclassical architecture. More innovative was the iconography, and especially that of the platforms of Oaths, in which signs of identity, history and the idiosyncrasies of the Balearics were notorious, along with the monarchist exaltation and demonstrations of loyalty. This study discusses these architectural and iconographic aspects through ephemeral artefacts raised for funerals and Royal proclamations.

Con la invención del fonógrafo en el siglo XIX y el desarrollo de las compañías discográficas a mediados del XX la música ha jugado un papel fundamental en la sociedad de nuestro tiempo. Desde los primeros carteles del «Art Nouveau» la imagen ha acompañado, a través de las artes gráficas, a la industria de la cultura y el entretenimiento, siendo un reclamo para su consumo. Las portadas de discos son el resultado de la convergencia de varias sensibilidades estéticas, en este trabajo nos centraremos en dos de ellas: la pintura y la música. Son muchos los pintores que han unido su talento a los músicos y viceversa, de las vanguardias históricas a la nueva figuración, de la canción protesta al pop.çWith the invention of the phonograph in the nineteenth century and the development of the record companies to mid-twentieth century, music has played a fundamental role in society of our time. From the first signs of «Art Nouveau», the image is accompanied by graphic arts industry culture and entertainment being the claim for consumption. The album covers are the result of the convergence of several aesthetic sensibilities. In this paper we focus two of them: painting and music. The are many painter who have combined their talents to the musicians and viceversa. From historical avant-garde to figurative art, from protest song pop.

La ciudad de Alcañiz (Aragón) constituye un ejemplo de las reformas que el urbanismo renacentista impulsó en las villas medievales, ligado en este caso al desarrollo del Concejo, y la progresiva independencia municipal respecto al señorío de la Orden de Calatrava, con sede en el castillo. Hemos indagado en el modelo de urbanismo medieval impulsado por los calatravos desde la repoblación del territorio, formado por dos líneas de muralla, una de ellas inédita, y que hemos denominado «muralla alta». Desde el Concejo medieval, con sede en las Casas Comunes, se desarrolla un nuevo modelo de urbanismo, con nuevos espacios públicos como la Plaza Mayor, una trama de calles más anchas y regulares, y el desarrollo de una edificación más estandarizada, que convivirá con lo culminando en la construcción de la Casa Consistorial por el Concejo posmedieval, institución que actualmente conocemos como Ayuntamiento.The town of Alcañiz, in Aragon, is a good example of the reforms that Renaissance town plannings spread in medieval towns. In this case, it is linked to the development of the town Council, and the progressive local independence from the Calatrava Lordship, whose headquarter were inside the castle. We have researched the medieval town planning promoted by the Calatravos since the repopulation of the territory. It is formed by two lines of city walls, one of which was unknown and we have called it «the high wall». From the medieval Council House, sited in the Common Houses, a new model of urbanism is developed, with new public spaces like the Main Square, wider and more regular street patterns and the development of a more standarized way of building that has co-existed with the medieval quarters until the present days.

Junto a la Catedral de Barbastro se levantó, a finales del siglo XVI, el Palacio que serviría de residencia a su obispo. Concebido entonces con las premisas de la arquitectura renacentista aragonesa, el edificio ha sido objeto de diversas intervenciones arquitectónicas a largo de su historia. La más reciente, financiada por el Gobierno de Aragón, se inició en 2006 y tiene por objeto acondicionarlo para nuevos y diferentes usos, entre los que destaca la ubicación del Museo Diocesano que atesorará importantes piezas de arte religioso. Este artículo estudia las intervenciones a que ha sido sometido el Palacio a lo largo de su historia y el impacto social que ha causado la actual. La realización de una serie de entrevistas permite constatar que la opinión de los ciudadanos de Barbastro es inicialmente muy favorable a la rehabilitación del Palacio, pero está sensibilizada por dos aspectos: el pleito que por la cuestión de las piezas mantiene la diócesis de Barbastro con su homóloga de Lérida y la importante inversión económica que esta obra supone para la Comunidad Aragonesa.Next to Barbastro’s Cathedral, at the end of the XVI century, was built the Palace which would be the residence of its Bishop. It was conceived following the premises of the Aragon Renaissance architecture but it has suffered several changes through its history. The most recent, financed by the Aragon Government, started in 2006, and its aim is to set it up for new and different uses, like the location of the Diocese Museum, which will house important religious art pieces. This article studies the changes and interventions suffered by the Palace through its history and the social impact caused by the last one. A series of interviews carried out, allows us to state that the opinion of the citizens from Barbastro is quite positive regarding to the restoration of the Palace, but it is influenced by two aspects: the trial between Barbastro’s Diocese with the Diocese of Lerida due to the art pieces and the significant economic investment that this restoration would mean for the Aragon Comunity.

El Paisaje Cultural de Aranjuez fue declarado Patrimonio Mundial en 2001. Se analizan el proceso de nominación y declaración, la definición de paisaje cultural y las líneas establecidas para la gestión, conservación y protección del bien. Aranjuez Cultural Landscape was declared a World Heritage Site in 2001. We analize the process of nomination and declaration the definition of cultural landscape and the lines established for the management, conservation and protection of the property.

El presente artículo estudia el impacto de la circulación de libros y estampas sobre arquitectura, perspectiva o arqueología sobre la construcción en Valencia durante el siglo XVIII. Se analizan para ello los inventarios en los que estas obras impresas se documentan y se cotejan las mismas con las obras efectivamente edificadas, buscando los modelos estructurales y decorativos empleados por los arquitectos.This essay studies the impact of books and prints of architecture, perspective or archaeology on the construction in Valencia during the 18th century. It analyzes the mention of some of these books in documents and compares them with the constructions built in the city looking for the structural and decorative models used by the architects.

Arte y ciudad caminan de la mano, a través de la expresión artística el ser humano ha lanzado redes que han facilitado una comunicación y entendimiento emotivo de su hábitat, la urbe. Un lugar nos emociona, intimida, acaricia, rechaza, nos posee. Mutante y convulsa, la ciudad renueva los valores que la definen. Conflicto, contradicción, contraste, fragmentación, diversidad…configuran el paisaje urbano. La ciudad reclama una reflexión abierta y flexible donde convivan pensamientos procedentes de distintas disciplinas: arte, arquitectura, filosofía, historia, urbanismo, antropología…una lectura más poética que concreta, más intuitiva que racional. Para interpretar las mutaciones expresivas que documentan la cartografía poética de la geografía urbana, he revisado los conceptos que definen la idea de ciudad, con el fin de abrir caminos que exploren una construcción más sensible del hecho urbano.Art and the city go hand in hand. Through artistic expression, human beings have launched networks of interaction that have provided an emotional understanding of their habitat, the city. A place can thrill us, intimidate us, pat us, reject us…possesses us. Mutant and whooping, the city renews its defining values. Conflict, contradiction, contrast, fragmentation, diversity... shape the urban landscape. The city claims an open and flexible thinking that integrates thoughts from different disciplines: art, architecture, philosophy, history, urban planning, anthropology...a reading more poetic than practical, more intuitive than rational. To interpret the expressive mutations which document the poetic cartography of urban geography, I have reviewed the concepts that define the idea of the city, to open roads to explore a more sensible construction of the urban.

Estudio de la instalación fotográfica de Martha Rosler acerca de un barrio deprimido de Nueva York, titulada El Bowery en dos sitemas de representación inadecuados (1975), y exposición de las reflexiones de la artista sobre la capacidad del medio fotográfico para convertirse en herramienta política.Study of Martha Rosler’s photo-installation concerning a deprived neighbourhood in New York, entitled The Bowery in two inadequate descriptive systems (1975), and presentation of the artist’s reflections on the ability of photography to become a politcal tool.