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Neste trabalho, será analisado o teatro dissidente argentino do período ditatorial até os dias atuais. Esta resposta artística beligerante aos modelos políticos sociais autoritários está determinada pelos diferentes contextos e pelas duas vertentes nas quais atua: micropolítica, que busca criar um lugar alternativo, e micropolítica, que aspira ser macropolítica (Dubatti. Cartografía teatral).

Entrevista concedida por Claudia Zapata a Sara Rojo e Graciela Ravetti

Esta pesquisa utiliza o conceito de gênero e a teoria semiótica, na abordagem da produção teatral de Griselda Gambaro (1928). Griselda Gambaro se caracteriza por uma linguagem mordaz e uma enunciação a partir do "outro". Seus textos levam o espectador a situações limites onde as personagens lutam contra o poder que anula quase sempre toda forma de vida, testemunhando as relações destrutivas existentes em nossas sociedades. O artigo parte do "eu" como sujeito produtor de discursos no interior de uma determinada cultura e reflete sobre as linguagens usadas dentro do corpus analisado; assim como sobre as variações de perspectivas e semânticas produzidas nos distintos períodos da escrita de Griselda Gambaro.

CNPq - Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico Nesta pesquisa, analisamos os monólogos Hilda Peña, de Isidora Stevenson, e Rosa Cuchillo, do Grupo Cultural Yuyachkani, questionando-nos se essas obras cumpririam o papel de proporcionar uma leitura da história a contrapelo segundo a conceituação de Walter Benjamin (2012) sobre a tarefa do materialista histórico. Partimos da hipótese de que os eventos reais nos quais os monólogos se baseiam – o assalto ao banco O'Higgins e o Conflito Armado Interno – se desfiguram e são reconfigurados nas dramaturgias pela narração de duas mulheres-mães que perderam seus filhos para a violência de Estado, possibilitando uma releitura da história por um outro viés. O percurso teórico da pesquisa iniciou-se pelo estudo da forma teatral do monólogo a partir dos aportes de Pavis (2015) e Sinisterra (2009), principalmente. Em seguida, foi feita uma aproximação entre essa forma teatral e os conceitos de literatura do trauma, teatro íntimo e narrativa, utilizando os estudos de Seligman-Silva (2017), Sarrazac (2013) e Benjamin (2012). Além disso, tendo em vista a identidade das protagonistas e a temática abordada nas obras, foi feita uma incursão teórica sobre os conceitos de gênero, maternidade e luto. Na análise das obras, chegamos à conclusão de que a irrepresentabilidade do trauma se manifesta em Hilda Peña e Rosa Cuchillo por meio da desfiguração provocada pelas linguagens onírica e mítica. Ademais, concluímos que, estritamente, as obras não atuam na releitura da história, mas possibilitam que o público, afetado pelo relato ficcional compartilhado, o faça. In this study, I analyzed the monologues Hilda Peña by Isadora Stevenson and Rosa Cuchillo by Grupo Cultural Yuyachkani. The main question was oriented by the possibility of these works to permit a reading of history against the grain aligned with the duties of the historical materialist according to Walter Benjamin (2012). The hypothesis was that the true events on which the monologues are base —the Bank O’Higgins robbery and the Internal Conflict in Peru—were disfigured and reconfigured in the dramaturgies through the narration of two women-mothers. Maybe they, who had lost their sons to State violence, could offer a new reading of history from a different perspective. The theoretical route of the study started with the examination of the theatrical form of the monologue, mainly with Pavis (2015) and Sinisterra (2009). To support the analysis of the works, I have approximated the concepts of monologue and trauma literature, following Seligman-Silva (2017); intimate theatre, according to Sarrazac (2013); and the reflections regarding narrative raised by Benjamin (2012). Moreover, considering the identity of the main characters and the theme addressed in the works, a review on gender, motherhood, and grief was carried out. In the analysis of the works, I came to the conclusion that the unrepresentability of trauma manifests itself in Hilda Peña and Rosa Cuchillo through the disfiguration provoked by the oneiric and mythical languages of the texts. In addition, I concluded that, strictly, the works do not function as rereadings of history. Yet, they do allow the audience, affected by the fictional account that was shared, to do it.

El trabajo que presentamos a continuación es un estudio que se puede situar entre la reflexión filosófica y literaria. Nuestro interés es discutir la categoría de bildungsroman para las novelas de formación o aprendizaje escritas en nuestra región andina. Nuestra hipótesis es que al ser novelas andinas latinoamericanas, los valores, experiencias y visión de mundo son distintos a los que se propusieron en el contexto en el nace el término bildungsroman y por eso sería apropiado colocarles una nueva denominación. Para ello, analizamos tres novelas peruanas consideradas novelas de formación: Los ríos profundos de José María Arguedas, País de Jauja de Edgardo Rivera Martínez y Ximena de dos caminos de Laura Riesco. Desde nuestro punto de vista, el camino y experiencias que recorren los personajes principales del libro Ernesto, Ximena y Claudio ponen en cuestión las ideas de formación, aprendizaje, infancia, cultura, presentes en el bildungsroman clásico. Ante ello, proponemos referirnos a estas novelas como: Qhapaq Ñan, tomando en cuenta las reflexiones sobre el pensamiento andino realizadas por el filósofo arequipeño Javier Lajo. Los aspectos de las novelas en los que enfocaremos nuestro análisis durante el estudio son: la frontera indómita de la infancia, la relación con la naturaleza o ecosofía y el espacio simbólico del juego. Aspectos sobre los que han escrito Antonio Cornejo Polar, Graciela Montes, D.W. Winnicott, Eduardo Subirats, María Zambrano, entre otros. The following work is a study that can be placed between philosophical and literary reflection. Our interest is to discuss the category of bildungsroman for novels of training or learning written in our Andean region. Our hypothesis is that being Latin American Andean novels, the values, experiences and world view are different from those proposed in the context at the birth of the term bildungsroman and therefore it would be appropriate to give them a new name. To do this, we analyze three Peruvian novels considered novels of formation: "Los Ríos Profundos" by José María Arguedas, "País de Jauja" by Edgardo Rivera Martínez and "Ximena de dos caminos" by Laura Riesco. From our point of view, the path and experiences transited by the main characters of the book (Ernesto, Ximena and Claudio) question the ideas of training, learning, childhood, culture, present in the classic bildungsroman. Given this, we propose to refer to these novels as: Qhapaq Ñan, taking into account the reflections on Andean thought made by the Arequipa philosopher Javier Lajo. The aspects of the novels on which we will focus our analysis during the study are: the indomitable frontier of childhood, the relationship with nature or ecosophy, and the symbolic space of playing. Aspects on which Antonio Cornejo Polar, Graciela Montes, D.W. Winnicott, Eduardo Subirats, Maria Zambrano, among others, have written.

CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior No presente trabalho, investigamos a recepção da obra dos dramaturgos italianos Franca Rame e Dario Fo no Brasil através da análise das traduções para o português feitas para a cena, isto é, para a montagem de suas peças. Antes de discutir as traduções, traçamos um panorama da vida e da obra dos autores e retomamos as características principais de suas peças (FARRELL, 2013; 2014; RAME; FO, 2009); além disso, retomamos algumas discussões sobre a crítica da tradução em geral (BERMAN, 1995), sobre a tradução de teatro (PAVIS, 2008a e 2008b) e, mais especificamente, sobre a tradução da obra teatral de Rame e Fo (DUMONT-LEWI, 2012; 2016; 2020), propondo o conceito de dramaturgia da tradução, para o qual são fundamentais as reflexões de Dort (1986) e Danan (2010) acerca dos significados mais recentes de dramaturgia, que ampliam as acepções do termo. Não há uma avaliação necessariamente positiva ou negativa inerente à ideia de dramaturgia da tradução, que consiste na sobreposição do projeto dramatúrgico – conjunto de escolhas estéticas, ideológicas e relacionais que antecipam a encenação – dos tradutores àquele do autor. Em seguida, analisamos as peças disponíveis no acervo da Sociedade Brasileira de Autores Teatrais (SBAT) e apresentamos dados, inclusive acerca da recepção crítica, sobre suas primeiras montagens. Na análise, observamos duas questões em particular, correspondentes aos dois desafios principais de quem insere no polissistema cultural brasileiro as peças de Rame e Fo, ligadas às particularidades sócio-histórico-culturais da Itália: a tradução, em português, do conteúdo político e do conteúdo humorístico de seu teatro. De forma geral, consideramos que predominam casos de tradução de dramaturgia – ou seja, de recriação, em outro polissistema cultural, do projeto dramatúrgico dos autores. É na tradução de textos cujo tema central é a condição da mulher – Brincando em cima daquilo (1984) e Casal aberto... ma non troppo (1984) – que predomina a dramaturgia da tradução, assim como no filme Não vamos pagar nada (2020). Além do acervo da SBAT, foram fontes fundamentais para esta pesquisa a Biblioteca Jenny Klabin Segall, a Hemeroteca Digital da Biblioteca Nacional, o acervo do jornal Folha de São Paulo e o Archivio Franca Rame-Dario Fo. This text investigates the reception of the work of the Italian playwrights Franca Rame and Dario Fo in Brazil by analyzing the translations into Portuguese made for the stage, that is, for the staging of their plays. Before discussing the translations, we provide an overview of the life and work of the authors and list the main characteristics of their plays (FARRELL, 2013; 2014; RAME; FO, 2009); furthermore, we go over some discussions about translation in general (BERMAN, 1995). In addition, we take up some discussions on translation criticism in general (BERMAN, 1995), on theater translation (PAVIS, 2008a and 2008b), and, more specifically, on the translation of the theatrical work of Rame and Fo (DUMONT-LEWI, 2012; 2016; 2020), presenting the concept of dramaturgy of translation, being fundamental the thoughts of Dort (1986) and Danan (2010) about the most recent concepts of dramaturgy, which expand the meanings of the term. There is no necessarily positive or negative evaluation regarding the idea of dramaturgy of translation, which consists in the overlap of the dramaturgical project - a set of aesthetic, ideological, and relational choices that anticipate the staging - of the translators on that of the author. Next, we analyze the plays available in the Sociedade Brasileira de Autores Teatrais (SBAT) collection and present data, including the critical reception, about their first stagings. In the analysis, two issues in particular were observed, corresponding to the two main challenges of those who insert the plays by Rame and Fo in the Brazilian cultural polysystem, linked to the socio-historical-cultural particularities of Italy: the translation, into Portuguese, of the political content and the humorous content of their theater. Overall, we consider that there are more cases of translation of dramaturgy - that is, the recreation, in another cultural polysystem, of the authors' dramaturgical project. It is in the translation of texts whose central theme is the women’s condition – Brincando em cima daquilo (1984) and Casal aberto... ma non troppo (1984) – that predominates the dramaturgy of translation, as well as in the film Não vamos pagar nada (2020). Besides the SBAT collection, the Biblioteca Jenny Klabin Segall, the Hemeroteca Digital da Biblioteca Nacional, the Folha de São Paulo newspaper collection and the Archivio Franca Rame-Dario Fo were fundamental sources for this research.

CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior O presente trabalho tem com objetivo o estudo do anacronismo na obra borgeana a partir da relação que o escritor estabelece com Domingo Faustino Sarmiento e a figura dos gauchos no século XIX. Esses aparecem principalmente no gênero literário rio-platense conhecido como gauchesca, sendo um dos seus principais representantes o Martín Fierro de José Hernández. Durante muito tempo, a poética borgeana colocaria em relação tanto o Facundo de Sarmiento quanto ao Martín Fierro de Hernández, os dois modelos canônicos da literatura argentina seriam incorporados pelo escritor conjugando civilização e barbárie. Contudo, a partir da década de 1940, essa síntese começa a mudar, Borges engaja-se ainda mais na política, torna se um “antiperonista”, passa a propor uma oposição entre civilização contra a barbárie, utiliza o século XIX na figura de Sarmiento e o Facundo para intervir no século XX. Para consecução desse percurso, o corpus eleito é formado por contos, ensaios e poemas que mostram como o século XIX recorta toda a obra, desde os anos 1920-1930 do criollismo nacionalista até os anos de conservadorismo 1940-1970, a saber: os contos são “Hombre de la esquina rosada” do livro Historia Universal de la Infamia (1935), “El Sur” do livro Ficciones (1944), o conto “La otra muerte” do livro El Aleph (1949) e os contos de El informe de Brodie (1970): “La intrusa”, “El indigno”, “Historia de Rosendo Juárez”, “El encuentro”, “Juan Muraña”, “El otro duelo”. Os prólogos são: “o gaucho” (1968), “Domingo F. Sarmiento: Facundo” (1974), “Domingo F. Sarmiento: Lembranças de província” (1944, 1974). E os poemas: “Sarmiento” do livro El otro, el mismo (1964), “Los gauchos” do livro Elogio de la Sombra (1969) e “El gaucho” do livro El oro de los tigres (1972). Além do próprio Facundo (1845) de Sarmiento. The objective of this work is to study the anachronism in Borges's work through from the relationship that the writer establishes with Domingos Faustino Sarmiento and the figure of the gauchos in the nineteenth century. Those appear mainly in the River Plate literary genre known as gauchesca, having as one of its main representatives the Martín Fierro of Jose Hernandez. For a long time, Borgesian poetics would place in relation both the Facundo by Sarmiento and the Martín Fierro by José Hernández, both models canonical of Argentine literature would be incorporated by the writer conjugating civilization and barbarism. However, from the 1940s that synthesis began to change, Borges becomes even more involved in politics, becomes an "anti-Peronist", goes on to propose a opposition between civilization against barbarism, uses the nineteenth century in the figure of Sarmiento and Facundo to intervene in the 20th century. To achieve this route, the chosen corpus is made up of stories, essays and poems that teach how the 19th century cuts the entire work, from the years 1920-1930 of nationalist criollismo to the years of conservatism, namely: the stories are "Hombre de la Esquina Rosada" from the book Historia Universal de la Infamia (1935), “El Sur” from the book Ficciones (1944), the story “La Otra muerte” from the book El Aleph (1949) and the stories from El informe de Brodie (1970): “La intrusa”, "El indigno", "Historia de Rosendo Juárez", "El encuentro", "Juan Muraña", "El otro duelo".The prologues are: “El gaucho” (1968), “Domingo F. Sarmiento: Facundo” (1974), “Domingo F. Sarmiento: Recuerdos de provincia” (1944, 1974). And the poems: “Sarmiento” from the book El otro, el mismo (1964), “Los gauchos” from the book Elogio de la Sombra (1969) and “El gaucho” from book El oro de los tigres (1972). And even Sarmiento's own Facundo (1845).

FAPEMIG - Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de Minas Gerais Este trabalho dedica-se a uma leitura crítica ao texto dramático Ñuke, do dramaturgo mapuche-chileno David Arancibia Urzúa, como um primeiro passo para elaborarmos um diálogo cultural com o contexto brasileiro. Para tanto, fez-se necessário um estudo histórico e político desde o período da invasão europeia nas Américas, sec. XV, amplamente difundida como “descoberta” das Américas, passando pelas transformações governamentais, independência e formação dos estados-nação, até aos dias atuais. Apoiamo-nos em mapas geopolíticos, em imagens contemporâneas que simbolizam o embate secular e em autores que recuperam as narrativas históricas e culturais dos povos originários, que resistiram ao projeto de apagamento e destruição do Poder colonizador, como forma de apreender todo esse contexto sob outro ponto de vista. Em seguida, apresentamos o autor e sua obra numa análise dramática do texto, fazendo uma comparação com a montagem realizada pelo Grupo KIMVN e com a primeira versão do texto publicada no Chile, em 2013. Explicitamos alguns termos na língua mapudungun, empregados na dramaturgia, que revelam aspectos da cultura mapuche e elevam a dramaturgia de Arancibia ao status de teatro político. Por fim, em diálogo com teóricos da imagem, como Jacques Rancière e Georges Didi-Huberman, analisamos algumas imagens críticas presentes na obra This work is dedicated to a critical reading of the dramatic text Ñuke, by the Mapuche Chilean playwright David Arancibia Urzúa, as a first step towards developing a cultural dialogue with the Brazilian context. Therefore, it was necessary to carry out a historical and political study from the period of the European invasion of the Americas, fifteenth century, widely spread as the "discovery" of the Americas, through governmental transformations, independence and formation of nation-states, until the present day. We rely on geopolitical maps, contemporary images that symbolize the secular struggle and authors who recover the historical and cultural narratives of the native peoples, who resisted to an erasure and destruction project of the colonizing power, as a way to apprehend this whole context under another point of view. Afterwards, we present the author and his work in a dramatic analysis of the text, comparing it with the theatre production performed by KIMVN Group and with the first version of the text published in Chile, at 2013. We explain some terms in the Mapudungun language, used in dramaturgy, that reveal aspects of Mapuche culture and elevate Arancibia's dramaturgy to the status of political theater. Finally, in dialogue with image theorists, such as Jacques Rancière and Georges Didi-Huberman, we analyze some critical images present in the work.

FAPEMIG - Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de Minas Gerais O presente trabalho visa pesquisar as políticas literárias promovidas por Roberto Bolaño na representação do escritor latino-americano, sendo considerado por sua fortuna crítica (VOLPI, 2006; ECHAVARRÍA,2013) o primeiro autor a romper com o paradigma do boom no imaginário mundial. Para levar a cabo essa tarefa, partiremos das demandas do campo editorial da década de 1990 – extremamente conformado às estéticas do realismo mágico –, para notar que não só Bolaño, mas também outros escritores denunciam uma divisão dos saberes e temas a serem tratados pela literatura de países periféricos e hegemônicos. No caso do nosso escritor, considerando o momento histórico das ditaduras latino-americanas e da ascensão do neoliberalismo, os nacionalismos são lidos em contiguidade com o padrão hegemônico de poder (QUIJANO, 2002), via de regra branco, capitalista e heterossexual. Trata-se, portanto, de tomar uma posição própria diante da oposição universal-global e regional-nacional, já que essas instâncias são percebidas de modo contínuo em suas intervenções críticas. No entanto, em contrapartida, como leitor da tradição canônica latino-americana, Bolaño realiza uma interpretação que a percebe como espaço de saída, isto é, o necessário abandono dos aspectos formais, mas a indispensável retomada, de modo não ortodoxo, de alguns de seus aspectos utópicos e anticoloniais. Propõe-se assim percorrer um percurso em que o escritor, de um lado, forja pela ficção um movimento literário – o Realvisceralismo – para promover um ajuste de contas com as tragédias latino-americanas do século XX (ROJO, 2004), mas também para encenar o abandono do lugar próprio do escritor latino-americano, propondo outros eixos de interpretação para a prática literária. De outro, reposicionando o referente latino-americano em diferentes horizontes de expectativas, sua obra dispõe de um mapa literário de alcance mundial. Nele, o fator latino-americano deixa de significar territorialidade ou consanguinidade (dentre tantos outros usos conservadores) para ganhar os contornos históricos dessa experiência no mundo, marcando-o como resultado de uma modernidade global fracassada ou como iteração particular da violência com que os diferentes povos foram integrados ao sistema mundo moderno. The present work aims to research the literary policies promoted by Roberto Bolaño in the representation of the Latin American writer, being considered by his critical fortune (VOLPI, 2006; ECHAVARRÍA, 2013) the first author to break with the “boom” paradigm in the world imaginary. To carry out this task, we will start from the demands of the publishing field of the 1990s – extremely conformed to the aesthetics of magical realism – to note that not only Bolaño, but also other writers denounced a division of knowledge and themes to be addressed by literature of peripheral and hegemonic countries. In the case of our writer, considering the historical moment of Latin American dictatorships and the rise of neoliberalism, nationalisms are read in contiguity with the hegemonic pattern of power (QUIJANO, 2002), as a rule, white, capitalist and heterosexual. It is, therefore, about taking a stand of its own in the face of universalglobal and regional-national opposition, as these instances are continuously perceived in Bolaño’s critical interventions. However, on the other hand, as a reader of the Latin American canonical tradition, the author performs an interpretation that perceives it as an exit space, that is, the necessary abandonment of formal aspects, but the indispensable resumption, in an unorthodox way, of some of its utopian and anticolonial aspects. Thus, we propose to follow a path in which the writer, on one hand, forges a literary movement through fiction – Realvisceralism – to promote a reckoning with the Latin American tragedies of the 20th century (ROJO, 2004), but also to stage the abandonment of the Latin American writer's place, proposing other lines of interpretation for literary practice. On the other hand, repositioning the Latin American referent in different horizons of expectations, Bolaños’s work has a worldwide literary map. In it, the Latin American factor ceases to signify territoriality or consanguinity (among many other conservative uses) to gain the historical contours of this experience in the world, emphasizing the Latin American factor as a result of a failed global modernity or as a particular repetition of the violence with which different peoples were integrated into the modern world system.

CNPq - Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico A dissertação delimita as relações existentes entre os espetáculos Juana (2004) e Estado Vegetal (2017), de Manuela Infante, e as urgências da própria autora ao se deter em um fazer teatral cujo giro seja a desconstrução do heróico e a valorização do "não humano". A partir das questões apresentadas nas obras, pretende-se traçar diálogos entre o macro social, tendo em vista as críticas e perspectivas a respeito do cenário histórico e político latino-americano, assim como questões provindas dos corpos que atravessam esses contextos. Em acordo com as propostas da dramaturga, o estudo trabalha as particularidades dos textos e da cena teatral, bem como as imagens que apresentam as peças enquanto dramaturgia e seus referenciais, atrelando, assim, a reflexão aos estudos ecofeministas. Acorde com as práticas cênicas e teorias da própria autora, a análise dos personagens retratados é importante para entender o lugar dos sujeitos no mundo moderno e na construção dos elementos não-humanos, a relação entre eles e sua inserção no contexto do Chile. A presente dissertação expõe a tradução das obras analisadas num intento de aproximar as práticas de Infante ao Brasil e de criar diálogos entre as questões provindas da leitura e da encenação dos textos dramatúrgicos. The dissertation delimitates the existing relationships between the spectacles Juana (2004) and Estado Vegetal (2017), by Manuela Infante, and the author's own urgent need for a theatrical performance whose spin is the deconstruction of the heroic and the appreciation of the "nonhuman". Based on the questions presented in the works, it is intended to draw dialogues between the social macro, in view of the criticisms and perspectives regarding the Latin American historical and political scenario, as well as questions arising from the bodies that go through these contexts. In accordance with the proposals of the playwright, the study works on the particularities of the texts and the theatrical scene, as well as the images that present the plays as dramaturgy and their references, thus linking the reflection to ecofeminist studies. According to the scenic practices and theories of the author herself, the analysis of the portrayed characters is important to understand the place of the subjects in the modern world and in the construction of non-human elements, the relationship between them and their insertion in the context of Chile. The present dissertation exposes the translation of the analyzed works in an attempt to bring Infante's practices closer to Brazil and to create dialogues between the issues arising from the reading and the staging of dramaturgical texts.

CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior A noção de crise do drama, de Peter Szondi, apresentada à maneira de estudos da Escola de Frankfurt que já tinham Hegel e Marx como base, aponta para a necessidade de se desenvolver uma visão histórica e dialética da forma dramática, o que escapa às poéticas normativas. No horizonte da crise, o expressionismo e o teatro épico brechtiano suprassumem o drama. Ao sinalizar para o personagem psicopático, Freud já denunciava o desrespeito dos autores modernos à regra de não causar sofrimento no espectador, que assim já provocavam um distanciamento brechtiano germinal. O drama em crise seria, portanto, aquele em que o personagem condicionado por forças anônimas tem a repressão em embate com o recalcamento. Em resumo, a hipótese aqui colocada é de que o personagem psicopático é explicitado e desenvolvido no teatro no momento da passagem estética do drama para o teatro épico. Peter Szondi’s notion of drama in crisis, modeled from studies of the Frankfurt School that already had Hegel and Marx as their basis, points to the need to develop a historical and dialectical view of the dramatic form, which escapes from poetics regulations. In the horizon of crisis, expressionism and the Brechtian epic theater overcome the drama. In signaling to the psychopathic character, Freud already denounced the disrespect of modern authors to the rule of not causing suffering in the spectator, who thus already caused a germinal Brechtian estrangement. The drama in crisis would be, therefore, the one in which the character conditioned by anonymous forces has the repression in clash with the restraint. In short, the hypothesis put forward here is that the psychopathic character is explicit and developed in the theater at the moment of the aesthetic passage from drama to epic theater.

FAPEMIG - Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de Minas Gerais Em um contexto de crise política em diversos países da América Latina, com um crescimento da direita conservadora e uma democracia ainda frágil, analisamos as obras Neva (2006) e Escola (2013), do chileno Guillermo Calderón. Os dois textos dramáticos fazem referência ao período ditatorial e à violência imposta por esse regime no Chile e em outros países latino-americanos. Essa escolha se baseia na hipótese de que, com o passar dos anos, a obra do autor sofreu mudanças estéticas consideráveis, de acordo com as variações no contexto político do Chile e da América Latina. Sendo assim, nosso objetivo é analisar como a dramaturgia de Guillermo Calderón se modifica a partir das diferenças observadas na escrita desses dois textos. Diante dessas obras dramatúrgicas podemos questionar: qual a importância da memória da ditadura para a América Latina e qual o papel do teatro contemporâneo latino americano no avivamento e reflexão acerca dessa memória traumática? Por meio da análise de textos que recorrem ao passado para debater o presente pretendemos entender como a permanência dessa temática na literatura dramática pode permitir uma maior compreensão dos acontecimentos atuais e significar um fôlego e um alerta, nos momentos de instabilidade política vividos na América Latina. In a context of political crisis in many South American countries, with a rise of the conservative right and a still fragile democracy, the works Neva (2006) and Escola (2013) by the Chilean Guillermo Calderón were analysed. Both dramatic texts make reference to the dictatorial period and to the violence imposed by this regime in Chile as in other Latin American countries. This choice is based on the hypothesis that with the passing of the years the work of the author went through considerable aesthetic changes according to the variations in Chilean and Latin American political contexts. Thus, our goal is to analyse how the dramaturgy of Guillermo Calderón modifies itself from the difference observed in the writing of both texts. In the face of the dramaturgy works we might ask: What is the importance of the memory of dictatorship to Latin America and what is the role of Latin American Contemporary Theatre in the revival and reflection of this traumatic memory? Through analysis of texts that draw on the past to debate about the present time we intend to learn how the continuity of this theme in dramatic literature could allow for a greater understanding of current events and how it could pose as a relief and an alert in moments of vivid political instability in Latin America.

CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior A partir da leitura do romance Jamais o fogo nunca (2007), de Diamela Eltit, a presente dissertação propõe investigar a possibilidade de a literatura, ao questionar os lugares hegemônicos do saber, postar-se como uma instância dissensual de pensamento. Guiado pela inteligibilidade de um corpo-memória, que ao recuperar o passado a partir do não-dito revela sua latência no presente, neste romance, estética, política e História cruzam-se a todo tempo. Trata-se de uma narrativa na qual uma mulher sem nome rememora episódios passados ao mesmo tempo em que examina a banalidade do presente que compartilha com seu companheiro, a imagem degradada de uma liderança militante autoritária. Apropriando-se da paradoxal condição à qual Pinochet relegou milhares de desaparecidos – esse espaço de suspensão entre a vida e a morte –, Eltit edifica um corpo-ruína que interpela o desaparecimento de um projeto político ao mesmo tempo em que traz à baila suas contradições internas: escovando o passado a contrapelo, a narradora retira do silenciamento a hierarquia de gênero ao questionar a falocêntrica racionalidade que estruturou tanto o moralismo do Estado, quanto as organizações militantes. Para perscrutar as potencialidades políticas dessas estratégias estéticas, recuperamos, num primeiro momento, as reflexões de Jacques Rancière acerca da partilha do sensível. Em seguida, no intuito de investigar de que maneira esta releitura – que se submete, tão somente, à legislação oblíqua da memória – coloca em disputa outras formas de visibilidade e inteligibilidade, retomamos o conceito de História elaborado por Walter Benjamin. A interlocução entre esses dois autores nos permitiu, por fim, desenvolver a hipótese de, em Jamais o fogo nunca, ser por meio do corpo que o cruzamento entre estética, política e História se perfaz. From the reading of the novel Jamais o fogo nunca (2007), by Diamela Eltit, the present thesis proposes to investigate the possibility of literature, when questioning the hegemonic places of knowledge, to stand as a dissenting instance of thought. Guided by the intelligibility of a body- memory, which in recovering the past from the unsaid reveals its latency in the present, in this novel, aesthetics, politics and History intersect at all times. It is a narrative in which an unnamed woman recalls past episodes while examining the banality of the present she shares with her mate, the degraded image of an authoritarian militant leadership. By appropriating the paradoxical condition to which Pinochet has relegated thousands of missing people – this suspended space between life and death –, Eltit builds a body-ruin that inquires about the disappearance of a political project while bringing its internal contradictions to light: brushing History against the grain, the narrator removes the hierarchy of gender from silencing by questioning the phallocentric rationality that structured both state moralism and militant organizations. In order to examine the political potential of these aesthetical strategies, we first recall Jacques Rancière’s reflections on the distribution of the sensible. Then, in order to investigate how this rereading – which is submitted only to the oblique legislation of memory – highlights other ways of visibility and intelligibility, we recall the concept of History elaborated by Walter Benjamin. The interlocution between these two authors allowed us, finally, to develop the hypothesis that, in Jamais o fogo nunca, it is through the body that the intersection among aesthetics, politics and History is completed.

Esta dissertação propõe análise comparativa, teórica e crítica, entre os textos Malinche (1992), de Inés Stranger (Chile), e La mujer puerca (2012), de Santiago Loza (Argentina), a partir do conceito teórico de imagem e seus desdobramentos, o ato de olhar, a posição do espectador, proposições acerca da história e da memória e a forma como o feminino é apresentado nas obras. Analisa-se a estruturação das personagens em ambos os textos, em que mulheres protagonistas de suas próprias histórias estão inseridas dentro do contexto latino-americano e os discursos fogem da ordem masculina/hegemônica. Para apresentarmos esse estudo, introduzimos a dissertação com um panorama histórico, cultural e social da mulher, na Argentina, no Chile e no Brasil, as formas atuais de enfrentamentos femininos e as perspectivas dramatúrgicas. Posteriormente, realizamos uma reflexão de cada obra e o estudo comparativo. Esta disertación propone un análisis comparativo, teórico y crítico, entre los textos Malinche (1992), de Inés Stranger (Chile), y La mujer puerca (2012), de Santiago Loza (Argentina), a partir del concepto teórico de imagen y sus desdoblamientos, el acto de mirar, la posición del espectador, proposiciones acerca de la historia y de la memoria y la forma como lo femenino se presenta en las obras. Se analiza la estructuración de los personajes en ambos textos, en que mujeres protagonistas de sus propias historias están insertadas dentro del contexto latinoamericano y los discursos huyen del orden masculino/hegemónico. Para presentar este estudio, iniciamos la disertación con un panorama histórico, cultural y social de la mujer, en Argentina, Chile y Brasil, las formas actuales de enfrentamientos femeninos y las perspectivas dramatúrgicas. Posteriormente, realizamos una reflexión de cada obra y el estudio comparativo.

Esta tese examina e compara o fazer artístico-político empreendido pela Companhia do Latão, inserida na cidade de São Paulo, e pelo Bando de Teatro Olodum, atuante em Salvador, com o objetivo de circunscrever as poéticas cênicas desenvolvidas por ambos os coletivos enquanto manifestações do teatro engajado brasileiro. A expressão estéticas do engajamento denota aqui o modo sempre específico a partir do qual os artistas firmam certo compromisso com uma dada realidade, desenvolvendo uma forma artística compatível com os ideais éticos assumidos. Compõe o corpus de trabalho principal desta pesquisa as dramaturgias Auto dos bons tratos, do Latão, e Relato de uma guerra que (não) acabou, do Bando, encenadas em 2002, além de depoimentos dos integrantes dos grupos sobre o processo criativo, gravações das montagens, entrevistas e textos teóricos publicados pelos diretores e atores. Partindo da interpretação desse material, a tese analisa a trajetória dos coletivos em diálogo com as principais manifestações do teatro de resistência do século XX, compara o processo de criação por trás das peças citadas, examina o trabalho desenvolvido com o público e a atuação dos artistas em suas respectivas comunidades e investiga o modo como as trupes representam a sociedade brasileira, observando a cena enquanto espaço alternativo de reescrita da história e da memória do país. Ao refletir sobre os caminhos percorridos pelo Latão e pelo Bando, este estudo pretende dar visibilidade a uma tendência do teatro engajado hoje, marcada pela interpretação anti-ilusionista da realidade, pela cena como fomentadora de experiências coletivas, pela formulação de poéticas pautadas por afirmações identitárias. This thesis examines and compares the artistic-political work undertaken by Latão Company, located in the city of São Paulo, and Olodum Theater Group, in Salvador, in order to circumscribe the scenic poetics developed by both collectives as manifestations of engaged theater in Brazil. Here, the expression aesthetics of engagement denotes the ever specific way in which artists establish a certain commitment to a given reality, developing an artistic form compatible with accepted ethical ideals. The main corpus of this research comprises the dramas Auto dos bons tratos, by Latão Company, and Relato de uma guerra que (não) acabou, by Olodum Group, both staged in 2002, besides testimonies of the members of the groups about creative process, recordings of the assemblies, interviews, and theoretical texts published by the directors and actors. Based on the interpretation of this material, the thesis analyzes the trajectory of the collectives, in dialogue with the main manifestations of the theater of resistance of the twentieth century, compares the creation process behind the cited pieces, examines the work developed with the public and the performance of the artists in their respective communities and investigates the way the groups represent the Brazilian society, observing the scene as an alternative space of rewriting of the history and memory of the country. By reflecting about the paths covered by Latão Company and Olodum Group, this study aims at giving visibility to a tendency of the engaged theater today, marked by the anti-illusionist interpretation of reality, by the scene as a promoter of collective experiences and by the formulation of poetics based on identity affirmations.

Em um panorama geral da produção romanesca de 1930, pode-se notar que as narrativas apresentam uma pungente desconfiança na possibilidade de uma transformação efetiva do país e uma perspectiva amadurecida sobre o atraso e a decadência nacional. Nesse sentido, críticos renomados como João Lafetá, Antonio Candido e Luiz Bueno perceberam nas obras do período um desagregamento da mentalidade utópica modernista, que encarava o Brasil como um país novo, e a instauração de uma pré-consciência do subdesenvolvimento e da sobrevivência insistente dos elementos arcaicos da sociedade brasileira. Assim, Cyro dos Anjos, José Lins do Rego, Graciliano Ramos, entre outros escritores foram capazes de estilizar, cada um a seu modo, recorrendo à deflagração regional e intimista, a convivência entre progresso e atraso, imbuindo assim suas respectivas tramas de um aspecto trágico. Esta pesquisa pretende mostrar três representações desse progresso contraditório, através da análise de O amanuense Belmiro Fogo Morto e São Bernardo, evidenciando o trágico na crise da figura humana, que se torna depositária de conflitos e dos matizes da realidade brasileira, a qual se desenvolve de modo desigual, porém combinada. Nesse sentido, a ação trágica dessas narrativas não se revela como um mero prolongamento da tragédia clássica; trata-se de uma representação diferenciada, a qual pressupõe a representação da vida comum e cotidiana. Referindo-se a uma acepção moderna, o trágico aqui abordado representa uma contradição permanente entre a matéria e o espírito, a afirmação e ao mesmo tempo o aniquilamento do indivíduo perante o mundo. Aderido ao romance, o elemento trágico passa a ser analisado em consonância com a história, integrado à sua construção particular, configurando uma série de manifestações próprias de seu tempo como a luta do homem e sua conjuntura histórico-social. Não se pretende nesse estudo uma síntese da evolução histórica do trágico, mas se busca compreender de que maneira O amanuense Belmiro, Fogo Morto e São Bernardo utilizam o trágico como articulador da composição formal e das demandas literárias dos anos 30, realizando o que a crítica literária constatou como decadência. Diante dessa linha de raciocínio, pretende-se observar de que forma o fenômeno trágico atua como um dispositivo que permite a elaboração de uma perspectiva sobre a modernidade brasileira e operacionaliza um movimento de interpenetração entre os aspectos sociais e estéticos, tornando-se, assim, indispensável para a compreensão dessas obras. On a general panorama of the 1930 novel production, it´s possible to note the narratives show a pungent disbelief in the country transformation possibility and have a maturated perspective about the delay and national decadence. On this way, renowned critics as João Lafetá, Antonio, Candido and Luiz Bueno perceive on the period books a disaggregation of the utopic modernist mentality, which face Brazil as a new country, and the instauration of a pre-conscious of underdevelopment and the insistent survival from the archaic elements of Brazilian society. Then, Cyro dos Anjos, José Lins do Rego, Graciliano Ramos and others writers were able to stylize, which one by its preference, resorting the intimacy and regional aspects, the familiarity between progress and retard, imbuing its plots with the tragic aspect. This research aspire to show representations of this contradictory progress, by the O amanuense Belmiro, Fogo Morto and São Bernardo analyses, reveling the tragic concentrated in the destiny and crises from human figure, which becomes depositary of conflicts and mantises from the Brazilian reality, which develops in unequal way, but combined. Then, the tragic action on these narratives does not revel as a simple prolongation from the classic tragedy, there is a different representation, which presuppose and interpret the part of common and quotidian life. Refers to a modern conception, the tragic here approached represents a permanent contradiction between the matter and the spirit, the affirmation and, on the same time, the annihilation of the individual in front of the world. Adhering to the novel, the tragic element becomes to be analyzed in consonance with the history, part of its particular construction, configuring series of private manifestations about its time as the conflict the human and its historical-social conjuncture. It is not a goal from this study the syntheses about the tragic historic evolution, but aims to comprehend the manner O amanuense Belmiro, Fogo Morto and São Bernardo use the tragic as articulator of the formal aesthetic composition and the literary demands from the 30 and 45 decays, performing the representation of decadence as the literary critic named. Ahead this reasoning line, we intend to observe how the tragic phenomenon acts as a dispositive that allows the elaboration of a vision about the Brazilian modernity and operate an interpretation movement between the social and aesthetics aspects, becoming, so, indispensable to understand the writings from the period.

A tese tem como objetivo abordar as relações entre Literatura, História e memória nas obras Cien años de soledad (1967), El otoño del patriarca (1975) e El general en su laberinto (1989) do escritor colombiano Gabriel García Márquez. Para isso, discute as relações teóricas entre Literatura, História e memória, mostrando as aproximações e os distanciamentos entre a Literatura e a História, bem como as relações que ambas estabelecem com a memória e o esquecimento. O trabalho também revisita a bibliografia crítica sobre os romances em destaque e estuda o diálogo das obras com a História, considerando as especificidades de cada texto do corpus selecionado. Na tese, foram ainda enfocados o poder e as disputas pela memória; a construção do tempo na narrativa, bem como alguns dos aspectos culturais, presentes nos três romances. Ao tomar como ponto de partida a representação do ditador nas obras de Roa Bastos (Yo el Supremo), e de Alejo Carpentier (El recurso del método), foi realizada uma aproximação com os personagens coronel Aureliano Buendía, (Cien años de soledad), o general Simón Bolívar (El general en su laberinto) e o patriarca (El otoño del patriarca). Os textos de García Márquez não foram estudados como reflexo da História da Colômbia e de outras localidades das Américas, mas buscou-se evidenciar como o escritor, valendo-se de fontes históricas, personagens, vozes e perspectivas, forneceu elementos para o questionamento de uma versão única da História dos lugares destacados e mostrou a necessidade do não esquecimento dos fatos renegados por uma vertente da historiografia. La tesis tiene como objetivo abordar las relaciones entre Literatura, Historia y memoria en las obras Cien años de soledad (1967), El otoño del patriarca (1975) y El general en su laberinto (1989) del escritor colombiano Gabriel García Márquez. Para ello, discute las relaciones teóricas entre Literatura, Historia y memoria, mostrando las aproximaciones y los alejamientos entre la Literatura y la Historia, así como las relaciones que ambas establecen con la memoria y el olvido. El trabajo también revisita la bibliografía crítica sobre las novelas en destaque y estudia el diálogo de las obras con la Historia, considerando las especificidades de cada texto del corpus elegido. En la tesis, fueron también enfocados el poder y las disputas por la memoria; la construcción del tiempo en la narrativa, así como algunos de los aspectos culturales, presentes en las tres novelas. Al tener en cuenta la representación del dictador en las obras de Roa Bastos (Yo el Supremo), y de Alejo Carpentier (El recurso del método), fue realizada una aproximación con los personajes coronel Aureliano Buendía, (Cien años de soledad), el general Simón Bolívar (El general en su laberinto) y el patriarca (El otoño del patriarca). Los textos de García Márquez no fueron estudiados como reflejo de la Historia de Colombia y de otras localidades de las Américas, pero se buscó evidenciar como el escritor, valiéndose de fuentes históricas, personajes, voces y perspectivas, proporcionó elementos para el cuestionamiento de una versión única de la Historia de los lugares destacados y evidenció la necesidad del no olvido de los fatos renegados por una vertiente de la historiografía.

Esta tese tem por objetivo a investigação do processo de criação de Antunes Filho, em particular o espetáculo A Pedra do Reino, adaptação para o teatro dos romances de Ariano Suassuna A Pedra do Reino e Rei Degolado, visando refletir acerca de questões relativas à operação teatralizadora do encenador. Nessa perspectiva, buscamos delinear os procedimentos e meios que constituem a encenação das narrativas de ficção realizadas por Antunes ao longo de sua trajetória, sua interlocução com Ariano, a problematização da autoria, as referências dialógicas, os processos de composição cênica e a poética de Antunes, seus métodos de preparação para atores, suas noções de teatralização, prêt-à-porter, manifestação, fonemol, dentre outras. Na montagem de A Pedra do Reino (2006) destacamos o palco nu, os blocos de atores, a natureza multirreferencial da montagem, a cocriação autoral, a dinâmica coreográfica, a linguagem musical, as citações e rasuras, além de outras convenções e inovações cênicas de Antunes. The present research investigates Antunes Filho's creative process, in particular the play A Pedra do Reino, theater adaptation of Ariano Suassunas novels A Pedra do Reino and O Rei Degolado, approaching reflections about issues related to directors theatrical operation context. In this perspective, we seek to delineate the procedures and means which constitute the staging of the fiction narratives, developed by Antunes throughout his trajectory, his interlocution with Ariano, the authorship concept problematization, the dialogical references, the processes of scenic composition and Antuness scenic poetry, his preparation methods for actors, his notions of theaterizing, prêt-à-porter, manifestation, fonemol, among others. In theaterizing of A Pedra do Reino (2006) we highlight the bare stage, the actors' blocks, the multireferential aspect of the montage, the authorial co-creation, the choreographic dynamics, the musical language, the citations and erasures, besides other conventions and scenic innovations of Antunes.

É possível uma proposta pedagógica para a formação de dramaturgos no Brasil, dado o atual caráter plural, aberto e mutável da escrita teatral contemporânea? Essa é a questão fundamental da pesquisa que se apresenta sob a imagem do labirinto-rede de Umberto Eco. Sob a luz da teoria pós-moderna de Jean-François Lyotard, o autor desdobra a questão trazendo à tona aspectos da dramaturgia contemporânea, focando o papel e formação do autor teatral brasileiro. Em seguida, revisa ideias e práticas de dramaturgos-pedagogos, tais como Jean-Pierre Sarrazac, Joseph Danan e Adélia Nicolete, que juntamente com experimentos do próprio autor, configuram uma proposta para espaços coletivos de formação em dramaturgia que dá prioridade à experiência em detrimento da explicação. Est-il possible une proposition pédagogique pour la formation des dramaturges au Brésil, étant donné le caractère pluriel, ouvert et changeant de l'écriture théâtrale contemporaine ? Cest la question fondamentale de la recherche qui est présentée sous l'image du labyrinthe-réseau de Umberto Eco. À la lumière de la théorie postmoderne de Jean-François Lyotard, l'auteur dévoile la question en soulevant les aspects du drame contemporain, en se concentrant sur le rôle et la formation du dramaturge brésilien. Ensuite, il révise les idées et les pratiques des dramaturges-pédagogues tels que Jean- Pierre Sarrazac, Joseph Danan et Adelia Nicolete, qui, avec ses propres expériences, constituent une proposition pour les espaces de formation collective à la dramaturgie qui donne la priorité à l'expérience au détriment de l'explication.

Esta tese visa a investigar como e por que o imaginário mítico de Antígona, veiculado a partir da obra homônima de Sófocles, perdura e é tantas vezes retomado, mantendo um caráter prioritariamente político, nas literaturas dramáticas modernas e contemporâneas. O corpusdeste trabalho abrange especificamente quatro reescritas de Antígona Antígona, de Jean Anouilh (França, 1944), Antígona de Sófocles, de Bertolt Brecht (Alemanha, 1948), Antígona Furiosa, de Griselda Gambaro (Argentina, 1986), e Antígona, de José Watanabe e Yuyachkani(Peru, 2000). Essas obras foram organizadas em dois macrocontextos distintos: Europa durante e logo após a Segunda Guerra Mundial; e América Latina. Essa escolha favorece um olhar paradigmático para as retomadas do mito de Antígona em contextos de violência e estado de exceção. Em momentos em que a vida humana perde o valor e em que o poder estabelecido ganha suporte jurídico para exterminar em nome de uma segurança nacional, a imagem mítica de Antígona parece ressurgir com mais intensidade, como aquela que clama por justiça e por sepultura digna aos mortos. A partir do corpus analisado, e com uma metodologia interdisciplinar, com referências variadas, segundo a necessidade de cada contexto e de cada dramaturgia, procurou-se investigar as condições de possibilidade das apropriações do imaginário mítico de Antígona, compreendendo que este mantém, a cada atualização, um caráter prioritariamente político. This thesis aims to investigate how and why the mythical imaginary of Antigone, disseminated from the homonymous Sophocles play, endures in recent writings and is often restored, maintaining a primarily political nature in modern and contemporary dramatic literature. The corpus of this work covers specifically four rewrites of Antigone Jean Anouilhs Antigone (France, 1944), Bertolt Brechts Antigone of Sophocles (Germany, 1948), Griselda Gambaros Antígona Furiosa (Argentina, 1986), and José Watanabe and Yuyachkanis Antígona (Peru, 2000). These works were organized into two distinct macrocontexts: Europe during and shortly after the Second World War; and Latin America. Thischoice supports a paradigmatic view at the rewrites of the myth of Antigone in contexts of violence and state of exception. When human life loses its value and when the established power acquires legal support to exterminate in the name of national security, the mythical image of Antigone seems to reappear with more intensity, as she calls for justice and a worthy burial for the dead. From the corpus analyzed, and with an interdisciplinary methodology, with varied references according to the request of each context and each play, this thesis tried to investigate the conditions of possibility for the appropriations of the mythical imaginary ofAntigone, understanding that it maintains, in each play, a primarily political nature.

Essa dissertação tem o objetivo de apresentar à comunidade acadêmica e teatral a tradução de três textos de Dario Fo (1926 2016) que fazem parte de seu espetáculo Mistero Buffo (1969), bem como os estudos, metodologias e saberes que possibilitaram essa experiência ereflexão sobre a sua concretização. Do ponto de vista histórico-cultural, trabalhamos em dois planos aparentemente distintos: o contemporâneo e o medieval. Todavia a figura de Dario Fo os une e, ao longo de sua carreira, o autor e ator italiano se torna um verdadeiro jogral de seutempo ao resgatar, de forma brilhante e simples, os bufos mistérios medievais para tocar em questões muito atuais, fazendo-nos pensar e enxergar através do teatro as muitas relações possíveis entre esses dois mundos, mesmo que tenham se passado oito séculos até a retomada dessas apresentações realizadas pelo artista italiano. Para tal, utilizamos as reflexões sobre a literatura medieval de Bakhtin e Zumthor. Sobre os estudos de teatro contemporâneo, Pavis é nosso maior referencial por abordar especificamente o teatro na tradução. Para nortear nossas reflexões sobre a prática da tradução, recorremos principalmente às teorias de Berman e Meschonnic. O principal critério que guiou este trabalho foi a busca pela manutenção e respeito da poética específica dos textos teatrais escolhidos, sempre pensando na contextualização para a cultura e o público brasileiro atual. Percebemos que a poética se encontra intrinsecamente ligada, no caso de nosso corpus teatral, à performance, e, por conseguinte, ao ritmo de sua oralidade, que é resultante de uma profunda conexão entre o corpo e a voz do intérprete, que representa sua alteridade. Questa dissertazione ha lobiettivo di presentare alla comunità accademica e teatrale la nostra traduzione di tre testi di Dario Fo (1926 2016) che fanno parte del suo spettacolo Mistero Buffo (1969), così come studi, metodologie e saperi che ci hanno reso possibile tale esperienza e la riflessione sulla sua concretizzazione. Dal punto di visto storico-culturale, abbiamo lavorato su due piani apparentemente distinti: quello contemporaneo e quello medievale. Tuttavia la figura di Dario Fo li unisce, e lungo la sua carriera lautore e attore italiano si trasforma in un vero e proprio giullare del suo tempo nel riscattare, in manierabrillante e semplice, i buffi misteri medievali per toccare questioni molto attuali; facendoci pensare e scoprire, attraverso il teatro, le molte relazioni possibili tra questi due mondi, anche se sono passati otto secoli dalla riappropriazione di queste rappresentazioni realizzate dallartista italiano. Per affrontare tali studi abbiamo utilizzato le riflessioni sulla letteraturamedievale di Bakhtin e Zumthor. Circa gli studi di teatro contemporaneo, Pavis è il nostro autore principale di riferimento per aver affrontato specificatamente il teatro nella traduzione. Per guidare le nostre riflessioni sulla pratica della traduzione, abbiamo fatto ricorsosoprattutto alle teorie di Berman e Meschonnic. Il principale criterio che ci ha guidati è stata la ricerca della poetica specifica dei testi teatrali scelti, in modo da poterla rispettare e mantenere nelle traduzioni, sempre pensando alla cultura e al pubblico brasiliani attuali. Ci siamo resi conto che la poetica si trova principalmente legata, nel caso del nostro corpusteatrale, alla performance e, conseguentemente, al ritmo della sua oralità, come risultato di una profonda connessione fra il corpo e la voce dellinterprete, che rappresenta la sua alterità.

Este trabalho é o registro reflexivo desenvolvido a partir das relações estabelecidas entre os diversos elementos estético-políticos presentes nas imagens criadas por Alejandro Jodorowsky, em Melodrama Sacramental (1965), Santa Sangre (1989) e Las tres viejas (2003). Cada obra, e suas especificidades inerentes à linguagem utilizada (evento teatral, áudio visual/cinema e texto dramático), configuram realidades ficcionais que, neste trabalho, são analisadas a partir de conceitos como imagens dialéticas (DIDI-HUBERMAN, 1998), partilha do sensível (RANCIÈRE, 2005), espectador emancipado (RANCIÉRE, 2012), sociedade do espetáculo (DEBORD, 1997) e também serão utilizados conceitos do próprio autor, Alejandro Jodorowsky. This work is the reflective writing developed from the relations of the various aesthetic-political elements present in the images created by Alejandro Jodorowsky, in Melodrama Sacramental (1965), Santa Sangre (1989) and Las tres viejas (2003). Each artistic work, and its language specificities (theatrical event, audio visual / cinema and dramatic text), configure fictional realities that, in this work, are analyzed from concepts such as dialectical images (DIDI-HUBERMAN, 1998), sharing the sensitive (RANCIÈRE, 2005), emancipated spectator (RANCIÉRE, 2012), society of the spectacle (DEBORD, 1997) and will also use concepts of the Alejandro Jodorowsky. Keywords: images, Alejandro Jodorowsky, scenic actions, cinema, theater.

CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior No corpo textual de Mario Bellatin estriam-se inúmeras entradas e saídas que aportam diversos caminhos de leitura. Diante de sua escritura fragmentária e assistemática encontramos no Atlas Mnemosyne, de Aby Warburg, a metodologia capaz de abarcar os enigmas deixados no conjunto da obra de Bellatin. Enquanto o Atlas, de Warburg, instaura um espaço de reflexão proposto como um sistema de montagem para pensar a história de forma não linear, por meio de um acervo iconográfico particular, a escritura de Bellatin opera como uma plataforma de imagens e encontros, onde são entrelaçadas uma rede de afetos na qual desenham-se uma série de biografias reais e fantasmas. Análoga às pranchas de Warburg, Bellatin cria um espaço crivado de vazios e constelações de memórias cujas intermitências acendem-se contrárias às colunas erigidas pela história oficial. Nesse sentido, destacamos o aspecto antimonumental, na obra de Bellatin, como um possível ponto de convergência de memórias em disputa que, muitas vezes, encontram-se subterrâneas e silenciadas pelo poder hegemônico. Dentre as inúmeras formas de pensar as políticas de memórias na obra desse escritor, avultamos o sistema que regulamenta as políticas da morte (tanatopolítica) como o eixo central de nossa pesquisa Mario Bellatin’s textual body presents numerous ramifications of entries and exits through which reading can be accomplished. In face of his unsystematic and fragmentary writing, Aby Warburg’s Atlas Mnemosyne presents a methodology to deal with the puzzles created by Bellatin’s works. Whereas Warburg’s Atlas establishes a space for reflection, proposed as an installation system to think history nonlinearly through a private collection of images, Bellatin’s writing operates as a platform of images and meetings, where a net of affections is woven, presenting a series of real biographies and ghosts. Similarly to Warburg’s boards, Bellatin creates spaces full of emptiness and memory constellations that light up intermittently and contrary to the columns erected by official history. Thereby, antimonumental aspect in Bellatin’s works is highlighted as a possible point of convergence of disputing memories, which are often subterranean and silenced by the hegemonic power. Among numerous ways to reflect upon the politics of memory within Bellatin’s work, thanatopolitics (the system that regulates the politics of death) was elected as the central axis of this research.

Neste trabalho, estudam-se as relações entre a obra de Hilda Hilst e a escrita performática, com foco específico em dois de seus textos em prosa: o conto 'Agda' e o livro A obscena Senhora D. Toma-se como mote inicial para o estudo a busca da linguagem do corpo em ambas as obras, de modo a transitar pela literatura da autora, sua vida, características centrais de suas personagens e a abordagem teatral do texto literário de modo a potencializá-lo através de relações intermidiáticas In this paper, the relation between the work of Hilda Hilst and the performative writing are studied with specific focus on two of her proses: the story 'Agda' and the book The obscene Lady D. The search of body language in both works is taken as an initial motto to this study, in order to move through the literature of the author, her life, the main features of her characters and the theatrical approach of the literary text, with the purpose of empowering it over intermedia connections.

Os 'espaços de memória e a morte como imagem' em 'Cien años de soledad' são o tema desta tese, que busca compreender como é representada a memória individual e a coletiva no principal romance do escritor colombiano Gabriel García Márquez, além de problematizar uma concepção que traz a morte como potência visual, naquilo que apresenta de possibilidades para se refletir sobre algumas das questões cruciais da América Latina no século XX no contexto de transição para a modernidade. Tais temáticas se fundamentam no fato de que García Márquez soube transpor para sua literatura importantes fatos históricos da Colômbia e, por extensão, de todo o continente latino-americano, valendo-se da recuperação de um vigoroso passado familiar. Soube, mesmo tempo, elaborar uma ficção que apresenta uma sólida condição artística e de posicionamento intelectual, que se expande para além do âmbito das literaturas de língua espanhola. No que diz respeito ao tema da morte, muito mais que imagens de terror e de denúncia, o escritor logrou potencializar a 'imagem literária' (na acepção de Bachelard) por meio do uso da alegoria (no sentido benjaminiano), do exagero (de linhagem bakhtiniana) e de recursos estéticos que evidenciam diferentes níveis de uma realidade que no romance potencia seus aspectos objetivo e imaginário - conforme concepção de Vargas Llosa. Nesse sentido, 'Cien años de soledad', em diálogo com algumas obras anteriores e posteriores de García Márquez, se afigura como um romance que, em um só espaço narrativo, reúne aspectos distintos, porém comunicáveis, de uma matéria que simultaneamente abarca o local e o universal, o popular e o erudito, o lendário/o mítico e o factual, o profano/grotesco e o sagrado, entre outras várias facetas constituintes da própria condição humana. Partindo desses aspectos, a tese busca analisar as diversas estratégias textuais que evidenciam a multiplicidade das imagens e seus modos de significação no interior da narrativa, tomando a memória e a morte, que são temas recorrentes em vários livros de Gabriel García Márquez, como pontos de articulação com a própria noção de 'imagem literária'. Los 'espacios de memoria' y la 'muerte como imagen' en 'Cien años de soledad' son el tema de esta tesis, que busca comprender como es representada la memoria individual y la colectiva en la principal novela del escritor colombiano Gabriel García Márquez, además de problematizar una concepción que trae la muerte como potencia visual, en lo que presenta posibilidades para reflexionar acerca de algunas cuestiones fundamentales de América Latina en el siglo XX en el contexto de transición para la modernidad. Estos temas se fundamentan en el hecho de que García Márquez supo transponer para su literatura importantes hechos históricos de Colombia y, como consecuencia, de todo el continente americano, tomando como inspiración la recuperación de un vigoroso pasado familiar. Supo, a la vez, elaborar una ficción que presenta una consistente condición artística y de posicionamiento intelectual, que va más allá del ámbito de las literaturas de lengua española. En lo que dice respeto a la temática de la muerte, más que imágenes de terror y de denuncia, el escritor logró potencializar la 'imagen literaria' (en la acepción del Bachelard) a través del uso de la alegoría (en el sentido benjaminiano), de la exageración (del lenguaje bakhtiniano) y de recursos estéticos que evidencian diferentes niveles de una realidad que en la novela potencia en sus aspectos objetivo e imaginario -según la concepción de Vargas Llosa. En este sentido, 'Cien años de soledad', en diálogo con algunas obras anteriores y posteriores de García Márquez, se muestra como una novela que, en un sólo espacio narrativo, abarca mundos distintos, pero comunicables, de una profundidad que simultáneamente reúne lo local y lo universal, lo popular y lo erudito, lo legendario/lo mítico y lo factual, lo profano/grotesco y lo sagrado, entre otras distintas facetas que constituyen la propia condición humana. A partir de estos aspectos, la tesis busca hacer un análisis de las distintas estrategias textuales que evidencian la multiplicidad de imágenes y sus modos de significación en el interior de la narrativa, tomándose la memoria y la muerte, que son temas recurrentes en varios libros de Gabriel García Márquez, como ejes de articulación con la propia noción de 'imagen literaria'.

O objetivo desta pesquisa é discutir a relevância que a dimensão processual assumiu nas práticas de criação e nas poéticas contemporâneas, num contexto em que o enfoque no percurso artístico, mais que no resultado do espetáculo, é valorizado em sua especificidade ontológica do fenômeno teatral, assumindo sua natureza essencialmente inacabada. A partir de uma revisão bibliográfica, procura-se demonstrar que, junto com nascimento do século XX e a ideia de uma renovação do teatro, o processo criativo assumiu um aspecto primordial no pensamento teatral dos principais criadores da época, deslocando o olhar do palco para os ensaios, através da criação e pesquisa em estúdios e, na segunda metade do século, nos laboratórios. Assume-se a perspectiva de que a necessidade de se reinventar o teatro e, consequentemente, o ator, criou, nessas práticas, uma relação singular com o espaço, o tempo, a pesquisa e a obra final. Tal mudança de paradigma tem como um de seus desdobramentos, inclusive no Brasil, o surgimento de práticas coletivas e colaborativas de criação teatral. Busca-se demonstrar que tais práticas se apropriam dos conceitos de dramaturgias em processo e tendem a gerar poéticas cuja primazia reside nas formulações instáveis e no deslocamento do resultado para o percurso criativo. Sob a luz de tais indícios processuais na cena contemporânea e aliada à prática de pesquisa da crítica genética e da crítica de processos criativos, esta dissertação busca ainda compreender a dimensão processual a partir da experiência colaborativa da Cia Luna Lunera e bus c a evidenciar, no processo de criação do espetáculo Prazer, osprocedimentos que enfocam o percurso e as maneiras pelas quais a obra final preserva seus rastros de construção. The objective of this research is to discuss the relevance of the procedural dimension assumed in creative practices and in contemporary poetics, in a context where the focus on the artistic journey, rather than the result of the performance, is valued in its ontological specificity of the theatrical phenomenon, assuming a substantially unfinished nature. From a literature review, we seek to demonstrate that, with the birth of the twentieth century and the idea of a renovation of the theater, the creative process has taken a key aspect in the theater thinking of the main creators of the period, shifting his gaze to the stage testing, through the creation and research in studios and, in the second half of the century, in the theatrical laboratories. This research assumes the view that the need to reinvent the theater and, consequently, the actor, created in these practices a unique relationship with space, time, research and the final work. This paradigm shift has as one of its offshoots, including in Brazil, the emergence of collective and collaborative practices of theatrical creation. We intend to demonstrate that that such practices appropriate the concepts of dramaturgy in process and tend to generate whose poetic primacy lies in unstable formulations and displacement result for the creative route. In light of such evidence in the contemporary scene procedural and allied research practice of genetic criticism and criticism of creative process, this dissertation also seeks to understand the procedural dimension from the collaborative experience of Cia Luna Lunera and intend to show, in the creative process of Pleasure, the procedures that focus on the journey and the ways in which the final work preserves traces of its construction.

Esta tese visa estudar as colagens visuais em 'História do Brasil', de Sebastião Nunes, bem como suas reverberações em outras obras do autor. Trata-se de obra de experimental, composta em diferentes linguagens, gêneros e vozes textuais. A pesquisa buscou aproximar a obra de Nunes do pensamento de Jacques Rancire sobre a 'partilha do sensível', bem como do modelo enciclopédico, dada sua apresentação em forma de verbetes, porém, de natureza alegórica e função satírica. Para a compreensão desses elementos, foram investigadas as categorias do 'riso', da 'paródia' e da 'sátira', a partir dos estudos de Henri Bergson, Georges Minois, Mikhail Bakhtin e Linda Hutcheon, entre outros aportes teóricos. Investiga-se os conceitos de 'não-livro', de Flora Süssekind, e de livro de artista a respeito desse texto constituído em prosa descontínua e ilustrada, que articula o real e o imaginário pelo uso de fragmentos e restos da cultura, sejam verbais ou não-verbais. No estudo realizado, destacam-se ainda as relações estabelecidas entre texto e imagem, com base nas técnicas de apropriação, colagem e montagem, com as quais o autor constrói uma versão risível da história nacional, pelo viés do estranhamento estético das vanguardas modernistas, ao utilizar recursos textuais e iconográficos variados e potentes em seu projeto estético-subversivo. Cette thèse vise à étudier les collages visuels dans "História do Brasil" [Histoire du Brésil], de Sebastião Nunes, et ces réverbérations dans d'autres oeuvres de l'auteur. Il s'agit d'une oeuvre expérimentale, composée de différents langages, genres et voix. Cette recherche prend appui sur le rapprochement de l'oeuvre de Nunes avec la pensée de Jacques Rancière sur le 'partage du sensible', interroge le modèle encyclopédique adopté, étant donné sa présentation sous forme d'entrées de dictionnaire, sans oublier sa nature allégorique et sa fonction satirique. Pour étudier ces différents aspects, des concepts tels que le 'rire', la 'parodie' et la 'satire' ont été analysés à partir des études de Henri Bergson, Georges Minois, Mikhail Bakhtin et Linda Hutcheon, entre autres. De même, des notions telles que 'não-livro', de Flora Süssekind, et celle de livre d'artiste ont été étudiées à propos de ce texte écrit en prose discontinue et illustrée, qui articule le réel et l'imaginaire par l'usage de fragments et de restes de la culture, soit-ils verbaux ou non-verbaux. Cette étude tient également compte des rapports établis entre le texte et l'image, à partir des techniques d'appropriation, de collage et de montage avec lesquelles l'auteur construit une version risible de l'histoire nationale, par le biais de l'étrangeté esthétique des avant-gardes modernistes, et en utilisant des procédés textuels et iconographiques aussi variés que puissants dans son projet esthétique-subversif.

Este trabalho aborda questões sobre o aprendizado e a formação do ator/artista no contexto do teatro de grupo em seus âmbitos artístico, ético e político, a partir da revisão bibliográfica sobre o tema, complementada pelo estudo de caso de dois grupos teatrais mineiros de diferentes gerações: o Grupo Galpão (1982) e o Grupo Quatroloscinco Teatro do Comum (2007). A pesquisa interpreta a prática de grupo como um ambiente privilegiado de criação e formação permanente do ator e busca apontar e refletir sobre suas características particulares. The present work brings issues about the actor/artists formation in the theatre group context, considering several artistical, ethical and political aspects, starting from a bibliographical review complemented by a case study with the focus on two brazilian theatre groups from different generations: Grupo Galpão (1982) and Quatroloscinco Teatro do Comum (2007). The study considers that a group practice is a privileged environment for creation, a permanent research of actors and also seeks to indicate some of its specific elements.

Partindo da hipótese de que a literatura de Roberto Bolaño constitui-se como um modo de acessar o real, incidindo olhares múltiplos sobre ele sem realizar, contudo, uma leitura fechada e definitiva, vamos analisar o romance 'Los detectives salvajes' (1998) a partir da performance. No primeiro capítulo, iremos abordar como o romance, que expõe traços autobiográficos do autor, realiza uma espécie de trânsito performático rumo à uma coletividade em constante abertura para o outro. No segundo capítulo, vamos analisar como o romance, sendo um ato performático, percebido em seu processo de realização, trava uma interessante relação com o tempo presente, despertando nele estratos temporais outros. E finalmente, após termos abordado as dimensões espacial e temporal do romance, e com a hipótese proposta em vista, estudaremos o performático trânsito rumo ao 'real indomável'.

Esta tese tem por objetivo analisar as propostas do Teatro da Crueldade de Antonin Artaud em sua relação com a poesia trágica ática e as filosofias contemporâneas do trágico. Com esse fim, estabelecemos um trajeto entre as principais obras de Artaud do período que vai de 1924 até 1938: dentre elas "Correspondance avec Jacques Rivière" (1924), "L'Ombilic des Limbes" (1925), "Le Pèse-Nerfs" (1925), "Héliogabale ou l'anarchiste couronné" (1934), "Le Théâtre et son Double" (1938), além de conferências, cartas e notas íntimas. Nosso primeiro objetivo foi analisar a maneira como o Teatro da Crueldade responde às solicitações da tragédia ática, essa última pendida entre a revelação de uma cosmovisão original e a interdição das filosofias moralistas de Platão e Aristóteles. Assim, nos primeiros dois capítulos, investigamos as associações entre o drama trágico e a filosofia moral, tomando como referência, de um lado, os "Diálogos" platônicos e tratados aristotélicos e, de outro, o drama de Sófocles, "Édipo Rei". Nos dois capítulos seguintes, voltamo-nos para a atualidade e as transformações que os impasses trágicos impõem a uma renovação do teatro sob a forma do Teatro da Crueldade.

Esta dissertação tem como principal objetivo estudar a produção da dramaturgia contemporânea em Belo Horizonte. Pretende-se observar como os conceitos de memória, estética e política estão presentes nessas produções e os modos como eles operam para produzir um diálogo com o público. Por se tratar de uma grande cidade considera-se que a produção seja bastante numerosa e, nesse sentido, se fez necessário um pequeno recorte de grupos e espetáculos para que se possa analisar e realizar uma reflexão crítica de tais dramaturgias. Os textos selecionados foram: 'A pequenina América e sua avó $ifrada de escrúpulos', do Mayombe Grupo de Teatro, 'Bê-a-bá Brasil: Memória, Sonho e Fantasia', do Oficcina Multimédia e 'Proibido retornar', do Grupo Teatro Invertido. This dissertation has as a main goal to study the dramaturgy production in Belo Horizonte in contemporary time. It intends to note how the concepts of memory, aesthetic and politics are inside these productions and the ways that they operate to produce a dialog with the public. As it is about a big city, the production is also big, so it was made necessary a little snip of groups and spectacles to analyze and make a critic reflexion of these dramaturges. The selected texts were: A pequenina América e sua avó $ifrada de escrúpulos, by Mayombe Grupo de Teatro, Bê-a-bá Brasil: Memória, Sonho e Fantasia, by Oficcina Multimédia and Proibido retornar, by Grupo Teatro Invertido.

Nesta tese, realizou-se um estudo a propósito de dois textos dramáticos (Colacho Hermanos y Presidentes de América, 1934, e La Piedra Cansada, 1937) e um ensaio crítico sobre teatro (Notas sobre uma nova estética teatral, 1934) produzidos pelo escritor César Vallejo, além de cinco montagens do Teatro de Grupo Yuyachkani (Adiós Ayacucho, 1990, Santiago de Yuyachkani, 2000, Hecho en el Perú (vitrinas para un museo de la memoria), 2001, Sin título técnica mixta, 2004 e El último ensayo - repertório, 2009). As dramaturgias textuais e espetaculares escolhidas como corpus da pesquisa correspondem ao anseio de demonstrar de que maneira se propôs e se colocou em prática, no contexto dos séculos XX e XXI, um teatro que põe em cena o sujeito andino, compreendendo aí aspectos culturais relacionados ao seu modo de viver e conceber o mundo, a sua cosmogonia, suas práticas coreográficas e suas formas de escritura não literárias que se manifestam, até hoje, nos espaços limiares dos rituais e das festas populares, próprias da região andina. A pesquisa seguiu uma metodologia comparada e interdisciplinar, cuja finalidade foi pôr em evidência fazeres teatrais que nascem a partir do contato e dos conflitos interculturais. Desse modo, procurou-se estabelecer relações entre o teatro e a memória histórica e coletiva do Peru, destacando-se alguns eventos do passado pré-hispânico, colonial e republicano, especialmente, episódios recentes relacionados com a Guerra do Pacífico (1879-1883) e com o Conflito Armado Interno (1980-2000). Ressalta-se de que maneira, nos trabalhos teatrais estudados, a memória do sujeito andino - e sua participação e imersão nesses fatos históricos - é levada à cena, de modo articulado com o presente e com temáticas transversais como a dos Direitos Humanos

Pretendemos aqui investigar os desdobramentos que a cena contemporânea coloca para o ator no seu trabalho, dentro do quadro do teatro pós-dramático ou performativo. Partimos de uma breve rememoração do desenvolvimento do conceito de personagem, da forma como ele foi pensado ao longo da história do teatro, até chegarmos à prática de criadores que desestabilizaram e ultrapassaram esse conceito. Discutindo o enquadramento teatral e aoscilação entre os planos da representação e da presença, observaremos como o ator se comporta num contexto em que proliferam: a utilização de material pessoal do ator, queculmina no depoimento autobiográfico; a execução de ações com um caráter não mais dramático, mas eminentemente performativo; a utilização de personas do ator; a criação de jogos e de diversas maneiras de propor interações com a plateia. São processos queaproximam o ator, seu método de trabalho, do performer e de seus procedimentos. Oscilando da representação à não-representação, o ator transita entre diversos registros de atuação, tendo de recriar sua metodologia de trabalho. We intend to investigate the ramifications that the contemporary scene puts for the actor in his work, within the framework of post-dramatic or performative theater. We start with a brief recollection of the development of the concept of character as it was thought throughout the history of theater, until we get to the practice of creators who destabilizedand surpassed this concept. Discussing the theatrical framework and the oscillation between the planes of representation and presence, we look at how the actor behaves in a context in which proliferate: the use of the actor's personal stuff, culminating in the autobiographical testimony; performing actions with a character no more dramatic, buteminently performative; using personas of the actor, the creation of games and several ways to propose interactions with the audience. There are processes that approaching the actor, his method of work, to the performer and its procedures. Teetering from acting notacting,the actor moves between various performance records, having to recreate their work methodology.

Esta dissertação utiliza a linguagem da performancecomo suporte teórico para se construir diferentes estratégias de análises de duas obras literárias de Antonin Artaud: O jato de sangue(1975)e Para acabar com o julgamento de Deus(1983). O objetivo é traçar pontos de tensão que constituem parte da construção estética dessas obras teatrais, cujos sentidos permanecem quase sempre inapreensíveis. Nessas peças, Artaud se desfaz dos códigos linguísticos e da estrutura baseada na ação dramática conclusiva, propondo uma escrita de caráter processual, aberta, lacunar. Assim, o escopo deste estudo é estabelecer um diálogo entre o conceito de performance e a literatura artaudiana. Além disso, usar-se-á, também, o conceito de Derrida (desconstrutivismo), os de Agamben (a negatividade e a voz), os de Didi-Huberman (imagem dialética e anacronismo), o de Adorno (dialética negativa) como operadores de leitura para classificar em que medida essas dramaturgias podem ser consideradas performáticas. This work uses the language of performance as a theoretical support for building different strategies of analysis of two Antonin Artaud literary works: Jet of blood(1975) and To have done with judgment of God(1983). The goal is to draw tension points that are part of the aesthetic construction of these plays, which meanings remain mostly elusive. In these plays, Artaud disposes of linguistic codes and structures based on conclusive dramatic action, proposing a procedural written, open, incomplete. Thus, the scope of this study is to establish a dialogue between the concept of performance and Artaud literature. In addition, it will use also the concept of Derrida (deconstruction), of Agamben (negativity and voice), of Didi-Huberman (dialectical image and anachronism), of Adorno (negative dialectics) as reading operators to rate the extent to which these can be considered performative dramaturgy.

Esta dissertação tem como principal objetivo estudar as relações entre a estética e a política nas dramaturgias de 'Apocalipse 1.11' (2000), do Teatro da Vertigem, com dramaturgia de Fernando Bonassi, e 'O mercado do gozo' (2003), da Companhia do Latão, com texto assinado por Sérgio de Carvalho, Márcio Monteiro e Helena Albergaria. Trata-se de uma seleção mínima, mas significativa do teatro político no Brasil atual, a partir da qual é realizado um trabalho de análise e reflexão teórica e crítica. Partimos da ideia de que não há apenas uma forma de se produzir teatro político, sobretudo no final do século XX e início do século XXI, em que as grandes ideologias e utopias contrárias ao capitalismo parecem irrealizáveis, e que a arte precisa encontrar novas formas de contraposição a este sistema, ou criar de diferentes espaços de subjetivação. This work aims to study the relationship between aesthetics and politics in the texts of dramatic plays "Apocalipse 1:11" (2000), of Teatro da Vertigem, with text signed by Fernando Bonassi, and "O Mercado do Gozo" (2003), of Companhia do Latão, with text signed by Sergio de Carvalho, Márcio Marciano, and Helena Albergaria. This is a selection minimal but significant of the political theater in Brazil today, about which it is executed an analysis and theoretical reflection and criticism. We work with the idea that there is not only one way to produce a political theater, especially in the late twentieth and early twenty-first century, when the great utopias and ideologies opposed to capitalism seem unattainable, and that artists seek for new ways in contrast to this system, or ways for creating different spaces of subjectivity.

A escrita performática é uma das variadas possibilidades que a performance tem para se manifestar. A partir da leitura de '2666', de Roberto Bolaño, buscamos analisar os elementos que comporiam a escrita performática, bem como entender sua construção na obra de Bolaño. Para tanto, foi necessário ampliar para outros temas, como a figura do intelectual, a autoficção, o discurso sobre o outro, crimes e violência na literatura e a formação da figura do escritor/autor. Foi durante o processo de reflexão desses temas que entendemos que a performance e a performance escrita se manifestam de variadas maneiras: na corporeidade, na temática escolhida para o texto literário e, sem dúvida, na própria forma da escrita. Buscamos ainda promover uma discussão que destacasse assuntos relevantes para a América Latina -mas sem perder de vista a literatura latino-americana -, como violência, relações políticas, econômicas e ideológicas com Estados Unidos e Europa, atuação de intelectuais, entre outros. A escolha da teoria da performance para ser o operador teórico relaciona-se à mobilidade e flexibilidade que tal conceito oferece, porque seu fundamento é abrigar elementos contraditórios, divergentes e paradoxais. Por meio da leitura de entrevistas de Roberto Bolaño, textos de sua autoria e do exame de alguns conceitos e teorias, que se somaram ao potencial de análise da performance, empreendeu-se uma reflexão que relacionou a escrita performática à obra '2666'. Isso se concretizou realizando três operações - análise da teoria da performance e da performance escrita; reflexão sobre as temáticas principais identificadas em '2666'; e cotejamento de tais teorias com as temáticas listadas. Assim, pudemos entender que Roberto Bolaño se vale de recursos linguísticos, temáticos e ideológicos que o aproximam do que compreendemos como escrita performática.

Estudamos nessa dissertação que Jorge Luis Borges não está descredenciado ao diálgo com os realismos, uma vez crítico e ao mesmo tempo teórico de sua literatura. Para isso, contribuiu sem dúvida, uma girada de perspectiva na crítica sobre o autor, que tentou afastar-se um pouco de suas ironias e paródias sobre os realismos, e passou a preocupar-se também com traços documentais, biográficos, autobiográficos, e com interseções de sua criação crítico-literária com a política, a sociologia e a história. Essas novas leituras críticas, que investem na própria crítica do escritor, respondem de certa forma às acusações veementes imputadas pelos que se dizem combatentes à máquina céptica da pós-modernidade. Confrontamos então as comunidades críticas em Borges, dentro e fora dostextos, com a utopia realista e sublime do autor, que experimenta tanto o horror e a dor totalitários, quanto o amor romântico, em uma vasta criticatibilidade, que tenta romper e atravessar práticas epistemológicas mais rígidas. Estudiamos en esta disertación que Jorge Luis Borges no está descredenciado al diálogo con los realismos, una vez crítico yal mismo tiempo teórico de su literatura. Para eso, ha contribuido, sin duda, una girada de perspectiva en la crítica sobre el autor, que ha intentado alejarse un poco de sus ironías y parodias sobre los realismos, y ha pasado a preocuparse también con rasgos documentales, biográficos, autobiográfico, y con intersecciones desu creación crítico-literaria con la política, la sociología y la historia. Esas nuevas lecturas críticas, que invisten en la propia crítica del escritor, responden de cierta forma a las vehementes acusaciones imputadas pelos que se dicen combatientes ala máquina escéptica de la posmodernidad. Confrontamos entonces las comunidades críticas en Borges, dentro y fuera de los textos, con la utopía sublime y realista del autor, que experimenta tanto el horror y el dolor totalitarios, cuanto el amor romántico, en una vasta crit icabilidad, que intenta romper eatravesar prácticas epistemológicas más rígidas.

Nesta tese, a partir da leitura de obras dos escritores Antônio Prata (Brasil), Clarice Lispector (Brasil), Juan José Saer (Argentina) e Pedro Lemebel (Chile), do delineamento de uma genealogia não exaustiva dos usos do termo performance e de alguns estudos já existentes sobre escrita performática, de uma aproximação dialógica com algumas reflexões teóricas de pesquisadores variados (nas áreas da Filosofia, da Arte, da Literatura, dos Estudos Literários, da Sociologia etc.), esboço três núcleos conceituais que tentam oferecer alguma sustentação teórica ao operador escrita performática. O primeiro se refere à presença de um caráter relacional e comunicacional subjacente às manifestações ou aos produtos artísticos pautados na 'performance'; o segundo, a uma dimensão corpórea identificável nessas criações e o terceiro, ao movimento transgressor, dissidente ou experimental perceptível na forma e/ou no conteúdo dessas manifestações. Desses núcleos conceituais, desdobro algumas nomenclaturas: narrador performático, arquivos performáticos, narrativa performática, estética relacional, prosa transdisciplinar, poética da sustentabilidade e poética da deriva, com as quais esta pesquisa tenta ler as obras que compõem seu corpus literário

Esta dissertação se propõe a investigar alguns significados circunscritos na exploração do real no teatro deste início de século. O estudo parte de um levantamento bibliográfico com ênfase em publicações recentes sobre o tema, passa por um mapeamento dos formatos mais recorrentes de aparição do real na esfera cênica e artística da atualidade e termina por realizar um estudo de caso sobre o espetáculo Esta Noite Mãe Coragem, do grupo belo-horizontino ZAP 18. Ao longo do trabalho, é tecida uma discussão sobre os sentidos da crescente exploração do real nos espetáculos teatrais contemporâneos, no intuito de problematizar alguns aspectos: de que forma o real é incorporado pelo teatro hoje? Quais são as potencialidades dessa estratégia representativa? Que tipo de questões ela elabora? Quais os efeitos suscitados no espectador? Assim, por meio deste estudo, é possível inferir que a presença do real na cena artística deste início de século aponta tanto para o redimensionamento do lugar da representação na arte contemporânea quanto para a reflexão sobre uma possível dimensão política do teatro atual. The goal of this dissertation is to investigate some of the meanings circumscribed in the ways the idea of reality has been explored in theater at the beginning of the current century. The research departs from a bibliographic survey focused in recent publications on the theme, goes through the mapping of the most recurrent appearances of the real at the contemporary scenic and artistic sphere and is concluded with a case study of the play Esta Noite Mãe Coragem (Tonight Mother Courage), by the group ZAP 18 from Belo Horizonte, Minas Gerais. Throughout the work a discussion on the meanings of the growing presence of reality on contemporary theatrical presentation is developed, aiming to focus on a few aspects: In which ways is the real absorbed by theater today? What are the potentialities of such representative strategies? What kinds of questions are elaborated? What reactions are provoked on the spectators? Thus, through this study, it is possible to infer that the presence of the real in the current artistic scenario points both to a new organization of the place of representation in contemporary art as to the reflection about a possible political dimension of theater nowadays.

O objeto desta dissertação é o operador conceitual teatro performativo, formulado pela pesquisadora franco-canadense Josette Féral. O teatro performativo é abordado como uma ferramenta de reflexão e análise sobre algumas práticas cênicas contemporâneas. Nosso objetivo é o de mapear a pesquisa de Fèral, que ainda se encontra em processo de elaboração. Para Féral, o conceito de performatividade está no centro da discussão da arte e do teatro contemporâneos. A autora faz uso de duas visões de performance para construir sua noção de performatividade. A primeira é cultural e antropológica e segue na esteira dos Performance Studies, difundidos pelo diretor e estudioso americano Richard Schechner. A segunda visão é mais voltada para a esfera artística/estética e tem como fonte o campo da performance art. A dissertação apresenta, ainda, uma reflexão sobre uma das marcas do teatro performativo atual, que é trabalhar com o recurso ao real, instalando na cena a ideia de evento (acontecimento). Ao trazer o real para a cena, a obra pode gerar uma quebra momentânea com a ilusão (teatralidade), provocando um embaçamento nos paradigmas da representação tradicional no teatro. The object of this dissertation is the conceptual analyzer, performative theater, formulated by Franc-Canadian researcher Josette Féral. The performative theater is approached along this research as a tool of reflection and analysis of some scenic contemporary practices. In these circumstances, our goal is to systematize Férals research, which is still in process of elaboration. To Féral, the concept of performativity is the center of the debate about art and the contemporary theater. Féral uses two visions of performance to construct her notion of performativity. The first vision is cultural and anthropologic and follows a course by Performance Studies, divulged by the American director and intellectual Richard Schechner. The second vision is focused around artistic/aesthetic concepts, and it sources from the field of performance art. The dissertation also shows a reflection of one of the hallmarks of the current performative theater which is working with features of the tangibleestablishing the idea of event (occurrence). By bringing the tangible (real) to the scene, the performance can create a sudden break of illusion (theatricality), thus creating a disorder in the paradigms of the traditional representation in theater.

Esta tese se dedica a estudos sobre o 'haikai' e a performance, buscando estabelecer pontos de interseção entre aquela espécie de poesia japonesa e este campo de ação e reflexão, onde se conjuga a teoria e a prática. A partir de percursos referenciais a respeito de ambas as formas, a pesquisa procura criar uma interlocução entre os modos de pensar ocidental e oriental, voltados aos fazeres artísticos, no intuito de permeabilizar conceitos e práticas, e de contribuir para uma crítica performática atualizada e transdisciplinar. Os trabalhos de arte tomados como exemplos, neste estudo, correspondem ao desejo de se ilustrar tendências que se expressam nos espaços limiares entre os campos da 'performance art', da poesia, do teatro, da dança, música, das artes plásticas, da fotografia, do cinema, etc. A tese se realiza com base numa tradição experimentalista, em arte, que atravessa o século XX, reagindo a ou dialogando com os contextos culturais e sociais em que se manifesta. Tendo se originado desde a criação da performance poético-cênica 'HAIKAI - somente as nuvens nadam no fundo do rio', o trabalho investe na conexão paradoxal entre práticas performáticas, imagéticas e efêmeras, e o registro poético e acadêmico. This thesis is dedicated to studies on haiku and performance, aiming to establish intersection points between the former, a kind of Japanese poetry, and the latter, a field of action and reflection which combines theory and practice. Starting from reference pathways regarding both forms, the research seeks to generate a dialogue between Western and Eastern ways of thinking, focused on artistic doings, in order to merge concepts and practices, and to contribute to the emergence of an up-to-date, transdisciplinary performatic critic. The art works used as examples in this study aimed to demonstrate trends expressed on theboundaries of the following fields: performance art, poetry, theater, dance, music, visual arts, photography, cinema, etc. The thesis was based on the experimentalist tradition in arts pervasive during the twentieth century, and reacted to, or dialogued with, the cultural and social contexts in which this tradition manifests itself. Having originated from the creation of the poetic and theatrical performance, HAIKU only clouds swim at the bottom of the river, the work focused on the conflicting connection between performative, pictorial, transient practices, and the poetic, academic record.

O presente trabalho destina-se à análise da personagem feminina e das relações de gênero existentes na obra de Plínio Marcos. Nosso recorte será as peças: Barrela, Navalha na Carne, A mancha roxa e Quando as máquinas param. Fazer uma leitura dos textos plinianos à luz do feminismo e das noções de gênero possui um duplo caráter: por um lado contribui para a fortuna crítica desse autor; por outro, requer um mergulho nos estudos femininos, possibilitando também uma contribuição para os estudos nesse campo. Este trabajo se destina al análisis del personaje femenino y de las relaciones de género existentes en la obra de Plínio Marcos. Nuestro recorte será las piezas: Barrela, Navalha na Carne, A mancha roxa y Quando as máquinas param. Hacer una lectura de los textos plinianos a la luz del feminismo y de las nociones de género posee un doble carácter: por un lado contribuye para la fortuna crítica de este autor; por otro, se requiere que profundicemos en los estudios femeninos, posibilitando también una contribución para los estudios en ese campo.

Este trabalho discute a relação entre literatura e homoerotismo e propõe um conceito de literatura homoerótica fundamentado a partir da análise crítica de seis narrativas brasileiras que têm como foco o homoerotismo masculino. Procura entender os mecanismos que envolvem a homofobia social e seus reflexos nos estudos literários. E, ao separar o desejo homoerótico de uma identidade gay, o trabalho busca mostrar que o homoerotismo pode ser lido como elemento estético, portanto literário, inerente a estruturas de determinadas narrativas. Assim, fazemos um estudo comparativo dos personagens Aleixo (Bom-Crioulo, de Adolfo Caminha) e Bembem (O menino do Gouveia, de Capadocio Maluco), refletimos sobre o pecado e a transgressão a partir dos personagens Juca ('Frederico Paciência', de Mário de Andrade) e Riobaldo (Grande sertão: veredas, de João Guimarães Rosa), além de fazermos uma análise comparativa entre o conto 'Pílades e Orestes' (de Machado de Assis) e a novela 'Pela noite' (de Caio Fernando Abreu).

Como significar a experiência da guerra? Como narrar o horror e a brutalidade extrema? Nessa pesquisa, buscamos realizar uma leitura das obras La cabeza del cordero, de Francisco Ayala e Terror y miseria en el primer franquismo, de José Sanchis Sinisterra, ambos autores espanhóis, verificando a relação entre memória, experiência e ficção suscitada pelos contextos da Guerra Civil Espanhola e do período pós-guerra imediato, o chamado primeiro franquismo, presentes nessas obras. Nosso principal intento foi o de perceber e apontar algumas nuances no modo de contar/exteriorizar dessas textualidades que deixam entrever uma época povoada por enfrentamentos marcadamente político-ideológicos, cujas experiências atrozes geraram como heranças uma memória amarga e silenciada pela censura, pela autodefesa, pela impossibilidade de ser transmitida, pela necessidade de esquecer.

Nesta dissertação estudam-se as relações entre o teatro e a literatura por meio de uma leitura das peças teatrais da escritora Hilda Hilst (1930-2004). A análise tem como eixo principal o conceito de performance em suas diversas variantes, a partir da perspectiva da literatura contemporânea e as reflexões sobre o caráter performático da escrita de Hilst. sde Hilst, por meio das relacieio das relacion performatica peças da escritora HIlda Esta análise é realizada por meio das relações que se estabelecem entre ficção, biografia, hibridismo, rupturas e mediações no contexto específico dos textos dramáticos de Hilda Hilst.