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Apresentar um panorama da vida de Edward Steuermann é ação imprescindível para se conhecer, entender, recuperar e reconhecer a dimensão da importância e do sentido que sua atuação como pianista, professor e compositor conferiu à Segunda Escola de Viena e à história da musica do Século XX e seus desdobramentos. Este texto expõe, de maneira concisa, a trajetória de Steuermann como pianista, seu encontro com Schoenberg, seu envolvimento com a “musica moderna” como performer e compositor, e o crescimento e a afirmação de suas atividades como professor. Apesar de ainda pouco conhecido do publico e do meio acadêmico, sua história se caracteriza pela competência, lucidez e determinação. Sua postura sempre foi discreta e não sensacionalista, e talvez por esta razão tenha permanecido injustamente negligenciado.

Apresentação do dossiê "O legado musical de Arnold Schoenberg e seus reflexos na América Latina: 1951-2021"

A resenha aqui apresentada remete ao livro La música para Clara [A música para Clara], da autora chilena Elizabeth Subercaseaux. Lançada em 2014, a biografia romanceada da compositora alemã Clara Schumann (1819-1896) tem como diferencial o tom intimista adotado pela autora, que é tataraneta de Clara e Robert Schumann, herdeira, portanto, dos genes do casal que marcou a História da Música Ocidental por suas contribuições ao estilo romântico que vigorou no século XIX.

Este articulo analiza la contribucion de la compositora Eunice Katunda a la musica clasica brasilena del siglo XX, a la luz de algunos de los principales acontecimientos historicos y politicos que le sirvieron de telon de fondo. Con el fin de proporcionar un mejor entendimiento de como tales contextos pueden haber influido en su obra, su trabajo se presenta aqui en cuatro fases distintas: Fase de Formacion (hasta 1945), Fase Musica Viva (1946-1950), Fase Nacionalista (1951-1968) y Fase Final (despues de 1968). Como principales fuentes se utilizaron libros y archivos del musicologo Carlos Kater, primer biografo de la compositora, y de las historiadoras Lilia Schwarcz y Heloisa Starling, ademas de articulos y libros de varios autores.

Esta dissertação autoetnográfica documenta e analisa o Projeto Tchaikovsky, experiência prática que consistiu em reestudar o Concerto para Violino de P. I. Tchaikovsky. O objetivo do Projeto foi transformar a relação de tensão excessiva que havia sido criada cerca de uma década antes entre o corpo da pesquisadora e o Concerto, observando-se a efetividade do viés de estudo escolhido, pautado por métodos de educação somática e prática deliberada. Diários de estudo publicados no blog Papo de Violinista documentaram toda a experiência prática e ao fim do processo realizou-se uma gravação videográfica do referido concerto. A dissertação fornece um vasto elenco de ferramentas e estratégias de estudo, relatando sua eficácia. A análise dos relatos evidenciou entrelaçamentos de fatores que transbordam o objetivo inicial, demonstrando como relações intrínsecas entre diversos aspectos do ser e do cotidiano afetaram e foram afetados pela realização do Projeto Tchaikovsky e desvelando mecanismos que regem comportamentos dentro e fora do estudo do violino. This autoethnographic dissertation documents and analyzes the Tchaikovsky Project, a practical experience that consisted of re-studying P. I. Tchaikovskys Violin Concerto. The goal of the Project was to transform the relationship of excessive tension that had been created between the researchers body and the Concerto about a decade earlier, observing the effectiveness of the chosen practice bias, guided by somatic education methods and deliberate practice. All the practical experience was documented in form of practice diaries and posted on Papo de Violinista blog under the name Tchaik Project. A video recording of the Concerto was made at the end of the process. The dissertation provides a wide range of practice tools and strategies, reporting their effectiveness. The analysis of the reports evidenced an interweaving of factors that goes beyond the initial goal, demonstrating how intrinsic relationships between various aspects of a human being and of daily life affected and were affected by the Tchaikovsky Project, and unveiling mechanisms that govern behaviors inside and outside the study of the violin.

O tema deste trabalho consiste na abordagem interpretativa da obra Hommages op. 18 à Frank Martin, Béla Bartók et Igor Strawinsky para oboé, cordas e tímpanos ad libitum de Ernst Widmer e foi construída a partir da observância de uma série de aspectos: analíticos, históricos e conceituais. A dedicatória da obra já mostra indícios de influências e foi primordial examinar como estas se manifestaram no texto musical. O trabalho dividese, basicamente, em duas partes. A primeira aborda o conceito de interpretação, execução e performance, bem como sua transformação ao longo da história. Essas modificações estão assinaladas dentro de um recorte histórico que compreende o espaço de tempo no qual os compositores homenageados viveram. A segunda propõe uma perspectiva de interpretação, construída e formatada através do processo analítico, que embasa as escolhas realizadas. Para tanto, foi utilizada a Teoria dos Conjuntos, ferramenta considerada adequada à analise dessa obra não tonal. O processo de investigação das influências que Widmer declara haver recebido daqueles compositores, ao longo de sua trajetória musical, mostrou-se fundamental para a construção de uma referência para cada um dos movimentos que compõem a obra. Foram utilizadas, para este trabalho, cópias dos manuscritos originais que permanecem, atualmente, mantidos na Suíça. Julgou-se oportuno situar a obra no cenário histórico no qual ela se insere, depois da vinda do compositor para o Brasil, assim como examinar outras peças compostas durante o mesmo período com a finalidade de se estabelecer uma visão mais ampla de seu estilo composicional. An interpretative approach to Hommages op. 18 à Frank Martin, Béla Bartók et Igor Strawinsky for oboe, strings and timpani ad libitum by Ernst Widmer is the theme of this thesis, and it was built based on the observance of a series of aspects: analytical, historical and conceptual ones. The dedication of Hommages foreshadows signs of influences, and it was crucial to examine how they were manifested in the musical text.. In this work I basically divided into two parts. The first addresses the concept of interpretation, execution and performance, as well as its transformation throughout history. These changes are marked within a historical framework that comprises the space of time in which the honored composers lived. The second proposes an interpretation perspective, constructed and formatted through the analytical process, which underlies the choices made. For that, the Set Theory was used, a tool considered adequate for the analysis of this non-tonal work. The process of investigating the influences that Widmer declares to have received from those composers throughout his musical trajectory, proved to be fundamental for the construction of a reference for each of the movements that compose the work. Copies of the original manuscripts were used for this work, which are currently kept in Switzerland. It was considered opportune to place the work in the historical framework in which it is inserted, after the composer\'s arrival in Brazil, as well as to examine other pieces composed during the same period in order to establish a broader vision of his compositional style.

Este estudo se propõe a traçar uma analogia entre a Teoria da Comunicação e o conceito de forma musical Schoenbergiano (incluindo uma série de questões envolvidas nesta conceituação). Desta forma, busca-se verificar os limites deste paralelo, bem como investigar novas questões que possam surgir desta união. O texto está dividido em três partes. Na primeira delas, dedicada ao conceito de forma Schoenbergiano, nossa estratégia consistiu inicialmente em analisar o desenvolvimento dos sistemas musicais tonal e modal a partir de Bloch (2005), Rosen (1998), Andrade (1977) e principalmente Leibowitz (1972). Após algumas notas biográficas e comentários acerca da recepção das obras de Schoenberg no século XX, há um capítulo dedicado especificamente ao conceito de forma musical tal qual descrito por Schoenberg em seus escritos (cap. 5). A segunda parte se dedica à fundamentação das bases de um novo assunto: a Teoria da Comunicação, entendida como a aplicação dos conceitos relativos à Teoria da Informação no contexto da comunicação humana. Ela compreende um primeiro capítulo sobre a comunicação humana em geral (cap. 6); um capítulo especialmente dedicado ao aparato instrumental oferecido pela Teoria da Informação (cap. 7); e um capítulo dedicado a retrabalhar alguns de seus preceitos frente aos problemas trazidos quando o ser humano é considerado como o canal receptor de um sistema comunicacional (cap. 8). Esta parte se baseia essencialmente no estudo crítico dos textos de Elwin (1971), Epstein (1986, 1990), Moles (1959), Oliveira (1977, 1979) e sobretudo Chem/ (1971), entre outros autores. A última parte se refere à analogia entre as duas primeiras partes propriamente dita, em que confrontamos as reflexões anteriores entre si. Nesta parte do trabalho são referências importantes os trabalhos de Eco (2003), Pousseur (2009), Oliveira (1977, 1979, 1998) e De Bonis (2014), além do próprio Schoenberg (1975, 1987, 1990, 2001, 2004), entre outros. Salienta-se que o resgate e a recolocação de questões fundamentais abordadas pelos dois corpos teóricos no que se refere aos problemas da comunicação humana e, mais especificamente, musical, favorecem uma reflexão em torno da problemática relativa à criação, interpretação, escuta e ensino musicais (ocidental) na atualidade. This study proposes to draw an analogy between the Theory of Communication and Schoenberg\'s concept of musical form (including a series of problems involved in this conceptualization). Therefore, we seek to verify the limits of this parallel, as well as investigate new issues that may arise from this union. The text is divided into three parts. In the first one, dedicated to Schoenberg\'s concept of musical form, our strategy consisted initially in analyzing the development of tonal and modal musical systems based on works by Bloch (2005), Rosen (1998), Andrade (1977) and specially Leibowitz (1972). After some biographical notes and comments about the reception of Schoenberg\'s works in the twentieth century, there is a chapter dedicated specifically to the concept of musical form as described by Schoenberg in his writings (chapter 5). The second part is dedicated to the foundations of a new subject: Communication Theory, understood as the application of concepts related to Information Theory in the context of human communication. It comprises a first chapter on human communication in general (chapter 6); a chapter especially dedicated to the instrumental apparatus offered by Information Theory (Chapter 7); and a chapter dedicated to reworking some of its precepts in face of the problems brought about when the human being is regarded as the receiving channel of a communication system (Chapter 8). This part is based essentially on the critical study of texts by Elwin (1971), Epstein (1986, 1990), Moles (1959), Oliveira (1977, 1979) and especially Cherry (1971), among other authors. The last part refers to the analogy between the first two parts, in which we confront the previous reflections among themselves. In this part of the work are important references the works of Eco (2003), Pousseur (2009), Oliveira (1977, 1979, 1998) and De Bonis (2014), besides Schoenberg himself (1975, 1987, 1990, 2001, 2004), among others. It should be pointed out that the revival and reconsideration of such fundamental questions that were addressed by the two theoretical bodies regarding the problems of human communication and, more specifically, musical communication, favor a reflection on problems related to the creation, interpretation, listening and teaching of western music today.

O tema deste trabalho é a inter-relação de compositores eruditos com culturas musicais ao redor do mundo, a partir do século XX. O foco incide nos aspectos composicionais que se desenvolveram a partir desse intercâmbio. O recorte principal da pesquisa é a produção dos compositores brasileiros, a partir dos anos 1980. Adicionalmente, foram comentados outros períodos, para tratar dos processos envolvidos nas inter-relações culturais de forma mais ampla, seja em termos de inspiração, influência, apropriação e representação de elementos dessas culturas, seja no que tange à questões conceituais de afetividade, originalidade, autenticidade, identidade e dominação sociocultural. Com esse intuito, primeiramente, debateram-se impasses relacionados aos modos de interrelação e de incorporação e às terminologias encontradas na literatura. Em seguida, foi proposto um panorama contextual das ocorrências desses intercâmbios no repertório erudito, nacional e internacional. Finalmente, apresenta-se uma série de análises de obras de autores brasileiros, compostas nos últimos 35 anos. Pretende-se demonstrar que - num contexto de extrema interação cultural, emaranhado pela pluralidade de ideias relacionadas aos processos de globalização - tanto as possibilidades criativas quanto a discussão crítica das questões decorrentes desses encontros entre culturas se expandem em igual proporção, seja em sua potencialidade e complexidade, seja em seu caráter paradoxal e de controvérsia. The theme of this work is the interrelation of art music composers with musical cultures around the world, from the 20th century onwards. The focus concerns on the compositional aspects that were developed from this exchange. The main research cutting is the production of the Brazilian composers from the 80s. Additionally, other periods were commented on, to deal with the processes involved in the cultural interrelations in a broader way, be it in terms of inspiration, influence, appropriation and representation of elements of theses cultures, or in what concerns to conceptual questions of affectivity, originality, authenticity, identity and sociocultural domination. For this purpose, primarily, bottlenecks related to the modes of interrelation and incorporation, as well as to the terminologies found in the literature were discussed. Next, a contextual panorama of the occurrences of these exchanges in the erudite repertoire, national and international, was proposed. Finally, a series of Brazilian authors\' work analyses is presented, composed in the last 35 years. It is intended to demonstrate that both the creative possibilities and the critical discussion of the issues arising from these encounters among cultures expand in equal proportion, be it in its potentiality and complexity, or in its paradoxical and controversial character. And that happens in a context of extreme cultural interaction, entangled by the plurality of ideas related to the processes of globalization.

O presente trabalho trata da Ansiedade de Performance Musical (APM) e do Medo de Palco e possíveis estratégias de enfrentamento, com foco em uma observação dos músicos profissionais de orquestras que atuam no estado de São Paulo. Traz revisão da literatura sobre o assunto, reflexões sobre as diversas áreas relacionadas e uma pesquisa de campo, que apresenta dados e implicações dessas emoções na vida cotidiana desses músicos. Aponta também para a necessidade de se obter maior conhecimento sobre as pesquisas recentes a respeito do assunto, já que uma compreensão mais profunda do tema pode gerar meios práticos para que o músico obtenha um possível abrandamento da APM, no processo de aprendizagem, na performance e em seu dia a dia profissional, diminuindo o estresse inerente à profissão. Foram coletados novos dados sobre os músicos instrumentistas profissionais de orquestras paulistas (sejam mantidas pelo estado, seja pelos municípios), por meio de questionários sobre Ansiedade e Ansiedade de Performance Musical. Com projeto aprovado pelo Comitê de Ética da USP e pelo Plataforma Brasil (Ministério da Saúde), a pesquisa apresenta os dados obtidos, comentando os resultados encontrados e disponibilizando um novo panorama do problema da APM no ambiente de trabalho dos músicos profissionais das orquestras paulistas, dados que podem gerar interesse para novas reflexões e questionamentos sobre o tema. Faz breves paralelos com pesquisas recentes sobre o assunto, realizadas no exterior, apresenta reflexões e seleciona treinamentos e técnicas para o abrandamento deste problema, provenientes de várias áreas relacionadas, como Psicologia, Psicologia da Música, Psicologia Esportiva, Performance Musical e Neurociência, com a finalidade de auxiliar músicos, especialmente os profissionais de orquestras, a obter melhores resultados em sua carreira, melhor qualidade de vida e de saúde física e mental, em seu cotidiano. This thesis deals with Musical Performance Anxiety (MPA) and Stage Fright as well as possible coping strategies, focusing on the observations of professional musicians from orchestras operating in the state of São Paulo. It reviews literature on the subject, contains reflections on various related areas and a field survey, which presents data and the implications of these emotions in the everyday life of these musicians. It also points to the need to obtain greater insight into recent research on the subject, since a deeper understanding of this theme may generate practical means for musicians to obtain an easing of MPA, during the learning process, performances and in their day-to-day professional life, thus reducing the stress inherent to the profession. New data was collected on professional musicians from São Paulo state orchestras (either orchestras maintained by the state or by municipalities), through questionnaires about Anxiety and Musical Performance Anxiety. With the project approved by the USP Ethics Committee and Platform Brazil (Ministry of Health), the research data obtained is presented, along with related comments, providing a new panorama of MPA in the workplace of professional musicians in São Paulo state orchestras, data that may generate interest for new reflections and questions on the subject. Brief parallels to recent research carried out abroad on the subject are made, together with reflections, selected training and techniques for the easing of this problem, collected from various related fields such as Psychology, Psychology of Music, Sports Psychology, Musical Performance and Neuroscience. The purpose is to assist musicians, especially orchestral professionals, to obtain the best results in his or her career, better quality of life together with physical and mental health in their daily lives.

Enquanto Schoenberg considerou Brahms um \"progressista\", parte de seus contemporâneos - por exemplo, Wagner - o classificava como conservador. A razão para tal rótulo era o apreço que Brahms tinha pelas formas clássicas e barrocas. Diferente dos outros românticos, estatisticamente o allegro de sonata é o procedimento composicional mais recorrente em todos os movimentos de sua obra. Além disso, chegou a dominar com maestria a arte de escrever fugas, cânones e outros gêneros barrocos, incorporando-os na sua linguagem musical com naturalidade. Este trabalho vem apresentar como a obra pianística de Brahms se situa perante seus contemporâneos - mais especificamente com relação à forma - e quais as motivações pessoais e sociais que o fizeram adotar essa postura estética. Um breve resumo de suas obras é apresentado seguido de uma análise das Variações sobre um tema de Haendel para demonstrar como sua obra dialoga com o arcaico e o moderno, sendo ao mesmo tempo antiga, clássica e romântica. Schoenberg once said Brahms was a \"progressive\", while his contemporaries - Wagner, for instance - would classify him as a conservative. The main reason for that was that Brahms enjoyed classic and baroque forms. Apart from the other romantic composers, allegro de sonata is statistically the most recurring compositional procedure in all movements of his output. Besides, he conquered how to write fugues, canons and other baroque genres, inserting them naturally in his musical language. This thesis presents how Brahms\'s piano works relate with those of his contemporaries - more specifically regarding form - and what was his personal and social motivation to adopt this aesthetical position. A brief about his works will be presented followed by an analysis of Variations on a theme by Haendel, in order to demonstrate how his output makes a dialogue with the old and modern, being at the same time antique, classic and romantic

Este trabalho visa analisar sob o ponto de vista histórico e pianístico-musical a suíte Le Tombeau de Couperin escrita para piano solo pelo compositor francês Maurice Ravel (1875-1937) durante os anos da Primeira Guerra Mundial. Além de ser um adeus aos amigos desaparecidos durante a guerra, Ravel assina nesta obra uma homenagem dos modernos ao ancestral, também compositor, François Couperin (1668-1733) esquecido durante o século XIX. This research aims at examining from a historical and musical point of view the Suite Le Tombeau de Couperin, written for piano solo by the French composer Maurice Ravel (1875-1937) during the years of the First World War. In this work, a farewell to friends, who disappeared during the war, Ravel also signs an homage from the modern to the ancestor, François Couperin (1668-1733), also a composer, who was forgotten during the nineteenth century.

Este estudo sobre o ciclo de canções Dichterliebe opus 48 de Robert Schumann aponta para uma série de procedimentos composicionais que evidenciam o estreito vínculo entre os léxicos poético e musical, a relação do compositor com a estética do fragmento e a excepcional complexidade da escrita schumanniana na construção do ciclo. Nesse sentido e fazendo uso da análise de cada canção, o trabalho trata das características idiomáticas de Schumann no intuito de compreender, de forma mais profunda, o processo composicional do Dichterliebe. O estudo analítico intenta dar suporte às questões de ordem interpretativa. Aspectos da hermenêutica na análise como a interação da memória musical, construção de estados psicológicos sugeridos pelo texto e amplificados pela música, interferências e transmutações dos códigos literário e musical são tratados de forma primacial, na busca de uma abordagem coerente que possa servir de parâmetro para uma interpretação, favorecendo tanto a execução como uma escuta ativa, ainda que tal interpretação seja passível de discussões e novas interpretações. This is a study on Robert Schumann\'s song cycle Dichterliebe opus 48. It points to a series of compositional procedures which emphasize a close link between Schumann\'s poetical and musical lexicon, his relation with the aesthetics of fragment and the extraordinary complexity of his writing in composing the cycle. In this regard, through an analysis of each song, this work addresses Schumann\'s idiomatic features to provide a deeper understanding of his compositional process in Dichterliebe. The analytical study aims at supporting interpretative issues. Special attention is devoted to some aspects of hermeneutics in analysis -- such as musical memory interaction, construction of psychological states suggested by the text and amplified by the music, interference and transmutation of musical and literary codes. This is done in the pursuit of a coherent approach which will serve as a pattern for interpretation, being helpful for both performance and active listening, although such interpretation might be the subject of discussions and new interpretations.

A observação recorrente que alguns pianistas, professores de piano e compositores fazem sobre a presença da escrita de Domenico Scarlatti em alguns movimentos das Sonatas de Beethoven, sugere que há alguma relação estética entre estes compositores até então não devidamente esclarecida. A primeira questão que aparece é como Domenico Scarlatti pôde chamar a atenção de Beethoven, considerando que Scarlatti foi um compositor italiano que saiu de Nápoles para Lisboa e finalmente Madrid, onde compôs as suas 555 Sonatas para o teclado, dedicadas à sua empregadora, rainha Maria Bárbara da Espanha. Beethoven, nascido em 1770, um século após Scarlatti, de outro lado, permaneceu em Viena e arredores por praticamente toda a sua vida profissional. Este trabalho busca investigar proximidades estéticas entre a composição para teclado de Domenico Scarlatti contidas na edição de Carl Czerny e as 32 Sonatas para piano de Beethoven. Busca também esclarecer aspectos da biografia de Domenico Scarlatti e a trajetória das cópias manuscritas de suas 555 Sonatas pela Europa, uma vez que trazem inovações formais e estéticas para sua época. Parte destas Sonatas chegou à Viena através de duas coleções de cópias manuscritas, chamadas de coleção Viena I e Viena II. Através destes manuscritos e das cópias que foram feitas a partir deles, Carl Czerny realizou sua edição. Admite-se que Beethoven tenha tido alguma familiaridade com esta edição das Sonatas de Scarlatti, uma vez que Czerny foi, durante muitos anos, seu aluno e amigo próximo. A metodologia utilizada para aferir semelhanças entre Scarlatti e Beethoven se baseia em duas abordagens. A primeira fundamenta-se na análise comparativa tradicional - não automatizada - sobre procedimentos composicionais de ambos os compositores. A segunda utiliza-se de recursos computacionais para identificar e quantificar a presença de fragmentos melódicos extraídos das Sonatas de Scarlatti da edição de Czerny nas Sonatas de Beethoven, com auxílio da tecnologia do toolkit music21, software desenvolvido pelo Massachusetts Institute of Technology a partir de 2010 e disponível através da página de internet http://web.mit.edu/music21/. Seu uso, neste trabalho, aponta para novas possibilidades de abordagem na análise musical cujos resultados e conclusões são obtidos a partir de parâmetros distintos da análise musical tradicional. As análises comparativas tradicionais evidenciaram semelhanças importantes entre os procedimentos composicionais de Scarlatti e Beethoven como, por exemplo, o uso dos silêncios, das mudanças inesperadas de andamento e de caráter. A partir do software construído com a utilização do toolkit music21 para a busca dos fragmentos scarlattianos nas Sonatas de Beethoven, obteve-se resultados de grande relevância, identificando sequencias intervalares idênticas, encontradas nas Sonatas de Beethoven e não verificadas em Mozart, cujas Sonatas foram submetidas ao mesmo método. A recurrent observation that some pianists, piano teachers and composers make about the presence of Domenico Scarlatti\'s writing in some movements of Beethoven Sonatas, suggests that there is some aesthetic relationship between these composers that was not properly clarified. The first question that appears is how Domenico Scarlatti music could draw the attention of Beethoven, considering that Scarlatti was an Italian composer who left Naples to Lisbon and finally Madrid, where he composed his 555 keyboard sonatas, dedicated to his employer, Queen Maria Barbara of Spain. Beethoven, born in 1770, a century after Scarlatti, on the other hand, remained in and around Vienna virtually his entire professional life. This research investigates aesthetic similiarities between Domenico Scarlatti keyboard Sonatas contained in Carl Czerny edition and the 32 piano Sonatas of Beethoven. It also intends to clarify aspects of Domenico Scarlatti\'s biography and the trajectory of his 555 keyboard Sonatas that bring formal and aesthetics innovations for his time. Part of these Sonatas has come to Vienna in two manuscript copy collections called Vienna I and Vienna II. Through these two manuscript collections and the copies made out of them, Carl Czerny organized his own edition of the Scarlatti Sonatas. It has been admitted that Beethoven was familiar with these Sonatas, considering his long friendship with Czerny. The methodology used to establish similarities between Scarlatti and Beethoven composition is based on two approaches. The first is founded on the traditional comparative analysis - not automated - on compositional procedures of both composers. The second approach makes use of computational resources to identify and quantify the presence of melodic fragments, extracted from Scarlatti Sonatas of Czerny edition, on Beethoven sonatas, with the aid of the toolkit music21, technology developed by MIT in 2010 and available on the internet page http://web.mit.edu/music21/. Its use in this work points to new possibilities for musical analysis whose results and conclusions are obtained from different parameters of traditional musical analysis. The traditional comparative analyzes has revealed important similarities between the compositional procedures of Scarlatti and Beethoven, for example, the use of silences, unexpected changes of timing and character. From the software built using the toolkit music21 to search for melodic fragments of Scarlatti Sonatas on Beethoven piano Sonatas, it has yielded results of great relevance, as the indentification of identical musical intervallic sequences, found in Beethoven Sonatas and not verified on Mozart, whose Sonatas were submitted to the same method

Este trabalho tem por finalidade apontar determinados aspectos que nortearam algumas das principais especulações realizadas no campo da nova vocalidade na música escrita no despontar do século XX. A prática da voz inserida no mundo moderno se desenvolve com as bruscas mudanças que alteram os parâmetros da produção musical e da compreensão dos elementos de musicalidade que surgem nas primeiras décadas do século passado. Sucintamente, aborda o espectro de percepções estéticas e cognitivas que um ouvinte carrega em seu intelecto e o ambiente histórico de uma obra que são fundamentos para a contemplação, reflexão e que permitem entender a voz. Essa prática que se foi acrescendo paulatinamente de \"novos\" recursos tomados \"emprestados\" da prática da emissão vocal na fala e no canto cotidiano traz nova oralidade e vocalidade, fazendo surgir uma \"nova\" sonoridade que futuramente se intensificará em múltiplas tendências, principalmente a partir do final dos anos 50 e início dos 60 do século XX. O seu florescimento estende-se até os dias atuais teve como ponto de partida muitas das reflexões e pesquisas que a Segunda Escola de Viena trouxe para a música. Para embasar este estudo foi levantado um conjunto de obras vocais de Arnold Schoenberg, Anton Webern, Alban Berg e Edward Steuermann, que tem como ferramenta de análise a Teoria dos Conjuntos de Joseph Straus. This paper aims at pointing out specific aspects that guided some of the main theories made in the field of new vocality in writing music that happened in the beginning of the 20th century. At that period the practice of speech inserted in the modern world was also developed by the sudden changes that altered the parameters of music production and the understanding of the elements of musicality. Shortly, this paper also discusses the spectrum of aesthetic and cognitive perceptions that a listener carries in his/her intellect and the historic setting which are grounds for contemplation and reflection for they allow the listener to understand the voice, and even extend the appreciation and understanding of the sound. Such practice gradually added to itself new features taken from vocal speech and everyday singing bringing new orality and voicing. This activity generated a \"new\" sound that would appear in multiple trends, mainly in the late 50s and early 60s of the 20th century. It is there up to the present days and it had as a starting point reflections and researches that the Second Viennese School brought to the music. To support this study a number of vocal works of Arnold Schoenberg, Anton Webern, Alban Berg and Edward Steuermann, were taken into consideration, which use Joseph Straus\' Theory of Groups as tool for analysis

Esta dissertação apresenta um estudo de aspectos históricos e conceituais do sprechgesang (canto falado) usado por Arnold Schoenberg no seu melodrama Pierrot Lunaire, op 21. O estudo tem por finalidade principal apresentar sugestões de interpretação para a execução da obra quando adaptada ao texto recriado para o idioma português pelo poeta Augusto de Campos. Inicialmente são apresentadas três trajetórias históricas: a primeira enfoca a transformação do personagem Pierrot através dos tempos e regiões da Europa, a segunda, a evolução do uso da declamação no gênero literomusical melodrama, e a terceira, a presença do gênero melodrama na evolução da obra de Arnold Schoenberg. Em seguida, são estudados aspectos conceituais específicos de Pierrot Lunaire por meio de elaboração de análises comparativas. Três interpretações da obra, registradas em cd comercial por artistas consagradas, são usadas como objeto de estudo para estas análises, cujo interesse maior se concentra na compreensão das múltiplas possibilidades de leitura do sprechgesang. Por fim, como aplicação prática dos conceitos estudados neste trabalho, foi criada, em parceria com a cantora Erika Muniz, uma interpretação para o sprechgesang de Pierrot Lunaire adaptado ao português. This dissertation presents a study on conceptual and historical aspects of Arnold Schoenberg\'s use of Sprechgesang (speech-singing) in his melodrama Pierrot Lunaire, op. 21. The study aims primarily at building up interpretative patterns for a particular version of the piece - adapted to a recreation of the text in Portuguese by the poet Augusto de Campos. Initially, three historical approaches are presented: the transformation of Pierrot through time and places in Europe; the evolution of the use of recitation in the \"literary-musical\" genre melodrama; and the presence of the genre melodrama in Arnold Schoenberg\'s work. Then, specific conceptual aspects of Pierrot Lunaire are studied through comparative analysis. For this, three interpretations of the piece, recorded in commercial CDs by recognized artists, are used as object. The analysis focuses chiefly on comprehending the multiple reading possibilities of Sprechgesang. Finally, in order to apply the concepts studied in this work, an interpretation for the Sprechgesang in Pierrot Lunaire adapted to Portuguese was created. This was done in a partnership with the singer Érika Muniz.

O presente trabalho investiga as diculdades enfrentadas por decientes visuais ao ingressarem em um curso de nvel superior em Música, onde a troca de informacão musical escrita é frequente e se dá por meio de partituras impressas em tinta, e a conversão deste material para braille demanda conhecimentos específicos e disponibilidade de recursos. Igualmente problemática, a produção musical do aluno cego é feita em braille, seja para tomar nota de aulas como para realizar tarefas de disciplinas como Contraponto, Harmonia e Análise Musical, ou mesmo para a realização de exames. Claramente, esse material deve passar por um processo de conversão para que o professor possa avaliar o aluno, entre outros motivos. O foco principal da pesquisa realizada é a analise da musicografia braille sob a ótica das possibilidades de se produzir transcrições automáticas entre partituras em braille e tinta, a fim de prover recursos tecnológicos direcionados a solução deste problema. Para tanto, foi desenvolvido um aplicativo capaz de receber informação musical em braille e converê-la para o formato MusicXML, adequado para a leitura a partir de outros aplicativos de notação musical e, consequentemente, a impressão deste material em tinta. Este programa esta sendo distribudo como software livre sob licenca LGPL, contrapondo-se as suas alternativas hoje existentes no mercado. O aplicativo desenvolvido foi utilizado e avaliado por usuarios decientes visuais e com visão normal por meio de um questionário. Os dados foram então analisados, buscando mapear as diferenças nas experiências de uso e verificar necessidades de melhorias e novas funcionalidades, buscando com isso o aprofundamento nas questões pertinentes ao problema e dando suporte a novas pesquisas relativas ao assunto. This work researches visually-impaired person\'s dificulties when studying music as a university career, where musical information is usually forwarded as ink-printed sheet music and the translation of this material to braille involves specic skills and resource availability. In that sense, the musical production demanded from a blind student is accomplished by using braille notation, for taking notes or producing homework for disciplines like Harmony, Musical Analysis, or even to take tests. Clearly the information produced has to be submitted to a conversion process, and finally it can be reviewed by the professor or other students. The main focus of this research is the understanding of braille music aspects and the problem of generating automatic ink-printed sheet music transcriptions, providing assistive resource for music students. For attaining this goal, an application was developed in order to receive braille music input and translate it to MusicXML format, which can be read by any of the widely MusicXML compatible softwares available for reading, editing and printing music. The program is distributed as free software under LGPL license, as opposed to currently available alternatives. The resulting application was tested by visually-impaired and non-visually impaired users, and reviewed trough the application of a survey. The collected data was analyzed, in search for variations on user experience and checking for software improvement needs, as well as uncovering further relevant matters on this subject.

Este trabalho consiste na análise de três peças que se utilizam da citação musical de maneiras distintas. Ele é, portanto, um estudo a respeito da utilização da citação musical na linguagem musical erudita e suas implicações a partir do século XX. Nossa estratégia consistiu inicialmente em definirmos melhor nosso campo de estudos por meio da observação das especificidades da citação na linguagem musical. A partir daí, são propostos três tipos de citação que serão avaliados nas três peças principais que compõe este trabalho, a citação alusiva, a citação temática, e a citação em colagens. Alguns exemplos musicais que se enquadrariam nos respectivos tipos de citação são elencados com o objetivo de ilustra-los. A seguir, damos continuidade ao trabalho através da investigação da situação da música ocidental a partir do século XX, destacando a forma como o recurso à citação musical se insere neste contexto. Então, partimos para a análise das peças. A primeira peça se chama Phorion, do compositor Lukas Foss, e é um exemplo de utilização da citação em colagens; a segunda é a peça Dream-Images do ciclo Makrokosmos de George Crumb, que contém uma citação alusiva; e a última é o Prelúdio para piano de Willy Corrêa de Oliveira que se utiliza da citação temática. Desta maneira, pretendemos mostrar não apenas algumas formas de utilização da citação musical a partir do século XX, mas sua relevância no contexto artístico atual. The present work consists of the analysis of three pieces that make use of musical quotations in different ways. It is therefore a study regarding the use of musical quotation in classical music language and its implications from the twentieth century on. Firstly we define our field of study through an examination of the characteristics of quotation in musical language. At this point, we propose three types of musical quotation that will be evaluated in the three main pieces analyzed in this work, allusive quotation, thematic quotation and quotation in collages. Some examples of music that would fit in these types of quotation are listed in order to illustrate them. Next, we continue the work through the investigation of Western music situation from the twentieth century on, emphasizing how the use of musical quotation is related with this context. After that, we proceed to the analysis of the pieces. The first piece is called Phorion, by the composer Lukas Foss, and is an example of the use of quotation in collages, the second piece is called Dream Images from the cycle Makrokosmos by George Crumb, which contains an allusive quotation, and the last piece is the Piano Prelude by Willy Correa de Oliveira who uses the thematic quotation. Our primary goal is not just showing a few uses of musical quotation from the twentieth century on, but to assess its relevance in the present artistic scenery.

No ponto de intersecção entre música e literatura na construção da unidade de uma obra musical que faz uso de texto canção, música coral etc. reside um artesanato cuja abordagem do processo criativo é tão antigo quanto a própria expressão verbal da qual podese hipoteticamente afirmar como originária da música quanto arte: observa-se a forte presença da voz na música antiga (ars antiqua, ars nova). Tal aproximação racional com os formantes sígnicos do texto semantizado pela música levou a um senso comum entre os compositores na teoria (ou doutrina) dos afetos em voga desde o período barroco e nos posteriores. A música de Gilberto Mendes em seu itinerário pode nos mostrar como as ferramentas da composição musical podem ir além das configurações elementares da música (melodia, harmonia, ritmo, timbre, dinâmica) como forma de semantizar o texto. Compositor em estreito relacionamento com a literatura, cinema, com a arte de um modo geral, Gilberto Mendes nos oferece uma ampla gama de exemplos que extrapola a uma criação restrita e se abre a uma pluralidade cultural, servindo assim, como reflexo criativo da arte do século XX XXI. Através da análise do texto literário e da análise musical, tanto no seu âmbito formal quanto estética, foi possível detectar os elementos que conjugam a unidade da obra. At the intersection point between music and literature in creation of the unity of a musical work with text song, choral etc. resides a craft whose approach to a creative process as old as original verbal expression of music as art: there is a strong presence of the voice in early music (ars antiqua, ars nova). Such a rational approach to the formants signic text signified for music led to a common sense among composers in theory of the affects in vogue since the Baroque period and in subsequent. The music of Gilberto Mendes on your itinerary can show us how the tools of musical composition can go beyond the basic settings of music (melody, harmony, rhythm, tone-color, dynamic) as a way to create a semantic field of the text. A close composer to literature, cinema, to the art generally, Gilberto Mendes offers us a wide range of examples which extrapolates to a restricted setting and opens to the cultural plurality, thus serving as a reflection of the creative art of the twentieth and twenty-first centuries. Through the literary and musical analysis, both in the formal and aesthetic scope, it was possible to detect elements that conjugate the works unity.

Estudo sobre a relação entre qualidade e matéria na imagem dinâmicaluminosa, realizado sob o ponto de vista das Poéticas Visuais. Tendo os estados perceptivos e as passagens afetivas como objeto para o pensamento, buscou-se estabelecer relações entre as diferentes expressões de espaço, tempo, duração, consistência, opacidade e transmutação no meio videográfico. Foram realizados seis experimentos em vídeo por meio da variação de pontos de vista em relação a um objeto. Como resultado, a visão em paralaxe tornou-se método e inspiração para a aventura poética do observatório periocular. A fabulação de paisagens, personagens, cenários criam zonas de vizinhança entre seres de natureza diversa, capazes de dissolver as formas cristalizadas e de recriar, por toda parte, uma visão inventora de blocos de sensação em perpétua metamorfose. Assim, essa pesquisa registra o plano conceitual em que as obras se projetam, se refletem e se multiplicam. This work focuses on the relation between quality and matter in luminousdynamic image, accomplished from Visual Poetics point of view. Considering the perceptive states and the affective passages as reflection object, it intended to establish relations between different expressions of space, time, duration, consistency, opacity and transmutation in videographic medium. Six experiments are presented in videos by the variation of points of view in relation to an object. As a result, parallax vision became a method and a guide for the poetic adventure of the periocular observatory. The fable of landscapes, characters, scenes, creates vicinity zones between beings from various kinds, capable of dissolving crystallized forms and recreating, everywhere, an inventive vision of sensation blocks in endless metamorphosis. Therefore this research traces the conceptual plan which the works project, reflect and multiply.

O trabalho que ora apresentamos é o resultado das investigações em torno da fundamentação comunicacional do projeto artístico-teórico proposto por Hans-Joachim Koellreutter (1915-2005) sob a legenda de música viva. Comprometimento levado a termo por meio da análise imanente do conjunto fragmentário de seus textos produzido no período de ação do Grupo Música Viva (1939-1954) e veiculados nos meios de divulgação e crítica cultural da época. The work we now present argues about the researches results around the communicational foundings from the artistic-theoretical project planned by Hans-Joachim Koellreutter (1915-2005) under the label alive music. An undertaking densified through the immanent analysis of the fragmentary assemble from his writings produced during the Alive Music Groups action period (1939-1954) and broadcasted by its contemporary means and cultural critics.

Nesta pesquisa propõe-se a elaboração de um modelo composicional a partir da integração de três técnicas analíticas: tematicismo, estratificação e refuncionalização. Tem-se por hipótese que essas ferramentas de análise musical, per se unilaterais, são passíveis de associação gerando um novo modelo de composição que engloba os aspectos temáticos, harmônicos, texturais e formais necessários para a estruturação de um discurso musical inserido em uma estética pós-tonal. Os procedimentos analíticos não são tomados como prescrições, tampouco empregados como moldes estanques, mas usados como ponto de partida para o trabalho composicional. O modelo assim estabelecido permite ser desdobrado para o campo da didática musical na medida em que pode ser empregado como estratégia pedagógica nos cursos de composição. Espera-se, além do aporte eminentemente técnico composicional gerado com a constituição desse modelo, ampliar o alcance das ferramentas analíticas aqui consideradas e, ao mesmo tempo, contribuir com o incremento da literatura incidente aos assuntos composicionais, posto que neste projeto estão envolvidas considerações sobre a estética musical contemporânea e o ensino da composição. In this research was proposed the creation of a model to musical composition accomplished by setting together three analytical techniques: thematicism, stratification, and refunctioning. The basic hypothesis suggests that analytical tools, per se unilateral, could be associated in order to generate a new model to musical composition. In this model will be integrated the aspects thematic, harmonic, of the texture, and formal that are necessary to structure a post-tonal musical discourse. The analytical proceedings are not taken like prescriptions, neither employed in a rigid way, but used like starting point for the compositional work. So established model will allow be transported for the field of the musical education in so far as it can be employed like pedagogic strategy in the courses of composition. It is hoped, besides the technical contributions produced with the constitution of this model, to enlarge the reach of the analytical tools presented, and at the same time, to contribute with the growth of the literature about compositional issues, since this project also deals with aesthetical and pedagogical subjects.

Este estudo tem como objeto de reflexão e investigação prática o processo experimental Movimento, Respiração e Canto. Esta prática fundamenta-se na Respiração Vivenciada de Ilse Middendorf. A proposta de vivência da respiração a partir dos princípios da Respiração Vivenciada viabiliza, juntamente com outras estratégias, uma determinada performance do corpo, compondo este processo experimental. O desdobramento criativo da Respiração Vivenciada ocorre inicialmente a partir das experiências didáticas, desenvolvendo-se como fruto da interseção entre pesquisa, ensino e uma proposta de criação. A forma como esta prática pode estabelecer uma ligação com a criação artística surge assim como questão central, investigando-se o que é necessário para a constituição de um processo de criação, especificamente de criação musical, que se organiza a partir da ação do corpo, da respiração e sua relação com o movimento e a voz. Partindo-se de orientações teóricas contemporâneas que consideram a performance como paradigma cultural, e constatando-se que nesta experimentação a atuação dos performers é responsável pela constituição do processo criativo, o enfoque deste estudo é sobre o processo, realizando-se uma apreciação de como se caracteriza a geração de um espaço de criação e de um corpo em estado de criação, conceitos que decorrem da própria reflexão. A vivência do processo leva o performer a adentrar um corpo em estado de criação, gerando improvisações vocais e movimentos, resultado das relações que a respiração estabelece com o movimento e a voz. Estes momentos de criação ocorrem como um evento performático, onde o corpo é o agente principal do processo artístico. A criação artística é considerada aqui como uma forma de transpor os limites entre o corpo e o espaço, levando o corpo a transfigurar-se em movimento, gestos e sons revelando uma das inúmeras possibilidades de sua metamorfose. A reflexão sobre as relações entre corpo e voz aponta para um estado de dissolução de fronteiras e a vivência deste processo experimental revela-se como possibilidade de ocupação das zonas de fronteira - entre as diversas linguagens artísticas, entre o eu e o outro - constituindo-se assim como uma experiência de comunhão. This study has as subject of reflection and practical research the experimental process Movement, Breathing and Singing. This practice is based on the Perceptible Breath by Ilse Middendorf. The proposal of experiencing breath based on the fundamentals of Middendorfs practice enables, along with other strategies, a certain performance of the body, composing this experimental process. The creative unfolding of the Perceptible Breath derives initially from pedagogical experiences, which develops at crossing points where research, teaching as well as a proposal of artistic creation meet. How this practice can establish a connection with a process creating art emerges then as the main question. This study examines what is necessary to constitute a process of creation, specifically of musical creation, which is organized from a bodys action, that is from breathing in relation to both movement and voice. Starting with contemporary theory that considers performance as a cultural paradigm and attributing the creative process to the performers action, this study has the focus on the process, appreciating what characterizes generating space of creation and a body in a state of creation, as a concept manifesting itself as the result of reflection. Undergoing this process leads the performer to experience a body in a state of creation, generating both vocal improvisations and movements, which result from the interrelations that the breath establishes with movement and voice. These moments of creation occur like a performative event, where the body is the principal agent of the artistic process. The process of creating art is here considered like a way of transposing the limits between body and space, thus leading the body to transfigure itself in movement, gestures and sounds thereby revealing one of the many possibilities of its metamorphoses. The consideration of the relations between body and voice points to a state of dissolution of boundaries and undergoing this experimental process reveals itself as a possibility of occupying the border area - between different artistic languages, between the self and the other so as to constitute itself as a experience of communion.

A tese fundamenta-se na idéia da natureza idiossincrática do espírito iluminista e sua relação com as transformações no sentido da música, tanto nas estruturas de linguagem como nos processos de sua recepção, no século XVIII. No Brasil, o processo se intensificou, já que a intensa movimentação social velava um intrincado campo de conflito que não consubstanciava sentidos unívocos de entendimento do Iluminismo, nem mesmo em relação aos estímulos que vinham de Portugal. O objetivo é demonstrar como o Iluminismo atuava no campo estético, retroagindo com distintas configurações na disputa de poder entre as esferas públicas (Igreja e Estado) e suas relações com espetáculo do poder para operacionalizar a afirmação de estruturas ideológicas. A metodologia usada responde justamente à sutileza das manifestações iluministas na fruição poética e estética da música colonial e como dela se valiam dessas idéias de reforma da sociedade. Dessa forma, tratamos de estabelecer nosso estudo através da História Administrativa do Brasil como fenômeno decorrente de uma História das Idéias. Como resultado, observamos que no sistema imperial português, no início do século XVIII a administração da música se restringia a processos de negociação no espaço privado do Padroado. Já no sistema administrativo do Despotismo Esclarecido, o Estado e a Igreja não eram as únicas frentes de negociação nas quais se realizavam ajustes para as redes de representação de poder. A partir da segunda metade do século XVIII, a burguesia, que se tornava o eixo articulador do sistema monetário que se implantava, tornou-se uma terceira via de representação e efetivação dos espetáculos do poder, ampliando e libertando-se aos poucos das rédeas dos dois gládios de poder. Representada em empreendimentos como as casas de ópera ou os partidos dirigidos pelos mestres-de-música, a administração da arte modificou consideravelmente o eixo de estabelecimento dos padrões artísticos, agora sob a égide da influência laica. Todo esse processo determinou a predominância da música vocal. Justifica-se o gênero no ideal pedagógico do Iluminismo que dramatiza a vida pela arte, sempre na intenção de inocular a virtude cidadã voltada para a apologia do poder estabelecido. E esse ideal se consubstanciou com tanta magnitude na cultura ocidental que transpassou os limites do século XVIII e tornou-se canônico até os dias de hoje, quando ainda tratamos de pensar e discutir sobre o que seria a boa ou má música. The thesis is based on the idea of innate idiosyncrasy of Illuminism and its relation to the changes in the meaning of music, not only in relation to the language structures, but also in the processes of its reception in the 18th century. In Brazil, the process was increased as the intense social movement concealed a complex field of conflict which did not unify univocal senses of comprehension to Illuminism, not even in relation to the stimulus which came from Portugal. The aim is to show how Illuminism influenced the esthetic field retroacting with distinct configuration in the struggle for power between the public spheres (Church and State), and their relations to the show of power to operate the assertion of ideological structures. The used methodology answers exactly the subtlety of Illuminism demonstration in the poetical and esthetic enjoyment of colonial music. In addition to how they were used to spread the idea of a changing society. In this way, we established our studies through the Administrative History of Brazil as a resulting phenomenon of a history of ideas. As a result, we could observe that in the Portuguese imperial system of the beginning of the 18th century, the administration of music was restrictive to negotiation processes in the private space of Patronage. In the administrative system of Enlightenment Despotism, the State and the Church were not the only negotiation front in which adjustment were made to the network of power representation. From the second part of the 18th century on, the bourgeoisie, which had become the focal point of consent of the system of currency that was being established, became the third way to represent and accomplish the show of power enlarging and, little by little, getting free from the control of the two strong powers (Church and State). The art administration, represented by enterprises such as opera houses or the parties directed by music masters, changed considerably the focal point of fixing the artistic patterns, now under the aegis of uncharted influence. All this process determined the predominance of vocal music. It is upheld in the pedagogical ideal of Illuminism that dramatizes life by art, always with the intention to introduce the virtue citizen related to the apology of established power. Besides, this ideal had been unified with such magnitude in the western culture that it went beyond the limits of the 18th century and became canonical until these days when we still think and discuss about what would be good or bad music.

Este trabalho analisa a estruturação harmônica do episódio lírico Artémis, de Alberto Nepomuceno, buscando demonstrar que a técnica usada pelo compositor emprega sistematicamente os princípios da linguagem do cromatismo pós-wagneriano. Observa-se, inicialmente, que o projeto dessa obra encontra-se na vanguarda das estéticas de seu tempo, alinhando-se com as correntes progressistas do período. Nesse sentido verifica-se que, apesar de Nepomuceno ter sido identificado pela historiografia modernista como precursor do nacionalismo musical brasileiro, nesta obra prevalece sua inclinação cosmopolita. Para o desenvolvimento da pesquisa examinou-se inicialmente qual ferramenta de análise harmônica, dedicada ao repertório do cromatismo romântico do final do século XIX, seria mais adequada ao Artémis. Apresenta-se, por isso, uma introdução às teorias analíticas aplicáveis ao repertório com tonalidade expandida do século XIX, focando nos trabalhos de Hugo Riemann, Arnold Schoenberg e David Kopp. As teorias harmônicas de Riemann, sendo a matriz primordial dessas teorias, são extensamente investigadas. Comparamos, a seguir, as propostas dos três teóricos no que se refere a ferramentas de análise para peças com estrutura cromática. Discorrendo sobre aspectos positivos e negativos de cada teoria investigada, apontamos a recente teoria neorriemanniana de Kopp como a que melhor sistematizou, para nossos propósitos, os avanços acadêmicos no entendimento dos problemas harmônicos do repertório cromático do século XIX. Defendendo a importância de se atrelar, adequadamente, teoria, análise e repertório, confrontamos teoria e prática analítica, aplicando ao Artémis a sistemática das transformações cromáticas de Kopp. Conseguimos assim demonstrar, na prática do processo analítico, através de uma ferramenta de análise perfeitamente ajustada ao repertório proposto, resultados que atestam a coerência estrutural do texto musical abordado aos princípios transformacionais da harmonia cromática pós-wagneriana. This dissertation analyses the harmonic structure of the \"lyric episode\" Artémis, composed by Alberto Nepomuceno, aiming to demonstrate that the technique used by the composer employs, systematically, the principles of the post-Wagnerian chromatic language. We observe, initially, that the project of this piece fits the avant-garde aesthetics of its time, aligning itself to the progressive trends of the period. In this sense we verify - although Nepomuceno has been identified by the modernistic Brazilian historiography as a forerunner of the Brazilian musical nationalism - that his cosmopolitan inclinations prevailed in this composition. At first, for the adequate development of the research, we examined which tool of harmonic analysis, dedicated to the chromatic repertoire of the final of the XIX Century, would be more adequate to the music of Artémis. We present, therefore, an introduction to the analytical theories that might be useful to the repertoire of expanded tonality of the XIX Century, focusing in the texts of Hugo Riemann, Arnold Schoenberg and David Kopp. The harmonic theories of Riemann, as the matrix for all these theories, are extensively investigated. We compare, in the sequence, the proposals of three theoreticians that developed analytical tools for pieces with chromatic structures. Revealing the positive and negative aspects of each of these theories, we pointed out the recent neoriemannian theory by Kopp as the one that better systematizes, for our purposes, the academic advances in the understanding of the harmonic problems of the chromatic repertoire composed at the end of the XIX Century. Because we defend the importance of considering simultaneously theory, analysis and repertoire, we confront theory and practice, applying to Artémis, Kopp\'s chromatic transformations systematic theory. This way we were able to demonstrate, in the practice of the analytical process, through an analytic tool perfectly fit to proposed repertoire, results that attest the structural coherence of the studied musical text with the transformational principles of post-Wagnerian chromatic harmony.

Este trabalho foi dividido em duas partes, por se tratar de uma pesquisa em que assuntos se complementam sem abrir mão de sua importância individual. Estes assuntos são a figura da pianista Beatriz Balzi e a música erudita latino-americana para piano. Seus caminhos se cruzam em 1984, ano em que Beatriz Balzi iniciou uma série de gravações deste repertório, registrando peças compostas entre 1898 e 1997 em uma coleção de CDs intitulada Compositores Latino-americanos. Uma vasta gama de técnicas, estilos e procedimentos composicionais foram exemplificados por Beatriz Balzi nas 54 peças de sua série de CDs. Oriundas de 13 países, tais composições testemunham a formação do patrimônio cultural deste continente, no período em que o mesmo lutava para ser reconhecido por suas características próprias. Esta conclusão emerge da análise realizada sobre as partituras utilizadas pela pianista em suas gravações, unida ao estudo dos encartes que acompanham os CDs, à audição dos mesmos e às entrevistas com compositores gravados. Um panorama histórico resumido da música erudita do século XX foi formulado para contextualizar este repertório. Por sua vez, a biografia de Beatriz Balzi e a dissertação sobre sua trajetória na confecção da série Compositores Latino-americanos, material inédito e peculiar na década em que foi criado, levantam a seguinte questão: por que teria a pianista se empenhado em tal tarefa, em vez de abraçar um repertório mais acessível a si mesma e ao público? A resposta que ecoa é a militância pela valorização da música destes autores e deles próprios, além da luta pela aproximação dos povos deste continente através do conhecimento mútuo. Embora este tipo de pesquisa tenha atraído a atenção de músicos e estudiosos do século XXI, a música erudita latino-americana foi sempre relegada ao segundo plano no universo da música de concerto ocidental. A série de Beatriz Balzi e o presente trabalho contribuem para preencher esta lacuna. This paper was divided into two parts, as it deals with research where topics complement each other, without giving up their individual importance. These topics are the figure of the pianist Beatriz Balzi and the Latin American piano art music. Their paths crossed in 1984, the year when Beatriz Balzi started a series of recordings of this repertoire, registering pieces composed from 1898 to 1997 in a CD collection under the title of Latin American Composers. A wide range of techniques, styles and compositional procedures were exemplified by Beatriz Balzi in the 54 pieces of her CD series. Originated from 13 countries, such compositions testify the formation of this continent\'s cultural heritage, in the period when it struggled to be recognized for its own characteristics. This conclusion emerges from the analysis carried out on the scores used by the above-mentioned pianist in her recordings, together with the study of the inserts attached to the CDs, the listening to them, and the interviews with recorded composers. A summarized historical panorama of the XX Century\'s classical music was formulated in order to contextualize this repertoire. On its turn, Beatriz Balzi\'s biography and the dissertation on her trajectory in the completion of the Latin American Composers series, unpublished material which was distinctive in the decade in which it was created, give rise to the following question: why would the pianist devote herself to such a task, instead of embracing a repertoire which would be more accessible to herself and to the audience? The answer that echoes is the militancy for the valuing of these authors\' music as well as their own valuing, in addition to bringing together the peoples of this continent by means of mutual knowledge. Although this type of research has attracted the attention of the XXI Century musicians and scholars, the Latin American art music has always been relegated to a less important place in the universe of the Western concert music. Beatriz Balzi\'s series and the present paper contribute to fill this gap.

Este trabalho tem como objetivo apresentar um modelo de análise musical que fundamenta uma possibilidade interpretativa dos Lieder - gênero musical resultante da fusão das linguagens poética e musical - de Clara Schumann, pianista e compositora alemã do século XIX que teve papel relevante no cenário musical de sua época, realizando a primeira audição e divulgação da obra de muitos dos seus contemporâneos, especialmente de seu marido, Robert Schumann. As análises evidenciam o elevado nível artístico dessas composições, as quais abordam questões relacionadas ao período romântico em um contexto musical extremamente elaborado. A gravação que acompanha esta dissertação pretende oferecer um esboço de possibilidades para a interpretação dos Lieder analisados. This paper introduces a musical analysis model which underlies an interpretative possibility of the Lieder - musical form resulting from the fusion of poetry and music - by Clara Schumann, German pianist and composer of the 19th Century. Her role in the musical scenario was quite relevant, since she held first auditions and thus disseminated the works of many contemporary composers, specially her husband, Robert Schumann. The analysis corroborates the high artistic level of these compositions, which bring into contact with issues related to the romantic period in a highly elaborated musical work. The included CD offers interpretation possibilities for the analyzed Lieder.

O objetivo desta pesquisa é esclarecer as várias possibilidades de chegar a um modo mais natural e equilibrado de tocar o violoncelo. Inicialmente, o panorama geral da pedagogia e técnica violoncelística foi analisado com a finalidade de determinar conclusões e opiniões a respeito de recursos pedagógicos atuais, somados aos conhecimentos próprios do autor. Em seguida, houve uma pesquisa bibliográfica e dos meios eletrônicos sobre seis técnicas de reeducação corporal, sendo que, em média, dez aulas particulares para cada técnica foram realizadas pelo autor. Foram também analisadas informações sobre o aumento da ocorrência de danos físicos no meio musical, bem como sobre o corpo dos atletas e seus cuidados. Todas as informações colhidas serviram de base para uma discussão, visando à construção e a elaboração de uma proposta de uma nova pedagogia para os violoncelistas, buscando um funcionamento mais natural do corpo e auxiliando no combate das posturas viciosas, a fim de evitar danos físicos futuros aos executantes deste instrumento. The object of this work is to suggest various possibilities to arrive at a more natural and balanced mode of playing the violoncello. Initially, the general panorama of violoncello pedagogy and technique was analyzed in order to determine conclusions and opinions with regard to pedagogical resources today, together with the personal knowledge of the author. Next, six methods of corporal reeducation were researched, through bibliographic and electronic means, with the author participating in an average of ten private lessons in each technique. Information with regard to the increasing occurrence of physical injuries in the musical class was also analyzed, as well as that pertaining to athletes bodies and their care. All information garnered served as the basis for a discussion aimed at the construction and elaboration of a proposal of a new violoncello pedagogy that strives for a more natural functioning of the body and helps combat detrimental postures, so that future injuries to violoncellists may be avoided.

Este trabalho propõe um novo modelo de análise musical, em complementação à análise harmônica tradicional, com o estabelecimento de dois atratores - a partir da dilatação da estabilidade harmônica a partir do séc. XVIII e da resolução da dicotomia temática, condições fundamentais para a existência do modelo Sonata - definidos como catástrofe elementar com um fator de controle e dois atratores a partir da Teoria das Catástrofes de René Thom e da simultânea identificação de conflitos formais na análise estrutural, estética e harmônica da Forma Sonata, determinando seu ponto de catástrofe e definindo a mudança total em seu formato, que passa a comunicar uma nova estrutura formal diante da ultrapassagem da curva da descontinuidade. This project proposes a new model of musical analysis, complementary to the traditional harmonic analysis. The establishment of two attractors issued from the expansion of the 18th centurys harmonic stability and from the thematic resolution of the thematic dichotomy, basic conditions for the Sonata Forms existence is its starting point, which defines an elementary catastrophe with one control factor from the René Thoms Catastrophe Theory. The simultaneous identification of formal conflicts in the structural, aesthetics and harmonic analysis of the Sonata Form is a further condition to determine its degenerate critical point and to define the total change in its format, which is to communicate a new formal structure after passing through its pitchfork bifurcation.

Este trabalho tem como objetivo principal descobrir e revelar como Francisco Mignone compôs as 12 Valsas de Esquina e as 12 Valsas-Choro para piano solo, contribuindo para o estudo e a divulgação da música brasileira. Através da análise realizada nesta tese, revelou-se o idiomático de Mignone referente a essas obras. Além disso, investigaram-se os dados biográficos desse compositor, o gênero valsa e a contextualização da época em que as peças foram compostas. Como acréscimo, foi elaborado um guia interpretativo baseado na análise dessas Valsas e realizada uma entrevista com a pianista e viúva do compositor, Maria Josephina Mignone. A conclusão desta pesquisa, a partir das importantes informações apresentadas nos capítulos e também do resultado da análise, identifica a estrutura musical utilizada nas 12 Valsas de Esquina e nas 12 Valsas-Choro. This paper\'s main objective is to discover and reveal how Francisco Mignone wrote the 12 Waltzes Corner and Choro-12 Waltzes for piano, contributing to the study and dissemination of Brazilian music. Through the analysis conducted in this thesis, proved the idiom of Mignone on these works. Furthermore, we investigated the biographical data of the composer, the dance, and the gender context of the time in which the pieces were composed. How increase has produced a guide for interpretation based on analysis of waltzes and held an interview with the pianist and composer\'s widow, Maria Josephina Mignone. The conclusion of this research, from the important information presented in the chapters and also the result of the analysis identifies the musical structure used in the 12 Waltzes Corner and 12 Waltzes-Choro.

O presente trabalho pretende dar continuidade à pesquisa de Mestrado concluída em 2002 na PUC-SP, sobre um método de análise das Zeitgestalten, voltado para a performance musical. Tendo por base o livro Denken und spielen (Pensar e tocar), escrito pelo pianista e pedagogo alemão Prof. J. Uhde, em parceria com a filósofa e pianista Profa. Dra. R. Wieland (1989) pesquisou-se naquela época os fundamentos teóricos do método, tendo sido analisadas as Zeitgestalten de peças para piano solo. O projeto de Doutorado tem como objetivo principal, compreender os limites e aplicações deste procedimento metodológico na Prática Instrumental de Música de Câmara, não desenvolvido pelos autores. A obra escolhida para esta pesquisa foi escrita em 1930 por um importante compositor pertencente à História da Música Brasileira do final do século XIX e início do XX. Trata-se do Trio em sol menor para piano e cordas, de Francisco Braga, obra de representatividade dentro daquele período histórico. Após encontro com a Profa. Dra. R. Wieland, em janeiro de 2008, ocasião em que foram discutidos assuntos relacionados a Zeitgestalt em obras camerísticas, e analisada o 1º mov. do Trio em sol menor, o trabalho foi direcionado à escrita da tese e ao estudo analítico-interpretativo da obra, junto a um trio formado por jovens estudantes de música do curso de graduação, formado especialmente para este projeto. Pode-se dizer após esta investigação, que o método de Uhde e Wieland se aplica, sim, em repertório camerístico tendo trazido resultados bastante positivos. Faz parte também desta pesquisa, além da questão analítica-interpretativa, a questão editorial. The present work extends the research presented for Masters concluded in 2002 at PUC-SP, on a method of analysis of Zeitgestalten towards musical performance. On that occasion it was carried out a study on the theoretical foundations of the method and the Zeitgestalten analysis of pieces for piano solo, based on the book Denken und spielen (Thinking and Play) written by the German pianist and pedagogue, Prof. J.Uhde, in partnership with the philosopher and pianist Prof. Doctor R. Wieland (1989). The actual project aims the understanding of the limits and applications of this methodological procedure in the Performance of Chamber Music, which is not developed by those authors. For that purpose the chosen musical work belongs to Francisco Braga, na important composer who lived between the end of the 19th century and the beginning of the 20th century and is part of the Brazilian Music History. The composition written in 1930 is the Trio in g minor for piano, violin and cello, a work of representativiness within that period of history. After meeting with Prof. Dr. R. Wieland in January 2008, when issues related to Zeitgestalt in Chamber Music works were discussed and the analysis of the first movement of the Trio in g minor was done, the work was directed towards the writing of the thesis and the interpretative-analytical study of it, with a trio constituted by young music students from the graduation course formed specifically for this project. Doubtless the method of Wieland and Uhde certainly applies to Chamber repertoire, and the results brought highly positive results. The work also includes, besides the analytical-interpretative question, the editorial matters results.

Clara Josephine Wieck, Clara Schumann após o casamento com o compositor Robert Schumann, foi das poucas crianças-prodígio que asseguraram sua fama e reconhecimento como virtuosas do piano por toda a vida. A história de sua longa carreira como concertista (63 anos), reflete a história da vida musical do século XIX. E seu nome aparece como grande influência na mudança de hábitos que se deu entre seu primeiro recital público, em 1828, e o último, em 1891; em termos de escolha de repertório, programação de turnês, os papéis desempenhados pela criança-prodígio e pela mulher profissional, além da atitude do público frente às propostas musicais que surgiam por vezes, antagônicas. Como compositora, porém, sua atuação não alcançou as mesmas proporções, apesar de suas peças terem agradado não só ao público, mas também a grandes mestres de seu tempo como Robert Schumann, Félix Mendelssohn, Frederick Chopin, Franz Liszt e Johannes Brahms, por exemplo. As dificuldades por que passou durante a vida a fizeram escolher entre a criação e a performance, ao que ela optou pela segunda, sem remorsos. Seus relatos atestam que a prática do instrumento, o contato com o público e a satisfação de divulgar obras cuja importância, como conhecedora do métier, sabia reconhecer, faziam parte de sua própria essência como indivíduo. Ademais, composições feitas por mulheres não eram incentivadas nem levadas a sério na primeira metade do século XIX, e a própria Clara Schumann era insegura em relação à qualidade da sua obra. Este trabalho vem demonstrar que a criação musical de Clara Schumann, relegada a um segundo plano pela própria compositora, merece ser tão divulgada como a de qualquer outro compositor do século XIX, uma vez que discute as mesmas questões propostas por eles, com um nível elevadíssimo de elaboração. Um breve histórico comentado de suas composições e a análise de seu ciclo de variações Op. 20 atestam a excelência de sua obra. Clara Josephine Wieck, or Clara Schumann after her marriage with composer Robert Schumann, was one of the very few prodigy-children who could keep their fame and recognition as virtuosi of the piano in their lifetime. The history of her long career as a pianist (63 years) reflects the musical life of the 19th century. Her name appears as being of great influence in the change of habits that occurred between her first public concert, in 1828, and the last, in 1891 - in terms of choice of repertoire, schedule of concert seasons, the roles played by the prodigy-child and the professional woman, besides her attitude towards the audience in relation to new musical propositions, at times very antagonistic. However, as a composer, her fame did not achieve the same proportions, in spite of her pieces having pleased not only the audience, but also great masters of her time, such as Robert Schumann, Félix Mendelssohn, Frederick Chopin, Franz Liszt and Johannes Brahms. The difficulties she faced during her life made her choose between creation and performance, making her stick to the latter, without any regrets. Her testimonies speaking of the practice of the instrument, the contact with the audience and the pleasure she gained in divulging works which importance she recognized (being a connoisseur of her métier) were part of her own essence as an individual. Besides, compositions made by women were not stimulated, nor even seriously taken into consideration in the first half of the 19th century. Clara Schumann herself had doubts on the quality of her works. This work intends to make visible that Clara Schumanns musical creation, left to a second plane by the composer herself, deserves to be acknowledged as the composition of an important composer of the 19th century, for it deals with the same issues proposed by her contemporaries in a very elaborate way. A brief commented narrative of her compositions and the analysis of her cycle of variations Op. 20 are proof of the excellence of her work.

Contribuição à crítica da produção artística. Considera que o emprego dos conceitos de abstração e de seu contraponto, o figurativo, resulta do olhar que quer ainda hoje ver a pintura como processo fundado na representação. Pretende mostrar a emergência de fenômenos ocorridos à margem dessas categorias no decorrer do século XX no obra de pintores. As obras de Claude MONET, Giorgio MORANDI, Jackson POLLOCK e Willem DE KOONING testemunham a experiência de transformação do olhar a pintura e a construção do seu lugar como experiência desse sentido. A obra de Bram VAN VELDE testemunha o lugar da pintura como experiência vital da arte para o homem. Nos artistas que estão em processo de realização de suas obras: Betty GOODWIN, Susan ROTHENBERG, Williem MACKENDREE e Sergio FINGERMANN, encontra-se a experimentação do olhar transformado no fazer da pintura. A contribution to artistic production and its appreciation. It considers the employment of the abstract and figurative concepts as a result from the regard that expects to see painting, even nowadays, as a process founded in representation. It intends to demonstrate the emergence of phenomena that happened on the edge of those categories in the course of the XXth century in the work of painters. The Claude MONET, Giorgio MORANDI, Jackson POLLOCK and Willem DE KOONING works testify the experience of painting regarding transformation and the building up of it\'s place as an experience of this sense. The Bram VAN VELDE work testifies the painting\'s place as a vital experience of art to mankind. Among the artists who are in process of doing their works: Betty GOODWIN, Susan ROTHENBERG, William MACKENDREE and Sergio FINGERMANN, one finds the experiment of regard transformed in the making of the painting.