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Dans les Essais, Montaigne évoque sa conversation avec le maître d’hôtel du cardinal Caraffa. Cette rencontre, si elle a eu lieu, est antérieure au voyage d’Italie. Son récit ressortit plus à la littérature qu’à la biographie : Montaigne témoigne de sa connaissance de la trattatistica gastronomique italienne, qu’il utilise dans un contexte anti-italianisant et une intention satirique., The Essais mention a conversation Montaigne had with Cardinal Caraffa’s majordomo. This meeting took place before his travel in Italy. Its account concerns literature more than biography: it points out Montaigne as a reader of Italian gastronomy books, which he used in a satirical intention linked to the contemporary anti-Italian debate.

International audience; Au tournant des XIVe et XVe siècles, la fée Mélusine est l’héroïne de deux romans – l’un en vers, l’autre en prose - qui font entrer dans la culture savante cette figure fascinante de la culture folklorique et populaire. À la fois « défricheuse et bâtisseuse », pour reprendre ici les mots de Jacques Le Goff, la jeune épouse du chevalier Raymondin incarne les idéaux de l’âge féodal et le rêve de tout chevalier : régner sur un territoire prospère et donner naissance à une nombreuse descendance.Mais Mélusine dépasse et transcende les limites du Moyen Âge occidental : incarnant un schéma récurrent et mythique, celui de l’épouse merveilleuse qui s’unit à un simple mortel, elle interroge le rapport complexe entre l’Autre Monde et l’ici-bas et traduit l’étrange perméabilité de la frontière séparant les vivants et les morts. Tour à tour adulée et rejetée, Mélusine illustre aussi l’ambivalence d’une littérature portant sur la femme un regard où se mêlent la crainte et la fascination. Enfin, plus fondamentalement peut-être, Mélusine soulève l’épineuse question du lien entre culture savante et culture populaire : quand le folklore païen devient matériau littéraire, sous les traits rassurants de la bonne fée surgissent parfois ceux de l’effrayante sorcière !

International audience; Cette contribution examine la dimension à la fois utopique et eutopique de la dialectique existant entre les lieux et les « temps » mythiques composant le royaume arthurien des romans de Chrétien de Troyes. La prise en compte de ces feuilletés à la fois spatiaux et temporels aboutit à la perspective d’un monde idéal, projeté dans un futur réalisable, en un mot, eutopique.

International audience; La contribution étudie la place de la confession, au sens sacramentel du terme, dans l’"Histoire de ma vie", de Giacomo Casanova. Ce texteautobiographique, mais qui partage avec le corpus romanesque licencieux de nombreux scénarios narratifs, donne une place importante à la notion deconfession générale, rencontrée dans la titrologie du XVIIIe siècle. Elle est présente dans les paratextes comme dans le corps du récit, notamment dans l’étonnant passage de la confession générale à l’abbé d’Einsiedeln, en Suisse. Le modèle religieux, pour être subverti, n’en demeure pas moins structurant dans le projet littéraire de l’aventurier vénitien, et ce dès l’"Histoire de ma fuite".

International audience; Christine Chollier introduit du jeu dans les notions associées à la lecture en proposant d’articuler « instances lectorales et régimes d’interprétation », autrement dit le modèle de Michel Picard remanié par Vincent Jouve et la sémantique des textes élaborée par François Rastier. Comme Jouve et Rastier et à la différence de Picard, Chollier privilégie l’approche interne, centrée sur ce que le texte programme, plutôt que l’approche externe s’attachant à ce qui se passe en aval des textes. Le modèle ternaire de Picard devient quaternaire : le lu se limite à l’inconscient, le lisant (qui remplace le liseur) recouvre le consentement passif mais conscient à la fiction, le lectant se scinde en deux, selon qu’il est jouant (anticipant sur la suite de l’histoire par sa compétence littéraire) ou interprétant grâce à un recul intellectuel supplémentaire. De son côté, Rastier, à partir de son approche linguistique de « l’entour humain », distingue trois zones : identitaire (le soi), proximale (le proche sous les espèces de la deuxième personne) et distale (par quoi le langage évoque ce qui est absent). La confrontation des deux modèles redistribue le découpage des instances : le lu et le lisant correspondraient à la zone identitaire, le lectant-jouant à la zone proximale, le lectant-interprétant à la zone distale. Une nouvelle post-moderne comme celle d’Auster, City of Glass (1985), permet de tester la pertinence de ce modèle double : la distance prise vis-à-vis du réalisme mimétique et la fragilisation de la frontière entre instances narratives sèment le trouble dans l’écriture-lecture et sollicitent spécialement le lectant-interprétant.

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International audience; La Bibliothèque bleue a joué un rôle très important dans la transmission de la mémoire culturelle aussi bien « savante » que populaire. De nombreuses figures ont même acquis leur statut littéraire à partir d’un livre de colportage. La terrible histoire de Grisélidis en est un exemple. Au carrefour des traditions savantes et populaires, son histoire épouse le canevas de la bergère et du prince. Après Boccace, Grisélidis est repris par Pétrarque qui la moralise. Et c’est cette interprétation qui sert de base au Mesnagier de Paris (fin du XIVe siècle) – Grisélidis y figure entre la romaine Lucrèce et la biblique Susanne –, mais également à des prédicateurs latins : l’histoire de Grisélidis est devenue un exemplum que les XVIe et XVIIe vont développer. Des amalgames originaux sont pratiqués notamment avec Jeanne d’Arc, tandis que la tradition, essentiellement bourgeoise à l’origine, va investir progressivement la sphère du peuple : les éditions bleues jouent certainement un rôle important dans cette évolution. Grisélidis, relevant à la fois de la mythologie romaine et chrétienne, va prendre place parmi les « femmes illustres ».

International audience; Jeux de son, jeux de sens, jeux de langue ou le fabuleux destin de la mandragore Liber Amicorum. Mélanges offerts à Emilia Hilgert sous la direction de Machteld Meulleman, Silvia Palma et Anne Theissen, Reims , EPURE, 2020, p. 53-68. C'est ici le gibet !-Et voilà paraître dans la brume un juif qui cherche quelque chose parmi l'herbe mouillée, à l'éclat doré d'une main de gloire 1. Le philosophe Théophraste, un élève d'Aristote, appelait la mandragore anthropomorphon. Cette racine, dont la forme évoque un petit homme, qui participe donc à la fois du règne végétal et humain, cette racine n'a cessé de fasciner et de nourrir force spéculations reposant sur des théories analogiques. Herbe des magiciens, elle renvoie au temps mythique où Cronos jette sa semence sur la terre et où les êtres germent au lieu de s'engendrer 2. On prête à cet homunculus toutes sortes de vertus médicinales, narcotiques et aphrodisiaques ; la mandragore est le recours des femmes bréhaignes, et, du Moyen Âge jusqu'au seuil de notre temps, on en trouvait cachées dans les armoires des ménages qui en espéraient chance et prospérité. Mais ce n'est pas seulement sa forme qui a nourri l'imaginaire ; son nom à son tour a essaimé, fécond, et a généré des strates de signifiances et jusqu'à de véritables mythes littéraires, notamment à la faveur de jeux de traduction et d'analogie phonétique. Ce cas exemplaire de mouvance du signe par rapport à son référent oblige son explorateur à visiter différents continents scientifiques, tous familiers à Emilia Hilgert qui les a tant arpentés tout au long de sa carrière. Entrons donc hardiment dans le sujet ! Nomen : leçons linguistiques Commençons par examiner le mot. Il est attesté en grec (μανδραγόρας) et passe en latin sous la forme de mandragora(s). Mais son origine reste obscure. Walter von Wartburg 3 formule quelques hypothèses en invoquant de possibles « transformations » (Umgestaltung), voire des « altérations » (Entstellung) qui auraient marqué l'évolution du mot ainsi que les res qu'il désigne. Reste cette constante que le terme renvoie, via l'univers végétal, aux domaines de la médecine et de la magie, très mal discriminés pendant des siècles ; il reste d'ailleurs attesté dans l'onomastique ionienne où il désigne le nom d'un médecin. Mandragora entre ensuite dans la langue française ; c'est alors que se produit une « transformation » sinon « altération » de taille, immédiatement visible lorsqu'on examine la somme impressionnante de variantes attestées entre le XII e et le XV e siècle ; si la langue médiévale est coutumière de cette instabilité, on perçoit cependant clairement, dès le départ, l'influence d'une étymologie populaire, cas de « philologie poétique » exemplaire qui fait osciller le terme entre deux familles distinctes

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International audience; Françoise Gevrey consacre une analyse détaillée à un texte particulier, Thémidore, de Godard d’Aucour, qui est représentatif du récit licencieux de son temps. Elle souligne les formes de subversion de la confession, mais aussi l’importance des images au sein de la narration. Si l’ « Odalisque brune » de François Boucher, présente sur notre couverture, dans la version conservée au musée des Beaux-arts de Reims, n’y figure pas, car elle fut peinte un an après la publication, elle est caractéristique de la mise en spectacle de l’intimité sexuelle dans ce roman libertin. La place des représentations figurées, tableaux ou estampes n’y est pas anecdotique, car le spectacle du plaisirest le ressort de la fiction.

Aragon’s literary work maintains an original dialogue with philosophy and the humanities. Through literary art, the author has the ambition to open the way to a specific knowledge, but he does not oppose this knowledge to rationality : on the contrary, he opens to the latter new horizons of shared knowledge. From the Paysan de Paris (1926) to Blanche ou l'oubli (1967) three major thoughts are involved in this dialogue between rationality and poetry : Kant, who poses, in front of the absolute, the idea of relativity, Marx, with whom is shared a materialism of language, Freud, for whom the unconscious can only be apprehended through an exchange of words. This conjunction of thoughts gives us to revisit the question of literary genres by articulating these categories to degrees of involvement of the subject enunciator in his discourse, in other words to differentiated meanings of fictionality., L’œuvre littéraire d’Aragon entretient un dialogue original avec la philosophie et les sciences humaines. Par l’art littéraire, l’auteur a l’ambition d’ouvrir la voie à une connaissance spécifique, mais il n’oppose pas cette connaissance à la rationalité : il ouvre au contraire à cette dernière de nouveaux horizons de connaissance partagée. Du "Paysan de Paris" (1926) à "Blanche ou l’oubli" (1967), trois pensées majeures sont impliquées dans ce dialogue entre rationalité et poéticité : Kant, qui pose, face à l’absolu, l’idée de relativité, Marx, avec qui est partagé un matérialisme de la langue, Freud, pour qui l’inconscient ne peut être appréhendé qu’à travers un échange des paroles. Cette conjonction de pensées donne à revoir la question des genres littéraires en articulant ces catégories à des degrés d’implication du sujet énonciateur dans son discours, autrement dit à des acceptions différenciées de la fictionnalité.

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International audience; L'étude de Sébastien Hubier montre les enjeux et la postérité contemporaine des postures énonciatives identifiées au siècle des Lumières et propose des réflexions générales à partir des « fictions excitantes » actuelles. L'auteur y étudie le rôle que joue le schème de la confession dans les dispositifs contemporains de représentations de la sexualité, même si elles ont quitté les boudoirs libertins du siècle des Lumières. Il souligne la logique de surenchère qu’il crée dans les productions vidéos pornographiques, comme les paradoxes de la représentation de l’intimité sexuelle. Plus généralement il relie la question de la confession aux controverses qui agitent les études consacrées à ces sujets dans les études culturelles : définition même de la pornographie, discussion sur sa nature aliénante ou émancipatrice, son invariance ou son historicité.

International audience; Le carnaval diabolique du sabbat faustien se déroule « entre Schierke et Elend », dans un mouvement localisé en direction du Mont Brocken, lieu de rencontre légendaire des sorcières et du diable en habit de bouc, lors d’une fête du printemps orgiastique (Faust I, 1808). C’est un endroit, assez loin du sommet et excentré par rapport au centre de la diablerie, où se retrouvent les fantômes, les esprits et les apparitions de seconde zone. Confluence syncrétique au carrefour de l’espace et du temps, des superstitions populaires et de leurs représentations érudites, la toponymie hercynienne d’Elend et de Schierke articule une confusion de fables, de légendes et de mythologies. La présentation vise à replacer cet imaginaire géographique goethéen, folklorique et chaotique, dans ses contextes historiques, littéraires et culturels.

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International audience; Avec la figure de Courasche, Grimmelshausen met les ressorts du roman d’aventure moderne au service du façonnement d’un héroïsme proprement féminin. Courage n’a plus rien de la virago classique. Bien loin de la masculiniser, son appropriation des vêtements masculins et des armes du héros martial viril lui donne en réalité le moyen d’affirmer sa féminité et sa sexualité. Elle témoigne ainsi d’une des caractéristiques centrales du héros moderne qui est l’affirmation de son individualité.

International audience; L'historien de la littérature, dont la méthode est l'histoire littéraire, étudie un objet qui provient d'une autre époque, élaboré selon l'art, pour répondre aux besoins et aux goûts d'un temps révolu. Mais, dans les cas les plus remarquables, la Divine Comédie, les Essais, Les Tragiques, les Promessi sposi, cet objet n'a pas cessé d'être présent et parlant, de donner à voir et à comprendre, de suggérer et d'émouvoir, longtemps après la disparition de son auteur, de ses destinataires, de ses premiers lecteurs. Si l'historien cherche à connaître sa genèse et les premières raisons qui lui donnaient un sens, il a aussi pour tâche de comprendre les effets et les discours qu'il a suscités sur la longue durée. L'histoire de la littérature se déploie dans la perspective historique des œuvres comme dans celle, historiographique et idéologique, de leur réception moderne par l'institution qui l'érige en discipline savante

International audience; This essay focuses on the illustrations by German-born, polyglot artist Alastair (the nom de plume of Hans Henning Otto, Baron von Voigt [1887-1969]) for two editions of Wilde’s texts published in the 1920s: a 1920 version of the poem The Sphinx published by John Lane (a frontispiece, decorations, and nine full-page illustrations) and a 1928 version of the tale The Birthday of the Infanta published in Paris by The Black Sun Press/Éditions Narcisse (eight plates and a frontispiece). Alastair’s illustrated versions of Wilde’s texts testify to the enduring legacy of the Anglo-Irish author’s works in the twentieth century. What I first wish to show is that Alastair’s creations also hold up a mirror to Wilde’s texts themselves, which are imaginary reconstructions of worlds—the ancient world (The Sphinx) or the Spanish Golden Age (The Birthday of the Infanta)—and are based on a dialogue between visual and verbal images. The second part of this essay offers an analysis of the interpictorial networks upon which Alastair’s illustrations for The Sphinx and The Birthday of the Infanta are based: Alastair’s images are memory palaces which bear the traces of the influence of such fin-de-siècle graphic artists—and illustrators of Wilde—as Aubrey Beardsley and Charles Ricketts. A further focus is on how Alastair stages Wilde’s texts in his images, how he turns the illustrated book into a theatrical space and fosters an aesthetic of incongruity, hybridity and in-betweenness: a kitsch or camp aesthetic, characterised by a non-linear, “queer” temporality.; Cet article se propose d’analyser les illustrations de l’artiste polyglotte allemand Alastair (nom de plume de Hans Henning Otto, baron von Voigt [1887-1969]) pour deux éditions de textes de Wilde publiées dans les années 1920 : une version de 1920 du poème The Sphinx (La Sphinge) publiée par John Lane/The Bodley Head (un frontispice, des décorations et neuf illustrations en pleine page) et une édition de 1928 du conte The Birthday of the Infanta (L’Anniversaire de l’Infante) publiée à Paris par The Black Sun Press/Éditions Narcisse (huit planches et un frontispice). Ces versions illustrées des textes de Wilde témoignent de la postérité des œuvres de l’auteur anglo-irlandais au XXe siècle. Cet article s’emploie en premier lieu à montrer que les créations d’Alastair se font également le reflet des textes mêmes de Wilde, qui sont des reconstructions imaginaires de mondes anciens – l’antiquité dans The Sphinx, le Siècle d’or espagnol dans The Birthday of the Infanta – et se fondent sur un dialogue entre images visuelles et textuelles. Une deuxième partie est consacrée à l’analyse des réseaux interpicturaux sur lesquels Alastair s’appuie pour mettre en images The Sphinx et The Birthday of the Infanta : les planches d’Alastair sont des palais de mémoire qui portent la trace de l’influence d’illustrateurs fin-de-siècle de Wilde, comme Aubrey Beardsley ou Charles Ricketts. L’accent est enfin mis sur la façon dont Alastair met en scène les textes de Wilde dans ses images, sur la manière dont il fait du livre illustré un espace théâtral et donne naissance dans ses illustrations à une esthétique de l’incongruité, de l’hybridité et de l’entre-deux : une esthétique kitsch ou camp, qui se caractérise par une temporalité non-linéaire que l’on pourrait peut-être qualifier de « queer ».

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International audience; The Invention of Love, pièce de Tom Stoppard mise en scène pour la première fois et publiée en 1997, brosse le portrait du philologue et poète A.E. Housman, auteur du recueil A Shropshire Lad (1896), à différentes époques de sa vie, tandis qu’il s’enthousiasme pour l’édition et la traduction de la poésie d’Horace, de Properce, de Virgile et de Théocrite, entre autres, et qu’il dresse le bilan d’une vie consacrée à la traduction la plus fidèle possible de ces classiques de la littérature latine et grecque. L’œuvre fait écho aux questionnements de Stoppard sur le rapport entre le passé et le présent et la réécriture des classiques, développés dès Rosencrantz et Guildenstern are Dead (1966). Le texte de la pièce offre une réflexion riche et complexe sur les difficultés que rencontre le traducteur lorsqu’il passe d’un système linguistique à un autre, mais aussi d’un contexte historique et culturel à un autre, plus précisément de la Grèce et de la Rome antiques à l’Angleterre victorienne. Qui plus est, la pièce se rapproche parfois du whodunnit puisqu’il s’agit de choisir LA version originale parmi toutes les copies erronées qui se sont succédé au cours des siècles, ou de tenter de retrouver le texte perdu, dont seulement quelques bribes survivent parce qu’elles ont été reprises de manière plus ou moins fidèle par un autre auteur. Lors de notre travail de traduction de cette pièce, nous nous sommes confrontés à un nouveau passage, une nouvelle version, une nouvelle adaptation, cette fois de l’anglais au français. Si Housman a parfois tâché de rendre les vers d’Horace en pentamètres iambiques, pouvons-nous faire de ces pentamètres des alexandrins rimés ? La traduction à quatre mains s’est apparentée à une série de choix d’adaptation, que nous avons souhaité tester à l’épreuve de l’oralité avec un metteur en scène. Nous proposons de revenir sur cette expérience de traduction à plusieurs d’une pièce de théâtre qui elle-même a pour sujet la traduction de textes classiques et de rendre compte des stratégies employées pour adapter à notre tour les versions des classiques latins proposées par Stoppard.

La philologie n’est pas une approche critique et un usage des Essais parmi d’autres ; elle est, avec l’ecdotique, à la base de toutes les approches critiques et de toutes les interprétations que l’on peut en proposer. La première établit le meilleur texte : non pas la reconstruction d’un texte idéal, mais l’édition d’un texte réel, porteur d’autorité ; la seconde le donne à lire en une forme moderne et à le comprendre dans toute sa complexité à l’aide d’un appareil critique. L’histoire de l’édition savante des Essais a été confondue avec celle du débat entre les tenants respectifs de l’édition posthume (1595) et de l’exemplaire de Bordeaux. La véritable question philologique porte en réalité sur la nature des deux textes ; la question ecdotique, sur la manière de les éditer de façon rigoureuse. Philology cannot be considered as a simple critical approach among others, neither as a mode of using Montaigne’s Essais. It represents the foundation that makes possible every approach or interpretation of Montaigne. A text established with philological accuracy from the best documented editorial tradition and a fresh collation of the extant manuscript additions and editions–given in a critical edition respecting ecdotical standards–allows us to better understand the cultural complexity of the Essais.

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Journée d'étude "Littérature, politique et représentation", organisée par le CRIMEL à la faculté des lettres de l'université de Reims Champagne-Ardenne le 31 janvier 2019. Cette journée a été organisée autour du programme 2018-2019 des classes préparatoires littéraires.

International audience; Depuis les impressions incunables, le roman "Pierre de Provence" n’a cessé d’être imprimé, jusqu’à un passé récent, en France comme en d’autres pays, et son entrée dans la Bibliothèque bleue, au début du XVIIe siècle, en a fait un récit fort répandu. Mais ce n’est pas tout à fait le même texte qui est donné à lire dans les premières éditions bleues et dans celles qui suivront aux siècles postérieurs. Au fil des réécritures, le récit va progressivement glisser de roman de chevalerie à roman sentimental.

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International audience; Aux antipodes de la tradition idéaliste, partie en quête du suprasensible et de l'intelligible, Nietzsche défend une doctrine de l'affirmation du monde, à laquelle il donne le nom de "Ja-sagen", ce "Dire-oui" qui signifie une sorte d'injonction d'acquiescement, mais tournée vers l'ici-bas. Ce mot d'ordre, facile à comprendre et difficile à mettre en pratique, trouvera en Zarathoustra, porte-voix de Nietzsche, une réalisation inouïe en philosophie, pour montrer comment vivre ce "oui sacré". Ce recueil d'études, émanant des meilleurs spécialistes de Nietzsche, montre comment une telle doctrine de l'affirmation veut embrasser toute l'existence humaine, à travers ses contradictions et ses équivoques, en gardant une fidélité inconditionnelle à la Terre et en luttant contre tous les discours prônant la dévalorisation du monde sensible ou organisant une fuite lâche vers un au-delà terrestre. Ce livre est un précieux guide de lecture pour qui veut percevoir les subtilités de ce texte, sans doute le plus emblématique mais aussi le plus intrigant de tout l'univers philosophique nietzschéen : 'Ainsi parlait Zarathoustra', sous-titré 'Un livre pour tous et pour personne'.

International audience; Dans son étude de L’Écharpe rouge d’Yves Bonnefoy, Alain Trouvé note une coexistence singulière, celle de l’auteur qui est aussi son propre commentateur, au sein de cette œuvre ultime. Doublant le dispositif initial, du poème libre et de son commentaire, par le récit de « Deux scènes », elles aussi commentées, Bonnefoy, souligne l’importance de l’échange, principe même de toute voix de communication. Si l’écharpe rouge, comme objet poétique, constitue ce qui unit le père et son fils, l’occasion de convoquer souvenirs et scènes familiales, le lien avec le domaine esthétique se mani-feste également. De fait, L’Arrière-Pays d’Yves Bonnefoy signalait déjà l’existence d’une parole évidente. Mais Alain Trouvé montre en définitive que l’échange primordial appelle également la notion d’écart et donc de tension. Il convient alors d’établir un ensemble de liens ténus (entre fiction poétique et romanesque, entre passé et présent, entre silence et parole articulée, entre espace paternel et domaine maternel), tout ce qui constitue le sens d’une relation.

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Julio Cortázar’s writings bring together antagonistic levels of reality and interweave levels of utterances as well as they create an effect of temporal-spatial passages. Narrative instance and diegesis converge to constitute the typical cortazarian metafictional device. The compositional complexity of his writings is the correlate of an experience of literary reading amounting to a textual journey programmed in such a way that the reader’s gaze which perceives the text has to skip from one part to another to be able to interpret it. In Cortázar’s fictional universe, the gaze is a topic that from a thematic point of view enables the reader to see things in a different way ; and narratively, it presents ever-shifting mutations of the enunciative system (a web of voices) that can even become chameleonic. This article analyses how the gaze is foregrounded in three texts by Cortázar : chapters 7 and 8 of Rayuela (1963), and the short story « Graffiti » published in Queremos tanto a Glenda (1980)., La escritura de Julio Cortázar fusiona planos de realidad antagónicos y cruza niveles enunciativos al tiempo que crea un efecto de pasajes temporo-espaciales. Instancia narrativa y diégesis convergen en la constitución del dispositivo metaficcional de la escritura cortazariana. La complejidad compositiva de su escritura es el correlato de una realización de la lectura literaria experimentada como recorrido textual programado para que la mirada del lector que lee, percibe la integralidad del texto y lo interpreta opere saltos. La mirada en el universo ficcional de Cortázar es un tópico que propone temáticamente otra manera ver las cosas; y narrativamente, una dinámica mutante del sistema enunciativo (tejido de voces) que puede alcanzar rasgos camaleónicos. Se analiza en este artículo la puesta en escena de la mirada en tres textos de Cortázar: los capítulos 7 y 8 de Rayuela (1963), y el cuento «Graffiti» publicado en Queremos tanto a Glenda (1980)., L’écriture de Julio Cortázar fusionne des niveaux antagonistes de réalité et croise des niveaux d’énonciation tout en créant un effet de passages temporo-spatiaux. Instance narrative et diégèse convergent dans la constitution du dispositif métafictionnel de l’écriture cortazarienne. La complexité compositionnelle de son écriture est le corrélat d’une réalisation de la lecture littéraire éprouvée comme un parcours textuel programmé pour que le regard du lecteur qui lit, perçoit le texte dans sa globalité et l’interprète opère des sauts. Le regard est dans l’univers fictionnel de Cortázar un topique qui, thématiquement, propose une autre façon de voir les choses ; et narrativement, une dynamique mutante du système énonciatif (tissage de voix) pouvant aussi devenir caméléonienne. Cet article analyse la mise en scène du regard dans trois textes de Cortázar : les chapitres 7 et 8 de Rayuela (1963), et la nouvelle « Graffiti » publiée dans Queremos tanto a Glenda (1980).

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