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El trabajo que presentó se titula Experimentaciones visuales en el paisaje moderno. Del imaginario a la imagen, y de la imagen a la materialización. Las primeras ideas, se centraron en una posible tesina de la Ciudad de México, pensamos en un sitio de la ciudad que fuera un experimento dentro de la trama urbana, de ahí se genera la inquietud por El Pedregal de San Ángel, proyecto que logró conjuntar a los mejores arquitectos de la época, para transformar un paisaje inhóspito, en el mayor experimento arquitectónico del movimiento moderno en México, poco a poco dentro de la investigación apareció con más fuerza un personaje que hasta el momento solo me interesaba por su papel como visionario y promotor del plan maestro. Luis Barragán y su capacidad de creación a partir de la imagen. Para Barragan el pedregal, fue su campo de experimentación, la imagen se convirtió en el medio de conformación del espacio. Las fotografías como elemento de proceso de creación ‐ medio para entender, concebir y experimentar el diseño‐ pero también como difusión y promoción del espacio. Y fue justo el uso y manipulación de la imagen (promovida por el movimiento moderno) en el pedregal, lo que ayudó a cambiar la manera de entender y concebir su obra en su etapa madura. Analizando y estudiando la información encontrada, se puede decir que el encuentro con el pedregal no fue una casualidad, fue resultado de la imaginación de una época, y la visión unitaria de toda una generación de artistas comprometidos con las ideologías y el movimiento nacionalista convocado por Vasconcelos; buscando la exaltación del arte popular y la revalorización de la cultura mexicana, con ello los diferentes artistas produjeron imágenes de gran valor plástico del lugar, logrando así que se construyera un imaginario del sitio, que motivo a varias personas poner sus ojos en las formas agrestes de estas piedras volcánicas. A lo largo del estudio y reflexión de los documentos que conforman la información acerca de El Pedregal, nace la siguiente Hipótesis: El Pedregal de San Ángel fue el mayor experimento urbano moderno en México, pero su virtud fue su fracaso, la imagen se convirtió en el medio de experimentación y conformación del espacio, y la imagen difundió y vendió ese espacio, pero ese espacio fue imaginario no estaba consolidado, así que solo había utopía, carente de realidad. La fotografía en Barragán fue concebida como herramienta detonante de estudio y generación de espacio y fue El Pedregal el experimento ideal que le ayudó a manipular, generar y crear imágenes con sentido espacial.

Through a panoramic view, this document aims to explain Emilio Duhart as a complete architect, a professional who develops simultaneously different facets in his work, being also concise and consistent with the Modern Movement principies that inspires his way. These facets, extensively analyzed, refer to Duhart as student, architec, urban planner and academic which accompanied by his writings are intended to demostrate how each one of his projects and interest try to consciously translate the ideas of the rationalist architecture to the chilean reality, achieving a harmonious and coherent adaptation to the power of the Andean country landscape and the local idiosyncrasy. Duhart is considered one of the most relevant architects of Latin America; he is directly linked to the cutting edge referents and endowed with the design skills that can bring together different scales an complexities., A través de una mirada panorámica se pretende explicar a Emilio Duhart como un arquitecto integral, es decir, un profesional que desarrolla varias facetas de su quehacer profesional de manera simultánea, sintética y consecuente con los principios del movimiento moderno que lo inspiran. Dichas facetas, analizadas en extenso, se refieren al Duhart estudiante, arquitecto, urbanista y académico, que acompañadas de sus escritos tienen por objeto demostrar cómo en cada uno de sus proyectos e intereses traslada las ideas de la arquitectura racionalista de vanguardia europea a la realidad de Chile de manera consciente y sintética. Logrando una adaptación armónica y coherente con la potencia paisajística del pals andino y la idiosincrasia local. Duhart es considerado uno de los arquitectos más relevantes de Latinoamérica, vinculado directame nte a los referentes de vanguardia, y dotado de una capacidad proyectual capazde aglutinar diferentes escalas y complejidades.

As occurred with the blue antelope between 1799 and 1800, or the thylacine in 1936, in the year 2050, those who were educated under analogical technical drawing will constitute an extinct species. Throughout the whole of history, grand technological advances in architecture have used new materials or systems of construction. These relieved previous ones but maintained a placid coexistence. The incorporation of computers into the design process is not confined, however, to the mere replacement of a tool. It has completely crushed all prior systems of conception, drawing, development, and communication of architectural proposals. The duality of thought in architecture regarding technical advances is reflected in the dichotomy between the conception and representation of architecture used over centuries and that of today. Between the use historically of mechanical-manual procedures of drawing of the architecture and the new digital tools of representation incorporated. The graphical representation process in a project of architecture or design has always been based on a journey in which the ideas have to travel, from their conception to their communication. A journey that today, is an individual act tied from the very beginning to the essence of the architect; to the scientific and humanistic base in equal parts, and tied to its modus operandi too. It is an act immersed in an analogical and digital world in which our professional activity arises. As a consequence, it is directly influenced not just by these technical advances in graphic instrumentation but also by the circumstances and agents beyond the actual ambit of design. This thesis aims to generate a reflection on the divergence in the habits of graphic representation and visualization in the majority of current architecture studios. Compared to those used, prior to the Digital Revolution. As such, it endeavors to demonstrate at what point the architecture studios pioneering in their use of these new systems of contemporary representation took the leap from the analogical to the digital. This thesis also wants to mark out the different attitudes that the architect takes today, in contrast to those modes where the representation (analogue as much digital), can weave together the processes of composition and communication of our projects. But also how this can be effectively instilled through the teaching imparted in Spanish architecture schools, and avoiding in this way a Decalogue of the grave LOSSES that is generating effects in Architecture. Effects that I will call: The Digital Imprint. The current theory and operative practices in architecture and design along with the unavoidable need for their representation in drawings, text, or images, have led that the appearance of the computer influences the development and liberty that give us the geometry. Also, the 30 computer programs used in representation referenced in this document influence in the assimilation of the use of the image and the graphic results generated during the project; and ultimately the morphological possibilities the architect can propose in their buildings. The relation between technique and processes of graphic communication and thinking in architecture, up until now, has not been considered critically from a historical perspective regarding the value of representation. Consequently, the Theory of Architecture needs to structure a coherent body of knowledge for the profession but also for teaching purposes, Al igual que ya pasó con el hipótrago azul en 1799-1800, o con el tilacino en 1936, en el año 2050 los que fuimos educados bajo técnicas de representación analógica seremos constituidos ya una especie extinguida. Durante toda la historia, los grandes avances tecnológicos en arquitectura han usado nuevos materiales o sistemas constructivos. Estos relevaban a los anteriores pero manteniendo una plácida convivencia. La incorporación de la informática en el proceso de diseño no se ciñe a ser un mero relevo de instrumental, sino que intenta aplastar por completo todo sistema anterior de ideación, dibujo, desarrollo y comunicación de la propuesta arquitectónica. La dualidad de pensamiento en arquitectura acerca de los avances técnicos se refleja hoy en la dicotomía entre la arquitectura históricamente ideada y representada desde siglos mediante el procedimiento mecánico-manual del dibujo, y la arquitectura que ha incluido los nuevos instrumentos de representación digital. El proceso de representación gráfica de un proyecto de arquitectura y diseño se ha basado siempre en el recorrido que deben seguir las ideas desde su concepción hasta su comunicación, y hoy en día es un acto individual ligado desde un principio a la esencia del arquitecto; a su base científica y humanística por igual; y a su modo de operar. Es un acto inmerso en un mundo analógico y digital en el que se desarrolla nuestra actividad profesional. Por lo que está directamente influenciado no solo por esos avances técnicos en el instrumental gráfico, sino también por circunstancias y agentes externos al propio ámbito del diseño. Esta tesis pretende generar una reflexión sobre las divergencias en los hábitos de representación y visualización gráfica de la mayoría de estudios de arquitectura actuales, en relación a los existentes antes de la Revolución Digital. Así mismo, intenta demostrar cuando se da el momento en el que los estudios de arquitectura pioneros en estos nuevos sistemas de representación contemporánea dan el salto desde lo analógico a lo digital. Esta tesis quiere, además, acotar las diferentes actitudes que el arquitecto toma hoy, frente los modos en los que la representación (tanto analógica como digital), puede entrelazar con el proceso de redacción y comunicación de nuestros proyectos. Y como puede ésta inculcarse de manera más efectiva desde la docencia que se imparte en las Escuelas españolas, evitando un decálogo de PÉRDIDAS graves que están generando efectos en la Arquitectura a los que llamaré: Huella Digital. La teoría y la práctica operativa actual de la arquitectura y el diseño en general, así como su necesidad ineludible de ser representados mediante el dibujo el texto o la imagen han hecho que la aparición del ordenador y de los 30 programas informáticos fichados a lo largo del documento -orientados a la representación-, influyan sobre el desarrollo y la libertad que nos proporciona el dominio de la geometría. Influencia que también se ejerce sobre la asimilación del uso de la imagen y los resultados gráficos generados durante el proyecto; y en definitiva sobre las posibilidades morfológicas que el arquitecto puede llegar a proponer en sus edificios. La relación entre técnica y procedimientos de comunicación gráfica y pensamiento en arquitectura, hasta la fecha, no se ha tratado desde una perspectiva histórico-crítica acerca del valor en sí de la representación. Es por lo que se hace necesario que por fin la Teoría de la Arquitectura estructure un cuerpo coherente de conocimiento frente a la profesión y su docencia.

El trabajo gira alrededor de la tradición funcional, un concepto aparecido en Inglaterra en el contexto de revisión teórica de la arquitectura moderna sucedido después de la 2ª Guerra Mundial. En particular el concepto fue desarrollado por dos autores pertenecientes al círculo de la revista The Architectural Review, para la cual trabajaron durante varias décadas en la labor de reflexionar y adaptar los principios modernos; se trata de James Richards, editor y autor de una multitud artículos, y Eric de Maré, colaborador habitual de la revista que desarrolló toda una carrera como teórico valiéndose de la fotografía como medio de exploración y análisis. La tradición funcional, por tanto, puede entenderse como una revisión crítica del principio del funcionalismo, indagando en el modo en que se produce la relación entre una función inicial y la forma definitiva que adquiere en la arquitectura, y la primera conclusión a la que llegan sus autores es que esta relación tiene necesariamente una dimensión histórica, es decir, que se encuentran otros ejemplos en el pasado en los que la forma es una clara consecuencia de su función. Esta hipótesis se muestra en diferentes publicaciones pertenecientes a estos autores que usan como ejemplos para mostrarla, el caso de los canales de Inglaterra por un lado, y para la primera arquitectura industrial inglesa, por otro. Finalmente, se observa que esta reflexión tuvo cierta influencia en el pensamiento y la obra del arquitecto James Stirling, en particular, en la que fue su primera etapa asociado con James Gowan; en esta etapa ambos desarrollaron conjuntamente el proyecto de la Facultad de Ingeniería de Leicester, en el que se puede apreciar la presencia de esta preocupación teórica.

The representation of natural light is placed in the context of architectural drawing, showing that despite the leading role of daylight in architecture, the representation of its phenomenology was limited to the geometric layout of the shadows in space; however, with the addition of IT technology and virtual simulation, this representation takes on a new communicative dimension through the use of realistic images that can represent phenomenology light as it is perceived and assist the architect in decision-making during the design process. By developing an experimental workshop for architecture students, the proposed hypotheses are validated and consolidated the training proposal based on a realistic approach to the use of the virtual images as an instrument for the correct representation of natural lighting and support for the development of an energy sustainable architecture., Se sitúa la representación de la luz natural en el contexto del dibujo arquitectónico, evidenciando que a pesar del papel protagónico de la luz natural en la arquitectura, la representación de su fenomenología estuvo limitada al trazado geométrico de las sombras en el espacio; sin embargo, con la incorporación de las tecnologías informáticas y la simulación virtual, esta representación adquiere una nueva dimensión comunicativa, gracias al uso de imágenes realistas que permiten representar la fenomenología lumínica tal cual se percibe y asistir al arquitecto en la toma de decisiones en el proceso del diseño. A través del desarrollo de un taller experimental para estudiantes de arquitectura, se validan las hipótesis propuestas y se consolida una propuesta formativa basada en un enfoque del uso del realismo de la imagen virtual, como instrumento para la correcta representación de la iluminación natural y como apoyo para el desarrollo de una arquitectura energéticamente sostenible

This research proposes the study of the architecture jointly developed by Barcelona architects Josep Maria Fargas Falp (1926-2011; t. 1952) and Enric Tous Garbo (1925; t. 1952) especially during the second half of the twentieth century. This must not be read as a monographic catalog of their projects but a contextualization of their works in the context of Catalan and international architecture, industry and culture contemporary to them. The architectural context in which their work is proposed, the progress of the technical means available to the architects, or the influence of the different trends of thought may have had in their work, are part of the scenario analyzed to interpret their different readings of architecture, and paticularly its technical expression. Throughout the investigation, it is questioned the dominant historiographical reading of Catalan architecture of their time with regard to the technical possibilities. In a local context marked by the duality between the approaches to the architectural discipline from "realistic" and "idealists" positions -both considered as possible interpretations of the continuity of modernity the idealistic option, usually identified in the figure of Tous & Fargas, is virtually neglected by the existing historiography. This work aims to demonstrate the validity and timeliness of this vision of architecture, and in particular the methodology developed by Tous and Fargas. lt has a place a definition of architecture linked to its technical execution, which provides premises such as the modular coordination or the technological research. In turn, here it is demystified the purely idealistic conception of their work, noting the different versions and nuances of their applications. Tous & Fargas' work is considered a paradigmatic case study of the possibilities of architecture from approaches strongly related to technique. The proposed relationships and interpretations of each model discussed in this paper makes a map of links between the architectural paradigms and the theoretical readings of technology in each case. The methodological approach recognizes an interpretation of the scientific activity as a result of the historical and social context in which it develops, accepting the evolutionary discontinuity argued by theorists like Thomas S. Kuhn. Thus, the technophile vision of Tous & Fargas architecture is addressed through different paradigms recognizable in their career. Such approaches correspond to different methodological approaches with which the architects focused construction processes. In a specific manner, seven readings of technology are collected in the work of Tous&Fargas : technics as an industrial process, technics as an artistic expression, technics as an act of imitation, technics as experimentation, technics as an element of communication, technics as a factor of integration in a given context, and technics as an element of the market. In turn, the characteristics of the proposed analys is run through compositional, aesthetic, referential, instrumental, professional, historiographical or personal aspects. Thus, different reading techniques allow the composition of the different interpretations of technics. This panoramic approach shows that technology has always been a tool used by Tous and Fargas as a premise -never as a juxtaposition- to the architectural definition. The motivation to do so has varied from the fascination to the need, through experimentation, showing the polisemy of an optimistic view of technology., La investigación propone el estudio de la arquitectura realizada de manera conjunta por los arquitectos barceloneses Josep Maria Fargas Falp (1926-2011; t. 1952) y Enrique Tous Carbó (1925; t. 1952) durante buena parte de la segunda mitad del siglo XX. No se aborda un catálogo monográfico de proyectos, sino la contextualización de sus obras en el marco de la arquitectura, la industria y la cultura catalanas e internacionales contemporáneas de su trabajo. El contexto arquitectónico en el que se plantea su obra, el progreso de los medios técnicos a disposición de los arquitectos, o la influencia que las diferentes corrientes de pensamiento pudieron haber tenido en su obra, forman parte del panorama analizado para interpretar sus diferentes lecturas de la arquitectura, y en particular de su expresión técnica. A lo largo de la investigación, se pone en cuestión la lectura historiográfica dominante de la arquitectura catalana de la época en relación a sus posibilidades técnicas. En un contexto local , marcado por la dualidad entre los acercamientos a la disciplina arquitectónica desde posturas "realistas" e "idealistas" -consideradas ambas como posibles interpretaciones de continuidad de la modernidad- la opción idealista, identificada habitualmente en la figura de Tous y Fargas, es prácticamente despreciada por la historiografía existente. Este trabajo pretende demostrar la validez y oportunidad de esta visión de la arquitectura, y en particular de la propuesta metodológica elaborada por Tous y Fargas. En ella tiene cabida una definición de la arquitectura muy vinculada a su ejecución técnica, que aporta premisas como la coordinación modular y la investigación tecnológica. A su vez, se desmitifica la concepción puramente idealista de su trabajo, apuntando las diferentes versiones y matices de su aplicación. La obra de Tous y Fargas es considerada como un caso de estudio paradigmático de las posibilidades de la arquitectura entendida desde planteamientos fuertemente relacionados con la técnica. Las relaciones propuestas y las interpretaciones de cada modelo abordado en este trabajo permiten trazar un mapa de vinculaciones entre los paradigmas arquitectónicos y las lecturas teóricas de la tecnología en cada caso. El acercamiento metodológico reconoce una interpretación de la actividad cientifica como resultado del contexto histórico y social en el que se desarrolla, aceptando la discontinuidad evolutiva argumentada por teóricos como Thomas S. Kuhn. De esta manera, se aborda la visión tecnófila de la arquitectura de Tous y Fargas a través de diferentes paradigmas reconocibles en su trayectoria. Tales aproximaciones se corresponden con los diferentes acercamientos metodológicos con los que los arquitectos enfocaron los procesos constructivos. De una manera específica, se recogen siete lecturas de la técnica en la obra de Tous y Fargas: la técnica como proceso industrial, la técnica como expresión plástica, la técnica como acto de imitación, la técnica como experimentación, la técnica como elemento de comunicación, la técnica como factor de integración en un contexto y la técnica como elemento de mercado. A su vez, las características del análisis trazado recorren aspectos compositivos, estéticos , referenciales , instrumentales, profesionales, historiográficos o personales. De esta manera, diferentes técnicas de lectura permiten componer las lecturas de la técnica enumeradas. De este acercamiento panorámico se deduce que la tecnologia ha sido en todo momento una herramienta utilizada por Tous y Fargas como premisa -nunca como yuxtaposición- para la definición arquitectónica. La motivación para hacerlo ha variado de la fascinación a la necesidad, pasando por la experimentación, mostrando la polisemia de una perspectiva optimista de la tecnología.

Congestion is the saturation of urban and architecturals pace uses and activities utilizing all resources available construction and management, this action on society have established throughout the recent history of the city, by the profusion of events, environments and procedures for space or urban setting that achieves the highest concentration and densification. Similarly, it is a noticeable fact granted by mastering operations carried out according to the needs of space or place and a high population density. Similarly, congestion,by their impact and forceful statement in cities, buildings and extensive projects or massive structures, be they residential, residential and administrative blocks, equipment or facilities of basic services, etc.,in which the spatial dimension and saturation content manifest as an indication of its technical and technological determinism, as well as the favorable disposition toward a knowledge that facilitates the realization of architecture and the city. Congestion as an ideology of space comes from contemporary urban grid,an immediate present, not despite its historic fabric and its closed city high densities. Since the current arrangement implied rational city, both in form and in its functions it is to express the utilitarian and symbolic content as a result of the association of dominant interests of political and economic character. Congestion in the modern city and the contemporary city is run efficiently by a closed checkerboard that will accommodate indifferently on the ground, as the ideal arrangement for a conditioning urban space to a minimum without any concession to collective interactions They produced in the past in the traditional city. This led to control almost all processes and future of the city, and the society that produced them. Since the consequences of these procedures domain of urban structure is not now found under a hierarchical structure or a sovereign power, but under bureaucratic administration aims to control and predict the future development of the city. Congestion is part of the development of the city and imbalances that have addressed the metropolis from orbitto institute investment dynamics and efficiency criteria, either from the creation and reinforcement of the means of production, as well as to the gradual adjustment of the city before the arrival of emerging companies. Congestion is committed from the proper functioning of the economy and fundamental ways from this process have been created, congestion is a unilateral process that affects the development of the city and presented by his sudden economic boom from mid-nineteenth century, when by way of the expansion of manufacturing and fluctuations of the urban environment in relation to population growth, the effective demand for housing, the needs created by the extension of an exponential consumption, as well as the new relationship between the urban dweller and the new training parameters that have validated their actual improvement. These processes converge in economic pragmatism, in a specialization of the social structure and cultural fragmentation have facilitated the expansion of the congestion from short-term success at the outset of these circumstances in the development of the city, but also by the failure of these measures by cities branched long term, constituting a problem peculiar to the urbanization of the city and its close relationship with the rational and productive forces., La congestión es la saturación del espacio urbano y arquitectónico de usos y actividades que utiliza todos los recursos de gestión y de construcción disponibles, esta acción sobre la sociedad se han logrado establecer a lo largo de la historia reciente de la ciudad, mediante la profusión de sucesos, ambientes y procedimientos para que ese espacio o escenario urbano logre la mayor concentración y densificación. De igual manera, es un hecho perceptible otorgado por el dominio de operaciones que se realizan en función de las necesidades de espacio o de lugar y por una elevada concentración poblacional. Igualmente, la congestión, por su incidencia y afirmación contundente en las ciudades, proyecta edificaciones y estructuras extensivas o masivas, ya sean viviendas, bloques residenciales o administrativos, equipamientos o instalaciones de servicios básicos, etc.,en los que la dimensión espacial y la saturación de contenidos se manifiestan como una indicación de su determinismo técnico y tecnológico, así como por la disposición favorable hacia un conocimiento que facilita la realización de la arquitectura y la ciudad. La congestión como una ideología del espacio proviene de la cuadricula urbana contemporánea ,de un presente inmediato, no de la ciudad histórica a pesar de su tejido cerrado y sus densidades elevadas. Ya que la actual disposición sobreentendida de la ciudad racional, tanto en su forma, como en sus funciones, es expresar los contenidos utilitaristas y simbólicos como resultado de la asociación de intereses dominantes de carácter político y económico. La congestión en la ciudad moderna y en la urbe contemporánea es ejecutada de manera eficiente por medio de un damero cerrado que se acomoda indiferentemente sobre el terreno, como la disposición ideal para un espacio urbano acondicionado al mínimo sin ninguna concesión a las interacciones colectivas que se producían en otras épocas en la urbe tradicional. Esto condujo al control de casi todos los procesos presentes y futuros de la ciudad, como de la sociedad que los produjo.Ya que las consecuencias de estos procedimientos de dominio de la estructura urbana no se encontraban ahora bajo una estructura jerárquica o un poder soberano,sino bajo la administración burocrática que pretende controlar como predecir el futuro desarrollo de la ciudad. La congestión hace parte del desarrollo de la ciudad y de los desequilibrios que han abordado la metrópoli desde su órbita de instituir dinámicas de inversión y criterios de eficiencia, ya sea desde la creación y reafirmación de los medios de producción,como también ante el ajuste gradual de la ciudad ante la irrupción de las sociedades emergentes. La congestión se encuentra comprometida a partir del buen funcionamiento de la economía y de las formas fundamentales que a partir de este proceso han sido creadas, la congestión es un proceso unilateral que afecta el desarrollo de la ciudad y se presenta por su repentino auge económico desde mediados del siglo XIX, en que por vías de la expansión de la manufactura y las fluctuaciones del medio urbano en lo referente al aumento de la población, la demanda efectiva de vivienda, las necesidades creadas por la extens ión de un consumo exponencial,así como por las nuevas relaciones entre el habitante urbano y los nuevos parámetros formativos que han validado su actual perfeccionamiento. Estos procesos que confluyen en una pragmatismo económico,en una especialización de la estructura social y en un fraccionamiento cultural, han facilitado la expansión de la congestión a partir del éxito a corto plazo en un primer momento de estas circunstancias en el desarrollo de la ciudad, pero también por el fracaso de estas medidas que se ramificaron por las ciudades a largo plazo, constituyendo una problemática propia de la urbanización de la ciudad y de su estrecha relación con las fuerzas racionales y productivas.

O primeiro número da revista “Arquitectura” foi publicado em Janeiro de 1927. E embora com interrupções e alterações de orientação editorial, a revista publicou-se até 1984, em quatro séries. Nos primeiros 30 anos publicaram-se duas séries da revista, que coincidem aproximadamente com os períodos de maior produção das duas primeiras gerações dos arquitectos modernos portugueses. Os arquitectos da 1ª geração, nascidos na década de 1890, que realizaram algumas das suas obras mais notáveis na década de 1930, quando se publicava a 1ª série da revista “Arquitectura” – Cassiano Branco, Carlos Ramos, Cristino da Silva, Pardal Monteiro… E os arquitectos da 2ª geração da arquitectura moderna portuguesa, nascidos na década de 1910, e que realizaram as suas principais obras no período em que se publicou a 2ª série da revista, na segunda metade da década de 1940, e na primeira metade da década de 1950 – Keil do Amaral, Viana de Lima, Januário Godinho… A 3ª série da revista “Arquitectura” publicou-se entre 1957 e 1974, e nesse período de 17 anos a revista não teve sempre a mesma importância cultural, nem a mesma capacidade de influenciar o debate. Embora sem uma fronteira rígida muito bem definida, é necessário distinguir dois momentos. Durante os primeiros anos da 3ª série, a revista tinha um programa cultural bem definido. A nova geração de editores propunha retomar alguns dos princípios chave que estavam na origem da arquitectura moderna, e procurava encontrar alternativas à linguagem do “Estilo Internacional”, na tentativa de ultrapassar a dimensão estritamente funcional da arquitectura racionalista do Movimento Moderno. Individualmente, considerando o ponto de vista de cada um dos protagonistas do debate nesse momento, é possível encontrar diferentes motivações e diferentes inclinações. Mas, do ponto de vista colectivo é possível reconhecer uma tendência dominante. Todo o programa cultural da nova geração se concentrava na necessidade de encontrar formas de continuidade cultural. Essa procura de continuidade significava que a arquitectura devia passar a representar uma consciência profunda daquilo que era específico da cultura portuguesa. A “Storia dell’Architettura Moderna”, de Bruno Zevi, publicada em 1950, era uma das principais referências, e um dos principais modelos de pensamento teórico que inspirava a nova geração dos arquitectos portugueses, nesse momento. O segundo momento pode situar-se aproximadamente na última década da 3ª série da revista, e corresponde a um período em que se torna irreconhecível o projecto colectivo que tinha dominado o debate na viragem da década de 1950 para 1960. Isso não significava que não fosse possível, no final dos anos 60 e no início dos 70, continuar a construir um pensamento crítico adequado à situação contemporânea. Mas não era possível continuar a fazê-lo seguindo o mesmo modelo que tinha sido seguido durante cerca de uma década, e o que era profundamente diferente era o facto desse modelo de pensamento não estar a ser substituído por um novo modelo, mas por muitos – muitos modelos possíveis e divergentes entre si. Depois do fim da 3ª série, em 1974, a publicação da revista esteve interrompida durante 5 anos. Em 1979, inicia uma 4ª série, que se publicou até 1984. Nesse momento a revista não tem a mesma importância cultural que teve no final da década de 1950 e durante a década de 1960. Já não representa a produção dum pensamento crítico dominante, e tem uma capacidade muito limitada para influenciar o debate. De qualquer forma, representa um documento histórico importante para compreender a evolução do debate arquitectónico em Portugal no início da década de 1980, e fundamental para compreender como, a partir desse momento, as revistas de arquitectura começam a perder protagonismo e a ceder espaço a outras formas de debate e de produção de crítica, El primer número de la revista “Arquitectura”, fue publicado en enero de 1927. Aunque con interrupciones y cambios de orientación editorial, la revista se publicó hasta 1984, en cuatro series. En los primeros 30 años, se publicaron dos series de la revista, coincidiendo aproximadamente con los períodos de más producción de las dos primeras generaciones de arquitectos modernos portugueses. Los arquitectos de la primera generación, nacidos en la década de 1890, que proyectaron algunas de sus obras más notables en la década de 1930, cuando se publicó la primera serie de la revista “Arquitectura” – Cassiano Branco, Carlos Ramos, Cristino da Silva, Pardal Monteiro... Y los arquitectos de la segunda generación de la arquitectura moderna portuguesa, nacidos en la década de 1910, que proyetaron sus principales obras en el período en que se publicó la segunda serie de la revista, en la segunda mitad de la década de 1940 y la primera mitad de la década 1950 – Keil do Amaral, Viana de Lima, Januário Godinho… La tercera serie de la revista “Arquitectura” se publicó entre 1957 y 1974, y en este período de 17 años, la revista no tuvo siempre el mismo significado cultural, ni la misma capacidad de influir en el debate. Aunque sin una frontera muy estricta, es necesario distinguir dos momentos. Durante los primeros años de la tercera serie, la revista tenía un programa cultural bien definido. La nueva generación de editores buscaba retomar algunos de los principios fundamentales que habían estado en el origen a la arquitectura moderna, y buscaba alternativas al lenguaje del “Estilo Internacional”, intentando superar la dimensión estrictamente funcional de la arquitectura racionalista del Movimiento Moderno. Individualmente, teniendo en cuenta el punto de vista de cada uno de los protagonistas en el debate en ese momento, se pueden encontrar diferentes motivaciones y diferentes pensamientos. Pero desde el punto de vista colectivo, puede reconocerse una tendencia dominante. Todo el programa cultural de la nueva generación se dirigía hacía la necesidad de encontrar formas de continuidad cultural. Esta búsqueda de continuidad significaba que la arquitectura debería representar a un conocimiento profundo de lo que era específico de la cultura portuguesa. La “Storia dell'Architettura Moderna” de Bruno Zevi, publicada en 1950, era una de las referencias clave, y uno de los modelos de pensamiento teórico que inspiraban la nueva generación de arquitectos portugueses en ese período. El segundo momento se puede situar en la última década de la tercera serie de la revista, y es un período en el cual se vuelve irreconocible el proyecto colectivo que había dominado el debate en el final de la década de 1950 e inicio de 1960. Eso no significa que no fuera posible, a finales de los años 60 y principios de los 70, seguir construyendo un pensamiento crítico ajustado a la situación contemporánea. Pero no era posible seguir con el mismo modelo que se había tenido durante más de una década, y lo que era profundamente distinto es que, ese modelo de pensamiento no estaba siendo sustituido por un nuevo modelo, pero por muchos – muchos modelos posibles y divergentes. Después del final da la tercera serie, en 1974, la publicación de la revista fue interrumpida durante cinco años. En 1979, empieza una cuarta serie, que se publicó hasta 1984. En ese momento la revista no tuvo la misma importancia cultural que había tenido a finales de 1950 y durante la década de 1960. Ya no representa la producción de un pensamiento crítico dominante, y tenía una capacidad muy limitada para influir en el debate. De todos modos, es un documento histórico importante para la comprensión de lo que fue el debate arquitectónico en Portugal a principios de 1980, y fundamental para entender cómo, a partir de ese momento, las revistas de arquitectura empiezan perdiendo protagonismo para a otras formas de debate y de producción de crítica, The first issue of the magazine “Architecture” was published in January 1927. And although with some interruptions and changes of editorial guidance, the magazine was published until 1984, in four series. In the first 30 years, two series were published, which roughly coincides with the two periods of great architectural production of the first two generations of Portuguese modern architects. The architects of the first generation, born in the 1890s, who performed some of his most notable works in the 1930s, when it was published the 1st series of the magazine “Architecture” – Cassiano Branco, Carlos Ramos, Cristino da Silva, Pardal Monteiro... And the architects of the second generation of modern Portuguese architecture, born in the 1910s, who made their major works in the period in which it was published the 2nd series of the magazine, in the second half of the 1940s, and the first half of the 1950 decade – Keil do Amaral, Viana de Lima, Januário Godinho... The 3rd series of the magazine “Architecture” was published between 1957 and 1974, within this period of 17 years the magazine had not always the same cultural significance, or the same ability to influence the debate. Although without a strict boundary, perfectly well-defined, it is important to distinguish two different phases. During the early years of the 3rd series, the magazine had a well-defined cultural program. The new generation of publishers proposed to resume some of the key principles that gave rise to the modern architecture, and tried to find alternatives to the “International Style” in an attempt to overcome the strictly functional dimension of the Modern Movement rationalist architecture. Individually, considering the point of view of each of the protagonists in the debate at that time, it is possible to find different motivations and different preferences. But collectively it is possible to recognize a dominant trend. All the cultural program of the new generation was focused on the need to find forms of cultural continuity. This quest for continuity meant that architecture should represent a deep awareness of what was specific to the Portuguese culture. The book “Storia dell'architettura Modern” published by Bruno Zevi in 1950, was one of the main references, and one of the main models of theoretical thinking that inspired the new generation of Portuguese architects at that time. The second phase can be placed roughly in the last decade of the 3rd series of the magazine, and it is a period when it becomes unrecognizable the collective project that had dominated the debate at the turn of the 1950s to 1960s. That does not mean it was impossible, in the late 60s and early 70s, to continue to build a critical thinking to face the contemporary problems. But it was not possible to continue to do so following the same model that had been followed for over a decade. And there was something profoundly different – the previous model was not being replaced by a new model, but by many possible models, and differing between themselves. After the end of 3rd series in 1974, the magazine’s publication was interrupted for five years. In 1979, it begins a 4th series, which was published until 1984. At that time the magazine has not the same cultural importance it had in the late 1950s and during the 1960s. It represents no longer the production of a leading critical thinking, and it has a very limited ability to influence the debate. Although it is an important historical document to understand the development of architectural debate in Portugal in the early 1980s, and to understand how, from that moment, the architectural magazines begin to lose leadership and to give way to other forms of production of debate and critical thinking.

Se trata de una relectura contemporánea del concepto de ‘ambiente arquitectónico’. A partir de una reflexión acerca de las transcendencias y transformaciones ocurridas en el Movimiento Moderno y el proceso de revisión crítica que se establece en su expansión, internacionalización, su interiorización en Brasil y consolidación en Goiânia, y de sus posibles correspondencias con las variables ambientales de la región a la que han sido importados. En base al análisis de viviendas unifamiliares modernas ventiladas naturalmente, construidas en la ciudad de Goiânia en las décadas de 1950 y 1960, señalando, sistematizando y aplicando al contexto actual sus fortalezas y debilidades. A través de la correlación entre diferentes soluciones arquitectónicas y el comportamiento térmico de edificios, en diferentes escalas del territorio, desde la escala global, pasando por la regional y urbana, hasta la arquitectónica. En el proceso estudiado, la contradicción, la inconsciencia y la limitación coexisten junto a la sensibilidad, la intencionalidad y la postura arquitectónica de la época. Siendo posible identificar, al mismo tiempo, cierta preocupación con los aspectos ambientales y limitaciones en la aplicación de los conocimientos técnicos, que resultan en un comportamiento térmico por debajo de su potencial., Trata-se de uma releitura contemporânea do conceito de ‘ambiente arquitetônico’. A partir de uma reflexão sobre as transcendências e transformações ocorridas no Movimento Moderno e o processo de revisão crítica que se estabelece en sua expansão, internacionalização, sua interiorização no Brasil e consolidação em Goiânia, e de suas possíveis correspondências com as variáveis ambientais da região onde foram importados. Com base na análise de habitações unifamiliares modernas ventiladas naturalmente, construídas na cidade de Goiânia nas décadas de 1950 e 1960, sinalizando, sistematizando e aplicando ao contexto atual suas fortalezas e debilidades. Através da correlação entre diferentes soluções arquitetônicas e o comportamento térmico de edifícios, em diferentes escalas do território, desde a escala global, passando pela regional e urbana, até a arquitetônica. No processo estudado, a contradição e a limitação coexistem junto à sensibilidade, a intencionalidade e a postura arquitetônica da época. Sendo possível identificar, ao mesmo tempo, certa preocupação com os aspectos ambientais e limitações na aplicação dos conhecimentos técnicos, que resultam em um comportamento térmico abaixo do seu potencial, Es tracta d’una relectura contemporània del concepte “d’ambient arquitectònic”. A partir d’una reflexió sobre les transcendències i transformacions ocorregudes en el Moviment Modern i el procés de revisió crítica que s’estableix amb la seva expansió, internacionalització, la seva interiorització al Brasil i consolidació a Goiâna, i de les seves possibles correspondències amb les variables ambientals de la regió a la que han estat importats. En base a l’anàlisi de cases unifamiliars modernes ventilades de forma natural, construïdes a la ciutat de Goiânia entre les dècades de 1950 i 1960, senyalant, sistematitzant i aplicant al context actual els seus punts forts i els seus punts dèbils. A través de la correlació entre diferents solucions arquitectòniques i el comportament tèrmic d’edificis, en diferents escales del territori, des de l’escala global, passant per la regional i urbana fins a l’arquitectònica. En el procés estudiat, la contradicció, la inconsciència i la limitació coexisteixen juntament amb la sensibilitat, la intencionalitat i la postura arquitectònica de l’època. Essent possible identificar, al mateix temps, certa preocupació amb les aspectes ambientals i limitacions en l’aplicació dels coneixements tècnics, que resulten en un comportament tèrmic per sota del seu potencial, It is a contemporary reinterpretation of the concept of ‘architectural environment’. From a reflection about the transcendence and transformation that occurred in the Modern Movement and the process of critical review that takes place in its expansion, internationalization, its internalization in Brazil and consolidation in Goiania, and its possible connections with the environmental conditions of the region where it was imported. Based on the analysis of modern naturally-ventilated houses, built in the city of Goiânia in the 1950s and 1960s, signaling, systematizing and applying in the current context, their strengths and weaknesses. Through the correlation among different architectural solutions and the thermal performance of buildings in different territories scales, from the global, through regional and urban to architectural scale. In the studied process, the contradiction and limitation coexist with the sensitivity, intentionality and the architectural approach of the time. It is possible to identify, at the same time, some concern about the environmental aspects and limitations in the application of technical knowledge, resulting in a thermal performance below its potential

The image of the great Cosmos and the perception that man has from himself in relation to it is in the thematic core of this study, much more than a reconstruction of the diverse categories of his own thought in regard to the nature. lt is a notion that in three important epochs of history can be understood as an evident manifestation in the realm of the arts. "Cosmos" takes its origin from the Greek word "Kocrµoc;" (kósmos), that means "order", the antithesis of Chaos. In its general sense, a cosmos can be understood then, as an orderly composition. In Gorgias, Plato's dialogue, Socrates states that, that's why the wise people give to the Universe the name of Cosmos, namely, the name of order and not of disorder. Therefore, the elucidation of the Universe is a question that has been observed, among other aspects, from different perspectives that attempt to solve a problem of order. And the drastic cosmic changes, discovered in the scientific realm throughout history produced, as well, similar changes in the way the human being has ordained his works of art. Every new image of the great Cosmos has dictated and has been manifested in society as a new image of order, namely, a new esthetic paradigm. The ancient Greece and its geocentric cosmos, absolutely symmetric, represent in this study the first change. Then, the thinking and writings of Isaac Newton consolidated at the end of the Scientific Revolution, a second: the Universe became a heliocentric and mechanic Cosmos. And finally, two hundred years later, at the beginning of the 20th century, a new concept of motion, unlike the ancient and mechanical approaches, is a physic phenomenon that excels as the essential expression of a third scientific change of the order of the Universe: space-time. A new concept presented by Albert Einstein in 1905, as a part of his very known publication of the Theory of Special Relativity. The casual cosmos of the 17th century, where all phenomena where studied in the basis of a three dimensional Cartesian space, becomes a fourth dimensional composition, where the three spatial magnitudes and time are now inseparable. The Universe is a tetra dimensional field, dwelled by an unlimited web of body relations, eternally in motion. This is the new order that important 20th century creators and artists would attempt to reconstruct in their works of art as the great paradigm of beauty, founding with it the beginning of an unusual modern insight., La imagen del gran Cosmos y la percepción que el hombre tiene de si mismo con respecto a éste es en el núcleo temático de este estudio, mucho más que una reconstrucción de las diversas categorías de su pensamiento con respecto a la naturaleza. Es una noción que puede ser entendida en tres momentos importantes de la historia como una manifestación que se hace evidente en el mundo de las artes. "Cosmos" se origina del término griego "Kóoµoc;", que significa "orden" y es la antítesis del Caos. En su sentido general un cosmos puede ser entendido entonces como una composición ordenada. En Gorgias, el diálogo escrito por Platón, Sócrates expresa que es por esto que los sabios dan a este Universo el nombre de Cosmos, es decir, de orden y no de desorden. La elucidación del Universo es así una cuestión que ha sido tratada desde entonces, entre otros aspectos, desde perspectivas diversas que buscan solucionar un problema de orden. Y los drásticos cambios cósmicos descubiertos a lo largo de la historia en el ámbito científico produjeron, a su vez, cambios semejantes en la forma de "ordenar'' la obra de arte. Cada nueva imagen del gran Cosmos ha dictado y se ha manifiestado en la sociedad como una nueva imagen o paradigma estético. La Grecia antigua y su Cosmos geocéntrico, absolutamente simétrico representa un primer gran cambio. Después, los escritos de Newton consolidan mucho más tarde, hasta a finales de la Revolución Científica, un segundo cambio: el Cosmos viene a ser heliocéntrico y mecánico. A principios del siglo XX el concepto movimiento es un fenómeno físico, que a diferencia de la aproximación antigua y de la mecánica clásica, sobresale como la expresión primordial del tercer cambio científico del orden del Universo, el cual fue dado a conocer por Albert Einstein en 1905 en su publicación de la Teoría Especial de la Relatividad: esto es el espacio-tiempo. Así, el Cosmos de causalidad del siglo XVII dónde los fenómenos se estudiaban en un espacio cartesiano, se convierte entonces en una composición de cuatro dimensiones, donde las tres magnitudes del espacio y el elemento tiempo vienen a ser inseparables. En un campo tetra dimensional habitado por una red de relaciones entre cuerpos que se encuentran en eterno movimiento. Este es el nuevo orden que importantes creadores del siglo XX buscaron reconstituir en sus obras, fundando el inicio de una historia moderna inédita.

La arquitectura doméstica ofrece un testimonio fundamental para conocer los rasgos que definen una determinada sociedad, ya que la transformación del espacio y el comportamiento desplegado en él, son aspectos estrechamente ligados a los grandes cambios del sistema y la estructura social. La espacialidad interior de la casa relata una manera de pensar en el ámbito de lo religioso, lo ideológico y hasta lo moral, sin embargo, infinidad de arquitecturas no gozan hoy en día de un mínimo soporte material que les permita ser estudiadas desde esta perspectiva. En el caso de Antioquia, la práctica desaparición de la arquitectura doméstica desarrollada hasta el siglo XIX, y las sucesivas modificaciones que hacen irreconocibles los pocos ejemplos que quedan, dificultan una posible reconstrucción de 'la casa' como entidad arquitectónica y como escenario de las relaciones vitales cotidianas. Ante este panorama, la memoria transmitida a través de la literatura se nos presenta como una alternativa para estudiar las mentalidades y costumbres de otras épocas, además de acercarnos a emociones y experiencias, presentes en el entorno doméstico, que la historia canónica no ha recogido. El presente trabajo se propone estudiar en la literatura del escritor colombiano Tomás Carrasquilla (1858-1940) la experiencia de habitar a través de los personajes de sus obras. Se trata de reconstruir la imagen de la casa como hecho social, a partir de los ejemplos narrados por el escritor. La investigación se centra en dos de sus novelas: Frutos de mi tierra(1896) que describe la ciudad de Medellín en plena transición hacia la modernidad, tal y como era a finales del siglo XIX, y La Marquesa de Yolombó (1928) que relata el final delperíodo colonial, en una población rural y minera de la región antioqueña a finales del siglo XVIII. Se estudian estancias representadas en las obras escogidas, centrándonos en el análisis del comportamiento de los personajes en el espacio, a fin de explorar manifestaciones de cambio desde una perspectiva diacrónica. Los escritos nos han permitido indagar sobre diferentes cuestiones que marcaron la evolución entre la casa colonial y la casa pre-moderna decimonónica, como son las relaciones de poder en laesfera doméstica, las pautas funcionales en los interiores, el desplazamiento de la actividad social hacia espacios urbanos, el afianzamiento del concepto de intimidad o cambios en los valores y creencias implicados en la vivencia del espacio. Al mismo tiempo, se asume el género como categoría útil para el análisis, puesto que la presencia de la mujer tiñe todos los aspectos involucrados en la producción social del entorno doméstico, durante los períodos estudiados. En definitiva, la literatura estudiada aporta luces sobre diversos aspectos del hábitat, que son esenciales para el conocimiento de la sociedad y la construcción de la identidad, Domestic architecture offers an essential testimony to get to know the characteristics that define a given society, since the transformation of the space and the behavior displayed in it are aspects strongly tied to major changes in the social system and its structure. Space inside a house voices a way of thinking in the religious, ideological, or even moral areas. However, many architectures nowadays do not have a minimum physical support that allows them to be studied from this perspective. In the case of Antioquia, almost all the domestic architecture developed until XIX century has disappeared, and the successive modifications have turned the few lasting examples unrecognizable, what makes difficult a possible rebuilding of "the house" as an architectural entity and as scenario of vital everyday relationships. Against this background, the memory transmitted through literature appears as an alternative to study mindsets and customs from other times, besides bringing us closer to emotions and experiences, present in the domestic environment that canonical history has not collected. The current work attempts to study the experience of inhabiting through the characters in the literature of Colombian writer Tomas Carrasquilla (1858-1940). The idea is to rebuild the image of the house as a social fact after the examples narrated by the author. This research focuses on two of his novels: Frutos de mi tierra (1896) that describes the city of Medellin in the midst of the transition towards modernity, just as it was at the end of 19th century; and La Marquesa de Yolombó (1928) that narrates the end of the colonial period in a rural and mining town from Antioquia at the end of 18th century. Living spaces represented in the chosen works are studied, focusing on analyzing the behavior of the characters in the space, in order to explore manifestations of change from a diachronic perspective. The writings have allowed us to inquire into different issues that left a mark on the evolution from the colonial house to the pre-modern 19th-century house, such as power relationships within the domestic sphere, the indoor functional patterns, the shifting of social activity towards urban spaces, the consolidation of the concept of privacy, or changes of the values or beliefs involved in the experience of the space. At the same time, the gender is assumed as a category useful for the analysis, since the presence of the woman tinges all the aspects involved in the social production of the domestic environment during the studied periods. In short, the studied literature provides insights about the diverse aspects of environment that are essential for the knowledge of the society and the construction of identity.

The thesis analyses the debate on the architecture of the European Modern Movement that took place in the United States during the period between the two world wars. With regard to this debate, which not only involved those operating in the architectural sector, but that ended up involving vast sectors of American society and the organization of architectural schools, the extreme characteristic features that lead back to a dialectic of modernity are emphasized gathering around the polarities represented by regionalism and universalism. The aim was to analyse the social, cultural, and artistic context where an idea of architecture was being defined that, at the same time, was "modern" and "American", during the period between the Great Depression, which reached its peak in 1932, and the beginning of the Cold War, with the post-war reconstruction and the Marshall Plan of 1948. The starting and ending dates of the period under study were precisely established in correspondence of two events organized by the MoMA in New York, since these two events were believed to mark two moments of crucial reflection in modern architecture. In the sixteen years between the two events organized by the MoMA, American architecture demonstrated a progressive emancipation, as much from the cultural domination imposed by few isolated "pioneers", almost all European, as from the mythology of an American technological "exceptionalism" symbolized, in architecture, by the skyscraper and, therefore, the outlets of a process that was taking root and spreading were questioned: architecture no longer appeared indifferent to place and time but, on the contrary, it needed to be attentive to a topographical, climatic and cultural context. lt was no longer the legacy of a functional and rigidly sachlich culture of the early twenties, but it was the product of a personal and creative approach towards design. After all, during the period that separates the two dates, social, political and economic events occurred that would have extraordinary repercussions on architecture, as well., El trabajo de tesis analiza el debate sobre la arquitectura del Movimiento Moderno europeo que se llevó a cabo en los Estados Unidos en el período que transcurre entre las dos guerras mundiales. De este debate, en que parteciparon no sólo los protagonistas de la arquitectura, sino que terminó involucrando a amplios sectores de la sociedad norteamericana y a la organización de las escuelas de arquitectura, se remarcan las características extremas que reconducen a una dialéctica sobre la modernidad que se aglutina alrededor de las polaridades representadas por el regionalismo y por el universalismo. Se ha analizado el contexto social, cultural y artístico en que se estaba definiendo una idea de arquitectura que fuera, al mismo tiempo, "moderna" y "americana", en el período que transcurre entre la Gran Depresión, que alcanzó su cumbre en 1932, y el comienzo de la Guerra Fría con la reconstrucción pos-bélica y el Plan Marshall de 1948. Las fechas inicial y final del periodo objeto del estudio se han fijado precisamente en correspondencia de dos eventos organizados por el MoMA de Nueva York, ya que se ha considerado que estos acontecimientos marcan dos momentos de reflexión cruciales para la arquitectura moderna. En los dieciséis años que transcurren entre los dos eventos organizados por el MoMA, la arquitectura norteamericana había mostrado una emancipación progresiva, tanto del dominio cultural impuesto por un pequeño número de "pioneros" aislados, casi todos europeos, como de la mitología de un "excepcionalismo" tecnológico americano cuyo símbolo, en arquitectura, es el skyscraper, y se interrogaba sobre las salidas de un proceso que se estaba arraigando y difundiendo: la arquitectura ya no parecía indiferente al lugar y al tiempo sino, al contrario, tenía que prestar atención al contexto topográfico, climático y cultural; ya no representaba la herencia de la cultura funcional y rígidamente sachlich del comienzo de la década de los Veinte, sino el producto de una aproximación personal y creativa al proyecto. Por otra parte en el período que separa la dos fechas ocurren eventos sociales, políticos y económicos que tendrán consecuencias extraordinarias incluso para la arquitectura.

The aim of this thesis is to reveal the crucial importance of geometry in the work of medieval builders and artisans, and to evaluate its symbolic significance and its capacity for spreading knowledge. In order to do so, this study will focus on the lberian Peninsula. lt may seem a huge and heterogeneous field of research, but it also provides an interesting example of cultural exchange marked by the continued expansion of several new Christian kingdoms in the north and the permanent presence of the Muslim community. The mutual influence between these two ditferent social realities affected them greatly, and constitutes an exceptional case of exchange of wisdom between two divergent artistic traditions. The paper is structured into four blocks with three chapters each. The four blocks correspond to the most deciding factors in !he use of geometric designs in medieval architecture. These determinants are the defining characteristics of every geometric shape, the cultural group the building was addressed to, the artisan who made the motif, and the technical limitations. The first part presents the essential features and the origin of geometric symbols. To begin with, the most enduring geometric patterns in the peninsula are recognised, and some native symbols prior to the romanization that prevailed until the Middle Ages are identified. Then, the reuse of signs coming from foreign traditions are analysed in a material and also in a conceptual sense. Finally, a study about medieval number symbolism is applied to explain some geometric designs as the graphic expression of symbolic numbers. The second section presents two possibilities depending on the purpose of the geometric symbol. Firstly, the emblems of some medieval personages that had an impact on architecture are recognized and examined. The next two chapters study the root, the meaning and the objectives of the most important religious symbols in the Hispanic Muslim and the Christian architecture respectively. The third block explores the attitude of medieval artists towards the geometric designs. This topic is clarified by the consideration of three different circumstances. Firstly, the ornamentation of some medieval buildings prove the existence of masons with a great sensitivity towards the geometric patterns , who were able to create very original iconographic programs. Secondly, there were an extensive use of geometric designs to create identity signs among craftsmen and masons. Thirdly, a wide diversity of individuals spontaneously engraved geometric graffiti, some of which have been preserved until nowadays. The last three chapters are devoted to the influence of technique in the production of geometric symbols. They observe the patterns originated almost as a result of the craftwork itself, the close attachment of some motifs to a specific architectural element, and the transformation processes of the geometric designs that arose as a consequence of technical, stylistic and cultural alterations., L’objectiu principal d’aquesta tesi radica en posar de manifest l’ús conscient i necessari de la geometria per part dels constructors i artesans medievals, així com la rellevància del seu contingut simbòlic i la seva capacitat de transmetre coneixement. Per fer-ho, s’ha considerat com a àmbit d’estudi el conjunt de la península Ibèrica durant l’edat mitjana. Es tracta d’un marc vast i molt heterogeni, però constitueix un cas únic de transvasament de saber entre tradicions constructives de procedència i característiques molt desiguals. La formació de nous regnes cristians en expansió permanent i la presència contundent de la comunitat islàmica van definir l’evolució de realitats culturals molt diverses, marcades per les superposicions i les contaminacions mútues. La investigació s’estructura al voltant dels factors més determinants en la utilització de les figures geomètriques a l’arquitectura medieval, és a dir, les característiques del propi traçat geomètric, el destinatari de l’edificació, l’artesà o mestre d’obres que executava el motiu, i els condicionants tècnics en cada cas. Cadascun d’aquests temes es desenvolupa a partir de tres casos concrets, de manera que el text s’organitza en quatre blocs de tres capítols. A la primera part es posa èmfasi en els propis traçats geomètrics, i principalment en la seva procedència. Per una part es reconeixen les geometries més persistents a la península i s’estableix l’existència de símbols indígenes de cronologia anterior a la romanització que van perviure almenys fins a l’alta edat mitjana. Al següent capítol s’analitzen els processos de reutilització de signes adoptats de tradicions foranes, tant a nivell material com conceptual. Per últim, es presenta un petit estudi de simbologia numèrica medieval i s’observa la geometria en tant que expressió gràfica dels nombres. La segona secció presenta dos aspectes molt diferents, en funció de si la geometria ve definida per l’impulsor de l’obra a nivell personal o per la comunitat que n’esdevè usuària. Primerament es distingueix i s’examina un recull d’emblemes de caire geomètric d’alguns personatges medievals que van transcendir a l’arquitectura. En segon lloc, s’analitza la provinença, el significat i la funció dels principals símbols geomètrics associats a l’arquitectura hispanomusulmana per un costat i a la cristiana per un altre. Al tercer bloc s’explora l’actitud de qui realitza el traçat envers les figures geomètriques. Per fer-ho, s’analitzen tres casos: els mestres d’obres amb una sensibilitat especial pel repertori geomètric que van ser capaços d’elaborar programes iconogràfics originals i únics a algunes de les seves edificacions, els signes identitaris dels artesans i en particular les marques de picapedrer, i els grafits gravats de manera espontània i més o menys casual per gran varietat d’individus. Els tres últims capítols observen la incidència del suport material en la formalització dels diferents símbols geomètrics. Principalment, s’aprofundeix en la immediatesa amb què certs traçats sorgeixen del propi treball del material, en la forta vinculació entre certes figures i un element arquitectònic determinat, i en les transformacions que pateixen els traçats geomètrics per tal d’adaptar-se a les diferents circumstàncies tècniques, estilístiques i culturals.

Torres del Parque Residential Complex was designed and created by Colombian architect, Rogelio Salmona, of french descent. The complex was built in the 1960s in the city of Bogotá, Colombia. Here and then, the influence of a group of local architects was identified in the middle of the dilemma posed by a Modern Moement.They were able to embody their rebel appropriation of spaces based on elements and values belonging to city's geographical, historical and social conditions. What is hidden behind Torres del Parque Residential Cornplex? That is the main question giving meaning to this paper. Unveil the deep reasons by which this early work of Salmona has been recognized as the milestone of Bogotá during the 21st Century-and one of the most significant works in Latin America during the 20th Century- has meant digging into the roots of the Residential Complex. The Residential Complex project received and addressed Salmona's lite experiences -understood as the lite of an artist in close relation with the city of Bogotá during the 60s- to be, later, molded by the spirit of a decisive epoch in history and provide a conclusive and original contribution to contemporary Bogotá. Irnagined and drawn by Salmona, its construction must be understood as a collective work. lt will also be the outcome of eclectic influences, readings and cares, certainty and confrontations on the particular sociopolitical conditions and geographical features of a city located at the foot of an Andes mountain range plateau. The project is unveiled through research, as the essence that condenses the concerns and obsessions raised by the deep knowledge of Western architecture thread of history and Salmona's work and academic experience, which was acquired in relation to two 20th Century antagonist architects: Le Corbusier and art sociologist, Pierre Francastel. The renowned influence acquired from social sciences gives Salmona's work, especially the project subject matter ofthis paper, a condition that is consequent with such concepts as openness, democracy, transparency, the idea of encouraging the benefit of the mass over the particular benefit, ethics, policies and responsibilities of the artist as a builder of civilization, transcending the scope of space. Throughout eleven chapters, this paper develops the purpose of this research in a fashion that simulates the path followed to build an idea. Each chapter was structured as a way through the architect's work, since for Salmona "going over" is the fundamental and necessary action to transfer architecture's experience and emotion beyond "inhabiting" or "remaining". That is how the residential complex project was explored: based on its history, the development of its generating idea, its construction process, the memoir of the architect, every-day news from the written media and through a physical setting linked to the city and the view., El Conjunto Residencial El Parque, diseñado y gestado por el arquitecto colombiano de origen francés, Rogelio Salmona, fue construido durante la década de 1960 en la ciudad de Bogotá, Colombia . Aquí y entonces, se identificó la acción de un grupo de arquitectos locales, que se ubicó en medio de los dilemas planteados por el Movimiento Moderno. Ellos fueron capaces de dar lugar a su apropiación rebelde atendiendo a elementos y valores propios de las condiciones geográficas, históricas y sociales de la ciudad. ¿Qué se oculta tras las Torres del Parque? es la pregunta que motiva esta investigación. Develar las razones profundas por las cuales esta obra temprana del arquitecto ha sido reconocida como el ícono de la ciudad en el siglo XXI, -y una de las obras más significativas en Latinoamérica durante el siglo XX-, ha significado entrar a sus fondos. El proyecto, recibió y dirigió hacia su interior, la historia de la vida del arquitecto, -entendida como la de un artista en relación con la ciudad de Bogotá durante la década de los años sesenta-, y se moldeará a merced del espíritu de una época definitiva, para hacer un aporte concluyente y original en la configuración de la ciudad contemporánea. Imaginado y dibujado por Salmona, su construcción debe comprenderse en cambio, como un trabajo colectivo. Será también, el producto de influencias tamizadas, lecturas y afanes, certezas y confrontaciones sobre las particulares condiciones sociopolíticas y las cualidades geográficas de una ciudad, situada en las faldas de una meseta de la cordillera de los Andes. Este proyecto se revela a través de la investigación, como la esencia que condensa las inquietudes y obsesiones cultivadas a través del conocimiento profundo del curso de la historia de la arquitectura occidental y de la experiencia laboral y académica de Salmona, adquiridas de la mano de dos protagonistas antagónicos del siglo XX: el arquitecto Le Corbusier y el sociólogo del arte, Pierre Francastel. La reconocida influencia adoptada desde las ciencias sociales, confiere a la obra de Rogelio Salmona y particularmente al proyecto investigado, una condición consecuente con conceptos como apertura, democracia, transparencia, beneficio general por sobre el particular, ética, politica y responsabilidad del artista como constructor de civilización, que trascienden el ámbito de lo espacial. A través de once capítulos, esta tesis desarrolla el propósito de la investigación en un orden que emula el camino para construir una idea. Cada uno fue estructurado como un modo de atravesar la obra, ya que para Salmona "recorrer" es la acción fundamental, necesaria para transmitir la experiencia y la emoción de la arquitectura, por encima de "habitar" o "permanecer". Así, se exploró el proyecto a partir de su historia, del desarrollo de la idea que lo generó, desde su proceso de construcción, por entre la memoria del arquitecto, a lo largo de las noticias del día a día, extractada de los medios escritos y a través de su espacio físico vinculado con la ciudad y el paisaje.

The thesis makes a tour on the shakespearian theatrical creations made at the Teatre Lliure in the last thirty years (1977-2007), offering a vision of their stage poetic, and studying the interrelationships between the space, the art and the culture, and specifically, between the dramatic shakespearian text and the theatrical/stage space in the plays' local and contemporary context. The thesis worked on an interdisciplinary theoretical framework, with concepts from semiotics, linguistics and literary theory, as well as sociology, anthropology, psychology, among other fields of knowledge, as aesthetics of reception and cultural studies. The research hypothesis is the presence of the space dramaturgy in the Teatre Lliure's theatrical praxis, to verify the connection between the previous approaches and goals, culminating in the plays' analysis. The Teatre Lliure was analyzed and contrasted with both currents of thought, Catalan contemporary independent theater movements, and the Shakespeare's Theatre. lt's theatrical spaces -Sala Lliure de Gracia and Sala Fabià Puigserver- as well as the plays analyzed -Titus Andrònic, Al vostre gust, Juli Cèsar, Romeu i Julieta, Ricard 3r and Otel·lo- reveal the interrelationship and dialectics between dramaturgy, space and public, specifically studied. The analysis also goals to the conditions, outcomes and meanings derived from the inclusion of a classical work of the world drama in contemporary Catalan culture, from the perspective of an architect and -considering some level of subjectivity-a spectator., La tesis hace un recorrido por las creaciones teatrales shakespearianas propias del Teatre Lliure de los últimos treinta años (1977-2007), ofreciendo un estudio de su poética escénica. Se examinan las interrelaciones entre el espacio, el arte y la cultura, y específicamente, entre el texto dramático/espectacular shakespeariano y el espacio teatral/escénico de los montajes en su contexto contemporáneo y local. La investigación nos ha permitido abordar una gran cantidad de temas relevantes, profundizando conocimientos como modo de entender la evolución de la noción de espacio y de analizar su interrelación con la Arquitectura y el Teatro contemporáneos. Se ha trabajado con un marco teórico de referencia interdisciplinar, con conceptos provenientes de la Semiótica, Lingüistica y Teoría literaria, así como de la Sociología, Antropología, Psicología, de la Estética de la Recepción y de los Estudios Culturales, entre otros campos del conocimiento. La hipótesis de investigación es la presencia de la "dramaturgia del espacio" en la praxis teatral del Teatre Lliure, es decir, el espacio como elemento dramatúrgico en sus puestas en escena. Se ha analizado y se ha contrastado el Teatre Lliure tanto con las corrientes de pensamiento y movimiento del teatro independiente catalán y contemporáneo, como con el teatro de Shakespeare. Sus espacios teatrales -sala Lliure de Gràcia y sala Fabià Puigserver-así como los espacios escénicos de los montajes analizados -Titus Andrònic, Al vostre gust, Juli Cèsar, Romeu i Julieta, Ricard 3r, Otel·lo- revelan la interrelación y la dialéctica entre dramaturgia, espacio y público. En los análisis se ha buscado comprender también las condiciones, los resultados y significados de la inserción de una obra clásica de la dramaturgia mundial en la cultura catalana contemporánea, desde la perspectiva de arquitecta y con la mirada con cierto grado de subjetividad de espectadora

Phenomenology is often described as a paradigm shift that calls for a re-assessment of inherited themes and concepts. One of its most important contributions is the central role given to the embodied subject as opposed to the conception of the disembodied subject that has dominated philosophy since Descartes. If perspectival painting best represents the paradigm of modern philosophy since the Renaissance, it is the multiple perspectives of Cubist painting that best represent the phenomenological paradigm. While the relationship between phenomenology and art has been widely studied, my aim in this article is to focus on the way in which Cubism represents the embodied, horizonal structure of our perception, and then to discuss the new form of contemporary art installation as an actualization of Cubist principles in the age of digital reproduction. The embodiment of the subject necessarily involves intersubjectivity, for others appear in the subject’s contextual frame of public space. While for Arend...

The contemporary city, threatened by uncontrolled population growth and the rapid increase of poverty, is not the only possible scenario for future wars and ecological collapse but seems also to have become the catalyst for a collective fear: the topos of final disaster. The negative image of this future, as represented by literature and film, seems to refer to an older iconographic repertoire and often, this decadent representation of the city, matches with the pessimistic visions of the late-Victorian literature. The ruins of the industrial cities like Detroit, today converted into archaeological areas, remind us the grandeur of the ancient capitals of fallen empires. This essay analyses some of the mechanisms that led to the transformation of the contemporary city using the different scenarios that literature has used to represent its negative and distorted future. Repeatedly, the history of architecture has speculated on the importance of the relationship between Utopía and urban space. On the contrary, Dystopia, a literary genre born in the late nineteenth century and used to describe unwanted and aberrant societies of the future, seems to have been consigned to the marginal role of mass entertainment. lnstead, the dystopian genre offers interesting resources to understand the present. Nowadays in Western culture, Dystopia seems to have definitely replaced Utopia as a way to reflect upon the present. This research undertakes a historical journey through the rise and fall of the myth of progress. lt analyses the city of the future through literary works. The first part is concemed with the creation of the image of the future city, thoroughly transformed by scientific and technological achievements. This phase begins with the publication of "New Atlantis'', by Francis Bacon (1621), and finishes with "Les cinq cents millions de la Begum", by J. Veme (1879). The literature of the last two decades of the twentieth century is characterized, instead, by darker views. The myth of progress, built by the bourgeoisie, is gradually eclipsed by the fear of the class conflict outbreak, the demographic boom and the decline of the old colonial empires. Science and technology cease to play a positive, utopian role to become potentially destructive forces. This is the moment when the literary representation of the future city moves from a positive view of the technological achievements towards a negative one, from utopía to totalitarian dystopia. lt is during the 1920's with the publication of 'We", by Y. Zamjatin, that modern dystopia starts. This novel, set in a completely transparent city, anticipates the birth of an invisible power whose aim is the total control of citizen's lives. As well as utopia embodies collective desires and hopes through certain urban models, dystopia has its own ways to embody fears and nightmares. To this literary genre corresponds a precise type of city, thoroughly restrained, segregated and hierarchical. Besides Dystopia is also a caricature of the Utopia of Organization. Dystopian cities are designed as a result of a critical analysis of the new approaches of urbanism, born out of the ashes of the French Revolution. In this belief system, Architecture is seen as a "bio-political technology", a "devise to produce individuals", so as to improve humankind through mind control and physical conditioning., La ciudad contemporánea, amenazada por el crecimiento demográfico sin control y el aumento acelerado de la pobreza, posible escenario de futuras guerras y del colapso ecológico, parece haberse convertido hoy en el catalizador de todo miedo colectivo, en topos definitivo del desastre. Sin embargo, la imagen negativa de su futuro, tal como la representan la literatura y el cine, parece recurrir a un repertorio iconográfico más antiguo. Muchas veces, su representación decadente coincide con las visiones pesimistas de la literatura tardo-victoriana. Las ruinas de metrópolis industriales como Detroit traen a la memoria la grandiosidad de las antiguas capitales de los imperios caídos, convertidas hoy en áreas arqueológicas. Esta investigación analiza algunos de los mecanismos que guían la transformación de la ciudad contemporánea tomando como herramientas las distintas maneras en las que la literatura ha representado su imagen futura de manera distorsionada y negativa. En muchas ocasiones, la historia de la arquitectura ha reflexionado sobre la importancia de la relación entre la utopía y la construcción del espacio urbano. Por el contrario, la distopía, género literario surgido hacia finales del siglo XIX y volcado en la descripción de sociedades futuras indeseadas y desviadas, parecía haber quedado relegada a la función marginal del entretenimiento de masas. Sin embargo, el género distópico ofrece interesantes claves de lectura para entender el presente. En la cultura occidental, la distopía parece haber substituido definitivamente a la utopía como herramienta de crítica del presente. A través del análisis de obras literarias que ofrecen una representación de la ciudad del futuro, la investigación emprende un recorrido histórico por el auge y el declive del mito del progreso. El primer momento corresponde a la construcción de la imagen de una ciudad del futuro radicalmente transformada por las conquistas de la ciencia y la tecnología. Esta etapa empieza con la publicación de "New Atlantis", de F. Bacon (1621), y se cierra con "Les cinq cents millions de la Begum", de J . Veme (1879). En cambio, la literatura de las dos últimas décadas del siglo xx se caracteriza por miradas más sombrías. El mito del progreso construido por la burguesía queda progresivamente eclipsado por el miedo al estallido de los conflictos de clase, por la explosión demográfica y la decadencia de los viejos imperios coloniales. Ciencia y tecnología dejan de desempeñar un papel positivo, utópico, y se convierten en fuerzas potencialmente destructivas. Es en este momento cuando se materializa la transición, en la representación literaria de la ciudad del futuro, de una visión positiva de las conquistas tecnológicas hacia una visión negativa, de la utopía tecnológica a la distopía totalitaria. En los años veinte, la publicación de "We", de Y. Zamjatin, novela ambientada en una ciudad completamente transparente, da comienzo a la distopía moderna, relato anticipatorio del nacimiento de un poder invisible dirigido al control total de la vida de la ciudadanía. Así como a la utopía le correspondían determinados modelos urbanos que encarnaban deseos y esperanzas colectivas, la distopía posee su proprio «juego espacial» en la transposición de miedos y pesadillas. A este género literario le corresponde una determinada forma de ciudad, rígidamente vigilada, segregada y jerarquizada. La distopía es también una caricatura de la utopía del orden. Sus ciudades son dibujadas a partir de una lectura crítica de las renovaciones propuestas por el urbanismo a partir de la Revolución Francesa. En la distopía, la arquitectura asume la función de «máquina para la fabricación de individuos», de tecnología biopolítica para la mejora de la especie humana a través de su condicionamiento tanto físico como moral, La città contemporanea, minacciata dalla crescita demografica fuori controllo e dall'aumento vertiginoso della povertà, possibile scenario di guerre future e del collasso ecologico, sembra si sia trasformata oggi nel catalizzatore di qualsiasi paura collettiva, in topos definitivo del disastro. Nonostante ciò, l'immagine negativa del suo futuro, così come viene rappresentata nella letteratura e nel cinema, sembra ricorrere ad un repertorio iconografico più antico. Spesso, la sua rappresentazione decadente coincide con le visioni pessimiste della letteratura tardo-vittoriana. Le rovine delle metropoli industriali come Detroit ricordano la grandiosità delle antiche capitali degli imperi caduti, trasformate oggi in aree archeologiche. Questa ricerca analizza alcuni dei meccanismi che guidano la trasformazione della città contemporanea, usando come strumenti i distinti modi in cui la letteratura ha rappresentato la sua immagine futura in maniera distorta e negativa. In numerose occasioni, la storia dell'architettura ha riflettuto sull'importanza della relazione esistente fra utopia e costruzione dello spazio urbano. Al contrario, la distopia, genere letterario sorto verso la fine del XIX secolo e riguardante la descrizione di società future indesiderabili e degenerate, sembra sia rimasta confinata alla funzione marginale di spettacolo di massa. Nonostante ciò, il genere distopico offre interessanti chiavi di lettura per comprendere il presente. Nella cultura occidentale, la distopia sembra aver sostituito definitivamente l'utopia come strumento di critica del presente. Attraverso l'analisi di opere letterarie che offrono una rappresentazione della città del futuro, la ricerca affronta un percorso storico dall'auge al declino del mito del progresso. Il primo momento corrisponde alla costruzione dell'immagine della città del futuro radicalmente trasformata dalle conquiste della scienza e della tecnologia. Questa tappa comincia con la pubblicazione di "New Atlantis", di F. Bacon (1621), y si chiude con "Les cinq cents millions de la Begum", di J. Verne (1879). Invece, la letteratura delle due ultime decadi del XIX secolo si caratterizza per un atteggiamento più negativo. Il mito del del progresso costruito dalla borghesia, viene progressivamente eclissato dalla paura per lo scoppio dei conflitti di classe, per l'esplosione demografica e la decadenza dei vecchi imperi coloniali. Scienza e tecnologia cessano di compiere un ruolo positivo, utopico, e si trasformano in forze potenzialmente distruttive. È in questo momento che avviene il passaggio, nella rappresentazione letteraria della città del futuro, da una visione positiva delle conquiste tecnologiche ad una visione negativa, dalla utopia tecnologica alla distopia totalitaria. Negli anni Venti, la pubblicazione di "We", di Y. Zamjatin, romanzo ambientato in una città interamente trasparente, da inizio alla distopia moderna, racconto anticipatore della nascita di un potere invisibile, volto al controllo totale della vita della cittadinanza. Così come all'utopia corrispondevano determinati modelli urbani che incarnavano desideri e speranze collettive, la distopia possiede il proprio “gioco spaziale”, trasposizione di paure ed incubi. A questo genere letterario corrisponde una determinata forma di città, rigidamente controllata, segregata e gerarchizzata. La distopia è anche una caricatura dell'utopia dell'ordine. Le sue città sono disegnate mediante una lettura critica dei rinnovamenti proposti dall'urbanistica dalla Rivoluzione Francese in poi. Nella distopia, l'architettura assume la funzione di “macchina per fabbricare individui”, di tecnologia biopolítica per migliorare la specie umana mediante il suo condizionamento sia fisico che morale.

The deterioration of the living environment, urban segregation, the lack of community and local identity, homelessness and lack of living spaces or the impossibility of a collective construction of the habitat have aroused social dynamics, resistance movements and civic altemative proposals of great importance, still poorly understood and even less assimilated by urbanism. Opposite to the conventional urban theory and practice, these social movements seek to respond to the real needs through emerging urban practices directly related to the processes of social production within the urban environment. In this sense, we have seen throughout recent history the emergence of this type of experience. This is the case of both the current urban social practices and those that took place in the sixties and seventies. The protagonists of both experiences, made visible in contexts of crisis and change, claim to participate in the construction of the environment in order to improve urban conditions for the development of everyday life. In this research, we will take as case study the experiences of the citizen movement that took place in Barcelona during the seventies. In a historic moment of transition and change, this movement claimed a collective construction of the city and to be taken into account by urbanism. The context meant an opportunity for the emergence of new institutions and in this sense the citizen movement generated some areas of freedom that we will call "inclusion spaces", and from which it participated in the formation of another urban model. From direct action to the proposed alternatives, these spaces include: competitions, exhibitions, occupations, meetings, popular urban plans or control groups, these spaces were new forms of democratic action towards the construction of the inclusive city. The object, therefore, of this research, is to analyse urban social practice of the citizen movement in Barcelona in the seventies, which contributed to the orientation of an alternative city model, understanding the social reality and everyday experiences as key elements of any scientific approach and understanding the urban development and planning in a holistic sense as the ensemble of knowledge and practices that are aimed at the city and that, therefore, build the city. lt is also visible in this research that other urban model oriented by social practice, in order to show its features and the need for active citizens to participate in the construction of the same urban model. The aim is, in short, to visualize and retrieve certain guidelines to guide the rethinking of the current urban model. Perhaps as a premonition of the turn of the century, this type of experiences that have developed since at least the late twentieth century, have shaped another way to build the town, have introduced other concepts and implemented other tools that have allowed the participation of the people, improving the quality of life and enhancing everyday lite. This research aims at recovering and analysing these experiences in order to transform urban conflict indicators into resources and tools that can be incorporated into the construction of the city and therefore further advance towards the inclusive city., El deterioro del entorno habitable, la segregación urbana, la falta de comunidad y de identidad territorial, la falta de vivienda y de espacios vitales o la imposibilidad de una construcción colectiva del hábitat, han provocado dinámicas sociales, movimientos de resistencia y propuesta de alternativas ciudadanas de mucha importancia, todavía hoy mal comprendidas y menos aún, asimiladas por el urbanismo. Frente a la teoría y la práctica convencional urbanística, estos movimientos sociales tratan de dar respuesta a las necesidades reales a través de prácticas urbanas emergentes, directamente relacionadas con los procesos de producción social del entorno urbano. En este sentido, a lo largo de la historia reciente hemos asistido a la emergencia de este tipo de experiencias. Es el caso tanto de las prácticas sociales urbanas actuales como de aquellas que tuvieron lugar en los años sesenta y setenta. Los protagonistas de ambas experiencias, visibilizadas en contextos de crisis y cambios, reivindican participar en la construcción del entorno con el objetivo de mejorar las condiciones urbanas para el desarrollo de la vida cotidiana. Tomaremos en esta investigación como caso de estudio las experiencias del movimiento ciudadano que tuvo lugar en Barcelona durante los años setenta. En un momento histórico de transición y cambios, este movimiento reivindicó una construcción colectiva de ciudad y un urbanismo que le tuviera en cuenta. El contexto signifi có una oportunidad para la emergencia de nuevas instituciones y en este sentido, el movimiento ciudadano generó ciertas zonas de libertad a las que llamaremos espacios de inclusión desde donde participó en la conformación de otro modelo urbano. Desde la acción directa a la propuesta de alternativas, estos espacios de inclusión: concursos, exposiciones, ocupaciones, encuentros, planes populares o comisiones de control, constituyeron nuevas formas de acción democrática directa hacia la construcción de la ciudad inclusiva. Es objeto, por lo tanto, de esta investigación analizar la práctica social urbana del movimiento ciudadano en Barcelona en los años setenta, la cual contribuyó a la orientación de un modelo de ciudad alternativo, entendiendo la realidad social y la experiencia cotidiana como elementos fundamentales de todo enfoque científico del desarrollo urbano y entendiendo el urbanismo en un sentido holístico como el conjunto de conocimientos y prácticas que tienen como objeto la ciudad y que por lo tanto, construyen ciudad. Se trata también en esta investigación de visibilizar ese otro modelo urbano orientado por la práctica social, con el objetivo de mostrar sus características y la necesidad de una ciudadanía activa que participe en la construcción de las mismas. Se trata, en definitiva, de visibilizar y recuperar ciertas pautas que orienten un replanteamiento del modelo urbano actual

This thesis belongs to the field of the history of architectural theory and criticism. lt focuses on an innovative architectural analysis and design method which was first introduced in the Anglo-American tradition by the masterpiece of the English architect, poet, essayist and critic Geoffrey Scott (1884-1929), The Architecture of Humanism : A Study in the History· of Taste (1914), a reference work for many architects, historians and critics of modern architecture in the period following World War 11. The results are presented in three chapters. Both first and second study the same period of time (1890-1930) and show the origin and propagation of two of Scotts key concepts, Space and Empathy. - Chapter one focuses on the concept of Space; it follows its Anglo-American development, parallel to its growth in the German tradition. Emphasis is made on the key formative role of Bernard Berenson (1865-1959) -with his essay 'A Word for Renaissance Churches"'(1893)- and Geoffrey Scott -with The Architecture of Humanism (1914). The chapter ends with the analysis of the reading of ScottS book in modern terms made by a young Henry-Rusell Hitchcock (1903-1987) in Modern Architecture: Romanticism and Reintegration (1929). - Chapter two focuses on the concept of Einfühlung (Empathy). lt displays the influence of the psychologist Theodor Lippss (1851-1914) theory of aesthetics upon the intellectual group gathered around Bernard Berenson in I Tatti, his villa near Florence, in the early 20th century. - Chapter three is the provisional- conclusion of the study. lt focuses on the two decades immediately after the end of World War II (1945-1965), when the concepts of Space and Empathy joined that of Architectural Experience and had a wide dissemination. In order to show the great influence of these concepts during this period of time and their strong relation to their first development, five significant case studies are proposed: 1. Bruno Zevi (1918-2000). underlying the importance of ScottS book in the creation and development of his theoretical-historical-methodological corpus, particularly during the years immediately after his return to ltaly from the United States (1945-1950); 2. Colin Rowe (1920-1999), showing his two methods from the mid-50s on: the perceptual-analytical perspective of Wittkowerian roots of his early works. along with the perceptual-experiential one of Scottian origin -as a result of his contact with the American culture; 3. Vincent Scully (1920-). reflecting how, from the beginning, his historical and methodological position in relation to architectural analysis was in full harmony with Scotts empathic theories; 4. Philip Johnson (1906-2005), one of the major advocates of the theoretical proposal of The Architecture of Humanism (1914), always willing to implement its contents both in architectural analysis and design; and 5. Charles W. Moore (1925-1993), revealing the empathic-body standpoint he sustained both in his educational and architectural work: five figures with an Anglo-American training who performed a prominent role in architectural theory, practice and academy, and still influent. A final epilogue includes Philip Thiels (1920-) work in order to expand the various interpretations given to these three concepts in the field of architectural culture in the second half of the 20th century and to leave this research open., La presente tesis se inscribe dentro de la historia de la teoría y crítica de la arquitectura. Gira alrededor de una innovadora propuesta metodológica de análisis y diseño arquitectónico que, por primera vez, se hizo manifiesta en la tradición angloamericana en la obra cumbre del arquitecto, poeta, ensayista y crítico inglés, Geoffrey Scott (1884-1929): The Architecture of Humanism.A Study in the History of Taste (1914). Un texto que fue obra de referencia para muchos de los arquitectos, historiadores y críticos de la arquitectura moderna que surgieron a partir del fin de la Segunda Guerra Mundial. Ésta se estructura en tres capítulos. Los dos primeros, abarcan un mismo espacio temporal (1890-1930) y muestran la génesis y vía de propagación de dos de los conceptos clave del corpus scottiano: el espacio y la empatía. El primer capítulo se centra en el concepto de espacio. Recorre el itinerario angloamericano que evoluciona en paralelo a la tradición germana. Y pone el acento en los dos eslabones que intervienen en la conformación y desarrollo de esta vía alternativa: Bernard Berenson (1865-1959) con su ensayo "A Word for Renaissance Churches” (1893) y Geoffrey Scott con su obra maestra The Architecture of Humanism (1914). El análisis finaliza con la moderna lectura que hizo de este libro un precoz Henry-Rusell Hitchcock (1903-1987) en Modern Architecture: Romanticism and Reintegration (1929). El segundo capítulo se centra en el concepto de la Einfühlung (empatía). Muestra el papel que desempeñan las influyentes teorías estéticas de Theodor Lipps (1851-1914), relacionadas con la psicología, en el círculo intelectual que se formó, a principios del siglo XX, alrededor de la figura de Bernard Berenson y de su villa cerca de Florencia, I Tatti. Esta investigación finaliza, a modo de conclusión provisional, con un tercer capítulo que se centra en las dos décadas inmediatas al fin de la Segunda Guerra Mundial (1945-1965), periodo en el que los dos conceptos anteriores sumados al de experiencia arquitectónica tuvieron una gran difusión. Para reflejar el peso y la gran influencia que atesoraron dichos conceptos en aquel periodo, así como, para indicar la línea sucesoria entre estos dos lapsos temporales, se recurre a cinco casos de estudio relevantes: 1) Bruno Zevi (1918-2000) donde se resalta la importancia que tuvo el libro de Scott en la creación y desarrollo su corpus teórico-histórico-metodológico, en concreto, el elaborado en los años inmediatos tras su regreso a Italia procedente de los Estados Unidos (1945-1950); 2) Colin Rowe (1920-1999) donde se muestran las dos vías metodológicas que compartió a partir de mediados de los años cincuenta: la metodología crítica perceptivo-analítica de raíz wittkoweriana de sus primeros trabajos, junto con la metodología crítica perceptivo-experiencial de raíz scottiana fruto de sus contactos con la cultura norteamericana; 3) Vincent Scully (1920-) donde se muestra cómo, ya desde sus inicios, la postura histórico-metodológica que mantuvo para el análisis de la arquitectura estuvo en plena sintonía con las teorías empáticas de Scott; 4) Philip Johnson (1906-2005), uno de los principales defensores de la propuesta teórica de The Architecture of Humanism (1914), donde se evidencia su intento de aplicación de sus contenidos tanto en el campo del análisis como el del diseño arquitectónico; y 5) Charles W. Moore (1925-1993) donde se destaca la postura empático-corporal que defendió tanto en su labor de docente como de arquitecto. Por tanto, cinco figuras de formación angloamericana que tuvieron un papel destacado en el campo teórico, práctico y académico de la arquitectura y cuya influencia sigue siendo hoy perceptible. Un epílogo final deja abierta esta investigación con la inclusión de los trabajos realizados por Philip Thiel (1920-) con el fin de ampliar las variadas interpretaciones que recibieron estos tres conceptos en el ámbito de la cultura arquitectónica en la segunda mitad del siglo XX.

Con la Exposición Internacional de Barcelona del año 1929, la arquitectura catalana del noucentisme legitimaba su programa desde la construcción simbólica del eje principal de la montaña de Montjuic, y a pesar de las muy honrosas excepciones de los pabellones internacionales de Suecia, Yugoslavia, Hungría y Francia, la presencia de la modernidad arquitectónica europea quedaría eclipsada durante muchos años bajo el mito del Pabellón Alemán de Mies van der Rohe. Sin embargo, al margen del eje monumental ideado por Josep Puig i Cadafalch en 1917 a imagen y semejanza del proyecto Artibus (1880) de Otto Wagner, lo popular emergía lejos de las retórica del poder. Escapaba al control de la geometría axial que colonizaba la geografía de la montaña y encontraba en el Poble Espanyol y el Parque de Atracciones de la Foixarda sus mejores aliados. Fue precisamente en el segundo donde se dieron cita gran parte de las arquitecturas no oficiales de marcas comerciales de industriales catalanes como Eusebi Güell y la familia Jorba. Pabellones que lejos de la presión institucional experimentaban a partir de la mezcla de lenguajes arquitectónicos procedentes de la “alta” cultura arquitectónica francesa -como la Torre Eiffel (1889) o el Pabellón de Turismo (1925) de Robert Mallet Stevens- junto a los elementos “low” propios del mundo popular de masas y su ocio: el simulacro, el espectáculo y el consumo que arrojaban a los visitantes de la ladera sur de Montjuic a otro tipo de ficción artificial. La presente comunicación se enfrenta a las arquitecturas comerciales que se dieron cita en el Parque de la Foixarda, como la torre de los almacenes JORBA, el pabellón de la compañía general de asfaltos y portland ASLAND, las instalaciones de champagne CODORNIU, el stand de talleres metalúrgicos y fundiciones DAMIANS o el “ready-made” desde la firma comercial del Calcetines MOLFORT'S, intentando desgranar en cada caso si la mezcla “high” and “low” conquistó realmente la modernidad como verdadera expresión de la vida y el tiempo, lejos de los mitos e iconos que supuestamente han alumbrado Montjuic historiográficamente hasta la actualidad.

This thesis presents the effects of the distance of separation from sources of Western Culture --European and Mediterranean -- in the learning process of the modern Chilean architect, and the approach toward them through travel, as treated specifically and in depth in the exceptional case of Juan Borchers (1910-1975), who emerges as a unique theorist in the local architectural environment, adhering to the ideas of modern architecture while developing systematic work that revisits themes of classical architecture. The architectural travels of the modern Chilean architect to Europe are generally for the purpose of becoming familiar with avant-garde trends which are later transferred to Chile to different extents of depth and fertility. The view of modern Chilean architecture as an unsynchronized mirror of the creative centers has limited the possible reading and interpretation of our production of architecture and theory. This research obviates non-critical imported modernism to make way for thorough appropriation of both lines of thought of Borcher's contemporaries and precursors. The three researched topics constitute the backbone of Borchers ideology. The first topic immerses into how Borchers lays out the relationship between the subject and the architectural objet under the prism of representation. The second topic addresses the relationship between Gothic architecture and nature using two variables: Proportions and differentiation between geometric and plastic modulation, and morphologic studies, guided by Borchers' readings og Goethe and Spengler. The third topic explores the origins of the cubic series during the trip to Egypt with regard to its perception, a key viewpoint in Borchers' concept of architecture, where human scale and object scale merge into an intermediate scale. Kew words, En la tesis se exponen los efectos producidos por la distancia de separación con las fuentes de la cultura occidental -Europa y el Mediterráneoen el aprendizaje del arquitecto chileno moderno, y el acercamiento a ellas a través de los viajes, puntualizado y profundizado en el caso singular de Juan Borchers (1910-1975), quien aparece como un pensador único en el medio arquitectónico local, adhiriéndose a los planteamientos de la arquitectura moderna y desarrollando paralelamente un trabajo sistemático que retoma los temas de la arquitectura clásica. En general el viaje del arquitecto chileno moderno a Europa es una familiarización con las tendencias de vanguardia, las cuales son transferidas a Chile con diferentes grados de profundidad y fertilidad. La visión de que la arquitectura chilena moderna es un reflejo a destiempo de los centros creadores ha limitado las posibles lecturas e interpretaciones de nuestra propia producción arquitectónica y teórica. El caso investigado elude la importación acrítica de la modernidad para dar paso a una apropiación concienzuda de líneas de pensamiento tanto contemporáneas a Borchers como del pasado. Se investigaron tres temas, los cuales forman parte de la columna vertebral del ideario de Borchers. El primer tema profundiza la manera en que Borchers plantea la relación entre sujeto y objeto arquitectónico bajo el prisma de la representación. El segundo tema trata de la relación entre arquitectura gótica y naturaleza tomando dos variables: las proporciones y la diferenciación entre la modulación geométrica y la modulación plástica y los estudios morfológicos, guiados por las lecturas que Borchers realiza de Goethe y Spengler. El tercer tema explora en el viaje a Egipto los orígenes de la serie cúbica en cuanto a su aspecto perceptual, un punto de vista que es clave en la concepción de arquitectura de Borchers en la que se funden la escala humana y la escala del objeto en una escala intermediaria.

The thesis proposes an analysis of the relationship between literature and architecture at the turn of 19th to 20th century. From the verification of the importance of literature and reading in the period previous to modern movement, and observing the critique some avantgarde manifestos threw to a so called literary architecture, research seeks to interpret to what extent architecture fed on storytelling and especially on the novel. The analysis of the relationship between these two disciplines is not only focused in the area of ideas or creative methodology, aspects widely discussed in various studies, but also includes the field of fiction. Taking this concept of fiction, essential resource in novel that along the 19th century is also applied to the built environment, the thesis aims to identify common elements between literary and architectural creation, especially the link between the creative subject, the inhabitant and the reader. The work is divided into two main parts. In the first one, broad and diverse series of texts of writers and architects in English, French and German from the last decade of 18th century to the first decade 20th century are analyzed. This analysis has been attempted to identify resources, common figures and constructions in the conception, creation and interpretation of space. This regard includes the realization of the idea of a narrative architecture, based on fictional, environment, memory and trace of life aspects, in contrast to a compositional architecture. This idea allows the approach to two authors, Marcel Proust and Adolf Loos, who have been taken as a case study for the interpretation of the possible influence between architecture and literature in the period of development of modernity. The second part of the thesis is centered on this interpretation. The selection of Proust and Loos is based on the importance architecture and literature had in both authors and the fact that written production of the both is fully contemporary- between 1896 and 1922 in the case of Proust, from 1897 to 1933 in the case of Loos. However, despite this complete chronological coincidence, both authors have received various and sometimes contradictory interpretive approaches in historiographical literature. Therefore, the study has given special importance to studies and monographs on both, with the conviction that could give clues to possible new interpretation keys. Throughout the thesis fundamental concepts have been developed, such as truth, individuality, style, ornament, gesture, artist or concretion, which seem to have been condensed through a constant dialectic between literary prose and architecture writings. Understanding these concepts in modern literature, and especially in the work of Marcel Proust, has served to establish interpretive criteria that may clarify and refine the analysis of some buildings of the turn of 19th to 20th century, and mainly the work of Adolf Loos., La tesis propone un análisis de las relaciones entre literatura y arquitectura en el cambio de s. XIX al s. XX. A partir de la constatación de la importancia de la literatura y la lectura en el periodo anterior al movimiento moderno, y ante la crítica de ciertos manifiestos de vanguardia a una supuesta arquitectura literaria, la investigación trata de interpretar en qué medida la arquitectura se alimentaba de la narración y, especialmente, de la novela. El análisis de las relaciones entre ambas disciplinas no se centra sólo en el ámbito de las ideas de partida o la metodología creativa, aspectos ya abordados ampliamente en diversos estudios, sino que incluye también el ámbito de la ficción. Atendiendo a esta ficción, recurso esencial de la novela que a lo largo del s. XIX se acabó aplicando sobre el espacio construido, la tesis propone identificar elementos comunes entre la creación literaria y la arquitectónica, especialmente en el vínculo entre el sujeto creador, el habitante y el lector. El trabajo está estructurado en dos partes fundamentales. En la primera se analizan un serie amplia y diversa de textos de escritores y arquitectos en lengua inglesa, francesa y alemana desde la última década del s. XVIII a la primera del s. XX. Mediante este análisis se han tratado de identificar recursos, figuras y construcciones comunes en la concepción, creación e interpretación del espacio. En este sentido cabe destacar la concreción de la idea de una arquitectura narrativa, basada en aspectos ficcionales, de entorno, de memoria y de rastro de vida , que contrasta con una arquitectura compositiva. Esta idea permite interpretar a dos autores, Marcel Proust y Adolf Loos, que han sido tomados como casos de estudio para la interpretación de la posible influencia entre arquitectura y literatura en el periodo de desarrollo de la modernidad. A esta interpretación se ha dedicado la segunda parte de la tesis. La selección de Proust y Loos está basada en la importancia que tuvieron la arquitectura y la literatura en ambos autores y en el hecho de que la producción escrita de ambos es plenamente contemporánea - entre 1896 y 1922 en el caso de Proust, de 1897 a 1933 en el caso de Loos. Sin embargo, a pesar de esta plena coincidencia cronológica, ambos autores han sido objeto de diversos y a veces contradictorios enfoques interpretativos por la literatura historiográfica. Por ello, se ha dado una especial importancia a los estudios y monografías sobre ambos, con la convicción de que podrían dar pistas de posibles nuevas claves de interpretación. A lo largo de la tesis se han desarrollado conceptos fundamentales como verdad, individualidad, estilo, ornamento, gesto, artista o concreción, que parecen haber sido condensados a través de una dialéctica constante entre la prosa literaria y los escritos de arquitectura. La comprensión de estos conceptos en la literatura moderna y especialmente en la obra de Marcel Proust, ha servido para establecer unos criterios interpretativos que permitan analizar de forma matizada algunas de las obras arquitectónicas del cambio de s. XIX al s. XX y, especialmente, la obra construida de Adolf Loos.

A presente tese analisa a obra do arquiteto paulista Fábio Penteado sob um eixo analítico predefinido, estruturado ao redor do conceito de multidão – ente s ocial que o arquiteto frequentemente evocava ao explicar a razão de sua produção arquitetônica -, de forma a verificar se, e em que termos, seu pensamento projetual se relaciona com a multidão. Fábio Moura Penteado (1929-2011) foi um arquiteto ativamente atuante no cenário arquitetônico brasileiro, tanto pela qualidade de seus projetos como pela importante atuação política junto às entidades representativas da profissão. A extensão de sua vida o colocou como testemunha ocular de muitas das intensas transformações experimentadas pelo Brasil e pelo mundo ao longo do século XX, especialmente a partir do início de sua atuação profissional, a partir de meados dos anos 1950, quando o processo de expansão urbana brasileiro passa a ocorrer de maneira intensa e descontrolada, de forma especialmente aguda na cidade de São Paulo, lugar a partir do qual se desenvolve sua obra. Metodologicamente, o trabalho é organizado a partir do cruzamento de conceitos sociológicos e filosóficos referentes a um argumento externado pelo arquiteto – a multidão - com as obras por ele projetadas e, através desse mecanismo analítico, tece considerações acerca da interação entre intencionalidade e obra produzida. Foram identificados cinco pontos chave, relacionados à intencionalidade do arquiteto e que estão presentes na obra de forma geral, evidenciando-se com maior ou menor intensidade e clareza de acordo com as exigências e peculiaridades próprias a cada projeto. A partir do exposto, procura-se identificar nas obras as estratégias conceituais que definem as características ambientais e formais, a fim de estimular o comportamento humano correspondente às intenções do arquiteto. A tese detecta e busca correspondências entre tais intencionalidades e estratégias conceituais de estruturação arquitetônica, a partir do que estabelece cinco pares de conceitos estruturadores para a análise da obra de Penteado, a saber: a diversidade humana – de interesses e classes sociais – que seus projetos buscam representar valendo-se da multifuncionalidade e da polivalência espacial; a convivência e a troca interpessoal como forma de fortalecer o espírito coletivo e comunitário, através da integração da arquitetura, tanto desta com a cidade quanto no que tange à espacialidade interna; a criação de acesso fácil e desimpedido das pessoas aos serviços e equipamentos urbanos, como meio de afirmação de sua cidadania, através da supressão de obstáculos físicos e psicológicos, onde as analogias cotidianas são utilizadas de forma a gerar uma psicoesfera de espontaneidade que encoraja a apropriação; o estímulo à participação popular nos espaços públicos e instâncias políticas, por meio da representatividade contida nas formas e espaços da arquitetura; a busca por criar vínculos de identificação que institua a cidade como obra humana coletiva através da expressividade da forma arquitetônica, cuja presença se pretende icônica na paisagem e no imaginário popular. Com base nos estudos e análises realizadas, a tese considera que a multidão pode ser interpretada como o centro da pesquisa arquitetônica de Penteado, amparada na conceituação sociológico-filosófica, que a define como conjunto de individualidades. Na arquitetura de Fabio Penteado a busca pelo espaço da multidão é, na realidade, a própria preocupação do arquiteto por revalorizar a convivência comunitária, perdida com o advento da grande cidade. O entendimento de que, tal como a cidade se converte em metrópole, a comunidade assume a dimensão multitudinária, possibilita o projeto de uma arquitetura que procura responder a essa nova escala a partir da vivência cotidiana de seus habitantes, La tesis analiza la obra del arquitecto Fábio Penteado bajo un eje analítico predefinido, estructurado alrededor del concepto de multitud – ente social que el arquitecto frecuentemente evocaba al explicar la razón de su producción arquitectónica -, de forma a verificar si, y en qué términos, su pensamiento proyectual se relaciona con la multitud. Fábio Moura Penteado (1929-2011) fue un arquitecto activamente actuante en el escenario arquitectónico brasileño, tanto por la calidad de sus proyectos cuanto por la importante actuación política junto a las entidades representativas de la profesión. La extensión de su vida le hizo testigo ocular de muchas de las intensas transformaciones experimentadas por Brasil y por el mundo a lo largo del siglo XX, especialmente a partir del inicio de su actuación profesional, a partir de mediados de los años 1950, cuando el proceso de expansión urbana brasileño pasa a ocurrir de manera intensa y descontrolada, de forma especialmente aguda en la ciudad de Sao Paulo, lugar a partir de donde se desarrolla su obra. Metodológicamente, el trabajo está organizado a partir del cruce de conceptos sociológicos y filosóficos referentes a un argumento externado por el arquitecto - la multitud – con las obras por el proyectadas y, a través de este mecanismo analítico, teje consideraciones acerca de la interacción entre intencionalidad y obra producida. Fueron identificados cinco puntos clave, relacionados a la intencionalidad del arquitecto y que están presentes en la obra de forma general, evidenciándose con mayor o menor intensidad y claridad de acuerdo con las exigencias y peculiaridades propias a cada proyecto. A partir del expuesto, se ha buscado identificar en las obras las estrategias conceptuales que definen las características ambientales y formales, con la finalidad de estimular el comportamiento humano correspondiente a las intenciones del arquitecto. La tesis detecta y busca correspondencias entre intencionalidades y estrategias conceptuales de estructuración arquitectónica, a partir de lo cual establece cinco pares de conceptos estructuradores para el análisis de la obra de Penteado, cuáles sean: la diversidad humana – de interes es y clas es s ociales – que sus proyectos buscan representar valiéndose de la multifuncionalidad y de la polivalencia espacial; la convivencia y el trueque interpersonal como forma de fortalecer el espíritu colectivo y comunitario, a través de de la integración de la arquitectura, tanto de esta con la ciudad cuanto en lo tangente a la espacialidad interna; la creación de acceso fácil y libre de las personas a los servicios y equipamientos urbanos, como medio de afirmación de su ciudadanía, a través de la supresión de obstáculos físicos y psicológicos, dónde las analogías cotidianas son utilizadas de forma a generar una psicoesfera de espontaneidad que encoraja la apropiación; el estímulo a la participación popular en los espacios públicos e instancias políticas, por medio de la representatividad contenida en las formas y espacios de la arquitectura; la búsqueda por crear vínculos de identificación que instituya la ciudad como obra humana colectiva a través de la expresividad de la forma arquitectónica, cuya presencia se pretende icónica en el paisaje y en el imaginario popular. Finalmente, la tesis considera que la multitud puede ser interpretada como el centro de la pesquisa arquitectónica de Penteado, amparada en la conceptuación sociológico-filosófica, que la define como conjunto de individualidades. En la arquitectura de Penteado la búsqueda por el espacio de la multitud es, en realidad, la propia preocupación del arquitecto por revalorizar la convivencia comunitaria, perdida con el adviento de la gran ciudad. El entendimiento de que, tal como la ciudad se convierte en metrópolis, la comunidad asume la dimensión multitudinaria, posibilita el proyecto de una arquitectura que procura responder a esa nueva escala a partir de la vivencia cotidiana de sus habitantes, The present thesis analyzes the work of the architect Fabio Penteado under a predefined analytic guidance, structured around the concept of multitude -social being which the architect frequently evocated to explain the reason of his design concerns- in order to assure whether and on what terms, his architectural production establishes relationships with the multitude. Fábio Moura Penteado (1929-2011) was an actively architect operating in Brazilian architectural scene, for the quality of their projects and because his importance for political action with representative professional entities. The extent of his life placed him as an eyewitness to many of the sweeping changes experienced by Brazil and the world throughout the twentieth century, especially in the beginning of his professional practice, initiated in the mid-1950s, when Brazilian urban expansion process started to occur in a intense and uncontrolled way, most acutely in the city of São Paulo, the place from which he developed his work. Methodologically, the wok is structured by the intersection of philosophical and sociological concepts related to an argument given by the architect - the multitude - with his works and, through this analytical engine, make considerations about the interaction between intentionality and produced work. Were identified five key areas related to the architect’s intentionality that are present in the work in general, showing up with greater or lesser intensity and clarity in accordance with the requirements and specifics characteristics to each project. From the foregoing, were sought to identify in the works the conceptual strategies that define the environmental and formal characteristics, in order to stimulate human behavior corresponding to the intentions of the architect. The thesis detects and search correspondences between intentions and conceptual strategies of architectural structure, establishing five pairs of structural concepts to the analys is of Penteado’s work, that are: human diversity -of interests and social classes- that their projects seek to represent by multifunctional and multipurpose spaces; coexistence and interpersonal exchange as a way to strength collective and community spirit through architectural integration, in the city and in the internal spatiality; creating easy and free access for the people to services and urban equipments, as a way to affirm their citizenship, by removing physical and psychological obstacles, where everyday analogies are used in order to generate a spontaneity psychosphere that encourages ownership; encouraging popular participation in public spaces and political institutions, through representative forms and spaces of the architecture; an attempt to create identification links with the city as collective human work through the expressiveness of architectural form, whose presence intend to be iconic in the landscape and popular imaginary. Based on the studies and analyses hat have been done, the thesis considers that the multitude can be interpreted as the center of Penteado’s architectural survey, based on sociological and philosophical conceptualization, which defines it as a set of individuals. In Fábio Pentado’s architecture the search for a space to the multitude is actually the very concern of the architect for rebuilding the community life, lost with the advent of the big city. The understanding that, as the city becomes a metropolis, the community assumes the multitude dimension, enables the design of an architecture that seeks to respond to this new scale from the daily life of its inhabitants.

The present doctoral thesis on the theory of architectural design originates in the study of the written traces of design. As the first records of architectural design, lines and words encapsulate a type of thought that can solely be ascribed to architecture. In order for this study to approach and examine this type of thought, it focuses on the fundamental materiality of architectural thought; that is, it focuses on the lines and words of design, on what is defined as the double writing of architectural design. Being recorded on the same piece of paper, the signs of double writing are retained and, thanks to this essential co-placement, the gesture of drawing lines and the gesture of putting into words - although ontologically incompatible and partly supplementary - are regarded in the present study as a common act of fixing the peculiar architectural thought. The lines and words of architectural design are thus fixed in a common locus, which requires a definition beyond the neutrality of any material medium of stabilization. On the surface of a piece of paper, lines and words are obviously retained, but they exist in the depths of a still unexplored medium where they are essentially inscribed: even though recorded on the surface of a piece of paper, the lines and words of architectural design are inscribed on a medium of another order and they are com-posed precisely because of that. The present doctoral thesis argues that the medium that opens up from the lines and words of the double writing of architectural design assumes the dimensions of a special space, one that is defined as the space of inscription. In the space of interpretation that opens up, the words no longer render what is represented, while the lines do not aim at transcribing the text into an image. The terms in which architectural design is interpreted are altered. lnstead of the accustomed descriptions of design through its forms, in the space of inscription the form loses its primacy: depiction and description are suspended thanks to the indicative function of the signs of double writing towards the architectural-real space. lnstead of the dialectics between the iconic and the verbal, the lines and words - as signs of double writing - are systematically regarded as a unit of signification, always in accordance to the space of inscription, which is solely reflected upon as a locus of architectural design. In a paradoxical way, these signs are founded on the locus, that of the location of the work of architecture. This research revolves around certain reference concepts, certain reference works and a historical context, whose contribution designates the structure of the text of this doctoral thesis and the content of its sections. Among the reference works, one can detect Danteum by G. Terragni and P. Lingeri, Cannaregio by P. Eisenman, and The Large Glass by M. Duchamp. On the other hand, the historical context is divided into images which, as they are extracted from the historical continuum of writing and architecture, encapsulate, in general, the significant changes in the process of fixing the thought, and the architectural thought, in particular. This thesis advocates that every shift from mythography to the alphabet, and then on to typography and digital media upsets the correlations between the act of expression and the act of depiction, as these are recorded in the architectural design of every historical era. Conclusively, the course that the text of this doctoral thesis suggests is not realized in the order that the temporal sequence and the systematic lining up of people and works would determine. In contrast, the text of the thesis has assumed the form of a list of words that is accompanied by images and texts, whose structure ultimately resembles that of a glossary. Organized in concepts, the entries of this glossary designate a course within the object of this research, a research that is realized at the moment of writing., La presente tesis doctoral en la teoría del proyecto arquitectónico, parte de las huellas escritas del proyecto. Las líneas y las palabras de las primeras manifestaciones gráficas del proyecto arquitectónico, condensan una especie de pensamiento que pertenece exclusivamente a la arquitectura. Para acceder a ello y para averiguar su particularidad, la investigación se centra en la rudimentaria materialidad del pensamiento arquitectónico, es decir se centra en las líneas y palabras del proyecto, en aquello que se define como doble escritura del proyecto arquitectónico. Sobre el mismo trozo de papel, las marcas de la doble escritura se retienen y gracias a esa esencial con-(dis)posición, el gesto de trazar en líneas y el gesto de escribir en palabras, aunque constituyen gestos ontológicamente incompatibles y en parte complementarios, se toman para la presente investigación como una única operación, la de fijar el pensamiento propiamente arquitectónico. Así pues, las lineas y las palabras del proyecto arquitectónico se fijan en un lugar común, que exige determinarse más allá de la neutralidad de cualquier soporte material de fijación. Sobre la superficie del papel, las líneas y las palabras obviamente se retienen, pero es en las profundidades de un medio aun inexplorado donde por esencia se inscriben: las líneas y las palabras del proyecto arquitectónico, aunque registradas sobre la superficie del papel, se inscriben en un medio de otro orden y se con-ponen precisamente gracias a ello. La presente tesis doctoral sostiene que ese medio franqueado por las líneas y las palabras de la doble escritura del proyecto arquitectónico, adquiere las dimensiones de un espacio particular, el que denomina espacio de inscripción. En este franqueado espacio de interpretación, los términos, bajo los cuales se interpreta el proyecto arquitectónico, cambian. En vez de las habituales descripciones del proyecto según sus formas, en el espacio de inscripción la forma pierde su primacía: la figuración y la descripción se suspenden merced a la función indicativa de los signos de la doble escritura hacia el espacio pragmático-arquitectónico. En vez de la dialéctica entre lo icónico y lo verbal, las líneas y las palabras como signos de la doble escritura se consideran sistemáticamente como una misma unidad de significancia, siempre respecto al espacio de inscripción, que se concibe exclusivamente como un espacio del proyecto arquitectónico. Paradójicamente, estos signos se fundamentan en el lugar mismo donde la obra arquitectónica se instala. La investigación gira alrededor de determinados conceptos de referencia, de determinados proyectos de referencia, y un contexto histórico cuyo entrelazamiento estructura el texto de la tesis y el contenido de sus partes. Entre los proyectos de referencia destacan el Danteum de los G. Terragni y P. Lingeri, el Cannaregio de P. Eisenman y el Gran Vidrio de M. Duchamp. Por otra parte, el contexto histórico es fragmentado en imágenes que, arrancadas del continuum histórico de la escritura y de la arquitectura, condensan aquellos cambios significativos respecto a la fijación del pensamiento en general. y particularmente del pensamiento arquitectónico. Se sostiene que cada cambio de la mitografía al alfabeto, la tipografía y los medios digitales, altera las correlaciones entre el expresar y el figurar como estas se registran en el proyecto arquitectónico de cada período histórico. Finalmente, el recorrido que propone el texto de la tesis no se realiza según el orden que impondría la secuencia histórica, ni una enumeración ordenada de autores y proyectos. Al contrario, el texto de la tesis fue formado por un catálogo de palabras acompañado de imágenes y textos, cuya estructura es parecida, finalmente, a la de un glosario. Los artículos de ese glosario, ordenados en torno a conceptos, indican un recorrido entre el material de la investigación, una investigación realizada a la vez que su redacción.

The research deals with the historic center of Barcelona between 1979 and 2011. The period is marked by a continuity of government unique in democratic systems, which has allowed the development of almost complete administrative, urban and cultural processes. The experience of Barcelona has been extensively studied and celebrated. Now, with the period of social democrat administration came to an end and architectural criticism more open to accommodate more scientific readings of that experience, the paper proposes an approach to the Barcelona Model through the study of the regeneration of Ciutat Vella (the historic center of Barcelona). The reasons for this choice are the crucial role that the historical centers have in European cities and in the peculiarities of the transformation of the old city in Barcelona. Parallel to the historical reconstruction , the study deals with the interaction between architecture and politics with respect to management and transformation of the urban reality, taking into account how economic and political globalization, on the one hand, and cultural and technological evolution, on the other hand, have changed the scenery of urban and architectural planning in recent years. The first part is an introduction and gives the coordinates in terms of edition and historic bases indispensable for understanding the thesis. In the second part, the research overviews thirty two years of planning and interventions in Ciutat Vella in a detailed explanation supported by data, documents and experiences. The period 1979-2011 is divided into four stages, treated in four sections: during the 1979-1986 stage, architects and politicians work together to fill the basic urban needs; from 1987 to 1996, the new administrative tools and Olympic success impart a strong acceleration to the renewal; from 1997 to 2004, the transformations reach their acme, thus raising protests and hopes; in the last step 2005-2011 , the architecture focuses on specific problems while the visionary policy fades. In this second part we have eight case studies (presented two at the end of each section) whose story and whose design features are considered to be representative of broader issues discussed in the text. The cases are: the square and gardens Emili Vendrell; square Mercè; the Fossar de les Moreres; the Rambla del Raval; the residences of so-called Porta Cambo; the square of the Vila de Madrid; the square George Orwell; Carrer Joaquín Costa. The third and final part of the work (that of the apparatuses), contains a bibliography and a list of media sources. In th is part there are also three interviews with key people in the transformation process described: novelist Manuel Vázquez Montalbán (met in 2001); former major Joan Clos; architect and politician Itziar González. The thesis takes the transformation of Ciutal Vella during the thirty years of socialist administration as a base to start a broader discussion about the relationship between architecture (cultural and technicalwise), historic city (as a physical and social multi-layered reality) and politics (considered as a combination of program, strategy and management) as a key to understanding the meaning of the contribution that architecture can make to the improvement of the city and society in the new global realities. La investigació tracta sobre les tranformacions urbanes al centre històric de Barcelona, entre 1979 i 2011 . El periode està marcat per una continuïtat de govern única en els sistemes democràtics, que ha permès el desenvolupament gairebé complet de processos administratius, urbans i culturals. L'experiència de Barcelona ha estat àmpliamente estudiada i celebrada. Ara, amb el període d'administració socialista ja acabat i amb una crítica arquitectònica madura per donar cabuda a lectures más científiques d'aquesta experiència. el treball proposa una visió de l'anomenat Model Barcelona a través l'estudi de la regeneració de Ciutat Vella. Les raons d'aquesta elecció són el paper crucial que tenen els centres histórics a les ciutats europees i en les peculiaritats amb què es s'ha realitzat la transformació de la ciutat vella de Barcelona. Paral·lelament a la reconstrucció històrica del procès, la tesi estudia la interacció entre l'arquitectura i la política respecte a la gestió i transformació de la realitat urbana, tenint en compte com la globalització econòmica i política, per una banda, i l'evolució cultural i tecnològica, per un'altra, han canviat el paisatge de l'acció projectual dels últims anys. La primera part és introductòria i es donen les coordenades redaccionals i històriques indispensables per a la comprensió de la tesi. A la segona part, es dona una explicació detallada de trenta-dos anys d'intervencions a Ciutat Vella recolzada per dades, documents i experiències. El període 1979-2011 es divideix en quatre etapes, tractades en quatre seccions: 1979-1986, els arquitectes i els polítics treballen junts per obviar els déficits inicials; de 1987 a 1996, les noves eines administratives i l'èxit olímpic imparteixen una forta acceleració a la reforma; de 1997 a 2004, la intensitat màxima de les intervencions genera esperançes i controvèrsies; des de 2005 fins a 2011 , l'arquitectura s'enfoca en problemes específics mentre que la visionarietat de la política s'esvaeix. En aquesta segona part tenim vuit casos-estudi (presentat dos a dos al final de cada secció), considerats (per la seva história i les característiques del disseny) representatius de qüestions més amplies discutides en el text. Els casos són: plaça i jardins d'Emili Vendrell; la plaça de la Mercè; el Fossar de les Moreres; la Rambla del Raval; les residències de l'anomenada Porta Cambó; la plaça de la Vila de Madrid; la plaça George Orwell; el carrer de Joaquim Costa. La tercera i última part del treball, els "aparati", conté la bibliografia i una lIista de les principals fons. En aquesta part també hi ha tres entrevistes amb persones clau en el procés de transformació descrit: l'escriptor Manuel Vázquez Montalbán (entrevistat al 2001), l'exalcalde Joan Clos i l'arquitecte i polític Itziar González. La tesi es basa en la transformació de Ciutat Vella al llarg dels trenta anys de gestió socialista per proposar una discussió més àmplia sobre la relació entre l'arquitectura (disciplina cultural i tècnica) , la ciutat històrica (realitat irresolta i estructurada en capes físiques i socials) i la política (combinació de programa, estratègia i gestió) com a clau per entendre el significat de la contribució que l'arquitectura pot aportar a la millora de la ciutat i de la societat en els nous escenaris globals.

The thesis investigates the ideological and historical sense of an architecture based on change. Louis XIVs Palace of Versailles provides the thematic framework and serves as the object of investigation. The time frame is centred on the summer of 1701 , which is when the King's Bedchamber is last moved. The Chateau is placed on an east-west axis, giving order to the castle as well as the city and the gardens. The East-West axis is also the solar axis, marking the order of the days. The centrality of the chamber symbolizes the process of centralization characteristic of the advent of the modern state, which Versailles marks the beginning of. The king begins refurbishment on his father's (Louis XIII) castle in 1661 . This means that for 40 years the suceessive king's bedchambers (six in total), have been moved around in search of the proper location. In a way, the new centrality and the interpretations of order and rationality that arise from it form a kind of palimpsest over the original sense of a Versailles as pure transformation. Based on the study of the ancient descriptions of the castle and floor plans of the period, the thesis seeks to make sense of the true ideological and cultural context of a palace initiated in full baroque period France, with a still itinerant king and court (Louvre, Saint-Germain-en-Laye, Fontainebleau, Vincennes, etc.) and which culminates in the emplacement of the king's bedchamber as the centre of the world and symbol of a new rational and centralised state. Much has been said about the order of Versailles , but very little has been said about the disorder. In order to do so one must determine the twists of chance surrounding the displacements of the king's bedchamber, study the official discourse lhrough the descriptions of Versailles by the Ancien Régime and from the administrative documents of the period (the États de la France) which enable us to understand how the royal household worked and was organised. We shall focus above all on Jean-François Félibien's description from 1703: Description sommaire de Versailles, ancien et nouvelle. Apart from being the first book to describe the new king's bedchamber, Jean-Françoisis Félibien composes a strange text consisting of new text blended together with fragments from the description which his father. Thus, that which is intended as a guide becomes a time labyrinth with the reader/visitor wandering through an impossible palace, arising from the blending of two very different Versailles . The thesis is organised in three parts . We begin with the Duke of La Rochefoucauld. As the neighbour below the king's bedchamber he is one of the people most affected by the construction of the final bedchamber. Through his rise within the court, we analyse the meaning of the court and the way it works in relation to the distinct forms that the palace takes on. The second and most descriptive part shows the context of change. The Félibien books, the meaning of the solar axis, the elements used in construction, and also the problem of lodging in Versailles (15,000 people). We discover two great movements: the axis of penetration and transparency and an enormous avenue over half a kilometre long at the first level, veritable public place open to all. The third section proposes a reading of the disorde through an analysis of the official texts describing Versailles in three registers (castle (the place); the États de la France (the users); the feasts (the activities). The discursive disorders the three registers have in common are arranged in parallel to the spatial order of the Versailles of representation (excess, abundance, and chaos). The thesis opens up a long reflection on the disposition of the enfilade; understood here as antiperspective and the definitive crisis of the space of humanism.

The thesis shows the first monographs of Aleix Clapés and Manuel Sayrach, two important individuals of Catalonian culture, whose works were developed between 1880 and 1937; a long period which saw many importan historical events take place which were reflected in their work. These works on their merit alone, deserve a level of careful attention which they have never before received . This is the principal jusfitication of this thesis and the core reason why both bodies of work have been united within the scope of a single study. But there are other important parallels between them : Originality, anachronism, stylish ambiguity and extravagance; common characteristichs that allow us to understand a priori the problems faced by historians when trying to classify and interpret these works : They are such outsiders of the traditional catalogue of modern style that they are paid little attention. Nevertheless, there is another important connection between them : Antoni Gaudi. Competitor, close friend and colleague in important projects for Clapés; while for Sayrach, a mythical and inspirational figure , against whom he contrasted his works and architectural theories.lf we consider the difficulty with which the extraordinarily creative output of Gaudi was taken on board by the traditionally conservative local historiography, then the works of Clapés and Sayrach, being so close both formally and ideologically to those of Gaudi come up against a similar, but even greater, problem in that is not easy to place into the historiography of Catalonian art works that, while eccentric, are also "inferior" to those of Gaudi. For this reason , our theory distances its elf from the conventions of the traditional discourse of modernism with the ¡ntention of getting closer to the historical truth. This new perspective allows the works and their authors to be truly considered artistic productions of great value and worthy of protection. The abundance of mentions and commentaries about Clapés' work in the contemporary press demonstrates that our initial hypotesis was correct: Clapés' place in history is merely a pale shadow of the real individual in his time and in his world . On the other hand , ¡nterest is awakened more and more in "casa Sayrach", the main work of Sayrach which highlights the disconnect between the role given to him by history and the authentic dimension of the individual. Aleix Clapés (1846-1920) and Manuel Sayrach (1886-1937) were born and died in the province of Barcelona. They followed different reative, literary and cultural activities . Aleix Clapés with his pictures , advanced the local syrnbolism and he can be considered expressionist avant la lettre. The preflerence that Eusebi Güell and Pere Mila gave to his pictorial work, expresses de high esteem in which he was held by the Catalonian bourgeois. Clapés also designed the furniture for the entrance and living room for the Ibarz family (1902), the most powerful and beautiful of Catalonian syrnbolism, and in addition , bought and ran the influential magazine publication "Hispania" in its second period (1903). Manuel Sayrach, received the title of architect in 1917, when he had already reformed the family retreat known as "La Torre dels dimonis" (Sant Feliu de Llobregat, Barcelona , 1909-1913) and when he was finishing building the "casa Sayrach" (Barcelona, 1914-1918). Some years later, Sayrach built the "casa Montserrat" (Barcelona , 1926). He also conceived a dramatic project: "Els drames de la llum", from this project Sayrach published "Abelard i Eloïsa" (1919) and "Reigzel" (1920). He entered the field of political ideology with his work "República i Constitució" (1931).

The proposed thesis forms part of the Barcelona model critical analysis frorn a perspective that considers its theoretical formulation and interprets its diffusion, and the role that architecture and tourism play in legitimizing its ¡mage as a brand. The research exam¡nes a novel approach in urban such as city branding .Its central topic is the analysis of the Barcelona case , because it is a city that is among the top tourist destinations and in recent decades has been projected as one of the best cities to live. This is due to the impact of the political, social and urban measures from the eighties and explained as a way of understanding the city under the concept of "Barcelona model". The development ofthe thesis focuses on the one hand, to explain the dynamics of city branding. Its history dates back to the International Exhibitions as the stage where tourism , great urban transformations , iconic architecture and branding brings together for the first time as a concept that aims to identify the industrializad obj ect. It analyzes the context in which branding develops and the dynamics of interurban competition. where the m yth of cultural identity takes center stage for the development of ideologies about democracy and public space. It studies the contextual elements that formulate and legitimize the city as a brand, for which the paradigm is the "I? NY" . Furthermore, this thesis focuses on the particular case of Barcelona since the Spanish Transition, with the Universal Exposition of 1888, the International Exhibition of 1929 and the Intemational Eucharistic Congress in 1952 as a clear background, establishing a " great events logic" related to urban transformation and the projection of the image of this city internationally. The analysis of this case proposes, first, the various meanings of the Barcelona model, from its early theoretical formulations to its multiple interpretations and criticisms that have pointed it out in crisis and directly related to the rise of new practices related with city branding . Due to this , the development of the analysis is divided into two parts : one of the promotion of the Barcelona model as a measure of legitimizing a political project that has its most tangible manifestation in the planning of the city, and the other is about the projection of the Barcelona brand as the result of a sum of good urban practices that have been recognized moving toward management and capitalization of its most iconic cultural elements . Both through the analysis of several campaigns that were spreading from 1980 to 2010. The thesis also summarizes the various moments in Barcelona that promotes citizen complicity and makes a comparison showing the leap to a "externalization" of its branding . Shows its influence in other cities as a model and the importance of adopting the campaign "Barcelona posa't guapa" to protect and project the architectural heritage.

El origen y desarrollo de algunas de las culturas preindustriales más importantes del mundo se basó en la aplicación de estrategias sostenibles para la gestión de los recursos hidráulicos. La investigación en el siglo XX describió estas culturas bajo el epígrafe común de “sociedades hidráulicas”, olvidando en ocasiones la enorme diversidad de soluciones técnicas que aplicó cada cultura en su relación con el medio natural. Esta Tesis Doctoral pretende retomar el estudio de estas “sociedades” en los territorios americanos a partir del caso de Cusco, capital del Estado inca. Agua y forma urbana en la América precolombina: el caso del Cusco como centro del poder Inca busca poner en el contexto americano las determinantes y las actuaciones que hicieron de esta ciudad un hecho planeado, un caso que entronca con la larga tradición andina de trasformación del territorio vinculada a las sociedades agrarias extensivas, primero en la costa y luego en la sierra. La fundación del Cusco implicó la reorganización completa del medio natural en el valle del río Watanay. El conjunto de estrategias aplicadas en la gestión del agua marcaron la definición formal no solo de su Centro Representativo sino del gran aglomerado urbano que constituyó la capital del Tawantinsuyu. El sinnúmero de obras ejecutadas, si bien transformaron el valle, no pusieron en riesgo su equilibrio natural. Las labores de saneamiento de tierras, canalización de torrentes, y construcción de terrazas y asentamientos garantizaron de manera equilibrada con los recursos hídricos del valle, el sostenimiento del aparato de la capital del Estado inca. Sabemos que el caso del Cusco es ejemplo de un proceso cultural milenario. Para comprender las raíces de este fenómeno es necesario hacer un recorrido en la historia a través de los cambios naturales del valle del Cusco, sus primeros habitantes, las sociedades que lo habitaron antes de los incas y la aparición y expansión de éstos del nivel regional al continental. Profundizaremos en la reconstrucción del Centro Representativo del Cusco como ejemplo de sacralización a gran escala de un espacio, y como hecho vertebrador de la estrategia del agua a nivel de toda la cuenca. El diseño de dicho Centro creó un marco específico, ligado a lo sagrado, para los eventos naturales como expresiones de seres inmortalizados en la naturaleza. Manantes, rocas, ríos y montañas condicionaron las relaciones espaciales a todos los niveles; eran referentes, secuencias ceremoniales, límites y memoria. El caso del Cusco inca ilustra una forma de pensamiento que entendía el medio natural no solo como el contexto para el desarrollo de una actividad, sino como el propiciador en sí mismo de las actividades humanas: un ser con el se establecía comunicación a través de las expresiones físicas de la intervención humana, premisa bajo la que se estructuraría la vida a todos los niveles. El estudio sobre la gestión del agua en la América precolombina ha girado entorno al nivel tecnológico alcanzado por las sociedades preindustriales. Pero el éxito de esta empresa no radicó simplemente en una premisa tecnológica. A lo largo de este trabajo veremos cómo dicho avance fue fruto de un milenario contexto cultural; su cosmovisión permitió incorporar, a todos los niveles, patrones de comportamiento y organización basados en el entendimiento del medio como expresión de su propio ser. Sin esta “empatía” con el contexto natural, hubiera sido muy difícil que estos pueblos generaran respuestas que hoy podemos calificar de ingeniosas, responsables y respetuosas con el medio. El caso del Cusco es solo uno entre los muchos que pueden ser estudiados en el contexto Americano. Por esta razón, y a manera de reflexión final incorporamos a la discusión un breve repaso por diferentes culturas que, cada una en su propio y particular medio natural, supieron generar una verdadera simbiosis (hombre-obra-medio) y dieron respuesta a los retos de la naturaleza de manera ingeniosa y sofisticada, Origin and development of some of the world's most important pre-industrial cultures was based on the application of sustainable strategies for the management of water resources. Research in the 20th century described these cultures under the common heading of "hydraulic societies", occasionally forgetting the enormous diversity of technical solutions applied by every culture in its relationship with the natural environment. This dissertation aims to return to the study of these "societies" in American from the case of Cusco, capital of the Inca State. Agua y forma urbana en la América precolombina: el caso del Cusco como centro del poder Inca (Water and urban form in pre-Columbian America: the case of Cuzco as Center of Inca power) seeks to put in the American context determinants and actions that made this city a planned event, a case that connects with the long Andean tradition of transformation of the territory linked to extensive agrarian societies, first on the coast and then in the sierra. The foundation of Cusco involved the complete reorganization of the natural environment in the Valley of the river Watanay. The group of strategies applied for water management marked the formal definition not only of its Representative Center but also the great urban aggregate that constituted the capital of Tawantinsuyu. The number of executed works although transformed the Valley do not put at risk its natural balance. The work of land drainage, torrents channelling and construction of terraces and settlements guaranteed in a balanced way with the water resources of the Valley, the maintenance of the apparatus of the capital of the Inca State. We know that the case of Cusco is an example of a millennial cultural process. To understand the roots of this phenomenon it is necessary to make a journey in history through the natural changes of the Valley of Cusco, its first inhabitants, the societies that lived before the Incas and their emergence and expansion from regional to continental. We will go in depth in the reconstruction of the Representative Center of Cusco as an example of sacralisation of a space, and as a unifying fact of the strategy of water at the entire basin level. The design of the center created a specific framework, linked to the sacred, to natural events such as expressions of beings immortalized in nature. Springs, rocks, rivers and mountains influenced the spatial relationships at all levels; they were references, ceremonial sequences, limits, and memory. The case of Inca Cusco illustrates a way of thinking, understanding the natural environment not only as the context for the development of an activity, but as the facilitator in itself of human activities: a being with who it was possible to established communication through physical expressions of human intervention premise under which life at all levels would be structured. Study on water management of in pre-Columbian America has turned around to the technological level reached by pre-industrial societies. But the success of this enterprise did not simply rely on a technological premise. Throughout this dissertation, we will see how this progress was the result of a millennial cultural context; their world view allowed them to incorporate, at all levels, patterns of behaviour and organization based on the understanding of the environment as an expression of their own being. Without this "empathy" with the natural context, it would have been very difficult for these peoples to generate answers that today could be described as clever, responsible and respectful with the environment. The case of Cusco is only one among the many that can be studied in the American context. For this reason, a final reflection add to the discussion a brief review of different cultures which, each in its own particular natural environment, were able to generate a true symbiosis (human-work-environment) and responded to the challenges of nature of ingenious and sophisticated way.

The "Material Architectures" PhD thesis is comprised of five parts: 1- An introduction to the formulation and the objective of the PhD thesis . I.e. an interrogarion of the qualities of Matter in the configuration of Form . 2- Devoted to understanding Matter and its involvement in the making of architecture. 3- An analysis . reflections and extraction of concepts from seven selected works of Peter Zumthor. 4- The conclusions . 5- An epuilogue. The Ihesis is structured as follows : 1.- The first part expounds the genesis of the interrogation. namely the interest in understanding the planning process with Matter in "oposition" to a proliferation of "visual" architecture. The interest in Matter is focused through its participation in architectural Form . In the socalled "Material Architectures" the presence of Matter is embodied in the project's premise; a fact attributed to the momentum of the "intellectual approach" to Matter. the main objective of the research. and which the conclusions must account for. 2.-The second part is a preparation for the "momentum of the approach". To this end, the fields of understanding of the subject are reviewed. This is addressed through some basic concepts. The core premises are based on acceptance of the structural nature belween Matter and Form . On the basis of this consideration. the research explores two reference fields: Language and Space. regarding Language. the equivalences between architectural form and linguistic propositive structures are shown. The objective is to endorse the application of certain concepts from the field of poetic imagination and semiology. Wlth regard to Space, some basics on the idea of "topoi". spatial patterns and systems of representation are expounded. The aim is to introduce the terms applied in the analysis of lhe selected works . Following the exposition of the reference fields, two blocks are devoted to Ihe Matter in question; the first one is devoted to knowledge of the matter as such, and the second to its value throughout historical thinking. The first block is divided into four cognitive sections. Physics, Morphology, Metaphysics and Phenomenology. The second block comprises a brief historical overview of how Matter has been approached in the different periods of Architecture. 3.- Following the introductory chapters, the body of the research is developed in the third parlt The seven works chosen are addressed in three blocks : The Shelters (Chur and Kolumba). The Chapels (Saint Benedegt an Bruder Klaus) ant The Diaphragms (Luzi House. Vals an Bregenz). Strictly speaking, they have not been grouped chronologically or thematically. but rather in such a way as to provide the possibility of extracting ideas and concepts about the approaches . By way of a preview to illustrate these relationships, we might say that The Shelters explores the contribution of Matter to the inauguration of a "place"; The Chapels explores the relationship between Phenomenology and Matter. largely propitiated by the transcendence of the commision; and finally, The Diaphragms group deals with the relations hip between Matter and its "topological potential" 4.- The fourth part contains the conclu sions of the thesis . This phenomenon propitiates the identification of so-called "coordinates of approach to Matter" The thesis shows that, just like when we approach a place we so so in the basis of spatio-temporal parameters, similarly, when we approach Matter "intellectually". we do so using other calegories : Topology. Phenomenology and Physicality are revealed as the "coordinates of approach to Matter". And consequently. as the final conclusion of the thesis and as the intended contribution to the Project Theory.Thus, the "MATERIAL ARCHITECTURES" tille indicates architectural embodiments wich reveal the conclusions drawn in the PhD thesis . 5.- The fifth part is an epilogue by the author of the research. Broadly speaking, this is the document's roadmap.

Descripció del recurs : 22 de gener de 2014 A la coberta: Departament de Projectes Arquitectònics, Escola Tècnica Superior d'Arquitectura de Barcelona, Universitat Politècnica de Catalunya, BarcelonaTech Esta publicación recoge los trabajos de los grupos con horario de tardes de las asignaturas “Bases para el proyecto I y II” de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona durante el año académico 2010–2011: enunciados de ejercicios, algunos ejemplos de esos ejercicios y las diferentes lecciones que se dictaron durante el curso con la excepción de las que ya se habían dado el curso anterior. La selección de estos trabajos se ha hecho con varios criterios: desde su disponibilidad hasta las condiciones para su reproducción. El criterio principal no ha sido el de la calidad de los ejercicios, y hemos intentado recoger trabajos diferentes entre sí. Por tanto, si alguien no encuentra algún trabajo que creyera que debiera estar aquí, que no se enfade. Muy probablemente no esté por un error nuestro, por el que le pedimos que nos disculpe. Este segundo volumen sigue y completa a Proyectos I y II. Ejercicios y lecciones. Curso 2009–2010, editada por Elías Torres en 2012 en la misma editorial: Iniciativa Digital Politècnica de la Universitat Politècnica de Catalunya (UPC) Barcelona Tech.

La tècnica (el seu poder transformador, però també la fascinació que produeix) és al centre dels debats culturals de principis de segle XX, també als de l'arquitectura. Així, en el cas català, dins del programa cultural noucentista la tècnica jugarà un paper nuclear en la seva tasca modernitzadora i "civilitzadora". Per a copsar l'impacte d'aquestes idees, la tesi desenvolupa tres eixos de recerca paral·lela: a/ sobre l'utillatge mental de l’arquitecte (la seva formació, la recepció del debat forà en revistes i congressos internacionals o l'excursionisme); b/ sobre l’imaginari col·lectiu del catalanisme (el fet vernacle en la transformació del camp català, les propostes per a una "casa" per a la classe mitja i el darrer resplendor d'una arrelada "construcció catalana") i la seva acció política (els conflictes entre noves i velles institucions); c/ sobre la transformació del sector de la construcció (el taylorisme, la introducció del formigó armat i l'assimilació de les estructures d'entramat). En resum, entre 1903 i 1929 es produeix una profunda modernització tècnica de l’arquitectura, malgrat la seva empremta hagi estat mig esborrada pels fets polítics posteriors (dues dictadures i una guerra) i el llarg cicle econòmic depressiu 1929-1952., La técnica (su poder transformador, y aún más la fascinación que genera) está en el centro de los debates culturales de principios de siglo XX, también en los de la arquitectura. En el caso catalán, en el marco del programa cultural "noucentista" la técnica jugará un papel nuclear en su misión de modernización y de "civilización". Para medir el impacto de estas ideas, la tesis desarrolla tres ejes de investigación paralela: a/ sobre el utillaje mental del arquitecto (su formación, la recepción del debate exterior en revistas y congresos internacionales o el excursionismo); b/ sobre el imaginario colectivo del catalanismo (el hecho vernáculo en la transformación del campo catalán, las propuestas sobre una "casa" para las clases medias y los últimos destellos de una enraizada "construcción catalana") y su acción política (los conflictos entre nuevas y viejas instituciones); c/ sobre la transformación del sector de la construcción (el taylorismo, la introducción del hormigón armado y la asimilación de las estructuras de entramado). En resumen, entre 1903 y 1929 se produce una profunda modernización técnica de la arquitectura, aunque su huella haya sido medio borrada por los hechos políticos posteriores (dos dictaduras y una guerra) y el largo ciclo económico depresivo 1929-1952., Technique (with its power to transform and the fascination it produced) was at the centre of cultural debates and those concerning architecture at the beginning of the twentieth century. Within the framework of the cultural programme of "Noucentisme" in Catalonia, technique was to play a fundamental role towards modernization and social and cultural development. For a better understanding of the impact these ideas yielded, the thesis develops three lines of parallel research: a/ on the mentality of the architect (his formative years, the acknowledgment of the debate taking place abroad through magazines and international conferences or through scientific outings); b/ on the collective representations of the Catalan identity (the vernacular facet in the transformation of the Catalan countryside, the proposals for a "house" for the middle class and the final rays of a deep rooted "Catalan construction") and its political action (the conflicts between the new and the old institutions); c/ on the transformation of the construction sector (Taylorism, the introduction of reinforced concrete and the assimilation of the steel skeleton). To sum up, between 1903 and 1929 a profound modernization in architectural technique took place despite the fact that many of its signs have been partially erased by the political events that followed (two dictatorships and a war) and a long period of economic depression between 1929-1952.

La historia de la conciencia del cuerpo en la arquitectura y las artes, desde los asclepeiones griegos hasta los hospitales modernos, fue consolidada por la investigación anatómica y desarrollada con mayor precisión en arquitecturas destinadas al saber del cuerpo: los teatros anatómicos. Estos espacios fueron organizados entorno a la disección anatómica, centralizados en el cadáver, y oscilaron entre el ocultamiento y la pública escenificación de la performance anatómica, cobijando desde el hombre renacentista hasta el higienista hombre ilustrado. Esas arquitecturas reflejaban las ambiciones de los anatomistas o cirujanos que las gestaron, pero además reflejan el espíritu del tiempo en cuanto a su diseño. Mediante tres obras de arquitectura situadas entre los siglos XVI y XVIII, se puede comprender el medio donde se desarrollaron estas escenas de producción en torno a la conciencia del cuerpo y de su espacio: en Padua, con el anfiteatro gestionado por Girolamo Fabrici d’Acquapendente y atribuido a Dario Varotari; en Barcelona, ejecutado por Pere Virgili y Ventura Rodríguez; y en París, erguido gracias a Germain Pichault de La Martinière y Jacques Gondoin, The history of body consciousness in the architecture and the arts, since the Greek asclepieion to modern hospitals, was strengthened by the anatomical research and developed more accurately in the architecture for the knowledge of the body: the anatomical theaters. These spaces were organized around anatomical dissection, based at the corpse, and ranged between concealment and public staging of the performance anatomy, sheltering from the renaissance man to the hygienist illustrated man. These architectures for theaters reflected the ambitions of the anatomists or surgeons who originated them, but also reflect the spirit of the times in terms of design. By three works of architecture located between the sixteenth and eighteenth century, is possible to understand the context in which these scenes were developed around the production of body consciousness and its space: Padua, with the amphitheater negotiated by Girolamo Fabrici d’Acquapendente and attributed to Dario Varotari; Barcelona, executed by Pere Virgili and Ventura Rodriguez, and Paris, build by Germain Pichault de La Martinière and Jacques Gondoin.

In the last decade of the 20th century, profound social and urban changes took place in the ports of Iquique and Pisagua, in northern Chile. This meant the advent of a new mindset which was modern, liberal and marked by relations imposed by the capitalist model. They were new cities, different from the Spanish-colonial root, without foundation date or military-management strategy. They arose without links to the past, organized by a new institution formed by liberal politicians, business people and enlightened businessmen, and with the sole purpose of fulfilling the role assigned by modern technique of commercial nexus and services in the product flow of nitrate explotation. It is there, where a theater that hosted the aspirations and social conventions of the ruling class was built. It was the economic boom of the nitrate cycle, where opulence was the attitude that characterized the society at that time, promoting the construction of buildings that recalled the great European theaters, hosting the refinement of social events and lyric-dramatic singing entertainment. Thus the nitrate towns joined the route of the major theater companies in their journey through the world, giving both European immigrants that settled in these desert land and locals, representative of the ruling elite, to reproduce the social and cultural European world. So the theaters were prominent landmarks of the city, as a testimony of that time, and showing the golden past of the nitrate economic boom period. In parallel, the emergence of the working class and social crisis, marked the social and cultural process of the boom phase of nitrate cities with special features. It was on the opposite scenario where another phenomenon emerged, linked with socio-spatial transformations associated with the industrial era, the development of the working class. A process that spread from Europe to America by the cities that were adhering to the industrialization process. The massive concentration of workers in the nitrate offices was the substrate for the origin and expansion of the labor movement that was born in the struggle for its social demands. It was also the basis for the development of guild and mutual associations which were accompanied by illustrated movements that saw in education and culture, the solution to overcome the state of deprivation in which they lived. Thus, the forms of social organization and representation, with the spread of theatrical performances, with operettas and farces, with philharmonics and estudiantinas. It is there where an inner transgressive theatrical endeavour arose, and moved away from conventional buildings of the ruling class and stuck to the mutual and philanthropic societies, building a testimony that was highlighted not by material but by their works. In this definition of context, the crisis that marked the end of the nitrate cycle indicated the decline of the bourgeois theater which disappears with the ruling classes that leave the cities and nitrate offices. However, the theater that emerges is reinvented and represents the middle and lower classes. Until that time, these classes were away from the stage. This process will be supported by the welfare state promoting the creation of new spaces for performances, and by the strengthening of a national theatre. The hypothesis raised focused the study on the imaginary of modernity and its catalytic spread, of improvement by the sake of improvement. At the same time, the partial vision that triggered modern thinking validated the idea of a bounded world of relationships, ignoring the multiplicity of processes that constitutes it. The history of theater in Chile is related to the social history of the process of the occupation of space, inseparable, like all processes in space and time, of the multiple existing links between political, economic, and cultural factors that are expressed in a spatial taxonomy of accumulation, production and space occupation., En la última década del siglo XIX afloraron en los puertos de Iquique y Pisagua, en el norte de Chile, profundas transformaciones sociales y urbanas dando cuenta de la instalación en la sociedad de una nueva mentalidad, moderna, liberal y marcada por las relaciones que impuso el modelo capitalista. Eran nuevas ciudades, distintas a las de raíz hispano-colonial, sin fecha de fundación ni afán de estrategia administrativa-militar. Surgieron, sin recurrir al pasado, organizada por una nueva institucionalidad formada por políticos liberales, empresarios e ilustrados hombres de negocio, y con el sólo objeto de cumplir con el rol que la técnica moderna le asignaba, la de nexo comercial y de servicios en la circulación del producto de la explotación del recurso del salitre. Es allí donde surgió un teatro que acogió las aspiraciones y convenciones sociales de la clase dirigente. Se vivía el periodo de auge económico del ciclo del salitre, donde la opulencia fue la actitud que caracterizó a la sociedad en aquel momento, amparando la edificación de salas, que rememoraban a los grandes teatros europeos, acogiendo el refinamiento del evento social y del espectáculo del canto lírico y dramático. De este modo las ciudades del salitre se integraron al itinerario de las principales compañías de teatro en su periplo por el mundo, concediendo tanto a migrantes europeos que poblaron estas tierras desérticas como a los nacionales, representantes de la elite dirigente, para que reprodujeran el mundo cultural y social europeo. Las salas de teatro quedaron así, en sitios destacados de la ciudad, como testimonio de aquella época, dando cuenta del pasado portentoso que se vivió alrededor del auge económico del salitre. En forma paralela, la emergencia de la clase obrera y la crisis social marcó con un selló el proceso social y cultural de la etapa de auge de las ciudades del salitre. Fue en el escenario opuesto donde surgió otro fenómeno socio-espacial asociado a las transformaciones de la era industrial, el desarrollo de la clase obrera. Un proceso que se expandió desde Europa hacia América, por las ciudades que fueron adhiriendo al proceso de industrialización. La concentración masiva de trabajadores en las oficinas salitreras fue el sustrato para el origen y expansión del movimiento obrero, que nació en busca de sus reivindicaciones sociales. Asimismo, fue la base para el desarrollo de la asociatividad gremial y mutualista, la que estuvo acompañada por movimientos ilustrados que vieron en la educación y en la cultura la forma de superación del estado de postración en que se encontraban. En ella, las formas de organización y representación social actuaron a través de las cofradías de la Fiesta de la Tirana, con el teatro que se fue masificando, con zarzuelas y sainetes, con filarmónicas y estudiantinas. Es allí donde surgió un quehacer teatral interiormente transgresor, que se alejó de los edificios convencionales de la clase dirigente y se apegó al de las mutuales y sociedades filantrópicas, edificando un testimonio que no se destacó por lo material sino por sus obras. En esta delimitación del contexto, la crisis que marcó el fin del ciclo del salitre señaló el declive del teatro burgués, el que desaparece con las clases dirigentes que abandonan las ciudades y oficinas salitreras. No obstante, el teatro que se reinventa y emerge es el que representa a las clases media y populares, hasta ese momento, las clases alejadas de los escenarios. Un proceso que va a estar sostenido por el estado benefactor con el apoyo a la creación de nuevos espacios de representación, y por el afianzamiento de un teatro con carácter nacional, que tomando cuerpo en la zona central del país, va a llegar a un punto de auge con la llamada “Etapa de Oro” del teatro chileno, y que va a irradiar hacia las regiones. La hipótesis levantada centró su estudio en el imaginario de la modernidad y en su propagación catalizadora, de la superación por la superación. A la vez, la visión parcializada que impulsó el pensamiento moderno instauro la idea de un mundo acotado de relaciones, desconociendo la multiplicidad de procesos que la constituyen. La historia del teatro en Chile se relaciona con la historia social de los procesos de ocupación del espacio, inseparable, como todo proceso en el espacio y en el tiempo, de los múltiples vínculos existentes entre procesos políticos, económicos, y culturales que se expresan en una taxonomía espacial, de acumulación, producción, y ocupación del espacio.

This PhD Dissertation studies the process of construction of the modern Montserrat after the Napoleonic destruction of the old shrine-monastery and its disendowment in 1836, and shows how this process was not the reconstruction or restoration of the old destroyed monastery but the construction, or the "invention", of a new one. This process was initiated in 1844 when the shrine was reopened and was developed until the first half of the 20th century in parallel to the definition of the contemporary Catalonia and Spain. Therefore, and understanding the modern Montserrat is the result of the complex interaction between all the agents who are implied in its construction process, the dissertation addresses in eighteenth chapters the main themes and the individuals and groups who intervened in it. These eighteen chapters are in turn structured into five groups according to the major alterations in the equilibrium of influences between the agents involved in the process at each moment. The first group of chapters specify the ¿architectural, political and social- problems of the first works, as well as the decisive intervention of Victor Balaguer and his attempt to define a Montserrat symbol "for all" within the wide national and federal symbolic universe he created; an interpretation based on the romantic approach to the mountain defined in good part during Humboldt's visit in 1800. Balaguer's intervention was centered in the valuation of gothic architecture and in the first attempts to define an architectural project; but it was frustrated with the end of the reign of Amadeo I, and the federal dream. It was then when was defined the first culture of the catalanism, and when the "group of Vic" take a step and alter, with their "patriotic-religious campaigns", Balaguer's symbolic construction to their own advantage, what carried out the definition and valuation of Romanesque architecture, as well as the definitive popularization of the mountain. The second group of chapters, then, studies the intense symbolic construction of the mountain that takes place during the end of the 19th century as the consequence of the tensions generated by the campaigns of the "group of Vic". The construction of the rack-and-pinion railway, the rosary monuments, the panorama in the Exposition of 1888, the architecture of Gaudi and others, or the popular reproductions of the mountain, are some of the cases analyzed. The architectural consequences that this symbolic construction had over the construction process are analyzed in the third group of chapters that culminates with the general project defined by Puig i Cadafalch. That incorporates the unique mountain as an element of project and it goes well beyond the dilemma on styles. But despite the construction of this project was initiated, it was never completed due to the Spanish Civil War. The fourth group of chapters is only one chapter that makes a brief digression on Montserrat and the Western modern cultural construction of the mountain together with its relation with the 18th, 19th, and 20th centuries' architecture. The fifth and last group of chapters returns to the chronological order and studies the process of construction during the first years of Franco's dictatorship, as well as the projects that were done then. And that failed due to the changes that took place after the "Enthronement festivities" of 1947; and that provoked the definitive wreck of the architectural construction of the modern Montserrat. Finally, the epilogue raises some of the most important questions the dissertation makes evident, emphasizing the importance that tourism and modern mass mediums had during all over the process, and how Montserrat, in a wider context, is a paradigmatic example of modern heritage-making processes. The annex contains the cataloguing ¿by the author- of all the documents forming the "Architectural Archive of Montserrat" and that, together with other materials, are analyzed in the dissertation.

Premi extraordinari doctorat curs 2011-2012, àmbit d’Arquitectura, Urbanisme i Edificació Desde la crisis que experimentó la cultura europea a finales del siglo XIX en el lenguaje de las artes, las correspondencias entre arquitectura y literatura que se formulan alrededor del estudio micro histórico de la gestación de las Duineser Elegien (1912-1922) de Rainer Maria Rilke, plantean un triple interrogante: ¿existe un origen a la figura del ángel en el mencionado ciclo? ¿Qué arquitecturas acogen su presencia? ¿Es dicha presencia un pretexto del poeta para reformular los límites de la mirada del hombre a través del lenguaje? Hasta el momento, como respuesta a la primera cuestión, tres tesis avalaban un posible origen dispar a la presencia del ángel en el ciclo de Duino. La primera, presentada por el jesuita Jaime Ferreiro Alemparte, defendía un origen místico y literario a la figura alada. La segunda, del investigador japonés Ito Takatatsu, sostenía su origen desde las representaciones pictóricas de El Greco. Y una última, defendida por Helmunt Naumann, encontraba en Chartres el origen primordial de dicha figura. Literatura, pintura y arquitectura se articulaban como tres de las materias desde las que Rilke construyó un imaginario poético en el que “el ángel de las Elegías no tenía nada que ver con el ángel del cielo cristiano”. Es en la carta de 13 de noviembre de 1925 en la que Rilke, una vez concluido el ciclo, parece querer transmitir a Witold V. Hulewicz el sentido último de éste: “el ángel de las Elegías es esa criatura en que aparece ya cumplida la transformación de lo visible en invisible que nosotros realizamos”. ¿No es tarea del lenguaje transformar la realidad visible del mundo en invisible a través de las palabras? No es de extrañar que las arquitecturas que acogen la presencia del ángel en el ciclo sean precisamente eso: palabras. Atender a la raíz estructural de las arquitecturas que recorrían cada una de las fuentes del ángel en las Elegías, respondía al segundo interrogante, y suponía someter tales secuencias arquitectónicas al orden cronológico de su gestación. Diez años que vieron nacer una nueva imagen del mundo. Así, una primera etapa de creación, entre enero y marzo de 1912 en el Castillo de Muzot, acogerá desde los textos místicos una arquitectura celestial, que como imagen interior, corresponde a la estructura circular de un tiempo eterno: son las arquitecturas de la I y II Elegía, junto a fragmentos de la VI, la IX y la X. Una segunda etapa, ya en tierras españolas por noviembre de 1912, constataba a través de la experiencia de la pintura la necesaria nupcia entre el cielo y la tierra, y las palabras que hasta entonces generaban un espacio a interpretar desde un tiempo Sub Specie Aeternitatis, son ahora vistas como un tránsito tras la caída: son las arquitecturas de la III Elegía junto a fragmentos de la X. Estructuras que insisten en la profunda crisis que sufre la mirada del poeta frente a la transitoriedad del mundo, y que arrojarían a Rilke a la más estéril improductividad. No sería hasta febrero de 1922 cuando, encerrado en el torreón de Muzot, culminaría el ciclo de Duino: son el umbral de la V y VII Elegía, junto al final de la IX y X. Y el tiempo solar como devenir, movimiento, sombra y muerte encontraba en Chartres su primera estructura de la inversión. Le seguiría Munich, ciudad en la que la tradición oriental operaba con fuerza, y de ella un mundo nunca más dual. Los límites de la mirada del hombre a través del lenguaje quedaban entonces reformulados. Auguste Rodin, Alexander von Bernus, Karl du Prel, Georg Simmel, Sigmund Freud, Rudolf Kassner, Paul Klee, Hermann Haller, Lotte Pritzel, Hugo von Hofmannsthal, Frank Kafka o Paul Valéry constituyen algunos de sus compañeros de viaje. El guía no fue otro que el ángel. Y el espacio y el tiempo tanto para la poesía como para la arquitectura del futuro, aquél que media hacia la última acepción de la expresión rilkeana "Das Offen" (lo abierto) en su obra: la estética de un nuevo umbral de la creación quedaba así constituida. Ever since the crisis experienced by European culture in the late nineteenth century in the language of the arts, the correlation between architecture and literature formulated around the micro-historical study of the gestation of Duineser Elegien (1912-1922) by Rainer Maria Rilke, poses a threefold question: is there an origin to the figure of the angel in this cycle? Which constructs include his presence? Is that presence a pretext for the poet to reformulate the boundaries of man's viewpoint through language? Thus far, in response to the first question, three disparate theses support a possible origin for the presence of the angel in the Duino cycle. The first, presented by the Jesuit, Jaime Ferreiro Alemparte, defended a mystical and literary origin for the winged figure. Second, the Japanese researcher, Takatatsu Ito, claimed its origin was from the pictorial representations of El Greco. Lastly, the theory defended by Helmut Naumann, found the primary source of that figure in Chartres. Literature, painting and architecture were laid out as three of the subject areas from which Rilke built a poetic mindset in which, ¿The angel of the Elegies had nothing to do with an angel from the Christian Heaven? It is in the letter dated 13 November 1925 in which Rilke, having completed the cycle, seems to wish to convey to Witold V. Hulewicz the ultimate meaning of this figure, ¿The angel of the Elegies is that creature in which the now complete transformation of that which we have visibly created becomes that which is invisible.? Is it not language's task to transform the word's visible reality into something invisible through words? It is no wonder that the architectures that include the presence of the angel in the cycle are just that: words. The second question was answered by addressing the structural roots of the architectures that ran throughout each of the sources of the angel in the Elegies, and supposed submitting those architectural sequences to the chronological order of their gestation. Those ten years saw the birth of a new image of the world. Hence, a first stage of creation, between January and March 1912 at Duino Castle, will host, based on the mystical texts, a celestial architecture that, as an interior image, corresponds to the circular structure of an eternal time: they are the architectures of Elegies I and II, along with fragments from Elegies VI, IX and X. A second stage, and now on Spanish soil in November 1912, he observed through experiencing painting the necessary marriage between heaven and earth, and words that, until then, created a space for interpreting from a time "Sub Specie Aeternitatis" are now seen as a transition after the fall. They are the architectures of Elegy III together with fragments from Elegy X. They are the constructs that emphasize the profound crisis of the poet's point of view when facing the transience of the world, which would cast Rilke into completely sterile unproductiveness. It was not until February 1922 when, closed in the tower of Muzot, the Duino cycle would culminate. They are the threshold of Elegies V and VII, together with the end of Elegies IX and X. And it was solar time as transformation, movement, shadows and death he found in Chartres his first structure of reversal. Later he came to Munich, a city in which Eastern tradition ran strong, and from it a dual world no more. The limits of man's viewpoint through language were then reshaped. Auguste Rodin, Alexander von Bernus, Karl du Prel, Georg Simmel, Sigmund Freud, Rudolf Kassner, Paul Klee, Hermann Haller, Lotte Pritzel, Hugo von Hofmannsthal, Frank Kafka and Paul Valéry are some of his fellow travellers. The guide was none other than the angel. And space and time both for poetry and for the architecture of the future, one that mediated to the last meaning of the rilkeana expression Das Offen (The Open) in his work: the aesthetics of a new threshold of creation was thus established. Award-winning

L’objectiu és determinar què era l’església del monestir de Sant Pere de Rodes en el seu primer estatacabat per a qui la vagi concebre i dirigir. N’hem manejat la historiografia i les dificultats de veure’n la forma, aixecat plànols, trobat la unitat de mesura, estudiat les dimensions en relació amb els coneixements de proporció del moment i les descripcions dels edificis bíblics, seguit les variacions durant la construcció, contextualitzat el vocabulari, descrit l’estructura espacial i el programa iconològic. En resulta que per haver concebut, elaborat i construït l’església calien el quadrivi, la Bíblia, la idea dels sentits múltiples establerta per l’exegesi i un coneixement poc o molt analític d’arquitectura romana i d’arrel romana; i la capacitat de treure’n criteris de decisió de rang equivalent; les columnes superposades de la nau són el moment fort de la constitució de l’edifici en lloc., The aim is to establish what the nature was of the church of the monastery of Sant Pere de Rodes for those in charge of its conception and actual construction when the building was first considered complete. We have examined the historiography and the difficulties encountered in describing the form of the church, measured the building, drawn new plans, found the unit used, related the dimensions to contemporary knowledge on proportion and biblical descriptions, followed changes during the building process, put the vocabulary in context and described both the spatial structure and the iconological program. The church could neither have been conceived, developed nor built without the quadrivium, the Bible, the exegetical idea of multiplicity of senses and an analytical knowledge of Roman or Romanbased architecture; nor without the ability to get equivalent decision criteria from all of them. The superimposed columns make the building into a place.