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In this article, I propose a relationship between the modern notion of ruin and a set of specific photographic representations of New York City during the first two weeks of impact from the Covid-19 pandemic. The body of images analyzed is composed of a group of pictures published on the front page of The New York Times during March 2020. This set of pictures has been chosen as representative of a photographic genre that I call «pictures of what is not there», characterized by the depiction of city landmarks emptied of people as a direct consequence of the pandemic. To analyze the common aspects of the aforementioned genre and the depictions of ruins popularized in Europe during the 17th and 18th centuries —the early modern period— I resort to Aby Warburg’s notion of «visual survivals'', identifying anachronistic cultural recurrences that are key to our reflection upon the present moment. En este artículo propongo una relación entre la nociónmoderna ruina y determinadas representaciones fotográficas de la ciudad de Nueva York durante las primeras semanas de impacto de la pandemia de covid-19, en marzo de 2020. El corpus de imágenes está constituido por fotografías publicadas durante este periodo en la portada del diario The New York Times, seleccionadas por considerarlas representativas de un género fotográfico que denomino de lo que no está. Este género se caracteriza por representar espacios referenciales de la ciudad (casi) vacíos de personas. En mi análisis, identifico aspectos comunes entre este género y las representaciones de ruinas popularizadas en Europa durante los siglos XVII y XVIII, los momentos iniciales de la modernidad. Para establecer estos vínculos me baso de la noción de «supervivencia» acuñada por Aby Warburg, la cual permite identificar reapariciones culturales anacrónicas —inesperadas— que ofrecen claves para reflexionar sobre el presente.&nbsp

RESUMEN En este artículo propongo una relación entre la noción moderna de ruina y determinadas representaciones fotográficas de la ciudad de Nueva York durante las primeras semanas de impacto de la pandemia de covid-19, en marzo de 2020. El corpus de imágenes está constituido por fotografías publicadas durante este periodo en la portada del diario The New York Times, seleccionadas por considerarlas representativas de un género fotográfico que denomino de lo que no está. Este género se caracteriza por representar espacios referenciales de la ciudad (casi) vacíos de personas. En mi análisis, identifico aspectos comunes entre este género y las representaciones de ruinas popularizadas en Europa durante los siglos XVII y XVIII, los momentos iniciales de la modernidad. Para establecer estos vínculos me baso de la noción de «supervivencia» acuñada por Aby Warburg, la cual permite identificar reapariciones culturales anacrónicas -inesperadas- que ofrecen claves para reflexionar sobre el presente. ABSTRACT In this article, I propose a relationship between the modern notion of ruin and a set of specific photographic representations of New York City during the first two weeks of impact from the Covid-19 pandemic. The body of images analyzed is composed of a group of pictures published on the front page of The New York Times during March 2020. This set of pictures has been chosen as representative of a photographic genre that I call «pictures of what is not there», characterized by the depiction of city landmarks emptied of people as a direct consequence of the pandemic. To analyze the common aspects of the aforementioned genre and the depictions of ruins popularized in Europe during the 17th and 18th centuries -the early modern period- I resort to Aby Warburg’s notion of «visual survivals», identifying anachronistic cultural recurrences that are key to our reflection upon the present moment.

Producción Científica, La publicación en 1965 del influyente ensayo de Donald Judd titulado Specific Objects, puso de relieve que la reflexión norteamericana sobre el objeto de arte, desarrollada desde los años veinte, había alcanzado una identidad propia. Esa particularidad se apoyaba en el empirismo anglosajón y en el interés por la iconografía industrial e ingenieril, que posibilitaron el predominio estadounidense después de la Segunda Guerra Mundial. La potencia formal de las obras públicas y las máquinas se venía resaltando desde principios de siglo en las nuevas instituciones culturales neoyorquinas, con exposiciones y ferias que suponían un reconocible posicionamiento formal y artístico. Después, en los cincuenta, se erigieron diversos edificios con vocación pública, que instituyeron la estética moderna de la caja como emblema de la postguerra. Así se llegó, en el Nueva York de los sesenta, al Expresionismo Abstracto, el Pop y el Land Art, o el Minimalismo, que siguieron enfatizando la “objetualidad” hasta realizar una transferencia de categorías espaciales arquitectónicas a otras disciplinas artísticas, de unas características sin precedentes. Especialmente, el Minimalismo hizo que la escultura dejara de ser un mero volumen percibido desde fuera, para expandir su campo de acción al contexto expositivo e integrar el movimiento del espectador. A la vez, se activaba el espacio interior del objeto, hasta hacerlo incluso habitable. Se dejaba así preparado el camino para el definitivo entrelazamiento de arquitectura, escultura, escenografía y medios audiovisuales, propio de las instalaciones., The publication in 1965 of Donald Judd's influential essay entitled Specific Objects, high-lighted that the American reflection on the art object, developed since the 1920s, had reached an identity by itself. This particularity was based on Anglo-Saxon empiricism and on the interest in industrial and engineering iconography, which made the American pre-dominance possible after the Second World War. The formal power of public works and machines had been highlighted since the beginning of the century in the new cultural insti-tutions of New York, with exhibitions and festivals that involved a recognizable formal and artistic position. Later, in the 1950s, several buildings with a public vocation were erected, which established the modern aesthetics of the box as the post-war emblem. Therefore, in the 1960s New York, Abstract Expressionism, Pop and Land Art, or Minimalism continued to emphasize “objectivity” until reaching a transfer of architectural spatial categories to other artistic disciplines, with unprecedented characteristics. Especially, Minimalism made the sculpture stop being a mere volume perceived from outside, expanding its field of action to the exhibition context and so integrate the movement of the viewer. At the same time, the interior space of the object was activated, as far as it was even habitable. Thus, the way was prepared for the definitive interweaving of architecture, sculpture, scenogra-phy and audiovisual media, typical of the installations., Este trabajo forma parte del proyecto de investigación del Programa Estatal de proyectos I+D de generación de conocimiento (2017-2020) del Ministerio de Ciencia e Innovación: Análisis planimétrico, espacial y fotográfico de instalaciones audiovisuales pioneras en la Península Ibérica desde 1975 (ref. PGC2018-095359-B-I00)

El presente artículo analiza la representación de la ciudad de Nueva York en la literatura vasca. Enmarcado dentro de los estudios imagológicos, se investiga cómo se ha transformado la imagen de la ciudad en diferentes obras de la literatura vasca a lo largo del siglo XX y principios del XXI. Para ello, se han tenido en cuenta aquellas obras donde la presencia de la ciudad es especialmente marcada, a saber, el poema Amerika de Emeterio Arrese, 110. Street-eko geltokia de Iñaki Zabaleta, New York New York y New Yorkeko kronika beltza, de Gotzon Garate, Piano gainean gosaltzen de Harkaitz Cano, Bilbao-New York-Bilbao de Kirmen Uribe y After Bansky de Eric Dicharry. Nueva York ha sido representada básicamente de dos formas harto dispares en la literatura vasca; por un lado, como imagotipo ideológico en Arrese, Zabaleta y Garate, y por otro, como imagotipo utópico en Cano, Uribe y Dicharry.

espanolEl presente articulo pretende ahondar en el mundo literario y editori al de los exiliados espanoles en Nueva York a traves de tres ejes: un breve analisis del hispanismo de preguerra que desemboco en la acogida de intelectuales durante y tras la Guerra Civil; un repaso por la situacion editorial de la epoc a belica y de inmediata postguerra; y otro por el mundo de las revistas, editoriales y librerias — estadounidenses, espanolas de preguerra y fundadas por exiliados — mas relevantes para el hispanismo de las decadas posteriores, estando ya asentada la comunid ad exiliada. EnglishThis paper aims to delve into the literary and publishing world of the Spanish inte l lectuals and artists exiled in New York through three axes: a brief analysis of the pre - war Hispanism that led to the reception of intellectuals during and after the Civil War; a review of the publishing situation of the war and immediate postwar period; a nd a further review of the most relevant Spanish magazines, publishers and bookstores — American, pre - war Spanish, and founded by exiled — of the later decades, being the exiled community already settled

[ES] La Ciudad de Nueva York ha sido un campo de pruebas en la movilidad urbana desde la aparición de la máquina de vapor. En la Ciudad de Nueva York se creó el sistema de transporte de masas en el siglo XIX, el ferrocarril ¿elevado¿, y también se ensayó por primera vez un sistema de transporte individual en el siglo XX, el ¿parkway¿ y su posterior evolución, el ¿expressway¿. Este trabajo profundiza en el origen y la evolución de la movilidad individual en la Ciudad de Nueva York para comprender el impacto e influencia de la infraestructura en la forma urbana. Se demuestra que la infraestructura de movilidad individual no nació como canal de comunicación, sino más bien como vía de esparcimiento. El ¿parkway¿ fue creado para escapar de la ciudad industrial e hizo posible la construcción de la ciudad suburbana. Su rápida evolución hacia el ¿expressway¿ con una mayor capacidad y velocidad, evitó el colapso de la Ciudad de Nueva York y garantizó la accesibilidad a su centro. Pero al mismo tiempo anuló la ciudad construida en base a las líneas naturales de movimiento del siglo XIX que dirige sus calles a la costa. Y sellando hasta hoy la salida natural de la Ciudad de Nueva York al agua. El artículo es un compendio de nueve textos cortos y un epílogo a modo de conclusión, con sus respectivos documentos gráficos. El lector se enfrenta a un ensayo gráfico formado por pequeños capítulos que le sumergirán en los orígenes y posterior evolución del primer espacio de movilidad individual en la historia de las ciudades. Y esto ocurrió en la Ciudad de Nueva York a lo largo del siglo XX., [EN] New York City has been a testing ground in urban mobility since the appearance of the steam engine. In New York City, the mass transport system was created in the 19th century, the elevated railroad, and an individual transport system was also tested for the first time in the 20th century, the parkway and its subsequent evolution, the expressway. This work delves into the origin and evolution of individual mobility in New York City to understand the impact and influence of infrastructure in the urban form. It is shown that the individual mobility infrastructure was not born as a communication channel, but rather as a means of recreation. The parkway was created to escape the industrial city and made possible the construction of the suburban city. Its rapid evolution towards the expressway with greater capacity and speed, prevented the collapse of New York City and guaranteed accessibility to its center. But at the same time it annulled the city built based on the natural lines of movement of the 19th century that directs its streets to the coast. And sealing until today the natural exit of New York City to the water. The article is a compendium of nine short texts and an epilogue by way of conclusion, with their respective graphic documents. The reader faces a graphic essay formed by small chapters that will immerse him in the origins and subsequent evolution of the first individual mobility space in the history of cities. And this happened in New York City throughout the twentieth century.

En 1902 abría sus puertas la parroquia de Nuestra Señora de Guadalupe, un templo enclavado en el corazón de Manhattan que nacía destinado a los católicos de lengua española que vivían en Nueva York. Con este artículo pretendemos comprender los motivos que condujeron a la apertura de una parroquia para los hispanoparlantes en medio de una ciudad que tenía el inglés como lengua común, y las razones por las cuales se pusieron al frente de la misma unos religiosos franceses., In 1902 the parish of Our Lady of Guadalupe opened its doors in the heart of Manhattan. The church was intended for the Spanish-speaking Catholics who lived in New York. With this article we try to understand the reasons that led to the opening of a parish for Spanish speakers in the middle of a city that had English as first language and the reasons why some French religious were put in charge of it.

This analysis of Repertorio Español’s 2013 production of Lope de Vega’s Fuenteovejuna in New York City focuses on the elements of communication, space, and violence. In director Julián Mesri’s staging, modern media or technology at times replace the human messengers of the original text, which has the double effect of distancing the audience emotionally from the events reported while calling attention to the mediums themselves and their agendas. In this contemporary urban world of simulacra, space seems compressed and violence appears conceptual. Mesri presents Fuenteovejuna as a Baudrillardian hyperreality, in which representations eclipse “reality.” In doing so, however, he does not so much alter Lope’s original as highlight, with modern touches, a dynamic that pervades the original play, Lope’s corpus, and much of Spanish Golden Age drama. Mesri’s vision may appear strikingly contemporary, yet the mode of representation it foregrounds is classic Lope., Este análisis de una producción de Fuenteovejuna en Nueva York en el año 2013 se enfoca en los elementos de la comunicación, el espacio y la violencia. En el montaje del director Julián Mesri, la tecnología y los medios modernos de comunicación a veces sustituyen a los mensajeros humanos del texto original, lo cual produce el doble efecto de distanciar al público emocionalmente de la noticia contada y de llamar la atención al medio en sí y sus motivos ulteriores. En este mundo urbano y contemporáneo estructurado a base de las simulaciones, los espacios quedan reducidos y la violencia parece conceptual. Si bien Mesri presenta al pueblo de Fuenteovejuna como una hiperrealidad baudrillardiana en que la representación eclipsa la realidad, su montaje no distorsiona el original de Lope, sino que pone de relieve, con toques modernos, una dinámica ya manifiesta en la obra, el corpus de Lope y buena parte del teatro aurisecular. Por más que la visión de Mesri parezca asombrosamente contemporánea, el modo de representación que destaca es, literalmente, “de Lope”.

The author reconstructs the different visits of the young architect and painter Joaquín Vaquero Palacios (Oviedo, 1900-Madrid, 1998) to New York between 1928 and 1930. While his scholarship from the Junta para Ampliación de Estudios permitted him access to the most recent skyscrapers constructed in the city, his artistic calling led him to paint urban landscapes and provide drawings to illustrate the American and British editions of New York by the French writer Paul Morand. In addition, his stay in the great metropolis allowed him to experience this special cultural and artistic environment, and provided him with the opportunity to exhibit his Spanish landscapes in important galleries and cultural centres.El autor reconstruye las estancias en Nueva York del joven arquitecto y pintor Joaquín Vaquero Palacios (Oviedo, 1900-Madrid, 1998) entre los años 1928 y 1930. Si su consideración de pensionado por la Junta para Ampliación de Estudios le facilitó el acceso a los últimos rascacielos, su vocación plástica le llevó a pintar paisajes urbanos y a ilustrar con sus dibujos la edición norteamericana e inglesa del libro New York, del escritor francés Paul Morand. Por lo demás, su estancia en la gran metrópoli le permitió conocer su ambiente artístico y cultural, así como exhibir sus paisajes de España en importantes galerías y centros culturales.

La soprano María Barrientos (*1884; †1946) fue una de las artistas españolas con mayor proyección internacional durante el primer tercio del siglo XX. A pesar de que al final de su vida se dedicó a la canción de concierto, María Barrientos estuvo vinculada a la ópera hasta la década de 1920, perteneciendo a las compañías más relevantes de la época y actuando en los principales teatros. En el presente trabajo ofrecemos un acercamiento a su debut en la Metropolitan Opera House de Nueva York, acaecido en el año 1916. La selección de este evento como objeto de estudio se debe a que significa la presentación musical de la diva española en uno de los espacios operísticos más relevantes y el punto inicial de su carrera norteamericana, caracterizada por las ovaciones del público, la aprobación de la crítica y un lugar destacado en la industria discográfica, tal como demuestran las fuentes hemerográficas consultadas.

Traditionally divided into three stages (pre-industrial, industrial and post-industrial), we have summarised the process of urban development into two key moments: the modern city (industrial stage) and the present-day, post-modern city (post-industrial stage). This new approach consists in analysing the process of urban development using various literary works that describe urban morphology as key points of reference. With this aim in mind, we have focused on Spanish (Castilian) literature from the beginning of the 19th century to present day that refers to the main Spanish cities, being, and appearing in the following order in this study: Oviedo, Madrid, Cuenca, Segovia, Salamanca, Granada, Barcelona, Sevilla and Alicante. These cities are analysed alongside New York, which has been the grand metropolis since the beginning of the previous century and is the city to have captured the imagination of our writers like no other., El proceso de urbanización de la ciudad, dividido tradicionalmente en tres etapas (ciudad preindustrial, industrial y postindustrial o actual), lo hemos sintetizado en dos grandes momentos: la ciudad moderna (fase industrial) y la ciudad en la actual posmodernidad (fase postindustrial). La novedad de este trabajo consiste en analizar el proceso de urbanización tomando como referencia aquellas obras literarias, que hayan descrito la morfología urbana. Para este objetivo se ha tenido en cuenta la literatura española en lengua castellana desde comienzos del siglo XIX hasta la actualidad que hiciera referencia a las principales ciudades españolas, que son las siguientes, tal y como han ido apareciendo en el estudio: Oviedo, Madrid, Cuenca, Segovia, Salamanca, Granada, Barcelona, Sevilla y Alicante; junto a la que ha sido la gran metrópoli desde comienzos del siglo pasado: Nueva York, por ser la que más ha interesado a nuestros escritores. [fr] Nous avons synthétisé le processus d’urbanisation de la ville, traditionnellement divisé en trois étapes (ville préindustrielle, industrielle et postindustrielle ou actuelle), en deux grandes périodes : la ville moderne (phase industrielle) et la ville dans le postmodernisme actuel (phase postindustrielle). La nouveauté de ce travail consiste à analyser le processus d’urbanisation en prenant comme points de référence ces oeuvres littéraires qui ont décrit la morphologie urbaine. Pour ce faire, nous avons pris en compte la littérature espagnole écrite en castillan depuis le début du XIXe siècle jusqu’à aujourd’hui faisant référence aux principales villes espagnoles suivantes, telles qu’elles apparaissent à tour de rôle dans l’étude : Oviedo, Madrid, Cuenca, Segovia, Salamanca, Granada, Barcelona, Sevilla et Alicante; en plus de celle qui est devenue la plus grande métropole à partir du début du siècle dernier : New York, dans la mesure où elle est celle qui a le plus intéressé nos auteurs.

The outbreak of the Great War (1868-1878) was a turning point in the history of the Cuban presence in New York City. The war created for the first time a significant schism between peninsulares and criollos, and although Havana’s criollo elites were largely at the margins of the conflict, they nevertheless were compelled to leave, spearheading an exodus that transformed both the size and the character of the Cuban community in New York, making it by far the largest Hispanic community in the city. This period established a pattern that would be repeated by subsequent waves of Cubans arriving in the U.S. well into the twentieth century., La Gran Guerra (1868-1878) marcó un momento clave en la historia de la presencia cubana en la ciudad de Nueva York. La guerra creó, por primera vez, una profunda división entre peninsulares y criollos, y aunque la élite criolla habanera se encontraba al margen del conflicto, se vio obligada a abandonar la isla, encabezando así un éxodo que transformó el tamaño y carácter de la comunidad cubana de Nueva York, impulsándola a convertirse en la comunidad hispana más grande de la ciudad. Este período estableció un patrón que se repetiría en subsiguientes olas migratorias de cubanos a Estados Unidos hasta bien entrado el siglo veinte.

RESUMEN Javier Carvajal Ferrer (Barcelona 1926–Madrid 2013) auna magisterio y praxis de tal modo que es imposible acercarse a su obra sin tener en cuenta su docencia y, al reves, no puede entenderse su discurso en las aulas si, a la vez, no se transita por sus proyectos. Mas aun, para Carvajal el proyecto arquitectonico es el ambito especifico de la investigacion del profesor y el mecanismo de eficacia por el que el profesional debe dar una respuesta coherente a la teoria y a la praxis. Este texto pretende evocar algunas de las virtudes de su obra arquitectonica y de las ensenanzas de su labor docente, ejemplificadas en dos de sus proyectos mas emblematicos. Uno, su proyecto mas alabado, el Pabellon de Espana para la Feria Mundial de Nueva York (1964–65) del que se cumplen cincuenta anos. El otro, el mas polemico, la Torre de Valencia en Madrid (1970–1973). Y hacerlo investigando sobre el rigor y la belleza de unos planos que el mismo dibujaba. Ambas obras ilustran, ademas, aspectos relevantes de su propia personalidad que inevitablemente se imbrican en su febril actividad como arquitecto y docente, y muestran como su firme confianza en la calidad del proyecto sigue siendo la mejor contribucion a la evolucion de la arquitectura. Autenticidad, vocacion, voluntad, exigencia, precision, rigor, perfeccion, coherencia o ilusion, se resumen en uno de sus celebres mensajes a los alumnos: “Suenen con lo posible”. SUMMARY Javier Carvajal Ferrer (Barcelona, 1926–Madrid, 2013) combined teaching and practice so that it is impossible to approach his work without considering his teaching and, conversely, we cannot understand his speech in classrooms if, at the same time, we do not examine his projects. Moreover, for Carvajal the architectural project is the specific field of the professor’s research and the efficacy mechanism by which the practitioner must give a coherent response to both theory and praxis. This text aims to evoke some of the virtues of his architectural work and the lessons of his teaching, exemplified in two of his most emblematic projects: first, his most praised project, the Spanish Pavilion for the World’s Fair in New York (1964–65), which marks fifty years; and the other project—more controversial—the Valencia Tower in Madrid (1970–73) by researching the rigor and beauty of the plans that he drew himself. Both works also illustrate important aspects of his personality that inevitably overlap in his feverish activity as an architect and professor, and show how his strong confidence in the quality of the project remains as the best contribution to the evolution of architecture. Authenticity, vocation, will, dedication, precision, rigor, perfection, consistency, and illusion are summarized in one of his famous messages to students: “Dream of the possible”.

La Exposición Internacional de Nueva York se inauguró en abril de 1939 con la intención de ser un símbolo de la paz mundial entre naciones que buscaban conocer-se y respetarse. Con este objetivo, la ciudad americana quería convertirse en el lugar de encuentro de las naciones modernas. Sin embargo, estas manifestaciones coinci-dieron en un momento en el que, paradójicamente, se evidenciaban las máximas diferencias entre ideologías opuestas, que poco después conducirían al estallido de la Segunda Guerra Mundial. Este ensayo analiza este evento internacional, en el que se mezclaron las tendencias más punteras de arquitectura, artes plásticas, artes escéni-cas, medios de comunicación, tecnología y ocio., En él se estudia la escenificación de un mapa utópico en el que, paradójicamente, también se medían las fuerzas, tanto en los proyectos artísticos y arquitectónicos de los pabellones fallidos, como en la parti-cipación de las grandes potencias. Se estudia en su contexto el caso del pabellón planificado por la II República Española. Aunque la Exposición tuvo un enorme éxito de público y centró la atención internacional, sus ideas sobre la ciudad y el mundo del mañana en paz fracasarían inmediatamente. El arte, la propaganda, la política artística y la guerra se mezclaban en la puesta en escena del fracaso de la utopía.

En la década de los setenta, el arte denominado alternativo o marginal se identificó por una etapa intensamente urbana. En Nueva York, como epicentro artístico, se ensayaron nuevos lugares para la creación: investigaciones urbanas que profundizaron en los diferentes estratos de la ciudad. La interpretación que los artistas de este periodo hicieron de ella concluyó en proyectos donde confluían nuevas consideraciones de tiempo y memoria. La duración breve o continuada de estas intervenciones era una estrategia de acción que permitía una relación instantánea con su entorno próximo. Asimismo, la exploración de la vida cotidiana impulsaba la transformación de entidades urbanas obsoletas a través de la crítica y la producción simbólica. En paralelo a estos nuevos espacios para la expresión creativa, sus artistas adquirieron una responsabilidad en la construcción del imaginario urbano de Nueva York. Este artículo es un recorrido por la historia de algunas de estas investigaciones y búsquedas urbanas, que como arquitecturas inmateriales y anticipadas a su tiempo revelarían otra fórmula para la rehabilitación de la ciudad futura. Para ello, se ha utilizado una cartografía vertical, donde el subsuelo, suelo y cielo son los estratos desde los que se explican estos proyectos de reinvención del lugar. In the seventies, art called alternative or marginal was identified by an intensely urban stage. In New York, as an artistic epicenter, new places for creation were tested: urban investigations that delved into the different strata of the city. This spacial interpretation of the artists in this period concluded in projects in which new considerations of time and memory converged. The brief or continuous duration of these interventions was a strategy of action that allowed an instantaneous relationship with its immediate environment. Futhermore, this approach to daily life lead to the transformation of obsolete urban entities through criticism and symbolic production. In parallel to these new spaces for creative expression, their artists took on a responsibility in building a new way of conceptualizing the city of New York. This article is an overview of the history of some of these investigations and urban searches that, as immaterial and anticipated architectures, revealed another equation for the rehabilitation of the future city. For this purpose, a vertical mapping has been used, where the subsoil, soil and sky are the strata from which these projects of site reinvention are explained.

La historia urbana de la Ciudad de Nueva York, su nacimiento y su ocaso, está unida a un elemento básico: el agua. El agua fue la razón de su fundación, y el agua podría llegar a ser la causa de su desaparición... El agua es el fundamento de la vida urbana de esta ciudad, es el elemento que ha alimentado su crecimiento durante los 400 años de su existencia. Sólo por esta razón merece la máxima atención, y su más exhaustivo estudio. El agua como límite, muralla o frontera, o como lugar extremo de oportunidad, es sin lugar a dudas el espacio donde descansa el futuro urbano de la Ciudad de Nueva York. Aunque, se trata de un futuro distópico e incierto si se cumplen las previsiones del aumento del nivel oceánico, fundamentadas en el cambio climático. El artículo es un compendio de nueve textos cortos y un epílogo, que junto a sus respectivos diez documentos gráficos, construyen el corpus de la investigación. El lector pues se enfrenta a un ensayo gráfico formado por pequeños capítulos que le guiarán a través del idilio de Nueva York con el agua desde sus orígenes hasta la actualidad.

[EN] Last semester, I was lecturing, as a visiting scholar, at Parsons School of Design, New York, My stay was focused on the research, communication and rendering of the Urban landscape, by means of personal drawing, as well by researching in New York libraries, museums and archives. Trying to “see” this dynamic city from the Bronx to Long Island Beach, through my personal drawing was such a visually enriching experience. Expressing the atmosphere, light and form I experienced under the Brooklyn Broadway metro beams, in the heart of Brooklyn, was thrilling, intense and stirring. Today, after a few short months there, New York has become so different to my eyes.These “on site” sketches exhibited on this article are among a larger group of around 300, incorporating varying style, scale and technique, [ES] En el curso 2015/16 realicé una estancia, como profesor visitante, en la Escuela Parsons The New School, en Nueva York. Esta se centró en la investigación, la comunicación y la representación del Espacio Urbano y Paisaje. Pretendí registrar mi vivencia y relación emotiva con determinados espacios de esta ciudad, siendo que los barrios periféricos se proponían como alternativa a Manhattan. Intentar “ver”, a través del dibujo, esta excitante urbe, desde Long Island Beach al Bronx, fue una experiencia tan intensa como visualmente enriquecedora. Contemplar y posteriormente (o simultáneamente) expresar gráficamente el dinamismo, la atmósfera, las luces y las formas que sentí bajo las vigas metálicas de ciertas líneas de tren en Broadway, en el corazón de Brooklyn, fue tan desafiante como intenso y emocionante. De los cerca de 300 dibujos producidos, se seleccionó una pequeña muestra, que ilustra los diferentes temas, soportes, escalas y técnicas manipulados

La obra literaria del periodista Jacinto Miquelarena es heterogénea y desigual, pero con el común denominador del humor y la aspiración a una prosa sencilla, ágil y concisa. Su condición de viajero y corresponsal le llevó a vivir en varios países. Las dos obras analizadas, El gusto de Holanda (1929) y Pero ellos no tienen bananas (1930), forman parte de la literatura de viajes de la época y muestran el contraste entre dos países (U.S.A. y Holanda) que simbolizan la modernidad y una España que, con independencia de las ideologías, había quedado anticuada para una generación donde surgen voces a favor del cosmopolitismo. The literary work of journalist Jacinto Miquelarena is heterogeneous and uneven, but with the common denominator of humour and the desire for a simple, agile and concise prose. As a traveller and a correspondent he lived in several countries. The two works analyzed, Gusto de Holanda (1929) and Pero ellos no tienen bananas (1930), are part of the travel literature of the time and show the contrast between two countries (USA and Holland) that symbolize modernity, however Spain, regardless of ideology, had become outdated for a generation where there are voices in favour of cosmopolitanism.