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Resumen Este trabajo analizará las problemáticas que el cine mexicano enfrentó tras el fin de su auge industrial en Hispanoamérica desde los años sesenta, partiendo de un estudio de caso: las estrategias de una familia de productores, los hermanos Calderón, destacados por elaborar películas de corte popular. Este artículo procura dilucidar las formas en que la cinematografía industrial en México buscó su continuidad en los mercados y la captación de públicos en tiempos de modernización y transformación de paradigmas sociales, y determinar las alternativas narrativas y estéticas promovidas por estos productores en sus films de los años sesenta a ochenta para lograr su permanencia en la industria en medio de la crisis. Para ello, se establecerá un panorama general sobre el estado del cine mexicano en aquel punto de inflexión, que contextualizará el estudio de caso, metodología a través de la cual se enumerarán las propuestas estéticas y narrativas planteadas por los Calderón, estableciendo una confluencia entre el contexto de crisis de la cinematografía mexicana, la tendencia de innovación estética y reflexividad de los llamados nuevos cines latinoamericanos que emergieron simultáneamente, y las propuestas de los Calderón en pos de la captación de públicos por medio de los géneros abordados durante estos años (el cine fantástico y de terror, el cine de luchadores y los films de ficheras). Los resultados obtenidos corroboran la existencia de una confrontación de tendencias en el cine mexicano del período que opone aquel cine industrialista con la alta cultura. Abstract This paper analyzes the problems that Mexican cinema faced after the end of its industrial boom in Latin America in the 1960s, based on a case study: the strategies of a family of producers, the Calderón brothers, known for making popular-style films. The article also seeks to elucidate the ways in which industrial filmmaking in Mexico sought the continuity in the markets and the attraction of audiences in times of modernization and transformation of social paradigms, and to determine the narrative and aesthetic alternatives promoted by these producers in their films from the sixties to the eighties in order to achieve their permanence in the industry in the midst of the crisis. To this end, a general overview of the state of Mexican cinema at that turning point will be laid out in order to contextualize the case study. Through this methodological approach the aesthetic and narrative proposals put forward by the Calderóns will be listed, establishing a confluence between the context of crisis in Mexican filmmaking, the trend of aesthetic innovation and reflexivity of the so-called new Latin American cinemas that emerged simultaneously, and the proposals of the Calderóns in pursuit of attracting audiences through the genres employed during these years (fantastic and horror films, wrestling films and ficheras films). The results obtained reaffirm the existence of a confrontation of tendencies in the Mexican cinema of the period that opposes industrialist cinema with high culture. Resumo O presente trabalho analisará os problemas que o cinema mexicano enfrentou após o fim do seu ascensão industrial na Hispanoamérica dos anos sessenta, partindo de um estudo de caso: as estratégias de uma família de produtores, os irmãos Calderón, proeminentes por criar filmes de linha popular. Este artigo procura esclarecer as formas que a cinematografia industrial no México buscou sua continuação nos mercados e a captação de públicos em tempos de modernização e transformação de paradigmas sociais, e determinar as alternativas e estéticas promovidas por estes produtores nos seus filmes dos anos sessenta aos anos oitenta para conseguir sua permanência na indústria em meio a crise. Para isso, se estabelecerá um panorama geral sobre o estado do cinema mexicano naquele ponto de inflexão, que contextualizará o estudo de caso, metodologia através da qual se enumerará as propostas estéticas e narrativas planejadas pelos Calderón, estabelecendo uma confluência entre o contexto da crise da cinematografia mexicana, a tendência da inovação estética e refletividade dos chamados novos cinemas latino-americanos que apareceram simultaneamente, e as propostas dos Calderón em buscar públicos por meio dos gêneros abordados durante os anos (o cinema fantástico e de terror, o cinema de lutadores e os filmes de fichera). Os resultados obtidos confirmam a existência de uma confrontação de tendências no cinema mexicano no período que opõem ao cinema industrialista com a alta cultura.

The arrival of streaming platforms marked a turning point in cinema consumption mechanisms because of the flexibility of the time-space factor. It becomes customary. However, this relationship has also been deformed as the publics conscience relocated itself. Therefore, it is likely that this new system is organic to creative processes and their reception by viewers mediated by technological devices. The present work aims to locate the new place that time and space occupy in the relationship between cinema and its audience and the presence of the aura in this transaction. To do this, a brief review of the subject-spectator will be made in the face of cinematographic practices and the codes that allow, or not, to overcome the limits of the here and now suggested by Walter Benjamin in his text “The work of art in the time of mechanical reproduction”. La llegada de las plataformas de streaming ha marcado un punto de quiebre en los mecanismos de consumo del cine, principalmente porque el factor tiempo-espacio se flexibiliza infinitamente. Se “customiza”. Sin embargo, la relación ya no de la obra de arte ni del cine, sino de los sujetos con su propio espacio, también se ha deformado, o al menos su percepción de él. Por lo tanto, es probable que este cisma sea natural a los procesos creativos y su recepción por parte de los espectadores mediados por los dispositivos tecnológicos. El presente trabajo pretende descifrar el nuevo lugar que ocupan el tiempo y el espacio en la relación entre el cine y su público, así como la presencia del aura en esta transacción. Para ello, se hará una breve revisión del sujeto espectador frente a las prácticas cinematográficas y se analizarán los códigos que permiten, o no, superar los límites del aquí y el ahora sugeridos por Walter Benjamin en su texto “La obra de arte en su época de reproductibilidad técnica”.

Resumen En el artículo se pretende contribuir a la reflexión sobre los vínculos entre escuela y cine. Se parte de la hipótesis de que los modos de incorporación pedagógica del cine de ficción en la escuela media argentina contemporánea están relacionados con las prácticas de los docentes como espectadores. Con este horizonte interpretativo, se revisan definiciones y caracterizaciones sobre los cinéfilos y se introduce el concepto de cinefilia, entendida como un modo de mirar y mostrar películas, de reflexionar y hablar sobre ellas y de transmitir el discurso del cine. El estudio de casos es la estrategia metodológica. Los testimonios se obtuvieron en entrevistas realizadas a dos docentes cinéfilos. En el trabajo se describen saberes y se analizan prácticas pedagógicas en las que parecen desplegarse las relaciones entre cultura cinematográfica y cultura escolar. Finalmente, teniendo en cuenta la discusión sobre el potencial de la experiencia artística en tanto alteridad de la forma escolar, se piensan los casos estudiados como posibles, aunque inciertos, encuentros con el cine -y con la cinefilia-. Abstract The article aims to contribute to the reflection on the links between school and cinema. The hypothesis is that the pedagogical incorporation of fiction cinema in contemporary Argentinean middle schools is related to teachers' practices as spectators. From this perspective, definitions and characterizations on cinephiles are reviewed and the concept of cinephilia is introduced, understood as a way of watching and presenting films, of reflecting and talking about them, and of transmitting the discourse of cinema. The case study is the methodological strategy. The testimonies were obtained from interviews with two teachers who are cinephiles. In this article, knowledge and pedagogical practices are described and analyzed, in which the relations between film culture and school culture seem to be displayed. Finally, taking into account the discussion on the potential of the artistic experience as an alterity of the school experience, the cases studied are considered as possible, albeit uncertain, encounters with cinema-and with cinephilia. Resumo O artigo visa contribuir para a reflexão sobre os vínculos entre a escola e o cinema. A hipótese é que a incorporação pedagógica do cinema de ficção nas escolas secundárias argentinas contemporâneas está relacionada com as práticas dos professores como espectadores. Nesta perspectiva, são revisadas definições e caracterizações sobre os cinéfilos e o conceito de cinefilia é introduzido, entendida como uma forma de assistir e apresentar filmes, de refletir e falar sobre eles, e de transmitir o discurso do cinema. O estudo de casos é a estratégia metodológica. Os testemunhos foram obtidos de entrevistas com dois professores que são cinéfilos. Neste artigo, são descritos e analisados conhecimentos e práticas pedagógicas, nos quais as relações entre a cultura cinematográfica e a cultura escolar parecem ser expostas. Finalmente, levando em conta a discussão sobre o potencial da experiência artística como alteridade da experiência escolar, os casos estudados são considerados como possíveis, ainda que incertos, encontros com o cinema - e com a cinefilia.

La experiencia cinematográfica se desarrolla siempre bajo un estado de ánimo o un conjunto de circunstancias que delimitan y determinan la recepción de la obra, así como la naturaleza de los procesos cognitivos desencadenados por la misma, o el propio valor comunicativo que puede llegar a ser extraído por parte del público. En definitiva, esta experiencia se formula o construye sobre un determinado pacto de consumo, sobre el que inciden acciones o estrategias planificadas con el objeto de condicionar de la manera más eficaz posible el impacto emocional y comercial de la obra. El cine de terror nos brinda un escenario privilegiado para la evaluación y el análisis de algunas de estas medidas que han acreditado su efectividad en el curso de los años, a la luz de las valiosas aportaciones realizadas en el ámbito de la psicología experimental. En el presente artículo analizamos diferentes estrategias aplicadas sobre el espectador antes de que acceda a la propia sala de proyección y lo condicionan en su experiencia cinematográfica. A través de estas estrategias se logra sensibilizar al espectado y hacerlo más vulnerable ante el film de terror que va a experimentar.

A film contains signs of its director’s intentionality, determining what spectators can see and hear, but also what is kept hidden from their senses. This entails an idealised conception of the film’s reception based on those decisions, decisively influencing the viewer’s relationship with the film and the level of engagement with it. The evocation of desires, frustrations and tensions in the individual and collective lives of spectators creates an opportunity to deal with, confront or even resolve real-life issues through the cinematic experience. Thus, in its signifying nature, a film contains the polysemy necessary for new pathways to be revealed for the film and for those who experience it with each viewing. Shirin (Abbas Kiarostami, 2008) is a paradigmatic work for this inquiry into the processes and impacts inherent in film reception. Combining the soundtrack of a mythological tale and the performance of spectators (actresses) who relate emotionally to the narrative, Shirin offers an open journey through the ghosts of the implicit and explicit realities of its protagonists. Based on an analysis of Kiarostami’s film, this article aims to identify and relate different aspects, proximities and distances that comprise the complexity and personal involvement of watching a film, exploring the film screen and spectators as sensory surfaces where the codes for unveiling unfulfilled desires emerge., Una película evidencia marcas de la intencionalidad de su director, determinando lo que el espectador puede ver y escuchar, pero también lo que permanece escondido de sus sentidos. Eso presupone idealizar la recepción fílmica a partir de esas decisiones, influyendo decisivamente en la relación del receptor con el filme y los grados de su envolvimiento con él. Convocar deseos, frustraciones y tensiones procedentes de la vida individual y colectiva del espectador conlleva la emersión de una oportunidad de manejar, confrontar o, incluso, solucionar cuestiones reales a través de la experiencia cinematográfica. Así, una obra fílmica encierra, en su carácter significante, la polisemia necesaria para que, en cada visionado, nuevos caminos se revelen para la película y para quien la vivencia. Shirin (Abbas Kiarostami, 2008) constituye una obra paradigmática en lo que concierne a esta indagación de los procesos e impactos inherentes a la recepción fílmica. Mezclando la escenificación sonora de un cuento mitológico y la performance de espectadoras (actrices) que se relacionan emocionalmente con la narrativa, Shirin entabla un trayecto abierto por los fantasmas de las realidades implícitas y explícitas de sus protagonistas. A partir del análisis de la película de Kiarostami, este artículo pretende identificar y relacionar diferentes aspectos, proximidades y distancias que conforman la complejidad e implicación vital de ver un filme, indagando la pantalla y los espectadores como superficies sensibles donde asoman los códigos-clave para desvelar anhelos por cumplir.

Resumen En el presente artículo se intentan proponer los puntos de encuentro y desencuentro entre el diseño de moda y vestuario. Si bien ambas disciplinas cuentan con el indumento como punto de contacto, como herramienta comunicacional y expresiva, ambos apuntan a objetivos diferentes. Transitando la experiencia docente y con la consigna de adentrar a las alumnas de moda al mundo del vestuario teatral, se deja ver la necesidad explícita de ejercitar el vínculo entre ambos universos. Se intentan exponer entonces básicas diferencias entre sí, pero que, lejos de distanciar, habiliten la posibilidad subyacente de contar el uno con el otro para nutrir y posibilitar nuevos universos y lenguajes creativos. Abstract This article seeks to propose agreement and disagreement points between fashion design and costume design. While both disciplines have garment as a point of contact, as a communicative and expressive tool, both aim at different objectives. Transiting the teaching experience and with the instruction of introducing clothing students to the world of theatrical costumes, we can see the explicit need to exercise the link between both universes. Then, the basic differences among themselves are exposed, but, far from distancing, they enable the underlying possibility of relying on each other to nourish and make new universes and creative languages possible. Resumo No presente artigo intenta-se propor os pontos de encontro y desencontro entre o design de moda e vestuário. Embora ambas disciplinas tenham a indumentária como ponto de contato, como ferramenta comunicacional e expressiva, ambas apontam a objetivos diferentes. Transitando a experiência de ensino e com a máxima de introduzir os estudantes de figurinismo ao mundo do vestuário teatral, vemos a necessidade explícita de exercitar o vínculo entre ambos universos. Intenta-se, por tanto, expor as diferenças básicas entre si, que longe de afastarlas, habilitem a la possibilidade subjacente de contar uns com os outros para nutrir e possibilitar novos universos e linguagens criativas.

RESUMO Neste artigo, discutimos a questão da espectatorialidade, especialmente em relação à educação e ao tema da subjetividade. A partir da experiência cinematográfica do documentário A caverna dos sonhos esquecidos, de Werner Herzog, e dos estudos de Marie-José Mondzain a respeito do Homo spectator, o texto procura pensar, ensaisticamente, os modos pelos quais o olhar do espectador mobiliza consigo a criação do sujeito. Trata-se de propor um diálogo entre filosofia e cinema, problematizando a relação sujeito-espectador, neste presente em que vivemos e, sobretudo, no campo da educação.. ABSTRACT In this article, we discuss the issue of spectatoriality, especially in relation to education and the question of subjectivity. From the cinematic experience of Werner Herzog’s documentary The Cave of the Forgotten Dreams, and Marie-José Mondzain’s studies of the Homo spectator, the text aims to think, essayistically, the ways in which the gaze of the spectator mobilizes the creation of the subject. We propose a dialogue between philosophy and cinema, problematizing the subject-spectator relationship, in this present in which we live, and, above all, in the field of education. RESUMEN En este artículo, debatimos la cuestión de la espectatorialidad, especialmente en relación con la educación y al tema de la subjetividad. A partir de la experiencia cinematográfica del documental La cueva de los sueños olvidados, de Werner Herzog, y de los estudios de Marie-José Mondzain sobre el Homo spectator, el texto se invierte del ejercicio de pensar, ensayísticamente, los modos por los cuales la constitución del trabajo de la mirada del espectador moviliza juntamente con él la creación del sujeto. Se trata de proponer un diálogo entre filosofía y cine, problematizando la relación sujeto-espectador en este presente que vivimos y, sobre todo, en el campo de la educación.

Dos películas, a cincuenta años de distancia, pueden resumir el cambio de sociedad ocurrido. La primera es norteamericana, El Graduado; la segunda, argentina, Relatos Salvajes. En la primera, una sociedad opulenta quiere embarcar a sus jóvenes en el sistema con normas claramente establecidas y estos se rebelan al modelo. En la segunda, una sociedad de consumo bajo el signo del neoliberalismo hace perder la relación de solidaridad entre los ciudadanos, los enfrenta y los lleva a desconfiar del Estado. En esa situación, deciden tomar en sus manos y resolver ellos mismos los problemas que no han buscado, pero que demandan solución., Two films in a 50 years lapse can summarize a great society change. The first, The Graduate, an American film, the second is Relatos Salvajes, an argentinian film. In the first film, a wealthy society wants to insert its young people in the system, with clearly established norms, and young people rebels against the model. In the second film, a consumer society, under the sign of neoliberalism, looses the solidarity relationships among citizens, confronts them and leads them to distrust the State. In this situation, citizens decide to take action on their hands to solve problems that they have not sought, and that demand a solution., Facultad de Bellas Artes

El artículo revisa el concepto de heterotopía a partir de su formulación inicial por Michel Foucault, en cuanto a su operatividad y recorrido, y lo articula con el pensamiento del cine. La categoría es analizada en sus derivaciones dentro del campo de la estética cinematográfica. En cuanto a las transformaciones del cine, su condición como medio artístico y las prácticas espectatoriales, el examen incorpora la reciente postulación de una dimensión hipertópica, de creciente incidencia en el ámbito del cine contemporáneo., This article analyzes the concept of heterotropia, from its initial formulation by Michel Foucault, in relation to its effectiveness and trajectory, connecting it with the cinematographic thinking. The category is analyzed in its derivations within the cinematography aesthetics field. Regarding the transformations in cinematography, its condition as artistic means and the spectator practices, the analysis incorporates a hyperthrophic dimension, of increasing impact on the contemporary cinematography., Facultad de Bellas Artes

Este artículo presenta las conclusiones de una investigación realizada durante la temporada audiovisual del año 2014 sobre la percepción del cine español por el público. Para obtener los datos cuantitativos del experimento se ha realizado la mayor encuesta sobre este tema desde el 2009 con un muestreo de n=1.244 entrevistados en todo el estado. Además, se ha completado esta investigación cuantitativa con datos de producción, ventas de entradas y entrevistas en profundidad a miembros de la industria cinematográfica. Por último, se ha realizado un análisis cualitativo en el cual se ha indagado en los gustos de los espectadores y en las estrategias que han realizado los productores, directores y otros sectores de la industria fílmica. El objetivo central de este trabajo era valorar cuál era la percepción que el público español tenía sobre el cine de su país. Nuestra investigación pone de manifiesto que existe un cambio de tendencia en la relación con las películas producidas en España. Una mayoría de los encuestados se muestran más cercanos a los largometrajes de la última temporada, dato que se reafirma con otras cifras de control (ventas de entradas en taquilla e impacto en la audiencia). This paper presents the conclusions of a study carried out during the audiovisual season of 2014 that was aimed at seeing the public’s perception of Spanish cinema. To obtain the quantitative data for the experiment, a field survey has been carried out, the mayor on this issue since 2009, with a total sampling of n=1244 people surveyed all over the country. Besides, this quantitative study has been backed up with further data from production, ticket sales and in-depth interviews to members of the film industry. Finally, a qualitative analysis has been carried out to delve into two further aspects: the audience’s tastes and the strategies used by film producers, film directors and other sectors within the film industry. The central aim of this study was to assess what was the perception of the Spanish public on their cinema. Our study reveals that regarding the films produced in Spain a change of trend has occurred. A majority of the people surveyed seem to feel closer and keen on the films of the last season, this being a conclusion reaffirmed with other control data, such as box office sales and impact on the audience.

Esta tesis parte de un primer análisis de un corpus de largometrajes de M. Night Shyamalan que revela una continuidad estilística y temática en todos ellos. A partir de este paradigma, se ha investigado si sus características argumentales y expresivas -presentes también en un conjunto de series televisivas contemporáneas- constituyen una tendencia compartida y articulada bajo la cual observar el panorama actual de la ficción audiovisual, el fantástico como modo y su incidencia en el espectador. Con tal fin, se han estudiado desde la perspectiva hermenéutica, la estética, la narrativa y la fenomenológica el mayor grueso de la filmografía M. Night Shyamalan y las series televisivas Perdidos (J.J. Abrams y Damon Lindelof), Fringe (J.J. Abrams), The Leftovers (Damon Lindelof), Les Revenants (Fabrice Gobert) y Resurrection (Aaron Zelman). En todos estos relatos -atravesados por la muerte- se ha detectado, por un lado, un horizonte compartido con tradiciones anteriores de tipo religioso, dramático, literario y cinematográfico y, por otro, una renovación retórica y poética a través de las metáforas de lo sublime que los mismos relatos articulan. La idiosincrasia de esas figuras provoca la pausa enunciativa y existencial en sus diégesis y la ambigüedad de las identidades que las habitan. Finalmente, de este análisis también se concluye que la lectura que desencadenan estas ficciones se caracteriza por un especial trabajo de reactualización semántica y narrativa y por una hermenéutica de la soledad del receptor frente al umbral final. De todo esto resulta una tendencia del fantástico que prepara a su espectador para la muerte., This thesis starts with a first corpus of M. Night Shyamalan’s full-length films, which reveals a thematic and stylistic continuity in all of them. From this paradigm, it has been researched whether their plot and expressive similarities are also present in a group of contemporary TV series, representing a new shared and articulated trend which is observed in the current scene of audiovisual fiction, the fantastic as a form and its impact on the spectator. To this end, the large majority of filmography by M. Night Shyamalan and the TV series Lost (J.J. Abrams and Damon Lindelof), Fringe (J.J. Abrams), The Leftovers (Damon Lindelof), Les Revenants (Fabrice Gobert) and Resurrection (Aaron Zelman) have been studied from a hermeneutical, esthetic, narrative, and phenomenological perspective. On one hand, in all these stories which are crossed by death, it has been detected that they all share horizons with old religious, dramatic, literary and cinematographical traditions, but also on the other hand, they bring together a rhetorical and poetical renovation through metaphors of the sublime. The idiosyncrasy of these figures causes the enunciative and existential pause in its diegesis and the ambiguity of the identities which inhabit them. Finally, from this analysis, it can also been determined that the reading of these fictions is distinguished by a semantical and narrative special work of reupdating and also by a hermeneutical solitude of the reader in the face of final threshold. This all causes a fantastic trend that gets the spectator ready for his death.

We made in this article a brief and didactic route by four cinematographic ways to watch. We were centered for it in the analysis of four types of cinema: the classic cinema, the manierista cinema, the cinema of vanguard and the postclassic cinema

A partir del actual auge de tecnologías y producciones audiovisuales en 3-D en el cine, la televisión digital y los new media, el artículo examina, desde una perspectiva genealógica atenta a la hibridación entre tecnologías, medios y prácticas, la prolongada historia de la percepción en relieve. Atendiendo a sus desarrollos tempranos, muy anteriores a los medios audiovisuales, y a intentos previos de instalación en el espectáculo audiovisual de alcance masivo, así como a algunos esbozos de reflexión teórica sobre el cine 3-D, el trabajo concluye con el análisis de algunas perspectivas y paradojas actuales, ante la renovación de las aspiraciones tridimensionales en el audiovisual contemporáneo., The article examines, from a genealogical perspective, , the history of the 3-D productions in cinema, digital television and new media. The work presents the analysis of some perspectives and present paradoxes, before the renovation of the three-dimensional aspirations in the contemporary audiovisual., A partir do atual auge de tecnologias e produções audiovisuais em 3D no cinema, a televisão digital e os new media, o artigo examina, desde uma perspectiva genealógica atenta à hibridação entre tecnologias, medios e práticas, a prolongada história da percepção en relieve. O trabalho analisa algumas perspectivas e paradoxos atuais, ante a renovação das aspirações tridimensionais no audiovisual contemporâneo., Facultad de Artes

Aproximación a la función estructurante de las imagenes y del fenómeno de la mirada para el sujeto. Estudio a través de algunos conceptos que vinculan las teorías del cine y el psicoanálisis de orientación lacaniana.

Actas del Segundo Congreso Internacional de Historia y Cine organizado por el Instituto de Cultura y Tecnología Miguel de Unamuno y celebrado del 9 al 11 de septiembre de 2010 en la Universidad Carlos III de Madrid Son muchas las obras cinematográficas que se ocupan de retratar la vida de autores literarios o personajes famosos. En este tipo de creaciones nos encontramos, muchas veces, más cerca de la ficción que de la realidad. El espectador tiende a querer creer que estas personas experimentan las situaciones que relatan en sus obras, y que verdaderamente hay mucho de ellos en sus historias. La identidad del autor es omitida y sustituida por la que el espectador le crea. No nos interesa conocer la biografía verdadera porque podría defraudarnos, sino fijar la imagen visual que hemos construido previamente y que se adapta a nuestras expectativas. There are many films that deal with portraying the lives of literary figures or celebrities. In this kind of creation, we are often closer to fiction than to reality. Viewers tend to want to believe that these people truly experience the situations that they relate in their works, and that there is indeed much of them present/contained in their stories. The author's identity is omitted and replaced by the one the viewer creates for him. We are not interested in knowing his real life because it might disappoint us, but in setting reaffirming the visual mental image that we have built previously and that fits our expectations. Publicado

El receptor y su contexto cumplen un papel primordial a la hora de interpretar el significado de las películas, algo que se ha visto eclipsado por la importancia que la historia del cine ha otorgado a los distintos directores o al valor inmanente de sus filmes. Este artículo realiza un recorrido que partirá de la Teoría de la Recepción literaria y terminará en los actuales estudios de la recepción aplicados al cine, repasando, asimismo, el lugar que las distintas disciplinas han concedido al espectador a lo largo de la historia. The recipient and his context play an essential role in the interpretation of the movies meaning, something that has been outshone by the importance given to the different directors and the immanent value of their films since the beginning of cinema. This article makes a journey from the Literary Reception Theory to the last reception studies applied to cinema, reviewing, as well, the place the dioughout history.

El maravilloso mundo del cuento clásico que inspiró durante décadas al cine de animación, ha ido dejando paso en nuestros días a temas, personajes y estilos muy distintos. Se abre así un potencial de nuevas ideas impulsadas en muchos casos por los métodos de creación digital y la tecnología 3D. Durante años el monopolio de la Compañía Disney fue evidente ofreciendo a través de sus largometrajes una visión repleta de valores que calaron hondo en el público de diversas edades. Con el tiempo Disney se rindió a las Nuevas Tecnologías de la Imagen, y otras empresas como Dreamworks comenzaron a plantear una seria competencia en el sector a través de nuevas e imaginativas propuestas. El universo del videojuego, Internet o los Medios de Comunicación abren una ventana al mundo que implica la necesidad de “ver” y “sentir” de un modo distinto, haciéndose cada vez más necesaria una alfabetización audiovisual sólida. Todo ello provoca cambios en el espectador sobre todo en el infantil, que se mueve en el ámbito de nuevos valores y contenidos que se cuelan también en el panorama de la animación. The wonderful world of the classic tale, which inspired the animations films for decades, has given way to different topics and characters. Thus, it has been opened a potential of new ideas favoured in many cases by the digital creation and 3D-Technology. For years, the monopoly of Disney Company was clear, offering through its full-length films a vision of the world full of values that reached to the public of different ages. Disney surrended to the new technologies of the picture, and other companies like Dreamworks started to compete against it through new, imaginative proposals. The Videogame world, Internet or the Mass Media have opened a window to the world which implies the necessity of “watching” anf “feeling” in a different way, compelling to make more and more necessary a solid audiovisual culture. All this causes changes in the audience, especially in the children´s, which is moving along the new values and contents also introduced in the animation universe.

El artículo aborda la dialéctica entre el cine y la pintura a partir del comentario analítico que el autor nos brinda del film de Víctor Erice El sol del membrillo. Esta película narra el proceso de creación pictórica de Antonio López cuando intenta capturar las cambiantes formas de la luz sobre un membrillo. La pintura, asegura el autor, es ante todo una confrontación con la realidad, un diálogo con las cosas suceptible de convertirse en arte. Si Antonio López intenta con su técnica pictórica acompañar un árbol en su evolución diaria, Erice pretende con su film acompañar al pintor en su lucha por atrapar lo real. Dos medios de captura de la realidad entablan un sólido diálogo a partir de este presupuesto. Erice concibe su trabajo a partir de una pregunta: ¿qué significa hacer cine hoy en día? Y también, en un momento de imágenes rápidamente caducas, la morosidad de la imagen estática nos interpela: ¿Qué cosa de ahora es materia para el ojo? Nos contesta Godard: hemos de ser capaces de producir un arte que sustituya nuestra mirada por un undo que se acuerde con nuestros deseos. This article tackles the dialectic between cinema and painting from the starting point of the author's analytical commentary of Víctor Erice's film El sol del membrillo. This film narrates the process of pictorial creation by Antonio López when he attempts to capture the changing light forms projected over a quince tree. Painting, the author assures us, above all confronts reality, a dialogue with those things that are susceptible to becoming the object of art. Whilst Antonio López, with his pictorial representation techniques, tries to follow the daily evolution of this tree, Erice, with his film, tries to follow the painter in his struggle to capture what is real. These two mediums, trying to capture a reality, strike up a dialogue with this approach. Erice develops his work from the initially posed question «What is film making today?». Also during moments when images rapidly expire, the slowness of the static image poses the question «What things from here and now are seemly to the eye?». Godard responds by saying that we have to be able to produce an art that substitutes what comes to view for what agrees with our desires.

No es desconocida la experiencia que con el cine, en el cine o en casa frente al televisor, puede tenerse. Se trata, como se sabe, de una experiencia en sentido amplio, pues confluyen elementos vitales de todo tipo, desde los morales hasta los artísticos. Es, pues, una experiencia vital, de vida, en la que se muestra cómo la imaginación, lo imaginario, lo real y la realidad se relacionan en la vida entera del ser humano. En esta contribución se propone mostrar que la reflexión y las ideas de Julián Marías sobre la sensibilidad y la imaginación del espectador de cine es una Estética en el primer sentido que se le puede adjudicar a la más reciente de las disciplinas filosóficas, a saber, como saber de la propia sensibilidad. En este caso se trata de una que se acerca o vive la experiencia cinematográfica. Julián Marías para explicarse desarrolla los conceptos de imaginación, realidad e historia. A partir de ellos puede dar cuenta de la sensibilidad del espectador de cine.