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Resumen Este trabajo analizará las problemáticas que el cine mexicano enfrentó tras el fin de su auge industrial en Hispanoamérica desde los años sesenta, partiendo de un estudio de caso: las estrategias de una familia de productores, los hermanos Calderón, destacados por elaborar películas de corte popular. Este artículo procura dilucidar las formas en que la cinematografía industrial en México buscó su continuidad en los mercados y la captación de públicos en tiempos de modernización y transformación de paradigmas sociales, y determinar las alternativas narrativas y estéticas promovidas por estos productores en sus films de los años sesenta a ochenta para lograr su permanencia en la industria en medio de la crisis. Para ello, se establecerá un panorama general sobre el estado del cine mexicano en aquel punto de inflexión, que contextualizará el estudio de caso, metodología a través de la cual se enumerarán las propuestas estéticas y narrativas planteadas por los Calderón, estableciendo una confluencia entre el contexto de crisis de la cinematografía mexicana, la tendencia de innovación estética y reflexividad de los llamados nuevos cines latinoamericanos que emergieron simultáneamente, y las propuestas de los Calderón en pos de la captación de públicos por medio de los géneros abordados durante estos años (el cine fantástico y de terror, el cine de luchadores y los films de ficheras). Los resultados obtenidos corroboran la existencia de una confrontación de tendencias en el cine mexicano del período que opone aquel cine industrialista con la alta cultura. Abstract This paper analyzes the problems that Mexican cinema faced after the end of its industrial boom in Latin America in the 1960s, based on a case study: the strategies of a family of producers, the Calderón brothers, known for making popular-style films. The article also seeks to elucidate the ways in which industrial filmmaking in Mexico sought the continuity in the markets and the attraction of audiences in times of modernization and transformation of social paradigms, and to determine the narrative and aesthetic alternatives promoted by these producers in their films from the sixties to the eighties in order to achieve their permanence in the industry in the midst of the crisis. To this end, a general overview of the state of Mexican cinema at that turning point will be laid out in order to contextualize the case study. Through this methodological approach the aesthetic and narrative proposals put forward by the Calderóns will be listed, establishing a confluence between the context of crisis in Mexican filmmaking, the trend of aesthetic innovation and reflexivity of the so-called new Latin American cinemas that emerged simultaneously, and the proposals of the Calderóns in pursuit of attracting audiences through the genres employed during these years (fantastic and horror films, wrestling films and ficheras films). The results obtained reaffirm the existence of a confrontation of tendencies in the Mexican cinema of the period that opposes industrialist cinema with high culture. Resumo O presente trabalho analisará os problemas que o cinema mexicano enfrentou após o fim do seu ascensão industrial na Hispanoamérica dos anos sessenta, partindo de um estudo de caso: as estratégias de uma família de produtores, os irmãos Calderón, proeminentes por criar filmes de linha popular. Este artigo procura esclarecer as formas que a cinematografia industrial no México buscou sua continuação nos mercados e a captação de públicos em tempos de modernização e transformação de paradigmas sociais, e determinar as alternativas e estéticas promovidas por estes produtores nos seus filmes dos anos sessenta aos anos oitenta para conseguir sua permanência na indústria em meio a crise. Para isso, se estabelecerá um panorama geral sobre o estado do cinema mexicano naquele ponto de inflexão, que contextualizará o estudo de caso, metodologia através da qual se enumerará as propostas estéticas e narrativas planejadas pelos Calderón, estabelecendo uma confluência entre o contexto da crise da cinematografia mexicana, a tendência da inovação estética e refletividade dos chamados novos cinemas latino-americanos que apareceram simultaneamente, e as propostas dos Calderón em buscar públicos por meio dos gêneros abordados durante os anos (o cinema fantástico e de terror, o cinema de lutadores e os filmes de fichera). Os resultados obtidos confirmam a existência de uma confrontação de tendências no cinema mexicano no período que opõem ao cinema industrialista com a alta cultura.

The arrival of streaming platforms marked a turning point in cinema consumption mechanisms because of the flexibility of the time-space factor. It becomes customary. However, this relationship has also been deformed as the publics conscience relocated itself. Therefore, it is likely that this new system is organic to creative processes and their reception by viewers mediated by technological devices. The present work aims to locate the new place that time and space occupy in the relationship between cinema and its audience and the presence of the aura in this transaction. To do this, a brief review of the subject-spectator will be made in the face of cinematographic practices and the codes that allow, or not, to overcome the limits of the here and now suggested by Walter Benjamin in his text “The work of art in the time of mechanical reproduction”. La llegada de las plataformas de streaming ha marcado un punto de quiebre en los mecanismos de consumo del cine, principalmente porque el factor tiempo-espacio se flexibiliza infinitamente. Se “customiza”. Sin embargo, la relación ya no de la obra de arte ni del cine, sino de los sujetos con su propio espacio, también se ha deformado, o al menos su percepción de él. Por lo tanto, es probable que este cisma sea natural a los procesos creativos y su recepción por parte de los espectadores mediados por los dispositivos tecnológicos. El presente trabajo pretende descifrar el nuevo lugar que ocupan el tiempo y el espacio en la relación entre el cine y su público, así como la presencia del aura en esta transacción. Para ello, se hará una breve revisión del sujeto espectador frente a las prácticas cinematográficas y se analizarán los códigos que permiten, o no, superar los límites del aquí y el ahora sugeridos por Walter Benjamin en su texto “La obra de arte en su época de reproductibilidad técnica”.

Resumen En el artículo se pretende contribuir a la reflexión sobre los vínculos entre escuela y cine. Se parte de la hipótesis de que los modos de incorporación pedagógica del cine de ficción en la escuela media argentina contemporánea están relacionados con las prácticas de los docentes como espectadores. Con este horizonte interpretativo, se revisan definiciones y caracterizaciones sobre los cinéfilos y se introduce el concepto de cinefilia, entendida como un modo de mirar y mostrar películas, de reflexionar y hablar sobre ellas y de transmitir el discurso del cine. El estudio de casos es la estrategia metodológica. Los testimonios se obtuvieron en entrevistas realizadas a dos docentes cinéfilos. En el trabajo se describen saberes y se analizan prácticas pedagógicas en las que parecen desplegarse las relaciones entre cultura cinematográfica y cultura escolar. Finalmente, teniendo en cuenta la discusión sobre el potencial de la experiencia artística en tanto alteridad de la forma escolar, se piensan los casos estudiados como posibles, aunque inciertos, encuentros con el cine -y con la cinefilia-. Abstract The article aims to contribute to the reflection on the links between school and cinema. The hypothesis is that the pedagogical incorporation of fiction cinema in contemporary Argentinean middle schools is related to teachers' practices as spectators. From this perspective, definitions and characterizations on cinephiles are reviewed and the concept of cinephilia is introduced, understood as a way of watching and presenting films, of reflecting and talking about them, and of transmitting the discourse of cinema. The case study is the methodological strategy. The testimonies were obtained from interviews with two teachers who are cinephiles. In this article, knowledge and pedagogical practices are described and analyzed, in which the relations between film culture and school culture seem to be displayed. Finally, taking into account the discussion on the potential of the artistic experience as an alterity of the school experience, the cases studied are considered as possible, albeit uncertain, encounters with cinema-and with cinephilia. Resumo O artigo visa contribuir para a reflexão sobre os vínculos entre a escola e o cinema. A hipótese é que a incorporação pedagógica do cinema de ficção nas escolas secundárias argentinas contemporâneas está relacionada com as práticas dos professores como espectadores. Nesta perspectiva, são revisadas definições e caracterizações sobre os cinéfilos e o conceito de cinefilia é introduzido, entendida como uma forma de assistir e apresentar filmes, de refletir e falar sobre eles, e de transmitir o discurso do cinema. O estudo de casos é a estratégia metodológica. Os testemunhos foram obtidos de entrevistas com dois professores que são cinéfilos. Neste artigo, são descritos e analisados conhecimentos e práticas pedagógicas, nos quais as relações entre a cultura cinematográfica e a cultura escolar parecem ser expostas. Finalmente, levando em conta a discussão sobre o potencial da experiência artística como alteridade da experiência escolar, os casos estudados são considerados como possíveis, ainda que incertos, encontros com o cinema - e com a cinefilia.

Trabalho de Projeto submetido à Escola Superior de Teatro e Cinema para cumprimento dos requisitos necessários à obtenção do grau de Mestre em Desenvolvimento de Projeto Cinematográfico - especialização em Narrativas Cinematográficas Submitted by Luísa Marques (luisamarques@estc.ipl.pt) on 2021-09-16T14:28:59Z No. of bitstreams: 2 Parte 1 - Trabalho de Projeto.pdf: 614857 bytes, checksum: 6f10dc7a3474b0f1fa0a2a3198ff6b5a (MD5) Parte 2 - Trabalho de Projeto - Anexos.pdf: 3239366 bytes, checksum: 4c71d5ac7d03f5f945b0ec5cb76ab600 (MD5) Made available in DSpace on 2021-09-16T14:28:59Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Parte 1 - Trabalho de Projeto.pdf: 614857 bytes, checksum: 6f10dc7a3474b0f1fa0a2a3198ff6b5a (MD5) Parte 2 - Trabalho de Projeto - Anexos.pdf: 3239366 bytes, checksum: 4c71d5ac7d03f5f945b0ec5cb76ab600 (MD5) Previous issue date: 2021-07-22 N/A

Made available in DSpace on 2021-11-08T17:22:05Z (GMT). No. of bitstreams: 1 8108_17427.pdf: 1648144 bytes, checksum: 5633605b7fc5f2ca80d42518d7c3815e (MD5) Previous issue date: 2021-03-08

Resumen En el presente artículo se intentan proponer los puntos de encuentro y desencuentro entre el diseño de moda y vestuario. Si bien ambas disciplinas cuentan con el indumento como punto de contacto, como herramienta comunicacional y expresiva, ambos apuntan a objetivos diferentes. Transitando la experiencia docente y con la consigna de adentrar a las alumnas de moda al mundo del vestuario teatral, se deja ver la necesidad explícita de ejercitar el vínculo entre ambos universos. Se intentan exponer entonces básicas diferencias entre sí, pero que, lejos de distanciar, habiliten la posibilidad subyacente de contar el uno con el otro para nutrir y posibilitar nuevos universos y lenguajes creativos. Abstract This article seeks to propose agreement and disagreement points between fashion design and costume design. While both disciplines have garment as a point of contact, as a communicative and expressive tool, both aim at different objectives. Transiting the teaching experience and with the instruction of introducing clothing students to the world of theatrical costumes, we can see the explicit need to exercise the link between both universes. Then, the basic differences among themselves are exposed, but, far from distancing, they enable the underlying possibility of relying on each other to nourish and make new universes and creative languages possible. Resumo No presente artigo intenta-se propor os pontos de encontro y desencontro entre o design de moda e vestuário. Embora ambas disciplinas tenham a indumentária como ponto de contato, como ferramenta comunicacional e expressiva, ambas apontam a objetivos diferentes. Transitando a experiência de ensino e com a máxima de introduzir os estudantes de figurinismo ao mundo do vestuário teatral, vemos a necessidade explícita de exercitar o vínculo entre ambos universos. Intenta-se, por tanto, expor as diferenças básicas entre si, que longe de afastarlas, habilitem a la possibilidade subjacente de contar uns com os outros para nutrir e possibilitar novos universos e linguagens criativas.

In this interview, the researcher and professor Manuela Penafria (University of Beira Interior, Portugal) exposes the current scenario of the academic field Filmmakers Theory, highlighting the pertinence of renewing film theory from the thoughts expressed in images, sounds and words of filmmakers themselves. Penafria discusses relevant issues for researching and theorizing films, such as the research sources; the difference between words and images in the Filmmakers Theory; the relation of Filmmakers Theory with Jacques Aumont’s research on the theories of filmmakers; the concept of spectator that float among filmmakers; and the suspicion that may happen in Academy regarding Filmmakers Theory., Nesta entrevista, a pesquisadora e professora Manuela Penafria (Universidade da Beira Interior, Portugal) expõe o cenário atual da abordagem Teoria dos Cineastas, destacando a pertinência de renovar a teoria do cinema a partir do pensamento expresso nas imagens, nos sons e nas palavras de cineastas. Penafria discute uma série de temas relevantes à pesquisa e à teorização em cinema, tais como: as fontes de pesquisa; a diferença entre a palavra e a imagem na Teoria dos Cineastas; a relação da Teoria dos Cineastas com a pesquisa de Jacques Aumont sobre as teorias dos cineastas; o conceito de espectador que circula entre cineastas; e a suspeição que pode surgir no meio acadêmico com relação à Teoria dos Cineastas.

RESUMO Neste artigo, discutimos a questão da espectatorialidade, especialmente em relação à educação e ao tema da subjetividade. A partir da experiência cinematográfica do documentário A caverna dos sonhos esquecidos, de Werner Herzog, e dos estudos de Marie-José Mondzain a respeito do Homo spectator, o texto procura pensar, ensaisticamente, os modos pelos quais o olhar do espectador mobiliza consigo a criação do sujeito. Trata-se de propor um diálogo entre filosofia e cinema, problematizando a relação sujeito-espectador, neste presente em que vivemos e, sobretudo, no campo da educação.. ABSTRACT In this article, we discuss the issue of spectatoriality, especially in relation to education and the question of subjectivity. From the cinematic experience of Werner Herzog’s documentary The Cave of the Forgotten Dreams, and Marie-José Mondzain’s studies of the Homo spectator, the text aims to think, essayistically, the ways in which the gaze of the spectator mobilizes the creation of the subject. We propose a dialogue between philosophy and cinema, problematizing the subject-spectator relationship, in this present in which we live, and, above all, in the field of education. RESUMEN En este artículo, debatimos la cuestión de la espectatorialidad, especialmente en relación con la educación y al tema de la subjetividad. A partir de la experiencia cinematográfica del documental La cueva de los sueños olvidados, de Werner Herzog, y de los estudios de Marie-José Mondzain sobre el Homo spectator, el texto se invierte del ejercicio de pensar, ensayísticamente, los modos por los cuales la constitución del trabajo de la mirada del espectador moviliza juntamente con él la creación del sujeto. Se trata de proponer un diálogo entre filosofía y cine, problematizando la relación sujeto-espectador en este presente que vivimos y, sobre todo, en el campo de la educación.

Neste trabalho pretendo esclarecer aquela que foi a minha experiência durante o período de estágio, na produtora Sky Dreams Entertainment para a execução do filme “Snu”, encontrando-me presente de 1 de Novembro de 2017 a 28 de Fevereiro de 2018. Quis igualmente desenvolver a forma como se processa a produção de um filme de ficção histórica, desenvolver muito brevemente algumas questões que dizem respeito à própria definição de realidade e veracidade, procurando igualmente analisar de forma resumida a função deste género na construção de memória histórica do espectador. On this paper, I intend to clarify what my experience was in the production of the movie “Snu” by Sky Dreams Entertainment. I was present there from the 1st of November to 28th of February. I wanted to clarify the way a historical fiction movie is made and to briefly development of some questions about the definition of veracity and reality, as well as trying to analyze the function of this genre in the construction of historical memories in the mind of the viewer.

Made available in DSpace on 2019-03-11T12:50:54Z (GMT). No. of bitstreams: 1 tese_12551_dissertação_Alana de Oliveira Ferreira_provisória.pdf: 2997505 bytes, checksum: 4babe9683237db84c24390e7ad67536e (MD5) Previous issue date: 2018-09-24 A dissertação investiga questões relacionadas ao uso da tela do cinema nos espaços da arte contemporânea, como a arte desconstrói a tela normatizada da sala de cinema para criar novas relações entre o espectador e a forma-tela dentro desse ambiente. Pensar a incorporação do dispositivo cinematográfico nas práticas contemporânea de arte, o que envolve também, pensar como essas novas práticas se relacionam com o espectador. A pesquisa parte de uma análise sobre o uso da tela na arte, como a pintura de cavalete condicionou nosso olhar, para investigar também, como algumas práticas na arte contemporânea buscaram desconstruir essa lógica. Em seguida, traça uma genealogia do cinema expandido, a fim de entender o contexto em que surgiu essa nova forma de pensar o cinema. E, por fim, a pesquisa busca analisar a obra Line Describing a Cone (1973) de Anthony McCall, entender os seus processos, o modo como utilizou a forma-tela do cinema e as reflexões que essa prática traz. Palavras-chave: tela; pintura; cinema; arte contemporânea; espectador. (Versão provisória)

Faz parte desta tese um filme que só poderá ser consultado presencialmente Pensar a recepção de cinema conduz, desde logo, a um debate organizado em torno de três eixos analíticos que derivam do próprio significado da palavra recepção, que pressupõe espaço, acontecimento e compreensão. Perspetivando o espectador, interrogou-se o espaço de reunião onde o cinema é objeto de troca, o espaço/tempo na relação com os filmes e finalmente, a relação do espectador consigo mesmo, a sua experiência de perceção. Do diálogo com a cidade, com os filmes e da percepção consigo si mesmo, outras categorias de análise como o género, a educação, o gosto, a ética e as políticas emergiram da investigação. Partindo do contacto com um grupo de interconhecimento, cinéfilas(os), este estudo propõe uma reflexão sobre o lugar da memória na recepção de filmes a partir da cidade do Porto. Thinking about the reception of cinema leads, right away, to a debate organized around three analytical axes that derive from the very meaning of the word reception. Reception presupposes space, event and understanding. Prospecting the spectator, it was questioned the meeting space where the cinema is exchanged, the space/time in relation to the films, and finally, the relationship of the spectator with himself, his experience of perception. From the dialogue with the city, with the films and from the perception with oneself, other categories of analysis such as gender, education, taste, ethics and politics emerged from research. Starting from a contact with a group of cinephiles in Oporto, this study proposes a reflection on the place of the memory in the reception of films.

O artigo propõe uma discussão teórica sobre o estatuto da experiência do espectador no cinema, baseando-se no conceito de emancipação intelectual formulado por Jacques Rancière (2008). Partindo dos estudos sobre recepção, realiza uma crítica ao problema relativo à passividade do público, enfatizando a perspectiva do espectador emancipado. Ao destacar que a discussão sobre a experiência se limita, no âmbito desses estudos, à análise do comportamento do público, inferida a partir de índices de audiência, o texto atenta para o fato de não se considerar a dimensão processual e corporificada (Varela, Thompson, & Rosch, 1991), sendo o comportamento algo da ordem dos efeitos do que da experiência em si mesma. Conclui ainda que os estudos sobre recepção não dão conta do problema da experiência do expectador de modo satisfatório. Neste sentido, a emancipação surge como possibilidade de afirmação de uma concepção corporificada da experiência, que deverá ser objeto de investigação em estudos empíricos futuros.

Uma narrativa cinematográfica significa sempre a proposta de uma experiência, transmitida de um autor para um conjunto indefinido de espectadores. No processo de criação de um argumento, são várias as ferramentas que permitem aos autores introduzir os componentes narrativos de acordo com diferentes intenções cognitivas, afetivas e empíricas. O desenvolvimento e a articulação dos mais diversos elementos fílmicos obedece à procura da comunicação, explícita ou implícita, de um modo de entender determinado mundo e determinada história. Mas procura, também, um impacto específico na perceção, compreensão e interpretação do espectador idealizado. Partindo da teoria de autores de referência da área da escrita de argumento e, mais especificamente, do papel reservado ao espectador na experimentação e reconstrução significativa de um filme, desenvolveremos uma aproximação teórico-empírica ao argumento fílmico, em duplo sentido: enquanto interpelação do espectador e enquanto estruturação de um jogo de perguntas e respostas que poderá conduzir as histórias no sentido de uma maior ressonância nos recetores

Esta dissertação centra-se no reconhecimento da importância, bem como da necessidade de ênfase em formar leitores de filmes que possam encontrar um fio condutor para compreender o universo cinematográfico. O uso do cinema como prática educativa facilita significativamente o diálogo entre os conteúdos curriculares e os conhecimentos mais gerais. A leitura e análise de imagens e de ferramentas utilizadas pela sétima arte contribuem para o desenvolvimento da compreensão crítica do mundo e das novas formas de entretenimento, proporcionando assim a formação do cidadão. A partir da problematização do cinema como capaz de transformar o espectador em leitor e amparado pelos suportes teóricos de Rosália Duarte, Jacques Aumont e Robert Stam, dentre outros, a presente pesquisa procura apresentar caminhos para uma prática pedagógica que envolva o cinema e a escola. Além disso, apresenta um conjunto significativo de discussões e ideias que possibilitem a formação do leitor, a partir de uma análise fenomenológica de três filmes de Walter Salles, “Terra Estrangeira” (1995), “Central do Brasil” (1998) e “Abril Despedaçado” (2001), além de tecer comentários de outros diretores que o influenciaram no campo da filmografia, da arte, da cultura e da estética. Essa dissertação busca uma resposta das dimensões que esse tema, o cinema, tem influenciado a formação do leitor, busca também a ampliação da concepção de leitura a partir de uma experiência cinematográfica em que o espectador seja participativo e reconheça as marcas de linguagem e os conhecimentos adquiridos ao longo da escolaridade. Busca ainda incorporar a arte do cinema ao repertório cultural do espectador, ampliando, assim, sua potencialidade no exercício de uma postura crítica e reflexiva na vida. This research focuses on the recognition of the importance and the need for emphasis on form readers of movies that they can find a common thread to understand the universe. The use of cinema as educational practice significantly facilitates the dialogue between curriculum content and the more general knowledge. The analysis of images and tools used by seventh art contribute to the development of critical understanding of the world and new forms of entertainment and thus the formation of the citizen. From the problematization of the cinema as able to transform the spectator into player and bolstered by theoretical supports Rosalia Duarte, Jacques Aumont and Robert Stam, among others, this research seeks to introduce paths for a pedagogical practice involving the film and school. In addition, presents a significant set of discussions and ideas that allow the formation of the reader, from a phenomenological analysis of tree films by Walter Salles, "Foreign Land" (1995), "Central of Brazil" (1998) and "Behind the Sun" (2001), as well as comment from other directors who influenced the field of film studies, art, culture and aesthetics. This dissertation seeks a response of dimensions that this theme, the cinema, has influenced the formation of the reader, search also the expansion of the concept of reading from a cinematic experience where the Viewer is participatory and recognize the language tags and the knowledge gained throughout their schooling. Search still incorporate the art of cinema to the cultural repertoire of the spectator, increasing, so your potential in a critical and reflective stance in life.

Made available in DSpace on 2018-08-01T23:30:12Z (GMT). No. of bitstreams: 1 tese_10873_Dissertação de Eduardo Costa.pdf: 1303884 bytes, checksum: 0ce853cf54a876ca44f5015be39752d9 (MD5) Previous issue date: 2017-04-06 Os filmes de Miike, em seu caráter non sense e ultra-violento, parecem não dizer muito em termos de representação, mas tragam o espectador para a experiência da imagem enquanto superfície, com a mesma violência e brutalidade que percebemos em suas cenas mais emblemáticas. Este trabalho investiga, as partir de um conjunto de teorias de raiz deleuziana que buscam colocar o lugar dos afetos e da sensorialidade no discurso do cinema, especialmente no filme Visitante Q (2001), a possibilidade de um olhar tátil, auto-reflexivo e político, capaz de submeter o seu discurso à própria superfície da imagem, desterritorializando-o. Imagem do vídeo, da textura e do grão. Imagem do toque, imagens que transpiram imediatismo. Palavras-chave: Cinema; vídeo; corpo; espectador; cinema japonês; Takashi Miike.

Made available in DSpace on 2017-07-21T20:49:36Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Paula Starke.pdf: 2641358 bytes, checksum: 8d47b720736301870c5efbcde07e1077 (MD5) Previous issue date: 2017-03-31 Taking into consideration the theme of Identity and its importance to the current investigation matters of this Master’s program, this research aims to investigate Identity and its relation with cultural practices, specifying it to one of them: Cinema. Based on theorists like Hall, Bauman and Dubar among others, the extent and the relevance of the process of identification will be discussed as well as its influence on the viewer experience. The filmography of director Alfred Hitchcock is in fact the key part for problematizing and considering the relation between Identity and Cinema, since Hitchcock had a unique narrative style and a specific mise-en-scène. The definitions of Identity, the importance of the act of identifying to film for cinema appreciation and other matters will be debated. The selected movies for the study are Rope (1948) and North by Northwest (1959), pictures that bring a variety of identification possibilities, including the possibilities of feeling innocent or guilty. Using theorists like Baecque, Martin, Xavier, Mauerhofer, Munsterberg, Metz and Lacan – about psychology and psychoanalysis – the diverse experiences of the audience will be clarified, as well as an analysis of the viewers’ positions, of the relation between reality and representation, besides the problematization of Cinema experimentation itself. Levando em consideração as linhas de pesquisa do Programa de Pós-Graduação em Linguagem, Identidade e Subjetividade da Universidade Estadual de Ponta Grossa, no qual este trabalho foi idealizado, busca-se aqui tratar do tema da Identidade e de sua relação com as práticas culturais, estreitando a pesquisa a uma delas: a do Cinema. Com base em teóricos como Hall, Bauman, Dubar, dentre outros, a amplitude e a relevância do processo de identificação serão discutidas, assim como sua influência na experiência do espectador. A inspiração inicial para a problematização e reflexão sobre a relação entre cinema e identidade parte da obra do diretor Alfred Hitchcock, distinta por seu estilo narrativo e por uma mise-en-scène particular. Tratando, inicialmente, de algumas definições de identidade, o trabalho discutirá a importância do ato de se identificar para a apreciação da obra e como este processo se dá, então, em filmes específicos do diretor – Festim Diabólico (1948) e Intriga Internacional (1959) – em razão das diversas possibilidades de identificação, dentre elas a da inocência e da culpa. Citando teóricos do cinema como Baecque, Martin, Xavier, Mauerhofer, Munsterberg, Metz e sobre a psicologia e a psicanálise, como, Jacques Lacan, para esclarecer as faces da experiência do público, busca-se uma análise do processo de identificação do espectador, tratando também da relação entre realidade e representação e da problematização da experiência cinematográfica em si.

Esta tesis parte de un primer análisis de un corpus de largometrajes de M. Night Shyamalan que revela una continuidad estilística y temática en todos ellos. A partir de este paradigma, se ha investigado si sus características argumentales y expresivas -presentes también en un conjunto de series televisivas contemporáneas- constituyen una tendencia compartida y articulada bajo la cual observar el panorama actual de la ficción audiovisual, el fantástico como modo y su incidencia en el espectador. Con tal fin, se han estudiado desde la perspectiva hermenéutica, la estética, la narrativa y la fenomenológica el mayor grueso de la filmografía M. Night Shyamalan y las series televisivas Perdidos (J.J. Abrams y Damon Lindelof), Fringe (J.J. Abrams), The Leftovers (Damon Lindelof), Les Revenants (Fabrice Gobert) y Resurrection (Aaron Zelman). En todos estos relatos -atravesados por la muerte- se ha detectado, por un lado, un horizonte compartido con tradiciones anteriores de tipo religioso, dramático, literario y cinematográfico y, por otro, una renovación retórica y poética a través de las metáforas de lo sublime que los mismos relatos articulan. La idiosincrasia de esas figuras provoca la pausa enunciativa y existencial en sus diégesis y la ambigüedad de las identidades que las habitan. Finalmente, de este análisis también se concluye que la lectura que desencadenan estas ficciones se caracteriza por un especial trabajo de reactualización semántica y narrativa y por una hermenéutica de la soledad del receptor frente al umbral final. De todo esto resulta una tendencia del fantástico que prepara a su espectador para la muerte., This thesis starts with a first corpus of M. Night Shyamalan’s full-length films, which reveals a thematic and stylistic continuity in all of them. From this paradigm, it has been researched whether their plot and expressive similarities are also present in a group of contemporary TV series, representing a new shared and articulated trend which is observed in the current scene of audiovisual fiction, the fantastic as a form and its impact on the spectator. To this end, the large majority of filmography by M. Night Shyamalan and the TV series Lost (J.J. Abrams and Damon Lindelof), Fringe (J.J. Abrams), The Leftovers (Damon Lindelof), Les Revenants (Fabrice Gobert) and Resurrection (Aaron Zelman) have been studied from a hermeneutical, esthetic, narrative, and phenomenological perspective. On one hand, in all these stories which are crossed by death, it has been detected that they all share horizons with old religious, dramatic, literary and cinematographical traditions, but also on the other hand, they bring together a rhetorical and poetical renovation through metaphors of the sublime. The idiosyncrasy of these figures causes the enunciative and existential pause in its diegesis and the ambiguity of the identities which inhabit them. Finally, from this analysis, it can also been determined that the reading of these fictions is distinguished by a semantical and narrative special work of reupdating and also by a hermeneutical solitude of the reader in the face of final threshold. This all causes a fantastic trend that gets the spectator ready for his death.

O presente ensaio aborda o filme Hamlet (2000, Michael Almereyda, EUA) como uma rescrita audiovisual da peça homónima de William Shakespeare. Neste caso, o campo semântico visão/olhar encontra a sua natural expressão num discurso metacinematográfico, envolvendo uma relação entre as instâncias autoral e espetatorial, mediadas pelo filme. Partindo de teorias fenomenológicas, psicossemióticas, psicanalíticas e narratológicas – congregadas num todo versando a natureza ótica e escópica do cinema - o artigo analisa a dimensão espetatorial contida na peça de Shakespeare (e mais ainda no filme de Almereyda), a qual funciona sempre em prol da manutenção do espetáculo, o que implica ser-se visto a ver e não apenas olhar e/ou ser-se olhado. Abstract - This essay verses the film Hamlet (2000, Michael Almereyda, USA) as an audiovisual rewrite of the play by William Shakespeare. In this particular case the semantic field of vision/looking finds its natural expression in a meta-cinematic discourse which involves the relationship between the authorial and spectatorial roles, mediated by the film. Based on phenomenological, pycho-semiotic, psychoanalytical and narratological theories – all brought together in a whole about the optical and scopic nature of film – the article analyses the spectatorial dimension of the play (and even more so of the film), which works in favor of the maintenance of spectacle by means of being seen looking at something, rather than looking or being seen. info:eu-repo/semantics/publishedVersion

A dissertação tem como propósito o estudo da imagem em movimento como mobilizadora do pensamento e a averiguação da possibilidade de um lugar de liberdade e transformação para uma comunidade de espectadores do cinema. Mediante o esclarecimento dos processos da actividade do pensar no mundo das aparências, do juízo estético e crítico, e da investigação sobre o envolvimento político da imagem, analisa-se o caso concreto de duas obras do cineasta Robert Bresson: Un Condamné à mort s’est échappe e Pickpocket.

O presente artigo incide sobre a relevância do cinema ficcional e narrativo como instrumento para aproximar-nos da realidade e do «Outro». Recorrendo a bibliografia interdisciplinar e relevante, estabelecemos uma análise teórica dividida em duas direções essenciais. Por um lado, verificamos como cinema, ficção e narrativa se conjugam em representações significativas do real e do «Outro». Por outro lado, comprovamos como o cinema ficcional e narrativo permite aos seus espectadores experimentações implicadas e ressonantes das suas histórias e dos seus universos, promovendo uma utilização e um aproveitamento do que é representado e do «Outro» em diferentes âmbitos cognitivos, afetivos ou empíricos das suas vidas.

Submitted by Boris Flegr (boris@uerj.br) on 2021-01-05T21:38:17Z No. of bitstreams: 1 Dissertacao Ana Beatriz Campuzano Martinez.pdf: 2078946 bytes, checksum: b471155f1d1e628cb61cecb669df870d (MD5) Made available in DSpace on 2021-01-05T21:38:17Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertacao Ana Beatriz Campuzano Martinez.pdf: 2078946 bytes, checksum: b471155f1d1e628cb61cecb669df870d (MD5) Previous issue date: 2014-05-29 Electing as main theoretical framework Jacques Rancière's ideas about the distribuition of the sensible, emancipation, police, politics, aesthetics, and spectator, as well as Alain Bergala s cinema-hypothesis and the use of films in the classroom, this study aimed to reflect to which extent the experience of the Prisma cineclub, created in the prison school Evaristo de Moraes in Rio de Janeiro, was another pedagogical space for the reproduction of senses, corroborating the idea that school and prison are both institutions that do not allow other work prospects than those that hierarchize people and perceptions. From this, we envision also another possible route, not one that demonizes school, but sees it as a space for another proposal for cinema in which the film is seen in all its aesthetic and dissensual power. Elegendo como aporte teórico principal as ideias de Jacques Rancière sobre partilha do sensível, emancipação, polícia, política, estética, espectador e as teorias de Alain Bergala sobre a hipótese-cinema e o uso dos filmes em sala de aula, este trabalho teve por objetivo refletir em que medida a experiência do cineclube Prisma, criado na escola do presídio Evaristo de Moraes no Rio de Janeiro, constituiu mais um espaço pedagógico de reprodução de sentidos, corroborando com a constatação de que escola e prisão são, ambas, instituições que não permitem outras perspectivas de trabalho senão aquelas que hierarquizam pessoas e percepções. A partir disso, vislumbramos também, uma outra via possível, que não demoniza a escola, porém a coloca como espaço para uma outra proposta do uso dos filmes, na qual o cinema é visto em toda a sua potência estética e dissensual.

Este trabalho discute as modulações do duplo em três produções do cinema contemporâneo: Cidade dos Sonhos (David Lynch,2001); Elefante (Gus Van Sant, 2003) e Mal dos Trópicos (Apichatpong Weerasethakul, 2004). Em um movimento de caráter exploratório, servindo-nos de leituras dos campos da psicanálise e da antropologia, consideramos o filme como um espaço privilegiado na elaboração das subjetividades, um agenciador de relações construídas tanto entre os personagens quanto entre a obra e o espectador. Destacamos as distintas formas de endereçamento do olhar presentes na especificidade de cada obra, procurando compreender, por meio da figura do duplo, de que forma o desejo atravessa, mobiliza e enlaça os sujeitos (personagens e espectadores) nessas narrativas. Chegamos, desse modo, a três modulações da figura do duplo: a sedução em Mal dos Trópicos, a errância em Elefante e a fantasia em Cidade dos Sonhos. This thesis aims to reflect on three different contemporary films: Mulholland Drive (David Lynch, 2001), Elephant (Gus Van Sant, 2003) and Tropical Malady (Apichatpong Weerasethakul, 2004), based on the figure of Double. Considering the film as a privileged space where subjectivity can be elaborated between characters and spectatorship and adopting a heuristic initiative founded on some notions deriving of psychoanalysis and anthropology fields, we intend to associate the singularity of each of these narratives to a specific psychic investment to the spectator considered as a desiring subject. Enhancing the multiple ways that the sight can be challenged in these movies, we investigate how desire operates trough these narratives employing the double as an asset. As the three modulations of Double, we selected the seduction as the figure that main represents Tropical Malady, the wander for Elephant and the fantasy for Mulholland Drive.

CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior Ao estudar algumas figurações da cultura hip hop no cinema brasileiro recente, este trabalho busca formular uma visada teórico-metodológica sobre o estatuto político do documentário contemporâneo. A partir do vínculo entre a materialidade da escritura fílmica, suas conexões com as cenas da vida social e os modos de engajamento do espectador solicitados pelos filmes, a dissertação investiga as potencialidades e os dilemas dos gestos políticos inventados pelos documentários Aqui favela, o rap representa (Júnia Torres e Rodrigo Siqueira, 2003) e L.A.P.A (Cavi Borges e Emílio Domingos, 2007). Elegendo a mise-en-scène e a montagem como operadores analíticos, o estudo pergunta pelas chances que os filmes têm de intervir – ainda que de modo intermitente – sobre as escritas dominantes do cinema e as cartografias hegemônicas do mundo, engendrando formas dissensuais de ocupação do espaço e do tempo.

Dissertação no âmbito do Trabalho de Projecto À Procura de Lorca apresentado para cumprimento dos requisitos necessários à obtenção do grau de Mestre em Ciências da Comunicação - Cinema e Televisão. Esta tese contém um filme em anexo No âmbito do Trabalho de Projecto - À Procura de Lorca - documentário sobre um processo de montagem de um espectáculo teatral, esta dissertação tem como objectivos descobrir como teatro, documentário e a política se relacionam. Se entendermos política num sentido lato do termo como processo que opera na esfera das interacções humanas, a questão que se coloca é: de que modo o teatro e o documentário, enquanto manifestações humanas e sociais, e enquanto formas de comunicação e expressão cultural, favorecem e estimulam no espectador um potencial de pensamento político. Os dois primeiros capítulos são dedicados à procura de uma definição de política e de espectador, enquanto receptor da obra artística; e os capítulos seguintes estabelecem as relações entre política teatro e documentário tendo em conta os meios de produção e expressão dos mesmos. Conclui-se que teatro e documentário relacionam-se inevitavelmente com política sobretudo quando partilham uma capacidade para reconfigurar, reorganizar, restaurar e redistribuir as dinâmicas e energias que determinam o funcionamento do homem em sociedade. O teatro e o documentário podem mesmo ter o potencial para inventar novos gestos políticos. Dissertação realizada no âmbito do Trabalho de Projecto À Procura de Lorca -Documentário

A partir del actual auge de tecnologías y producciones audiovisuales en 3-D en el cine, la televisión digital y los new media, el artículo examina, desde una perspectiva genealógica atenta a la hibridación entre tecnologías, medios y prácticas, la prolongada historia de la percepción en relieve. Atendiendo a sus desarrollos tempranos, muy anteriores a los medios audiovisuales, y a intentos previos de instalación en el espectáculo audiovisual de alcance masivo, así como a algunos esbozos de reflexión teórica sobre el cine 3-D, el trabajo concluye con el análisis de algunas perspectivas y paradojas actuales, ante la renovación de las aspiraciones tridimensionales en el audiovisual contemporáneo., The article examines, from a genealogical perspective, , the history of the 3-D productions in cinema, digital television and new media. The work presents the analysis of some perspectives and present paradoxes, before the renovation of the three-dimensional aspirations in the contemporary audiovisual., A partir do atual auge de tecnologias e produções audiovisuais em 3D no cinema, a televisão digital e os new media, o artigo examina, desde uma perspectiva genealógica atenta à hibridação entre tecnologias, medios e práticas, a prolongada história da percepção en relieve. O trabalho analisa algumas perspectivas e paradoxos atuais, ante a renovação das aspirações tridimensionais no audiovisual contemporâneo., Facultad de Artes

O objetivo desta pesquisa é investigar o cinema feito em Goiás com recorte no filme de João Bennio (1927-1984) Simeão, o boêmio (1969), a partir da sua relevância no âmbito sociocultural e histórico e de interpretações constituídas pelo grupo de discussão, formado por oito alunos e três professores do Curso de Comunicação Social/Audiovisual da Universidade Estadual de Goiás. Para discutir sobre as possíveis relações entre público e realizador de cinema, foram promovidos sete encontros com o grupo de discussão, que aconteceram em duas etapas. A primeira contou com seis encontros organizados com a apresentação da proposta do projeto; projeção e discussão do filme; discussão com o grupo a partir de imagens diversas que se relacionam com o filme e nossos percursos e afetos; criação e realização de uma narrativa visual a partir dessas imagens e suas interpretações. A segunda etapa constituiu-se de apenas um encontro para apresentação, ao grupo de discussão, do resultado obtido com a narrativa visual finalizada. Considerando que as relações entre o espectador e o filme fazem parte das práticas sociais em uma constante relação entre ensinar e aprender, o espectador é pensado não como um consumidor passivo, mas como personagem principal que produz valores sociais e linguagens culturais, integrando a complexidade das dinâmicas da sociedade contemporânea. Considero que as histórias apresentadas neste trabalho não foram finalizadas, mas portam reticências para outras possíveis histórias que virão e outras tantas mais. The object of this research is to investigate the cinema produced in Goiás specifically in the film by João Bennio (1927-1984) Simeão, o boêmio (1969), from its sociocultural and historical relevance and from interpretations constituted by a discussion group, formed by eight students and three professors of the Social/Audiovisual Communication Course at Universidade Estatual de Goiás. In order to discuss the possible relations between public and film producer, seven meetings with the discussion group have been called and happened in two phases. The first encompassed six meetings organized with the project proposal presentation; film projection and discussion; argumentation with the group based on various images which relate to the film and our trajectories and affection; creation and realization of a visual narrative derived from those images and their interpretations. The second phase consisted of only one gathering intended for presenting the result obtained with the the finalized visual narrative to the discussion group. Considering that the relations between the spectator and the film are part of the social practices in a constant relationship between teaching and learning, the viewer is thought of not as a passive consumer, but as a main character who produces social value and cultural languages, integrating the complexity of the contemporary society complexities. I consider that the histories described in this paper have not been concluded, still they bear some reserve for other possible histories yet to come and many more.

El receptor y su contexto cumplen un papel primordial a la hora de interpretar el significado de las películas, algo que se ha visto eclipsado por la importancia que la historia del cine ha otorgado a los distintos directores o al valor inmanente de sus filmes. Este artículo realiza un recorrido que partirá de la Teoría de la Recepción literaria y terminará en los actuales estudios de la recepción aplicados al cine, repasando, asimismo, el lugar que las distintas disciplinas han concedido al espectador a lo largo de la historia. The recipient and his context play an essential role in the interpretation of the movies meaning, something that has been outshone by the importance given to the different directors and the immanent value of their films since the beginning of cinema. This article makes a journey from the Literary Reception Theory to the last reception studies applied to cinema, reviewing, as well, the place the dioughout history.

El artículo aborda la dialéctica entre el cine y la pintura a partir del comentario analítico que el autor nos brinda del film de Víctor Erice El sol del membrillo. Esta película narra el proceso de creación pictórica de Antonio López cuando intenta capturar las cambiantes formas de la luz sobre un membrillo. La pintura, asegura el autor, es ante todo una confrontación con la realidad, un diálogo con las cosas suceptible de convertirse en arte. Si Antonio López intenta con su técnica pictórica acompañar un árbol en su evolución diaria, Erice pretende con su film acompañar al pintor en su lucha por atrapar lo real. Dos medios de captura de la realidad entablan un sólido diálogo a partir de este presupuesto. Erice concibe su trabajo a partir de una pregunta: ¿qué significa hacer cine hoy en día? Y también, en un momento de imágenes rápidamente caducas, la morosidad de la imagen estática nos interpela: ¿Qué cosa de ahora es materia para el ojo? Nos contesta Godard: hemos de ser capaces de producir un arte que sustituya nuestra mirada por un undo que se acuerde con nuestros deseos. This article tackles the dialectic between cinema and painting from the starting point of the author's analytical commentary of Víctor Erice's film El sol del membrillo. This film narrates the process of pictorial creation by Antonio López when he attempts to capture the changing light forms projected over a quince tree. Painting, the author assures us, above all confronts reality, a dialogue with those things that are susceptible to becoming the object of art. Whilst Antonio López, with his pictorial representation techniques, tries to follow the daily evolution of this tree, Erice, with his film, tries to follow the painter in his struggle to capture what is real. These two mediums, trying to capture a reality, strike up a dialogue with this approach. Erice develops his work from the initially posed question «What is film making today?». Also during moments when images rapidly expire, the slowness of the static image poses the question «What things from here and now are seemly to the eye?». Godard responds by saying that we have to be able to produce an art that substitutes what comes to view for what agrees with our desires.