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Varios motivos se nos presentan para recordar la vida y la obra fecundas de Octavio Paz, cuyo centenario de nacimiento celebramos en 2014. Uno de ellos es la constancia de Paz en su esfuerzo por fijar para la poesía un lugar de dignidad en medio del bullicio al que pretende someternos la experiencia moderna. El silencio que acompaña la escritura de un poema, primero, y que después duplica sus resonancias en la lectura, es altamente significativo y poderoso por ser parte de un mecanismo que le permite a una persona, extrañamente, estar con ella misma al tiempo que se deja transportar por las asociaciones novedosas de lo que está leyendo.

La presente investigación abarca la casi desconocida poesía de El Cenáculo Dada de Portoviejo, grupo de poetas dadaístas que publicaba su obra en la revista Iniciación (1921-28) de Portoviejo a lo largo de 1922 y el primer cuarto de 1923. En este trabajo se explora distintas impresiones que provocan los poemas de estos autores en el lector. Estas impresiones se reconocen como fenómenos que se suscitan en la profundidad de la imaginación humana, entre la infinidad de imágenes posibles. El espacio y el tiempo son asumidas en el discurrir de este estudio como dos categorías fundamentales de la imaginación. El primer capítulo se enfoca en la categoría de espacio: se reflexiona sobre cómo el espacio es asumido no solo por los poetas dadaístas de Portoviejo, sino también por otras tradiciones y la crítica literaria. En el segundo capítulo, en cambio, se centra en explorar la categoría de tiempo en la imaginación de los autores y pensadores que se entrecruzan en el contexto de la poesía dadaísta. Finalmente, para el tercer capítulo se examina los sistemas de crítica literaria que se relacionan con la producción de El Cenáculo Dada. En este apartado se reflexiona sobre la naturaleza misma del sistema crítico que opera en la producción de opiniones en esta Tesis de Maestría y además del sistema crítico que operaba en tiempos de la producción literaria del grupo de poetas manabitas en cuestión. Al poner de relieve los distintos sistemas críticos se busca comprender la razón por la que hubo resistencia a la producción dadaísta por la crítica hegemónica de la época.

Esta tesis propone un modelo interpretativo de la relación cuerpo y palabra. Tiene como objetivo principal entender y explicar de qué manera las fuerzas de control y liberación del cuerpo –inherentes a la biopolítica– y las fuerzas de control y liberación de la palabra –propias de la escritura– se manifiestan en un relato de lo social denominado crónica de multitudes. Entiendo por crónica de multitudes una narrativa situada entre una intención política y una intención literaria, que tiene como tema central algún tipo de manifestación masiva o, dicho de otro modo, de cuerpos individuales en un estado de máxima intensidad colectiva. Es también un relato que habla de los procesos de transformación del individuo en multitud por razones que van, en el caso específico de esta tesis, de los rituales fúnebres a los espectáculos deportivos y de la búsqueda de alimentos a la exhumación de cadáveres. De modo que en esta tesis confluyen varios ejes de reflexión: 1. El cuerpo como entidad central de una lucha entre fuerzas de control y liberación; 2. La escritura como una experiencia inevitablemente ligada al cuerpo y su universo sensitivo; y 3. La crónica como un relato capaz de expresar el devenir del cuerpo individual y colectivo en el suceso de las multitudes. La pregunta guía es: ¿de qué manera los valores narrativos e interpretativos de la crónica, como relato de lo social, ayudan a entender los procesos de liberación y control del cuerpo y de la palabra? Y las respuestas provienen de un conjunto de textos teóricos, varios acontecimientos sociales y políticos, y una muestra representativa de crónicas latinoamericanas, que tienen en común el tema de las multitudes. Esta tesis se compone de cuatro capítulos: I. La dimensión histórica del relato; II. La crónica, itinerario de un relato de lo social; III. El lugar del cuerpo y el lugar de la palabra; y IV: La crónica, un modo de interrogar el archivo. Más una parte final cuya intención no es concluir sino mostrar los caminos de una nueva búsqueda. La relación complementaria entre la estructura del texto y las temáticas desarrolladas constituye, como se ha dicho al inicio, un modelo interpretativo.

Este estudio se centra en la literatura de ciencia ficción de cinco países andinos: Bolivia, Chile, Colombia, Ecuador y Perú, en tres períodos diferenciados definidos como siguen (correspondientes a la periodización; siglo XIX, XX y XXI). En el primero, la ficción prospectiva utópica, se analiza la visión positivista de novelas que anticipan el futuro, idean y reflexionan otra nación, su constitución en un territorio, su manejo eficiente de la ciencia y la tecnología, bajo el deseo de concretar el progreso y establecer un régimen político acorde con el tiempo utópico del capital. En el segundo, la ciencia ficción escéptico metafísica, se estudia cómo el modelo de futuro de sociedad y nación, que conlleva un ordenamiento del paisaje, del Estado-nación y del trabajo, supone un régimen de control defendido por sus promotores, observado por visitantes del pasado con la consecuente conclusión que tal modelo de nación y Estado es totalitario donde la vida es inmunizada y sacrificada, donde se racionaliza la libertad, ejerciendo el mal en forma política. En el tercero, la ciencia ficción poshistórica, se examina determinados modelos de sociedad andinas donde, por el fracaso de las políticas de concretar la Modernidad, el deterioro de sus paisajes, de sus habitantes, de sus instituciones sociopolíticas fundamentales, reina un ambiente opresivo por la violencia sistémica; en aquellas ya no existe una nación sino multiplicidad de fragmentos de nación o identidades nacionales recorriendo el paisaje de ruinas y tratando de recomponer sus vidas sin esperanza y tratando de abrazar un nuevo horizonte de expectativas, queriendo desentenderse del capitalismo occidental. Se concluye con una reflexión acerca de la comunidad que viene dentro de las representaciones de la ciencia ficción. El tema clave de este estudio, en este marco, fue las representaciones de nación en los tres períodos literarios de la ciencia ficción andina si se entiende que, esta como discurso literario, permite la reflexividad de la realidad sociopolítica actual toda vez que hace un distanciamiento cognitivo y, con ello, se produce un novum. Este tiene que ver con los usos, asertos y fracasos de la ciencia y la tecnología en la vida social y política de las sociedades, pero, sobre todo, ya en cuanto a las representaciones en tiempo de futuro, es decir de futurización, tal novum en realidad tiene que ver con la libertad del ser andino. Por ello se concluye con una propuesta de ver tales representaciones de la ciencia ficción desde la perspectiva de la antropología especulativa.

El presente trabajo de tesis aborda el tema de la utopía en la literatura guayaquileña de finales de siglo pasado. El análisis se concentra en la consecución de un modo utópico en tres obras de distintos géneros: poesía, novela y cuento. Los autores son Fernando Nieto Cadena, Jorge Velasco Mackenzie y Edwin Ulloa, los tres pertenecientes al grupo taller Sicoseo creado en Guayaquil a finales de la década de 1970. Los libros analizados en el presente trabajo tienen diez y nueve años de distancia entre la publicación entre ellos. A la muerte a la muerte a la muerte de Nieto Cadena en 1973, El Rincón de los Justos de Velasco Mackenzie en 1983 y Sobre una tumba una rumba de Edwin Ulloa en 1992, cumpliéndose así la propuesta de pensar en lo finisecular de la investigación, cuya importancia gira alrededor de la posibilidad de encontrar asidero en la literatura en busca de la utopía. Por otra parte, el trabajo se enfoca en el manejo de la jerga por parte de los autores como ruptura con el lenguaje tradicional, lo que marcó una época de cambios en cuanto a la estética literaria de Guayaquil a la que se le suma lo contextual y respectivos cambios socio culturales. Las tres obras que conforman el corpus de estudio tienen un común denominador que es la ciudad de Guayaquil, sus habitantes que entran a la ficción con sus respectivas particularidades callejeras y la conformación del sujeto urbano marginal, tanto en la voz poética como narrativa. Constatar mediante la tesis que hubo en Guayaquil una ruptura con las formas tradicionales de escribir, arraigadas a lo rural y que hubo un paso hacia la emancipación de lo urbano es un motivo fundamental de la presente investigación que, en conjunto da sentido a un tiempo histórico de la literatura ecuatoriana.

La obra literaria del escritor argentino Ernesto Sabato, correspondiente a la segunda mitad del siglo veinte, abarca dos géneros fundamentales: el narrativo y el ensayístico. El motivo de lo siniestro y lo demoníaco es central en la literatura sabatiana y está presente en la mayoría de sus libros. Si bien en sus ensayos –que corresponden al groso de su obra– lo siniestro es preponderante, es en sus narraciones donde aparece con todo esplendor y de distintas maneras y perspectivas. El presente trabajo, así, buscará, en primer lugar, acercar al lector un poco más sobre este vasto y complejo concepto de lo siniestro, para, posteriormente, buscar, detectar y analizar la presencia de lo ominoso en las dos últimas novelas de Sabato: Sobre héroes y tumbas y Abaddón el exterminador. Para dicho objetivo, hemos preparado un importante marco teórico, el cual se refiere a lo siniestro y diabólico en distintas aéreas de las ciencias humanas y también desde la religión. A lo largo del presente trabajo, realizaremos reflexiones sobre el mal como un elemento intrínseco al ser humano y, también, sobre los límites entre la realidad y la ficción. Finalmente, la interpretación sobre el porqué de la presencia de lo ominoso en la ficción del escritor argentino, nos llevará a comprender con mayor claridad los enunciados que propone en su obra ensayística. Dichos enunciados, entre otras aseveraciones, sostienen que la humanidad está en crisis, el planeta camina hacia su destrucción y el mal reina en todas las latitudes. Así, es preciso una toma de conciencia y la escritura aparece como un arma que permite, precisamente, combatir ese mal y rescatar el pensamiento humanista.

Simón Bolívar ha sido objeto de diversas lecturas y representaciones dentro de las cuales Colombia y su literatura no ha sido la excepción. Desde Fernando González, Álvaro Mutis, Gabriel García Márquez, Cruz Kronfly, Álvaro Miranda, William Ospina hasta Evelio Rosero, entre otros., constituyen una multiplicidad heterogénea de escritores que a lo largo del siglo XX decidieron examinar, a través de la novela histórica, el pasado del mito que se esconde al interior del denominado Padre de la patria. A partir de las obras Mi Simón Bolívar (1930) y La Carroza de Bolívar (2102), escritas respectivamente por los escritores Fernando González (1895-1964) y Evelio Rosero (1958), la presente investigación busca dilucidar los elementos históricos y literarios que orientaron a los escritores hacia dos representaciones antagónicas de un mismo personaje histórico. Para esto, retomamos conceptos como novela histórica, legado y escritura al advertir que son referentes centrales que prevalecen sobre la identificación que se tiene de la denominado Padre de la patria. Luego de analizar esta caracterización teórica, trazaremos puntos de des-encuentro entre nuestras obras de estudio, al examinar algunas representaciones que se han preocupado por retomar la figura del líder venezolano en la novela histórica colombiana del siglo XX. Luego, re-descubriremos el rostro menos conocido del Bolívar cobarde, mentiroso y genocida a través de La Carroza de Bolívar de Evelio Rosero y como punto de llegada, retomamos a Giorgio Agamben para identificar al Simón Bolívar cósmico de un escritor contemporáneo, como lo fue Fernando González.

Si el estereotipo de la mujer fatal que sobrevive en muchos aspectos en la literatura publicada durante el siglo XX deja de leerse desde el deseo y la desgracia que se le atribuyen para pensar en la violencia de género que permite justificar, hay por lo menos dos observaciones importantes. La primera con respecto de la estructura social y de género de la que se nutren las novelas para producir situaciones y características imaginables sobre las mujeres y las relaciones género y de poder que se establecen. La segunda en torno a la función que desempeñan las características asociadas a la mujer fatal en la estructura narrativa de los relatos. Entre las novelas que admiten esta lectura, la presente investigación toma a La Linares de Iván Égüez y a Luna caliente de Mempo Giardinelli. Ambas novelas utilizan personajes femeninos que son descritos por los otros personajes como: seductoras, pecadoras, putas e insaciables y son víctimas de distintos niveles de violencia de género: acoso sexual y señalamiento social en el caso de María Linar de La Linares y violación en el caso de Araceli de Luna caliente. El presente trabajo pretende desentramar la función que cumple el estereotipo de la mujer fatal en ambas novelas. A partir de ahí se desarrolla el concepto de cuerpo disponible que refiere explícitamente a la justificación de la violencia de género así como a una estructura que la provoca y que se evidencia en los relatos. En cuanto a la estructura narrativa la investigación prueba que el cuerpo de la mujer sirve de excusa para referirse a otra cosa, que en el caso de La Linares es la sociedad quiteña y la corrupción; y, en Luna Caliente es la propia conciencia del protagonista. La forma en que se plantean los relatos demuestra que el cuerpo femenino que se relaciona de una u otra forma con el estereotipo de mujer fatal resulta una razón válida para que una ciudad entera arroje sus prejuicios y un hombre llegue a niveles extremos de violencia.

En América Latina y el Caribe la epidemia empieza a finales de la década del 70. La llegada del SIDA empieza el discurso de la enfermedad evidenciado en los distintos cuerpos que la viven: homosexuales, drogadictos y las relaciones heteronormadas sin precaución. El cuerpo se inscribe en un proceso de censura. A finales de los años 90, según Pecheny, las prácticas sexuales y la poca información en cuanto al tema del VIH marcaban la falta de interés sobre los cuerpos, que el propio estigma, había considerado como los otros (1998). El sida, ligado al movimiento gay y transexual es visto como un agente invasor, deja huella en lo que se conoce como literatura seropositiva. En el siguiente trabajo investigativo se piensa desarticular el lenguaje del sida en los distintos cuerpos en los que empieza habitar. Loco afán. Crónicas del sidario de Pedro Lemebel muestra una amplia gama multicolor del cuerpo del cola chileno, superlativo sexualmente y afectado, como una nueva colonización por el sida. Mientras que, El desbarrancadero de Fernando Vallejo exhibe a Darío: el basuquero, borracho y marica que se debilita día a día por esta plaga exclusiva de maricones, pero que, al éste representar todos los estigmas, da igual vivo que muerto. El sida que pulula como espora mortífera sobre estos cuerpos propone una nueva lectura, desde mi personal perspectiva, a partir de la ya conocida metaforización. No es el mismo sida que el del transexual chileno que repele la importación de una enfermedad que se enuncia desde una acomodada orientación sexual; que el sida del consumo; el drogadicto maricón que desconoce (o quiere desconocer) su identidad como nuevo enfermo.

El presente trabajo desarrolla el tema Transiciones reflexivas del lenguaje en lapoética de Jorge Enrique Adoum. Con este trabajo me propongo analizar los usos y variaciones del lenguaje en los diferentes momentos que conforman la obra poética del autor. En este sentido, es importante mencionar al lenguaje como una suerte de hilo temático que atraviesa toda la obra poética. El lenguaje, además de ser una herramienta que utiliza el poeta para expresar, se convierte en un centro de reflexión constante, a lo largo de la obra poética, y variable a su vez, dependiendo del momento poético. Para el desarrollo de la tesis utilizaré como material principal de análisis la obra poética completa del autor, además textos como Historia de las literaturas del Ecuador para contextualizar la obra poética del autor en panorama lírico ecuatoriano. También utilizaré varias entrevistas realizadas al autor y textos de crítica literaria acerca de la obra poética de Adoum. Se tomará como referencia teórica el texto Buscar una frase, del escritor y ensayista francés Pierre Alféri, con el objetivo de puntualizar ciertos conceptos en torno a la problemática del lenguaje dentro del proceso de la creación poética. Finalmente tomaré en cuenta ciertas reflexiones de Saúl Yurkiévich en el texto De lo lúcido y lo lúdico con respecto a los usos del lenguaje dentro de la poética de Adoum; y varios conceptos de lenguaje e imagen poética planteados por Octavio Paz en El arco y la lira. Es pertinente indicar que el proyecto de investigación que planteo se inscribe de manera específica en un marco disciplinario de análisis literario. Es decir, la disertación se centra en el estudio de la obra poética del autor. Por esta razón no se propone un estudio interdisciplinario que relacione la literatura con otras áreas de estudio. Es pertinente recalcar el valor que tiene el tema planteado, con respecto al lenguaje y a las transiciones reflexivas que experimenta el mismo dentro de la obra poética del autor, en el análisis poético propuesto; ya que esta perspectiva de estudio ha permitido acercarse a la obra poética desde una lugar que abarca muchos, sino todos, los temas y motivos recurrentes manifestados por el yo lírico de la poesía adoumiana.

El presente trabajo investigativo tiene por objeto analizar cuáles fueron las circunstancias que dieron lugar a que el fenómeno de la poesía conversacional se haga presente en la poética cubana de los años setenta, tomando como caso específico la obra de Luis Rogelio Nogueras, poeta nacido en La Habana en 1944. El desarrollo de esta tesis pretende dar cuenta de cuáles fueron las condiciones que atravesaba la poesía en los años anteriores a 1959, año del triunfo de la Revolución cubana ante la dictadura de Fulgencio Batista, lo que desencadena un proceso de constitución de un nuevo público lector así como un nuevo enfoque de la poesía. Finalmente este trabajo analizará las claves intertextuales, de contexto y contenido en las que se enmarca la obra de Luis Rogelio Nogueras, así como las características que integran la corriente poética llamada conversacional.

La construcción del espacio en El alienista (1882) y El infarto del alma (1994) sugiere una fluidez transversal a los contrastes evidentes entre ambos libros. El cuento largo de Machado de Assis –irónico, desde su modernidad, respecto a las promesas de la Ilustración– y el testimonio/fotoensayo de Diamela Eltit y Paz Errázuriz – fragmentario e inquisidor de las homogeneizaciones reconfortantes de su fin de siglo–, narran la locura a través de una inmersión en espacios dúctiles. Tanto el orden colonial que pretende clasificarla como las exclusiones de una modernidad que convive con patrones unívocos de lo bello o deseable, adscriben un espacio a la locura. Sin embargo, surgen intersticios –desde lo arquitectónico y más allá de ello– que trastocan la noción de esta. El lector se inserta en un flujo de movimientos/interpretaciones y es incitado a participar de una actitud lúdica capaz de conjurar la locura. Las piezas de juego son innumerables –pasillos, nombres, viajes, sueños, ventanas, héroes, rincones– pero los resultados no se pueden clasificar como los objetos de estudio de la ciencia ilustrada. Tampoco medir como lo hacen las fórmulas de prestigio contemporáneas. Sólo está la libertad de jugar.

El presente trabajo se enmarca en el estudio de la poesía peruana de vanguardia y el proceso de transculturación generado desde las vanguardias europeas en la primera mitad del siglo XX, especialmente el surrealismo. A través del análisis de las obras 5 metros de poemas de Carlos Oquendo de Amat y La tortuga ecuestre de César Moro, se hace un recorrido por las condiciones estéticas que evidencian estos libros, así como su relación con el advenimiento de la modernidad y las repercusiones de esta coyuntura política y cultural en el ámbito estilístico de estos dos textos. La aproximación teórica a ellos se ha realizado a partir del concepto de transculturación generado por Fernando Ortiz y Ángel Rama, atendiendo en general a las consideraciones dadas por este último, quien le otorgó a este concepto un carácter de choque y resistencia intercultural en el ámbito de la literatura. Después de detallar un panorama crítico de la poesía peruana a comienzos del siglo XX, las relaciones de esta con el continente europeo, los intercambios y sus referentes más notorios de vanguardia, pongo en diálogo estas obras y sus dos autores con los debates más significativos de su época en el Perú, la postura ética y humana de César Vallejo, el nacionalismo promulgado por Mariátegui y la condición de indigenismo y oralidad defendidas por Arguedas. Este recorrido conlleva al análisis estilístico de los dos poemarios, visualizando en ellos las características de la transculturación desde su composición. La poesía de Moro y Oquendo de Amat tiende a la novedad vanguardista como forma de libertad estética, desde un locus de enunciación andino que integra elementos de intercambio entre posturas continentales, desembocando en una búsqueda constante de autenticidad individual y cultural que no se puede integrar anodinamente a los mismos parámetros creativos del cenáculo francés.

El presente trabajo académico analiza, desde la teoría de la heterogeneidad de Antonio Cornejo Polar, las obras Los Sangurimas, “Mama Pacha” y “El nuevo san Jorge”, de José de la Cuadra y Jorge Icaza, respectivamente. En el análisis de estas obras literarias se busca la construcción de universos literarios y narrativos ficcionales sumamente complejos, contradictorios, heterogéneos, fraccionados, y cargados de un relato de los diferentes espacios culturales que chocan, se repelen y se encuentran en la sociedad ecuatoriana. Siendo así, pretendemos en la lectura de las creaciones literarias de los mencionados autores evidenciar la heterogeneidad cultural como premisa fundamental de construcción literaria, heterogeneidad que en la narración conduce directamente a un fraccionamiento subjetivo de los personajes, a una esquisis cultural que orienta a los habitantes de estos universos literarios, que en ocasiones los potencia y en ocasiones los destruye. Construcción y destrucción subjetiva de los habitantes de estas ficcionalizaciones simbólicas, que es planteada como propuesta política, social y cultural ante una sociedad marcada por la colonización, la negación, el olvido y el rechazo de la pertenencia cultural heterogénea andina, que evita precisamente que, esa heterogeneidad estructure una construcción de varias culturas, de varias voces, de varias lenguas, potente y creadora, capaz de abarcar y dialogar con los mundos de vida que conviven en su seno.

Hasta casi finalizado el siglo XX, la narrativa policial, salvo contadas excepciones como “Un hombre muerto a puntapiés” de Pablo Palacio o las novelas cortas Arcilla indócil y El destino de Arturo Montesinos y Pedro Jorge Vera, respectivamente, no se cultiva en Ecuador. No obstante, desde el año 1997 hasta nuestros días, hace su aparición en el medio un puñado de novelas que ensayan diferentes matices y modos de presentación del género. Este trabajo pretende lograr un acercamiento a esta producción, determinando sus antecedentes y analizando cómo y con qué fines estas obras adaptan, juegan o parodian las formas narrativas, los elementos y las convenciones del policial. El corpus central de estudio comprende las siguientes novelas: La Reina Mora (1997), Los archivos de Hilarión (1998) y Condena Madre (2000) de Santiago Páez; Anillos de serpiente (1998) de Juan Valdano; La muerte de Tyrone Power en el monumental del Barcelona (2001) de Miguel Donoso Pareja; El caso de los muertos de risa (2001) de Leonardo Wild; Sara y el dragón (2003), El cadáver prometido (2006) y La conexión argentina (2009) de Rocío Madriñán; y El último caso del guatón Ramírez (2007) de Leonardo Escobar.

El presente trabajo busca indagar en las literaturas latinoamericanas en nuestros tiempos, sobre todo cuando una tendencia posmoderna, de amplia conceptualización desde los países industrializados, instaura la nostalgia y el desencanto como características de narrativas que se observan a sí mismas frene a la realidad y a las representaciones de sujetos y espacios que se han gestado, sobre todo, durante el siglo XX. Por ello, una de las preocupaciones fundamentales del trabajo radica en observar el proceso de revisión epistemológica en la conformación de las representaciones sobre Latinoamérica, su contexto y sus sujetos. Según este marco, he querido abordar dos narrativas distantes entre sí, no tanto en tiempo, sino por su caracterización y postura frente al mundo: por un lado, he abordado las dos últimas novelas de Leonardo Valencia (Guayaquil, 1969), autor que propone la biblioteca como la patria del escritor y se distancia de la categoría de lo “latinoamericano”; y por otro lado, tres obras de Roberto Bolaño (Santiago de Chile, 1953-Barcelona, 2003), cuya obra problematiza las representaciones literarias, históricas y culturales del continente, desde la nostalgia y el desengaño contrapuestos al boom. ¿Cuáles son los resultados de estos dos mundos narrativos frente a los discursos de la historia, los referentes socio-culturales y literarios? Este trabajo es un primer paso hacia la comprensión de la heterogeneidad y de la tendencia posmoderna en nuestros contextos, que cuestiona los relatos totales. Por ello, los tres capítulos de esta tesis esbozan un contexto teórico acerca de la posmodernidad y el contexto latinoamericano, en el que he buscado dialogar con diversos autores e investigadores, como Linda Hutcheon, Fredric Jameson, Bolívar Echeverría, José María Pozuelo Yvancos, Eliseo Diego, Jorge Velasco Mckenzie, Gabriel García Márquez, Alejo Carpentier, entre otros.

En el primer capítulo se precisa la perspectiva de acercamiento crítico a la obra del autor: mito y estructura narrativa se entrelazan y, por lo tanto, la presencia del mito no solo se reduce al contenido sino a una forma de estructurar y concebir la realidad. Planteamos que esta perspectiva es especialmente evidente en las obras catalogadas como “ficción científica”,1 de allí que hacemos una breve referencia a la presencia, en nuestro país, de obras pertenecientes a este subgénero, entendido como una derivación de la literatura fantástica desde el planteamiento de Tzvetan Todorov. En este capítulo, además, se profundizan los conceptos utilizados en el análisis, especialmente lo que entendemos por “pensamiento mítico”, que se evidencia por ejemplo en la presencia de la metamorfosis, o en la posibilidad de viajes en el tiempo. En el segundo y tercer capítulos, se realiza el análisis propiamente dicho, desde dos grandes perspectivas: en primer lugar, la del “Tiempo mítico”, que nos permite analizar la actualización del tiempo (pasado, futuro) a través del rito (presente), que de ningún modo se puede concebir si no es desde una forma mítica de percibir la realidad. El segundo aspecto, “El héroe mítico”, nos permite acercarnos a los personajes desde la presencia del arquetipo, especialmente el arquetipo del héroe, que siempre cumple una trayectoria cuyas fases se analizan: la separación, el alejamiento y el retorno. Este análisis hace posible afirmar, finalmente, que la narrativa de ficción científica de Santiago Páez está estructurada con una perspectiva mítica de la realidad, que es la que hace posibles los viajes en el espacio y en el tiempo, así como la trascendencia del héroe a través del recorrido simbólico que realiza.

El presente trabajo propone una reflexión en torno a lo andino en tres novelas de Gabriel García Márquez y Mario Vargas Llosa, desde la perspectiva de los estudios de la cultura. No obstante, es la interpretación-confrontación de las obras, la que permite postular y dar cuerpo a una serie de intuiciones que se han ido decantando a lo largo de la lectura de estos dos escritores, representativos para la literatura y la cultura hispanoamericanas. El texto está dividido en tres capítulos: el primero intenta una conceptualización acerca de qué es lo andino, y desde qué arista es tomado en este esfuerzo, también muestra un breve rastreo de cómo lo andino se halla nombrado en la literatura previa al boom, para desembocar en una disertación sobre el boom como tal. El segundo, se ocupa de la lectura de las obras, teniendo en cuenta lo expuesto en los ítems anteriores. El tercero, coloca sobre la mesa una serie de hallazgos y caminos de discusión que pueden alentar otro u otros ejercicios académicos.

A partir de los conceptos de región cultural y heterogeneidad este ensayo realiza la interpretación crítica de las novelas Los ríos profundos, El chulla Romero y Flores, y El coronel no tiene quien le escriba. El análisis de las obras trata sobre la relación conflictiva entre la oralidad y la escritura, y cómo al considerar esta relación dentro de un marco histórico se advierte la pertenencia de las novelas a una región cultural específica (la cultura andina y caribe). En la relación que existe entre oralidad y escritura se recrean tradiciones y memorias características de una cultura particular; así en Los ríos profundos Arguedas actualiza el pensamiento y los mitos de la sierra sur del Perú, Jorge Icaza en El chulla Romero y Flores recrea al sujeto moderno desde un punto de vista de la historia andina, y García Márquez en El coronel no tiene quien le escriba introduce la presencia latente del mito poético popular en la sociedad mercantil y democrática. No obstante las diferencias de perspectiva que acabo de apuntar, y que vendrían a representar la heterogeneidad de las obras escogidas, estas novelas son el producto de una región cultural en la que aún prevalece un conflicto sociohistórico que se inició con la conquista hispánica, continuó en la colonia y llega hasta ahora con la modernidad. Es decir que un análisis de esta naturaleza revela cómo son posibles las variantes que expresan la heterogeneidad en el marco de una misma región cultural.

Simón Bolívar es una de las figuras más destacadas en la historia de los países andinos por el papel trascendental que juega en los procesos independentistas de principios del siglo XIX y es una imagen que trasciende su época para pervivir en la memoria y en los proyectos de las generaciones posteriores. Ahora bien, es evidente que, a lo largo de los años, desde diferentes materias y ámbitos, se ha generado variedad de interpretaciones en torno a un todo que se simplifica en un nombre y un apellido. La historia, la filosofía, la literatura y hasta la psicología se han puesto en la tarea de elaborar innumerables discursos sociales en torno a su pensamiento y personalidad. Sin embargo, es la literatura, desde sus recursos narrativos, la materia de estudio que ahora interesa abordar. A partir del análisis del cuento El último rostro de Álvaro Mutis, de El general en su laberinto de Gabriel García Márquez, de la novela histórica Manuela del ecuatoriano Luís Zúñiga, y Yo, Bolívar Rey, del escritor venezolano Caupolicán Ovalles, este trabajo de tesis, desde el análisis crítico literario, aborda las diferentes formas de representación que se han generado de Simón Bolívar en estas obras literarias contemporáneas. Desde un ejercicio de literatura comparada, se pretende explorar e investigar las distintas construcciones que desde la denominada nueva novela histórica se han elaborado sobre un mismo objeto de estudio. Teniendo en cuenta los aportes interpretativos emergentes desde diversas áreas, en este caso crítica literaria e historiografía, se hará una lectura crítica al respecto mostrando algunas diferencias y contrastes entre las variadas exploraciones que sobre el tema se han realizado desde las últimas décadas del XX y evidenciar la construcción de cierto imaginario literario que se afianza y fortalece desde el texto escrito.

Esta investigación surgió como consecuencia de mi interés en la producción textual de los poetas Humberto Fierro (1890-1929), Arturo Borja (1892-1912) y Ernesto Noboa y Caamaño (1889-1927). La temprana muerte de estos poetas y la consagración de la literatura social de los años de 1930, como la literatura ecuatoriana más difundida, empañó su imagen. Fueron así leídos —en la mayoría de los casos— como “aristócratas melancólicos, incomprendidos y suicidas”. Ante la sospecha de que esta lectura era demasiado simple y peligrosamente había sido asumida como una verdad evidente, mi propósito fue ir hacia nuevas fuentes, en la búsqueda de otros materiales que develaran los vínculos entre su poética y su identidad como artistas modernos. Mi propuesta ha sido elaborada, luego de una atenta lectura, a través de revistas literarias de los años que van de 1895 a 1930. En la revista literaria, lugar en el cual los poetas publicaron su poesía, encontré nuevas dimensiones de su voz: su conciencia de época, su lectura crítica de otras voces literarias, la tesis de la literatura como campo y su opinión acerca de la naturaleza del lenguaje moderno. Estos poetas, íconos de la literatura ecuatoriana, develan una dimensión compleja vista en los escenarios en los que colaboraron como intelectuales y como artistas. A pesar de que sus libros de poesía fueron tardíos, fue el espacio creado en las revistas el que les permitió publicar en vida y difundir sus ensayos críticos y propuestas literarias, para ser comentados por sus pares y por una comunidad de lectores en formación. Mi posición, sustentada en las revistas de la época, apunta a rebatir opiniones en las cuales se sugiere que nuestros poetas fueron “consumidores” de modernismo antes que creadores. He visto que aquí sí se produjo modernismo literario. Al menos desde 1912 existió tal producción y circuló en el ámbito internacional.

Este trabajo pretende una aproximación a la vida y obra de cuatro poetas andinos. Los poetas en mención se caracterizaron – pese a no ser contemporáneos entre sí- en el trasiego que vivieron al pasar de una vida a la “otra” –tres de ellos fueron suicidas- al experimentar una especie de metempsicosis en su estructura mental y cuerpo escritural o poético, y a la proximidad que advirtieron en el panorama de lo oculto, lo alquímico y lo esotérico. Llama poderosamente la atención sus locus primero. Si es loable la sola ruptura con su espacio y su tiempo, imaginémonos el proceso de fuga que vivenciaron al no tener un antecedente claro en sus lugares de orígenes, y al constituirse en figuras excepcionales en sus respectivos países o terrenos concretos de nacionalidad; ni Ramos Sucre, ni Carlos Obregón, ni César Dávila Andrade y mucho menos Jaime Sáez llegaron al ocultismo por una tradición literaria. Por tal motivo, esta investigación –si puede llamársele asípersigue tres propósitos fundamentales: • Rescatar de la marginalidad la obra de Carlos Obregón y Jaime Sáenz. • Dar cuenta de las vertientes recorridas por Ramos Sucre y Dávila Andrade –a mi modo de ver los más perfeccionados del grupo. • Recuperar una serie de textos de suma relevancia para la poética continental. • Realizar un balance de la obra de estos cuatro “poetas malditos”. El texto o cuerpo de texto estará constituido por una serie de reflexiones en torno a la evocación de lo oculto, el ocultismo como poética, la metafísica como estética, el suicidio como búsqueda de lo absoluto y el rosacrucismo como alteridad o vía de acceso poético.

Sustratos de oralidad en la escritura de la cultura popular: un análisis de Los que se van desde los estudios culturales, intenta establecer la subyacencia de los elementos lingüísticos, estructurales y significativos de la oralidad rural dentro de la escritura artística, especialmente narrativa. El análisis centra su atención en el conjunto narrativo Los que se van, perteneciente a la literatura ecuatoriana de los años 30, en el que Demetrio Aguilera Malta, Joaquín Gallegos Lara y Enrique Gil Gilbert, a través de 24 cuentos (8 cada uno), logran ficcionalizar aspectos relativos a la vida del cholomontuvio del trópico ecuatoriano de la época. El propósito principal del trabajo consiste en situar al conjunto narrativo en mención, dentro de la transculturación narrativa propuesta por Ángel Rama, específicamente dentro de lo que se ha denominado proyecto de ficcionalización de los recursos culturales de la comunidad oral. Los niveles de la lengua, la estructuración literaria y la cosmovisión, de la propuesta de Rama, constituyen los ejes estructurantes del estudio, que concluye estableciendo el propósito cultural de legitimar los valores de la cultura popular a través de la escritura -por parte de los autores- antes que una intención social o de denuncia.

La presente investigación tuvo como propósito establecer los procesos de construcción del sujeto femenino del siglo XIX, a través de la obra literaria de la poeta ecuatoriana Dolores Veintimilla de Galindo. Para cumplir con el mismo, se tomó como base los elementos teóricos y metodológicos que brinda la teoría feminista y la crítica literaria, de modo de establecer las claves que permitan indagar en la escritura femenina, así como determinar los elementos que conforman la subjetividad de la mujer de la época. Un breve recorrido por el contexto socio-histórico del Ecuador de inicios de la república permitió establecer los antecedentes del escenario social en que se movió la obra literaria de Dolores Veintimilla. Esto condujo al análisis de la condición de la mujer como sujeto histórico, su posición frente al imaginario nacional y su movilidad entre el espacio público y privado. Finalmente se analiza a la mujer desde la perspectiva de la creación de imaginarios femeninos en el siglo XIX, y su influencia en la formación de la subjetividad femenina. Esto conllevó a un acercamiento a la escritura de Dolores Veintimilla, desde su adscripción al discurso romántico, como medio de expresión de una experiencia propia y diferenciada. El tema de la escritura femenina recorrió estas páginas dejando más preguntas que respuestas, pero con el propósito de que futuras investigaciones se sigan sumergiendo en ese lado oscuro que, se dice, es la mujer.

La crítica literaria ha considerado a Juan Montalvo como el mejor prosista ecuatoriano del siglo XIX, escritor polémico, dueño de una extraordinaria capacidad para escarnecer, poseedor de una singular cultura clásica, hábil artesano de la lengua; en fin, Montalvo se erige no como un escritor cualquiera sino complicado, raro, el autor más destacado e inaudito de su época. Montalvo el mito, el superhombre, el semidiós, se ha humanizado se ha convertido en el escritor que deja ver a través de la palabra al maestro, al amante, al idealizador, al mortal que juega, anhela, desea, vive y pervive gracias a la magnificencia de las letras y la imaginación. Montalvo se constituye también en narrador y esta es la línea argumentativa del presente trabajo: mirar en este autor al artista capaz de lograr con la imaginación la creación de una otredad que permita evidenciar su capacidad de hacedor de mundos distintos nacidos de la cotidianidad y realidad de los seres. Las narraciones cortas son también producto de la genialidad de Montalvo. Aparece la literatura fantástica como dominio del cuentista, los temas, ámbitos, escenarios, personajes de sus cuentos fantásticos logran una amalgama que demuestran no únicamente la versatilidad de Montalvo sino también su generosidad en el manejo de la pluma. El trabajo de análisis de la narrativa de Montalvo en el presente trabajo logra destacar un corpus con la suficiencia y la autoridad para nombrar en Montalvo un escritor fantástico, el análisis de los cuentos explica el lugar y peso de lo fantástico en la vida y obra creadora de Montalvo.