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Orientador: José Roberto Zan Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Mestrado

Orientador: Jose Mario Ortiz Ramos Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas Resumo: Este trabalho analisa as redes de comunicação entre o local e o global no mundo contemporâneo e seu impacto sobre a dinâmica cultura lurbana em contextos periféricos, por meio de um estudo de caso específico:o do movimento manguebeat ou da cena mangue,da cidade do Recife, Pernambuco. Parte-se da hipótese de que os processos de mundialização da cultura acarretam efeitos heterogêneos em diferentes localidades e são vivenciados de maneiras variadas. Assim como se pode considerar que lhes são constantes os efeitos de homogeneização de culturas locais, os fluxos mundializados também podem acarretar processos de resistência ou de reapropriação criativa de elementos de uma cultura internacional-popular, levando à valorização, recriação ou re-significação das culturas locais, no presente caso voltado para as culturas tradicionais pemambucanas. A discussão do tema inclui a descrição do movimento mangue e de alguns elementos de seu desenvolvimento, sua contextualização no campo da música popular contemporânea e da indústria fonográfica em âmbito local e mundial. Além disso, discutem-se os embates em tomo da cultura popular local abordando três dimensões: o contraste entre o mangue e o movimento armorial, as formas de incentivo material e simbólico, e as iniciativas populares de desenvolvimento sociocultural. Algumas questões teóricas envolvidas remetem aos conceitos de cultura global, pós-modernidade, modernidade e tradição, hibridização e indústria cultural Abstract: The present study analyses local and global communication networks in contemporary world and their impact on the urban cultural dynamics in peripheral contexts, by means of a specific case study: the manguebeat movement or mangue scene, from Recife, Pernambuco, Brazil. The study takes as its starting point the hypothesis that processes of cultural globalization result in heterogeneous effects in different local contexts and are experienced accordingly. Just as much as they constantly have homogenizing effects over local cultures, globalized flows can also result in resistance processes or creative re-appropriation of elements from intemational-popular culture, leading to an increase in value, and the renewal or re-signification of local cultures, in this case, the traditional cultures from Pemambuco. Discussion ofthe subject includes a description of the mangue movement and some elements of its development, contextualizing it with regard to popular contemporary music and the phonographic industry, both at local and globallevels. Moreover, controversies about popular local culture are discussed with reference to three aspects: the contrast between the mangue and armorial movements, means of material and symbolic support, and popular initiatives in social and cultural development. Some of the theoretica1 issues involved are referred to the concepts of global culture, post-modernity, modernity and tradition, hybridization, and cultural industry Doutorado Doutor em Ciências Sociais

Resumen basado en el de la publicación El flamenco posee buena acogida en la comunidad educativa del CEIP Montencillos de Dos Hermanas, Sevilla. El alumnado, en su mayoría, crece rodeado de cantes, toques y bailes flamencos. El flamenco resulta ser un gran foco de motivación para educar al alumnado, pero también un excelente vehículo de expresión de sentimientos y emociones del mismo, llegando así a conocer el gran valor que posee el flamenco como Patrimonio Inmaterial de la Humanidad y propiciando, y por lo tanto, un mayor conocimiento de sí mismos, de las familias e, incluso, del cien por cien del profesorado. ESP

Resumen basado en el de la publicación En el año 2019 se concede el Primer Premio “Flamenco en el Aula” al reconocimiento de experiencias y prácticas docentes al C. E. Per. Ribera del Guadalquivir y a sus secciones de Gelves, Isla Mayor y La Puebla del Río. Se presenta la trayectoria flamenca resaltando su funcionamiento como una verdadera red de centros en los que se incluye al flamenco como elemento transversal de las enseñanzas. ESP

El presente artículo explora la dimensión creativa de dos talleres de escritura, ilustración y musicalización de cuentos del mundo llevado a cabo con estudiantes de Pedagogía en el marco del proyecto TALIS en un campus universitario rural del nordeste de Brasil. Los objetivos principales fueron la recuperación de la memoria histórica y del patrimonio cultural de la región de Paraíba (Brasil); la formación de profesores en ejercicio y futuros profesores en nuevas metodologías docentes, en línea con los principios de la educación para el desarrollo; y la elaboración de materiales docentes creativos en formato escrito y audiovisual. Los datos recabados a través de cuestionarios, entrevistas semiestructuradas, diarios de campo, además del análisis de las producciones, mostraron una gran receptividad y un alto grado de implicación de los participantes respecto a las tres vertientes de la dimensión creativa tratadas. Asimismo, sus aportaciones contribuyeron a enriquecer el proyecto, permitiendo la incorporación de innovaciones en torno a la inclusión de nuevas temáticas, tales como la reivindicación de lugares y figuras históricas en los cuentos; y de nuevas formas de expresión, como la musicalización de los cuentos y la incorporación de la dramatización como parte integral de los talleres. Palabras clave: escritura creativa; ilustración; musicalización; cuentos del mundo.

Charla-coloquio con Alberto Manzano, traductor oficial al español de la producción musical y literaria de Leonard Cohen. La entrevista se estructuró en torno a cuatro ejes temáticos diferentes: la relación personal que el propio Manzano entabló con el artista canadiense, el enfoque y proceso que sigue a la hora de traducir la obra de Cohen, la relación entre el músico y la cultura española, así como la organización de los diferentes homenajes al artista que han tenido lugar en España.

Se describe la experiencia llevada a cabo en el CRA La Jara (Villar del Pedroso, Cáceres) en la que a través de una mascota, Geopaca, se crea un grupo de trabajo que desarrolla un espectáculo de música, teatro, baile y artes plásticas, en el que participan los alumnos, las familias y los profesores, siguiendo el ritmo del cancionero tradicional extremeño adaptado al siglo XXI. Se pretendía convertir la escuela en un lugar abierto y de convivencia; conocer, valorar y respetar el Geoparque a través de la música y el arte; favorecer el trabajo colaborativo y el intercambio de conocimientos a través de grupos intergeneracionales y promover el desarrollo emocional de los participantes ESP

Se presenta un proyecto llevado a cabo en el CEIP Santa Florentina (Madrigal de la Vera, Cáceres) que pretendía realizar una representación de los diferentes momentos de la vida de otros tiempos, musicalizada con canciones de la zona. Para desarrollarla se investigó sobre los usos y costumbres de la zona, indumentaria, música, juegos, cuentos y leyendas y se concluyó con un día de fiesta en el que fue protagonista la comunidad educativa ESP

Este artículo trata sobre la influencia de la Literatura en el Rock’n’Roll, mediante el estudio y análisis de dos canciones inspiradas en la Narrativa Fantástica de H. G. Wells, como son “The Invisible Man” de Queen y “Time Machine” de Black Sabbath. Su aplicación didáctica comienza con el acercamiento de los oyentes a los clásicos literarios que evocan estos temas que ya se han convertido en clásicos del género musical. This article deals about the influence of the Literature in Rock’n’Roll, by means of the study and analisys of two songs inspired by two H.G.Wells novels: “The Invisible Man” by Queen and “Time Machine” by Black Sabbath. Its didactic aplication starts with listeners approaching to the literary classics which evoke these songs which have become classics of the musical genre. Cet article parle de l’influence de la littérature dans le Rock’n’Roll, au moyen de l’étude et de l’analyse de deux chansons inspirées des romans de H.G. Wells: “The Invisible Man” de Queen et “Time Machine” de Black Sabbath. Leur utilisation pédagogique commence par l’approche des auditeurs des classiques littéraires qui évoquent ces themes qui sont devenus des classiques du genre musical.

El español es la segunda lengua más hablada y estudiada en Estados Unidos. A pesar de no tener un rango oficial reconocido, –como tampoco lo tiene el inglés– la creciente influencia de este idioma ha derivado en una demanda de su conocimiento en centros de enseñanza de cualquier nivel educativo, en la necesidad de las compañías para incorporar personas que la hablen para prestar un mejor servicio a sus clientes hispanohablantes, y hasta su utilización en las apariciones de políticos con el claro objetivo de captar votos. En este trabajo, mi intención es, por un lado, ver la repercusión que el español –sin adentrarme en sus variantes– ha tenido en la historia de la música popular consumida en EE. UU., y, por otro, examinar si la lengua española se sigue empleando en muchos de los grandes éxitos que hoy en día suenan en las radios o se bailan en los clubs estadounidenses. Una situación que, de darse, estaría directamente vinculada con procesos transnacionales y con la voluntad de esta comunidad de reterritorializar espacios y reafirmar su latinidad., In the United States, Spanish is the second most spoken and studied language. Despite not having recognition as an official language,—in fact, the United States has no official languages—the growing influence of Spanish has led to a demand for learning the language. This demand expands from instruction at teaching centers of any educational level, to companies hiring employees that speak the language to provide better customer service for the native Spanish speakers, and even using the language at political events with the obvious intention of gaining votes. In this article, my point is, on the one hand, to analyze the repercussions that the Spanish language—without analyzing language variations—has had in the history of the popular music in the United States. While on the other hand, to consider if Spanish continues to be a great part in the hits that are currently played on the radio or danced at the American clubs. A situation that, if it occurs, would be directly connected to transnational processes and with the Spanish-speaking community’s will of reterritorializing spaces and reaffirming their "latinidad".

Resumen basado en el de la publicación Se presenta una experiencia didáctica sobre la música tradicional de Canarias, los Ranchos de Ánimas y Pascua, que se llevó a cabo en tres centros de Gran Canaria. Se planteó de forma multidisciplinaria y contó con el apoyo de un portal web con información, vídeos de las clases y los poemas que compuso el alumnado para un concurso final. Biblioteca de Educación del Ministerio de Educación y Formación Profesional; Calle San Agustín, 5 - 3 Planta; 28014 Madrid; Tel. +34917748000; biblioteca@mecd.es ESP

Desde pequeños, escuchamos y nos deleitamos con el bolero. Con esa bella música enamoraron a nuestras madres y, porque no, a muchas abuelas de hoy, con ella y sus mensajes, afianzados en el alma, enamoramos, fracasamos, lloramos de amor o de felicidad: nuestra vida romántica es producto de un bolero. Recuerdos gratos vienen a nosotros. La música tiene la capacidad de actualizarlos en el largo viaje que es la vida, de deleitarnos con sus cuitas o de hacerle inventario a los fracasos y a los triunfos: “las penas y alegrías del amor”. Vienen a nosotros en tumulto el despertar a la vida y sus placeres, cuando el corazón empieza a vibrar y el alma empieza a soñar, cuando amamos por primera vez. Este mundo inexplicable de sensaciones, pasiones y deseos se acrecienta como corriente desmedida gracias al bolero, tal como lo celebran los siguientes versos: Qué dicha para mí cuando nos conocimos- mi chacha linda cómo te adoro mi linda muchacha- pues tus ojos que contemplo con delirio y que tienen el mismo brillo de la aurora- me demuestran que cosas como tu son para quererlas- y aunque me cueste la vida, sigo buscando tu amor- porque amorcito corazón, tengo tentación de un beso- muchacha de risa loca- que significas todo para mí, pues únicamente tu eres el todo de mi ser- pues sin un amor la vida no se llama vida- todavía vida mía, caminemos- en las noches de boca grande, bajo la luna plateada- como un rayito de luna entre la selva dormida-hasta que amanezca- y aparezca un rayito de sol por la mañana. Lo anterior demuestra cómo solo el contacto con la esencia del bolero permite que juguemos con sus mensajes románticos, que nos ayudaron en la tímida, pero encantadora tarea de enamorar. Queda entonces resuelta la pregunta de muchos: ¿para qué elaborar una investigación sobre el bolero? La respuesta es que, en cuanto expresión emocional, el lenguaje del bolero es comunicación, es vivencia, es explosión afectiva, es construcción de sociedad, de vivencias, de modos de ver a la mujer, de estrategias para amar y soñar que se encuentran al orden del día, pues los seres humanos no somos seres racionales por naturaleza, y nos tenemos que construir como tales. Así, uno de los rasgos donde se expresa esa racionalidad es el desarrollo de la sensibilidad y el afecto, y el bolero fue en nosotros ese gran constructor. De otra parte, así como el tango, la música popular argentina participó ―con un tipo muy particular de discurso― en la lucha por la construcción de sentido que caracterizó a esa sociedad desde comienzos del siglo XX. Sin temor a equivocarme puedo afirmar que el bolero, desde la década de los 30 y con mayor fuerza después de los 40, coadyuvó de manera decisiva no solo a consolidar la construcción de sentido social, sino que orientó las relaciones amatorias (sentimentales) y sociales de un gran número de colombianos, que lo retomaron como su música y su orientador y fortalecedor sentimental, romántico, axiológico y constructor de estereotipos sociales. En su papel de herramienta cultural para la construcción de sentido, el bolero ofreció a las generaciones pasadas y actuales bellos y nostálgicos mensajes, en los que la gente puede identificar aspectos de la vida cotidiana, el trabajo, el amor y el concepto de la mujer, entre otros. Nuestro trabajo, entonces, pretende desarrollar una historia del bolero, retomando sus ancestros y su grandiosa influencia, tanto en Colombia como en América Latina. Posteriormente, desde las teorías de la cultura y la sociedad, la literatura y la historia, iniciaremos un viaje a través de su construcción literaria y capacidad comunicativa, que son precisamente los elementos básicos que le permiten supervivir y transmutarse en otros géneros musicales que aparecen como producto del legado del bolero. En parte, es a partir de la herencia discursiva que esta bella música ha podido supervivir y afianzarse hasta nuestros días.

This essay aims to take into account three degrees of differentiation within the Brazilian popular musical production – the popular culture, the popular music and the entertainment music – starting from some aesthetic-musical categories took from Theodor Adorno’s works and also from the Brazilian studies about the matter. Taking into consideration that in Brazil the popular music attained a much higher rank of lyric-musical elaboration than in its use as mere entertainment, we present a new way of analysis, pursuing a philosophy of popular music. Este ensaio pretende abordar três níveis de diferenciação no interior da produção musical popular brasileira – a cultura popular, a música popular e a música de entretenimento – a partir de algumas categorias estético-musicais tomadas, de um lado, dos estudos de Theodor Adorno e, de outro, dos estudos brasileiros sobre o tema. Considerando que a música popular atingiu no Brasil um nível de elaboração líricomusical que está acima de sua utilização como mero entretenimento, propõe-se uma nova forma de análise que aponte na direção de uma fi losofi a da música popular.

La presente investigación parte del caso específico de la banda Rock Star dirigida por Jaime Toasa, que se convierte en el motor de arranque para entender la música chicha y la cultura chichera. Género musical que es parte significativa de la identidad de los sectores populares de Quito y en especial del sur de la ciudad, en este sector se han creado diferentes imaginarios sobre los consumidores de la música chicha donde se evidencia la diferencia social y la segregación espacial entre varios sectores de la ciudad. El documento aborda un análisis del consumo de la música chicha y de Rock Star en radios, conciertos y discotecas en la ciudad. Identificando a los consumidores populares y las dinámicas que desarrolla la cultura chichera. Este trabajo identifica las dinámicas de la música chicha mantiene por más de tres décadas, por lo que es necesario conocer la aparición y desarrollo musical del actor social Jaime Toasa y su banda Rock Star, quienes son los pioneros en este género y con su música acompaña la vida y cotidianidad de las clases populares, brindando una dimensión cultural amplia para que este género musical se incluya al nivel de otros géneros.

Resumen basado en el de la publicación Resumen en inglés Se realiza una revisión de los corridos sobre el narcotráfico que han invadido el mercado nacional de Méjico y de algunas partes de Estados Unidos. En primer lugar se presenta la dimensión sensacionalista de la poesía popular a partir de los estudios de Julio Caro Baroja, después se hacen conexiones entre el romance vulgar y los narcocorridos. Se concluye que este tipo de corridos no surge como un fenómeno único si no que su existencia se debe a la relación que existe entre este nuevo subgénero y viejas expresiones poéticas populares ESP

El presente trabajo de investigación busca realizar un acercamiento interpretativo de las bandas de pueblo en el Ecuador como agrupación ícono dentro de la cultura popular e historia musical de nuestro país. Entonces, es fundamental plantear una reflexión acerca de los procesos que han dado lugar a una intensa dinámica entre la herencia cultural-musical de los pueblos ancestrales de Ecuador, los elementos culturales impuestos desde Europa, y los aportes de la cultura afroecuatoriana, elementos en permanente tensión que han configurado un escenario de disputa de sentido entre lo que las élites han construido como “culto” y la producción simbólica del pueblo. A partir de este contexto, el presente estudio permite reflexionar sobre la cultura popular, su capacidad para asimilar, incorporar y resignificar, contenidos simbólicos impuestos desde una posición de poder por parte de la cultura dominante, transformándose así misma permanentemente como una forma de resistir, impugnar e insurgir. Para entender esto, es necesario plantear un recuento histórico que posibilite tener una mirada de las batallas simbólicas que han estructurado a las bandas de pueblo como eje de la fiesta popular, religiosidad, y elemento central en el ciclo de vida de las personas de los sectores populares. Así, este análisis de las bandas permite poner en evidencia los procesos culturales, pasados y presentes, que dan como resultado la riqueza y diversidad de la cultura popular ecuatoriana. Finalmente, acercarse a las bandas de pueblo a implicado en el presente trabajo, un esfuerzo interpretativo de procesos actuales en el que las tradiciones se ven expuestas a lo moderno y mediático, primero en un escenario complejo de exclusión, pero luego como un canal que permite nuevas formas de interacción y consumo de lo simbólico dando cuenta de la absoluta vigencia de lo tradicional en tiempos modernos. Por eso sin la menor duda se afirma que las bandas de pueblo son el alma de la fiesta.

Conocer los procesos y modalidades de aprendizaje que surgen en torno a determinadas músicas de moda como son el Rock y el Pop nos sirve para perfilar cómo se adquieren en la actualidad determinados conocimientos no reglados. Estas músicas, interculturales y de moda, copan los medios de masa y, a pesar de ser altamente influyentes cultural, social y económicamente, se sitúan lejos de los intereses de la formación reglada, por lo que sus procesos de aprendizajes se encuentran, en la mayoría de los casos, enmarcados en contextos no formales e informales. Los músicos populares, a pesar de encontrarse inmersos en procesos formativos aleatorios y arbitrarios, presentan grandes niveles de satisfacción y capacitación. Cada uno de los ellos debe afrontar su aprendizaje de manera autónoma, accediendo a los recursos y modelos que encuentran a su alcance, cobrando gran importancia la colaboración. A través de un análisis discursivo se ha desarrollado un estudio de casos en torno a unos aprendizajes concretos, donde la pasión, como en otras muchas experiencias artísticas, cobra un papel determinante., Studying the processes and learning methods which come from specific trendy music such as Rock or Pop, allows us to define how certain informal knowledge is currently acquired. These cross-cultural music hits occupy mass media, and even though they are highly influential in cultural, social and economical aspects, they are far from being included in the formal educational processes. Therefore, this learning method is normally found in non- formal and informal settings. Although popular musicians are immersed in arbitrary and random formative processes, they do present high levels of satisfaction and skills. Each one of them must face their learning methods from an autonomous point of view, accessing the resources and models they have within their reach, and this means that collaboration is very important. Throughout a discursive analysis, a case study has been developed around some specific trainings, where passion -as found in many other artistic experiences- has a crucial role.

Resumen tomado de la publicación El área de Música en la etapa educativa obligatoria gira en torno a la música clásica, pero no se debe olvidar la multitud de géneros populares que pueden dar juego en este ámbito. Así pues, la variedad de elementos que presenta un estilo tan rico y complejo como es el flamenco ofrece múltiples posibilidades para trabajar en el aula, ya no sólo contenidos, sino también valores y aspectos culturales para el desarrollo completo y global del alumnado. Biblioteca de Educación del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte; Calle San Agustín, 5 - 3 planta; 28014 Madrid; Tel. +34917748000; biblioteca@mecd.es ESP

Desde la última década del siglo xx la murga aparece, con frecuencia, en los escenarios de la música popular y resuena en distintas grabaciones. En la ciudad de Buenos Aires se registra un movimiento de expansión del arte murguero que, entre otras cosas, condujo a la sonoridad de la murga más allá del carnaval. ¿Cómo vivieron este proceso sus protagonistas?, ¿qué memorias permiten describirlo? Este texto tiene como base una investigación en la que se examinan las prácticas y las memorias de un segmento de músicos que se dedican a la música rioplatense, es decir, a la murga argentina, a la murga uruguaya, al candombe argentino, al candombe uruguayo, al tango y a la milonga. En esta escena musical, varios trabajos vinculan a uno o más de estos géneros con el rock, el jazz o el folclore. En este artículo se describe la escena rioplatense como marco del movimiento de aproximación entre músicos, murgueros y carnaval, en el que se gesta un abanico de trabajos musicales que van desde la murga tradicional hasta las expresiones más descarnavalizadas, que suelen ser rotuladas como «música popular de calidad»., Facultad de Bellas Artes

A partir de la exploración de una escena musical específica, aquella que se abre en torno a “seguir” a un músico de amplia trayectoria dentro del “rock nacional”: Carlos “Indio” Solari, la tesis propone indagar en las prácticas de afición de los seguidores que, de diversos modos, participan de esta escena. La indagación se centra tanto en los contextos y situaciones sociales en los que sus prácticas de escucha y afición se despliegan así como en el desarrollo de la afiliación a las mismas en el transcurso del tiempo. Partiendo de esta indagación, la tesis analiza la configuración de aficiones musicales, atendiendo al modo en que ello modela aspectos de la subjetividad de las personas implicadas. Para ello se apeló a una metodología de tipo cualitativo. El análisis se basa en un trabajo de campo realizado entre 2008 y 2014, con seguidores de sectores populares que manifiestan una adhesión activa y duradera con la escena. La tesis se inscribe en una serie de estudios que han analizado el carácter social de la configuración de preferencias en torno al consumo cultural, analizando específicamente, al interior de esta temática, la relación entre música, afición y subjetividad. En el análisis de esta articulación, a su vez, propone contribuir al estudio de las dinámicas de individuación entre los sectores populares de la Argentina contemporánea. El argumento central de la tesis es que la implicación con este artefacto cultural específico, se vuelve el recurso para un trabajo subjetivo de individuación. De modo que la elaboración de una afición y su ejercicio, contribuye en estos fans a conformar un espacio reflexivo en el cual definen un sentido de la propia interioridad y una intimidad que es “negociada” en el seno de los círculos donde se desenvuelven (el trabajo, el hogar y la familia, los grupos de pares, las relaciones de pareja). La tesis muestra que estos fanáticos se vinculan a la práctica desde una ética del esfuerzo interpretativo que pone el eje en el trabajo de transformación de sí mismo. Este “trabajo sobre sí” que realizan los fans, promueve un tipo de individuación que articula, en configuraciones variables, definiciones relacionales de la persona con procesos tendientes a la individualización. Se trata de configuraciones de persona que incluyen la reflexión moral, la introspección y la búsqueda de proyectos de realización personal, enlazadas en formas relacionales como la comunidad, la familia, la pareja y el grupo de pares, en tensión con las cuales se modulan., Facultad de Humanidades y Ciencias de la Educación

Resumen basado en el de la publicación Se exponen las características y las aportaciones que supone la incorporación de un músico nativo, el culture bearer, para el aprendizaje de las músicas del mundo. Se define a esta figura se detalla su participación en el aula: preparación de la visita, modalidades de visita, tipos de intervención y función de los docentes con el afán de que esta experiencia sirva para alentar nuevas prácticas en el aula. Biblioteca de Educación del Ministerio de Educación y Formación Profesional; Calle San Agustín, 5 - 3 Planta; 28014 Madrid; Tel. +34917748000; biblioteca@mecd.es ESP

Resumo O samba e o pagode são práticas musicais que abordam de forma recorrente a ideia de felicidade. Por meio da batida do pandeiro e dos instrumentos que moldam sua sonoridade característica, o imaginário de certa cultura popular valoriza o modo de ser dos setores populares por meio de uma narrativa de alegria, de encontros comunitários e de felicidade. A partir de uma pesquisa bibliográfica e da análise de repertório relacionada ao que podemos classificar como "pagode carioca", estilo de samba hegemônico que ganha ampla circulação cultural desde meados da década de 1990, tentamos compreender como essa produção musical contemporânea consolida a construção e reafirmação de um estereótipo "popular", ligado à valorização de determinados espaços geográficos periféricos (o morro, a favela, o subúrbio) e a um projeto de felicidade das classes populares. Resumen La samba y la pagoda son prácticas musicales que abordan de manera recurrente la idea de felicidad. A través del ritmo de la pandereta y de otros instrumentos que dan forma a su sonido característico, la imaginación de cierta cultura popular valora la forma de ser de la gente común, a través de una narrativa de la alegría, reuniones de la comunidad y la felicidad. A partir de una investigación bibliográfica y de un análisis de repertorio relacionado con lo que clasificamos como pagode carioca un estilo de samba hegemónico que gana amplio movimiento cultural desde mediados de la década de 1990, tratamos de entender cómo esta producción musical contemporánea consolida la construcción y reafirmación de un estereotipo "popular", que se adjunta a la valoración de determinadas zonas geográficas periféricas (la villa, la favela, el suburbio) e de un proyecto de felicidad de las clases populares. Abstract Samba and pagode are musical practices that deal frequently with the idea of happiness. Through the tambourine beat and other instruments that shape its characteristic sound, the imagination of a certain popular culture evokes in a positive way the lifestyle of popular classes, through a narrative of joy, community meetings and happiness. From a bibliographical research and an analysis of repertory related to what we classify as pagode carioca, a hegemonic samba style that achieved a high cultural circulation in music market since the mid-1990s, we try to understand how this contemporary musical production consolidates the construction and reaffirmation of a "popular" stereotype, linked to the valuation of certain peripheral geographical areas (the hill, the slum suburb) and to a project of happiness of the popular classes.

Este artículo plantea la centralidad de la temática amorosa en el tango y el samba de entreguerras como consecuencia de las características de la modernización de Buenos Aires y Rio de Janeiro alrededor de los años 20. A través del análisis de algunas letras de ambos géneros, y de un recorrido por ciertos textos clave de la historiografía argentina y brasileña dedicada a la historia de la música popular, se proponen las bases para una mirada transnacional sobre la construcción de las culturas populares urbanas del siglo veinte, así como una reflexión acerca de la música como objeto historiográfico.This article proposes an explanation of the centrality of love in the poetic structure of tango and samba based on the modernization of the cities of Buenos Aires and Rio de Janeiro in the 1920’s. Through the analysis of lyrics from both genres, and a survey of Argentine and Brazilian historiographies of popular music, this article lays out a transnational perspective about the making of urban popular cultures of the early Twentieth Century, and also provides a reflection on music as an historiographic object.

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior Cet article s`occupe d`un rythme véritablement provenant du Nord-Est brésilien, plus spécifiquement de la Bahia. C`est l`Arrocha, lequel est inspiré par la musique collante. D`ailleurs, cet étude s`agit du rapport entre ce rythme et un groupe social particulier, celui des classes ouvrières dont les rémunérations sont plus défavorisées tels que des forains , des servantes et des maçons, comme mentionné par certains répondants d`une enquête. Les oeuvres fondamentales qui ont servi d`apppui à cet artcicle sont celles de Vera Malaguti, de Gilberto Freyre, de Paulo Cesar de Araujo, de Durval Muniz Albuquerque et d`Hermano Vianna. En outre, on a utilisé des reportages et des pages en ligne pour développer des entrevues et la recherche sur le terrain. A cet égard, l`Arrocha est décrit dans une page en ligne par moyen d`une comparaison avec le Funk Carioca, puisque les deux rhytmes sont critiqués par les gens, ce qui peut être apperçu facilement dans les commentaires disponibles dans les réseaux sociaux. En revanche, l`Arrocha et le Funk Carioca ont une audience considérable et atteignent grosses ventes. Cette recherche qualitative parts de l´idée selon laquelle l`Arrocha est destiné à la classe ouvrière et pour cette raison nous avons utilisé la recherche sur le terrain avec des observations, des interviews et des photographies en envisageant développer des analyses et des discussions sur le site occupé par l`Arrocha dans la société brésilienne, les convergences et les différences avec d`autres rhytmes. En plus,on discute les raisons de la disqualification, de la marginalisation et du mépris de l`Arrocha par la société et même des possibles liens entre la désapprobation publique du rhytme et son succès. À partir de l´expérience de la recherche, les données produits explicitent que le préjugé social est déguisé en préjugé esthétique, et soulignent le besoin de continuer les explorations scientifiques sur cette manifestation culturelle,l` Arrocha. O presente trabalho versa sobre o ritmo musical genuinamente nordestino e de origem baiana, o Arrocha, inspirado na música brega, bem como, sobre a sua vinculação a determinado segmento social, como por exemplo, classes trabalhadoras com remunerações menos favorecidas, tais como feirantes, empregadas domésticas e pedreiros, conforme mencionado por alguns entrevistados. Por meio de uma pesquisa bibliográfica, tem-se como basilar as obras de Vera Malaguti, Gilberto Freyre, Paulo Cesar de Araújo, Durval Muniz Albuquerque e Hermano Vianna, além da utilização de reportagens e páginas online para o desenvolvimento das entrevistas e pesquisa de campo. Para tanto, parte-se da definição do Arrocha descrita em uma página online que apresenta uma comparação deste ritmo com o Funk Carioca, visto que ambos são criticados por muitas pessoas, fato que podemos observar com facilidade em comentários disponíveis em redes sociais, mas em contrapartida, têm um público significativo e atingem grande sucesso de vendas. Partindo da ideia de que o Arrocha é voltado para as classes populares, nesta pesquisa qualitativa foi utilizada a pesquisa de campo com observações, entrevistas e fotografias, tendo como objetivo desenvolver análises e discussões sobre o local que o Arrocha ocupa na sociedade brasileira, suas convergências, divergências e os possíveis motivos das mesmas entre o Arrocha, o Funk Carioca e outros ritmos brasileiros. Foram discutidos também os motivos da desqualificação, marginalização ou desvalorização dos mesmos por parte da sociedade e os possíveis vínculos entre tal desqualificação ao público a que se destina e que lhe garante tanto sucesso. Com a experiência da pesquisa, os dados produzidos explicitaram a relação entre o preconceito de classes disfarçado de preconceito musical ou estético, além de ressaltar a necessidade de maiores explorações científicas sobre a manifestação cultural, Arrocha.

Resumen basado en el de la publicación Se presenta un proyecto integrado impartido en el IES Almunia de Jerez de la Frontera, en el que los alumnos de 2.º de bachillerato estudiaban y ayudaban a conservar la música tradicional de su ciudad, dejando a un lado el flamenco, gracias al análisis y las técnicas de trabajo que ofrece la etnomusicología. Biblioteca de Educación del Ministerio de Educación y Formación Profesional; Calle San Agustín, 5 - 3 Planta; 28014 Madrid; Tel. +34917748000; biblioteca@mecd.es ESP

Orientador: Renato José Pinto Ortiz Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciências Humanas Resumo: O passado é ordenado mediante a definição de princípios de classificação e a atribuição de níveis de relevância dos fatos históricos. A música popular entre as décadas de 1960 e 1970 era objeto de reflexão na imprensa enquanto as pesquisas no âmbito universitário estavam voltadas para outros enfoques de interpretação da sociedade brasileira. Mesmo com a recente inserção da música popular nos debates de cientistas sociais e historiadores profissionais, a escrita da história efetuada por jornalistas ainda forma o núcleo dos "clássicos" da bibliografia sobre o tema. A fonte principal das referências sobre a música popular nos centros urbanos do Brasil pode ser encontrada em um conjunto de textos publicados desde o século XIX por memorialistas e cronistas. A partir da década de 1960, Ary Vasconcelos, José Ramos Tinhorão e Sérgio Cabral, devido à ampla circulação de seus textos e à dimensão de seus acervos com discos, documentos e objetos relacionados à história da música popular brasileira, conquistaram prestígio como "redescobridores" dos músicos do passado. A produção intelectual dos historiadores não acadêmicos ¿ em sua maioria, profissionais das redações de jornais e revistas ¿ pode ser analisada como diagnóstico das transformações sociais na segunda metade do século XX. Para os historiadores-jornalistas convertidos ao posto de pesquisadores da música, a alegada "autenticidade" do elemento popular confere os traços da identidade brasileira. Os textos de Ary Vasconcelos, José Ramos Tinhorão e Sérgio Cabral serão analisados para a compreensão da construção dos pilares do panteão da música popular brasileira entre a década de 1960 e o início da década de 1980. Na condição de defensores do "popular", os três autores conciliam a busca pela preservação da música com características tidas como nacionais e a repreensão aos desvios à "tradição", os quais ocorrem com a comercialização da cultura do "povo" brasileiro Abstract: The past is ordered by the definition of classification principles and the assignment of levels of relevance of historical facts. Popular music in the 1960s and 1970s was an object of reflection in the press while research in the university was focused on other approaches to interpretation of Brazilian society. Despite the recent inclusion of popular music in discussions among social scientists and professional historians, the writing of history made by journalists still forms the core of the "classics" of literature on the theme. The main source of reference to popular music in urban centers in Brazil can be found in a set of texts published since the 19th century by witnesses and chroniclers. From the 1960s, Ary Vasconcelos, José Ramos Tinhorão and Sérgio Cabral ¿ given the wide circulation of their texts and the size of their collections of records, documents and objects related to the history of Brazilian popular music ¿ gained prestige as "rediscoverers" of the musicians of the past. The intellectual production of non-academic historians (mostly newspapers and magazines newsrooms professionals) may be taken as a diagnosis of social changes in the second half of the 20th century. For these journalist-historians converted to the position of music researchers, the alleged "authenticity" of the popular element conveys the Brazilian identity. The writings of Ary Vasconcelos, José Ramos Tinhorão and Ségio Cabral are analyzed in order to understand the building of the Brazilian popular music pantheon pillars between the 1960s and the early 1980s. In the condition of guardians of "the popular", the three authors concile the pursuit for preserving the music characterized as national and reprehending of deviations to the "tradition", defined as commercialization of the brazilian "popular" culture Mestrado Sociologia Mestre em Sociologia

Los sentidos despiertos; públicos y apropiación de la música, la danza y el teatro en Bogotá. Germán Rey. Orquesta Filarmónica de Bogotá, Secretaría de Cultura, Recreación y Deporte, Bogotá, 2010, 111 págs.

Interesa aquí acercarnos a la comprensión de la apropiación del lenguaje del video clip, por la industria cultural de la tecnocumbia, industria al fin, pues goza de todos sus requisitos.

Resumen basado en el de la publicación Título, resumen y palabras clave en español e inglés Se ponen de manifiesto las distintas fuentes musicales que pueden formar parte de la enseñanza instrumental -en este caso de la guitarra, aunque es aplicable a otros instrumentos- en distintos niveles educativos. Se analiza y ofrece los cancioneros, entre otros, textos, como fuente de extracción del material sonoro que se empleará en el aprendizaje instrumental. El resultado del proceso se complementa con otros tipos de materiales sonoros ortodoxos, como los estudios instrumentales, sin que exista exclusión de ninguna fuente determinada. Y secuencia, por último, la aplicación de la experiencia. Biblioteca de Educación del Ministerio de Educación y Formación Profesional; Calle San Agustín, 5 - 3 Planta; 28014 Madrid; Tel. +34917748000; biblioteca@mecd.es ESP

This essay makes a critique of the reception of the filmography of Argentine Leonardo Favio constructed from a modernist paradigm based on the notion of “autor”. It analyzes a set of speeches in the nineties that led to the consecration of the figure of Favio which is still current today. Finally, it introduces new perspectives to understand the plurality of his work based on cultural tensions forgotten by modernist critics. From the concepts of “transculturation” and “hybridity” it proposes a reading that integrates the cultured and the popular, particularism and universalism, tradition and modernity. Este ensayo realiza una crítica de la recepción de la filmografía del argentino Leonardo Favio construida a partir de un paradigma modernista fundado en la noción de “autor”. Analiza un conjunto de discursos que en los años noventa llevaron a la consagración de la figura de Favio vigentes hasta la actualidad. Finalmente, introduce nuevas perspectivas para comprender la pluralidad de la obra del cineasta basadas en las tensiones culturales olvidadas por la crítica modernista. A partir de conceptos como “transculturación” e “hibridez” se plantea una lectura que integra lo culto y lo popular, particularismo y universalismo, tradición y modernidad.

[cat] En el transcurs del programa de doctorat “Les figures de la Identitat” de Universitat de Barcelona em vaig adonar de la importància d’investigar la possibilitat de que els individus construeixin una identitat a partir de l’expressió musical. És un fet observable que la música és quelcom molt important en la vida d’algunes persones, i hom pot constatar com algunes actituds que estan relacionades amb la música sovint van més enllà de l’àmbit estrictament musical. Aquestes qüestions em van portar a formular la següent hipòtesi: La música és un mecanisme per a la construcció d’identitat. Per tal d’investigar aquesta hipòtesi vaig considerar que el flamenc (gènere musical originat en l’àmbit de la cultura popular, el qual fou originat a Andalusia el segle XVIII sota la influència de les idees romàntiques) podia ser un bon camp d’estudi. El treball està estructurat en tres apartats. El primer amb la introducció i la metodologia. El segon és un marc teòric on les reflexions giren entorn d’alguns conceptes relacionats amb la identitat i la cultura, fent referència a autors com Marvin Harris, Paul Ricoeur, Mijail Bajtin, Antonio Gramsci, Simon Frith, Gerhard Steingress, Joan-Elias Adell i Jaume Mascaró, entre d’altres, els quals han estat de molta utilitat per les qüestions identitàries, estètiques i musicals. En el tercer apartat investiguem el cas concret del flamenc, des del moment del seu naixement a finals del XVIII fins al que actualment s’anomena metaflamenc (o flamenc alliberat de les seves formes tradicionals), analitzant les característiques musicals, textuals, socials, ètniques i culturals, tot acabant amb una classificació de les diverses narratives de la identitat elaborades des del flamenc. La nostra investigació ens porta a considerar la possibilitat de que el flamenc, o altres gèneres musicals, siguin susceptibles d’una apropiació per part d’alguns individus que converteixi la vivència d’aquestes músiques en un “estil de vida”. Es tracta d’una decisió individual, però que es comparteix i s’alimenta amb actes col•lectius. Conclusions: 1. L’apropiació musical és una qüestió contemporània: Si la problemàtica de la identitat arriba amb la modernitat, la fonamentació d’identitats en la pertinença a un gènere musical és una qüestió contemporània. 2. L’element musical com a símbol definitori d’identitat: Considerem que això succeeix en el flamenc, però fonamentalment en l’àmbit contemporani. La música és susceptible de ser apropiada pels subjectes, i aquesta apropiació esdevé en el sentit més simbòlic, representatiu i identitari. Això és possible perquè la música, i en concret alguns gèneres musicals com el flamenc, tenen significació. La música, en tant que portadora d’ideologia i de valors pot contribuir a satisfer la construcció de la identitat dels subjectes, perquè en definitiva la identitat és un procés narratiu que ofereix amb intensitat una percepció del jo, del nosaltres i com dels altres. 3.Qüestions obertes sobre la continuïtat de l’element musical com a definitori d’identitat després de la societat contemporània. Avui la identificació generacional amb un gènere musical ha canviat i són molts els adolescents que escolten diversos gèneres musicals sense identificar-se amb cap gènere en concret. Entrant el segle XXI la música sembla tenir menys contingut i menys ideologia., [eng] It’s a fact that music is something very important for some people’s life, and also that some attitudes which are related to the music very often go beyond the strict musical field. Based on this idea, and along the PHD program called “The figures of Identity” at Universitat de Barcelona, it seemed obvious the importance to investigate the possibility that persons could build an identity based in the music expression. These questions took to formulate the following adaptive: Music is a mechanism for the identity construction. In order to investigate this hypothesis, and coinciding with a moment of great projection of flamenco music (which came in Andalusia during the XVIII century under the influence of romantic ideas and in relation with what we call “popular music”), this seemed to be a good field to study. After the introduction, and based in some concepts taken from authors like Harris, Ricoeur, Bajtin, Gramsci, Frith, Steingress, Adell and Mascaró, among others, the second section tries to set the theoretical framework for concepts like identity, aesthetics and music matters. Along the third section there is an analysis and an interpretation of the flamenco itself, from its beginnings to the actual metaflamenco, explaining also the several identity narratives built from flamenco emic point of view. Our investigation takes us to considerate the possibility of appropriation that some people make with flamenco and with other music styles, converting the music experience in a “way of life”. The conclusions takes us to set that the music appropriation is a contemporary issue, and also that music element as a definitely symbol of identity for flamenco. Finally, the investigation takes us to raise open questions about continuity of music as a definitely symbol of identity after contemporary age., [spa] La tesis aborda la posibilidad de considerar la música como un mecanismo para la construcción de identidad. Para esta investigación se ha tomado como campo de estudio el género musical originado en Andalucía en el siglo XVIII llamado “flamenco”. El marco teórico se fundamenta en la reflexión alrededor de los conceptos de identidad, cultura, expresión musical y cultura popular, con especial mención a algunos autores como Marvin Harris, Paul Ricoeur, Mijail Bajtin, Antonio Gramsci, Simon Frith, Gerhard Steingress, Joan-Elias Adell y Jaume Mascaró, entre otros. La metodología empleada comprende tanto el análisis textual y musical del “flamenco” como técnicas habituales de trabajo de campo. El análisis del “flamenco” se realiza con una revisión histórica desde sus inicios hasta la actualidad. Posteriormente se procede a interpretar las diversas narrativas de la identidad elaboradas desde el “flamenco”. Todo ello nos permite considerar la posibilidad de que el “flamenco”, y por extensión quizás otros géneros musicales, sean susceptibles de un proceso de apropiación por parte de algunos individuos que convierten la experiencia de estas músicas en un “estilo de vida”. CONCLUSIONES: 1. La apropiación musical es una cuestión contemporánea. 2. El elemento musical como símbolo definitorio de identidad: sucede en el “flamenco” en tanto que el ámbito contemporáneo posibilita la apropiación de la música por parte de algunos sujetos en el sentido más simbólico, representativo e identitario. 3. Cuestiones abiertas sobre la continuidad del elemento musical como definitorio de identidad después de la sociedad contemporánea.

Este trabajo se basa en un análisis comunicacional sobre el Centro Murga Los Farabutes del Adoquín. El desarrollo de la tesis girará en torno a la murga y la conformación de la identidad y la perduración de una práctica social que lleva más de 20 años en la ciudad de La Plata y que sigue viva reinventando año tras año la fiesta popular: el carnaval., Facultad de Periodismo y Comunicación Social

Submitted by Boris Flegr (boris@uerj.br) on 2021-01-07T00:14:02Z No. of bitstreams: 1 Gabriel Giesta.pdf: 2223549 bytes, checksum: 7a08ed308af6e609a5ed71af383be667 (MD5) Made available in DSpace on 2021-01-07T00:14:02Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Gabriel Giesta.pdf: 2223549 bytes, checksum: 7a08ed308af6e609a5ed71af383be667 (MD5) Previous issue date: 2012-07-31 Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior This dissertation aims to analyze the samba during the early twentieth century in the city of Rio de Janeiro, in particular the phonographic production of the music group from Estácio between the years 1928 to 1937. For this, we will do a micro-historic exercise of alternating between micro and macro scales of analysis, both temporal and spatial. That is, create a bridge for dialogue between individual and/or group trajectories (experiences and cultural productions of samba musicians) with wider social context (the city of Rio and the Brazil), and also between the time-specific of the actions of our object of research (1928 - 1937) in relation with longer time frames that help us understand wider processes that surround it. That is, starting from the independence of Brazil, through the first references to samba to the progressive changes that this cultural manifestation goes toward your formation as a musical genre, to finally make a deeper analysis of samba musicians from Estácio within music industry. In this line, we must see the samba and popular in all its plurality, noting the diversity of experience both individual and between different groups and/or generations of samba involved. This does not avoid samba to encompass, in general, the concept of popular culture, because this one includes various forms of activity and expressions of the popular sectors, where they conveyed their identity, cultural and religious views, and even tried to fit as a constituent part of the Brazilian nation, tracing alternate paths to citizenship. In doing so, they ended up giving light to various conflicts typical of the Carioca and Brazilian society in the decades of 1910 - 1930: their dimensions of identity, gender and especially racial and social. After all, it is concluded that in their work with the music industry, the samba musicians from Estácio left exposed such conflicts, marking a difference of identity, typical of the African Diaspora. A presente dissertação tem como objetivo analisar o samba durante o início do século XX na cidade do Rio de Janeiro, em especial a produção fonográfica do grupo do Estácio entre os anos de 1928 a 1937. Para isto, far-se-á um exercício micro-histórico de alternar entre escalas micro e macro de análise, tanto temporal quanto espacial. Isto é, criar uma ponte de diálogo entre trajetórias individuais e/ou de grupos (vivências e produções culturais dos sambistas) com contexto social mais amplo (cidade do Rio e Brasil), e também, entre o momento em específico de atuação do nosso objeto de pesquisa (1928 -1937) em relação a temporalidades mais longas que nos ajudam a entender processos mais amplos que o envolvem. Ou seja, começar desde a independência do Brasil, passando pelas primeiras menções ao samba até as progressivas transformações que esta manifestação cultural passa em direção à sua formação enquanto gênero musical, para, por fim, se fazer uma análise mais aprofundada dos sambistas do Estácio junto à indústria fonográfica. Nesta linha, é preciso ver o samba e os populares em toda sua pluralidade, atentando para a diversidade de experiências tanto individuais como entre os diferentes grupos e/ou gerações de sambistas envolvidos. Isto não impede de englobar o samba, de forma geral, no conceito de cultura popular, pois este contempla as diversas formas de atuação e expressão dos setores populares, onde veicularam suas visões identitárias, culturais, religiosas e, até mesmo, buscaram enquadrar-se como parte constitutiva da nação brasileira, traçando caminhos alternativos de cidadania. Ao fazê-lo, acabaram por dar luz aos diversos conflitos típicos da sociedade carioca e brasileira nas décadas de 1910 - 1930: suas dimensões identitárias, de gênero e, principalmente, sociais e raciais. Afinal, conclui-se que, em sua atuação junto à indústria fonográfica, os sambistas do Estácio deixaram expostos tais conflitos, demarcando uma diferença identitária, típica da Diáspora Africana.

Partiendo de la observación empírica de una realidad habitual del Centro Histórico, la presente investigación plantea el interrogante sobre el rol que desempeñan la música tradicional ecuatoriana y sus intérpretes subalternos en las calles aledañas a la Plaza Grande (o Plaza de la Independencia). Se encuentran respuestas a través del análisis del contexto de la ciudad de Quito y el Centro Histórico, en relación con la música tradicional. Seguidamente, se desarrolla una breve reseña sobre la construcción social de la música tradicional, su funcionalidad y vigencia actual. Luego, como una propuesta de la autora, se busca determinar a los “intérpretes subalternos de la MTE” como categoría de estudio. A continuación encontramos el análisis de distintos elementos que hacen marginal a la música tradicional intérpretes subalternos, Por último, se presenta un estudio sobre la industria marginal de la MTE, su producción y circulación, frente a la industria cultural moderna.

El presente trabajo investigativo se concentra en analizar la propuesta visual y musical del artista ecuatoriano Delfín Quishpe, mediante una breve radiografía de tres de sus videoclips más representativos y una reflexión acerca de su apuesta estética y narrativa en general. Este objeto de estudio nos dará la pauta para poner en discusión ciertas visiones canónicas sobre Estética, Subalternidad e Identidad. A partir del estudio de la propuesta artística de Delfín Quishpe, este trabajo se propone reflexionar sobre las dimensiones lúdicas en las que se desenvuelven las estéticas populares y, consecuentemente, remarcar el gran valor simbólico que éstas contienen. El análisis nos conducirá a evidenciar el reducido alcance de ciertas conceptualizaciones canónicas del estudio estético frente a las heterogéneas dinámicas culturales contemporáneas. Un recorrido por las estrategias de impugnación presentes en la apuesta artística de Quishpe, dará origen a una reflexión acerca de los modos en que se definen las relaciones actuales entre los llamados sujetos subalternos y hegemónicos. Finalmente, una aproximación hacia las disputas de sentido que Delfín Quishpe genera entre sus públicos, nos llevará a analizar los conflictos y paradojas presentes en el proceso de construcción de identidades individuales y colectivas.

Orientador: Renato José Pinto Ortiz Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciências Humanas Resumo: A valorização contemporânea da diversidade revela um mundo atento à diferença. De fato, se um dia lutávamos pelo direito de sermos iguais, hoje, paradoxalmente, também clamamos pelo reconhecimento de nossas diferenças. Nesse sentido, vozes que discursam sobre essas diferenças hoje precisam ser ouvidas e ressoam pelo mundo ao habitarem o espaço global. Contudo, de que diferenças estamos falando? A permanência de nosso olhar no seio das relações sociais muitas vezes impede que notemos que, na verdade, as diferenças são construídas social e historicamente. Não basta que as coisas se diferenciem, mas é preciso um contexto no qual seja possível a seleção de índices suficientes de diferenciação para que essas sejam classificadas e, por consequência, hierarquizadas. Dessa forma, duas coisas se diferenciam apenas quando índices específicos são legitimados e, então, discursados. Por isso, a diferença é necessariamente uma construção discursiva que se realiza pelas próprias práticas discursivas, mas que somente podem surgir em relação a determinadas realidades concretas. No século XIX a diferença fora construída a partir da organização do exótico. É em relação a ele, em um momento no qual o discurso universal e a nação criavam a separação entre internalidades e externalidades centradas no imperialismo europeu, que a diferença fora articulada. Na contemporaneidade, contudo, o mundo perde seu centro e as relações entre externo e interno não mais podem organizar um discurso, sendo esse percebido na diversidade. O discurso da diversidade, portanto, surge na contemporaneidade como forma de ordenar o diferente a partir de bases concretas na sociedade, mas também por interrelações entre enunciados específicos. Podemos notar a operação desse discurso ao voltarmos nossos olhos para um objeto específico: World Music. Nele, a música é valorizada pela própria diferença, sendo então necessário se compreender quais os índices tornados suficientes para a diferenciação. Propomos que neste objeto os índices privilegiados são o local e a etnia. Com essa mirada, então, mais importam as forças relacionadas à determinação dos índices do que a tentativa de se perceber um mundo mais ou menos homogêneo. É dessa forma que poderemos compreender as implicações sociais e o condicionamento das vozes presentes no discurso da diversidade Abstract: The value given to diversity in our times shows just how attentive the world is to difference. In fact, where we once fought for equal rights we now look to establish our sense of difference. In this sense, voices who speak about these differences need to be heard today and resonate throughout the world. But what differences are we talking about? The permanence of our attention within social relations often prevents us from noticing that, in fact, we're talking about differences that are socially and historically constructed, and therefore of interest to sociology. It's not enough that things are distinct, but we need a context in which it is possible to select sufficient levels of differentiation for things to be classified and consequently put in hierarchies. Thus, two things are different when specific factors are legitimized and then discoursed. Therefore, the difference is necessarily a discursive construction that takes place by their own discursive practices, but that can only arise in relation to certain realities. In the nineteenth century, difference was built from the organization of the exotic. And it's in relation to this, at a time in which the universal discourse and the nation, centrered on European imperialism, created the separation between the internalist and the externalist view, that the difference was articulated. In contemporary times, however, the world loses its centre and the relationship between internal and external can no longer organise a discourse, this being perceived in the diversity. The discourse of diversity, therefore, arises in the contemporary world as a way to order the different from concrete foundations in society, but also by interrelationships between specific enounciation. We can note the operation of this discourse by examining a specific object: World Music. In it, the music is valued by the difference, so one needs to understand what are the factors that make the differentiation sufficient. We propose that with this object the privileged factors are location and ethnicity. With this look, then, it's of importance to understand the forces related to the determination of these factors rather than the attempt to realize a more or less homogeneous world. And so we can understand the social implications and the conditioning of the voices present in the discourse of diversity Doutorado Sociologia Doutor em Sociologia

Este estudio trata de sacar a la luz las nuevas creaciones en el único género musical compuesto ex profeso para banda: la Música de Moros y Cristianos, música incidental para la Fiesta y el desfile que se materializa en sus tres modalidades de marchas moras, marchas cristianas y pasodobles. A pesar del corpus musical que aumenta cada día, no hay que olvidar que la Música Festera ha dejado de vivir su periodo clásico dorado para adoptar un estilo más vanguardista y contemporáneo. Analizaremos las últimas tendencias en la creación musical desarrolladas en este género para terminar preguntándonos si es lícito traspasar su funcionalidad con este tipo de innovaciones.