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Empezar a leer donde termina el escribir. Es bastante bonito. Cuando mi madre falleció me llevé algunos de los libros que había en su biblioteca, una pequeña habitación con las paredes empapeladas de novelas, catálogos, ensayos. Hasta el techo. Me interesé especialmente por libros de teoría y empecé a leer La arqueología del saber, de Michel Foucault. Al abrirlo, me di cuenta de que mi madre lo había subrayado, lo había trabajado. Encontrarme con esas grafías afectó a mi lectura considerablemente, y en este trabajo he desarrollado una investigación plástica y teórica para entender de qué manera lo ha hecho. Este escrito se centra en el valor deconstructivo del detalle a la hora de abordar la lectura de un contenido epistémico. A través de una búsqueda de factores contextuales y educativos, se han identificado diferentes constructos sociales y culturales en los que el conocimiento se ve jerarquizado, en los que unas ideas se descartan en pos de otras que se adecúan más al mantenimiento de un statu quo. A su vez, se han identificado una serie de características, que habitualmente se pasarían por alto, de los diferentes elementos con los que se ha trabajado, para revalorizar su pertinencia a la hora de configurar sentido. Por último, se han aplicado dichas características al propio cuerpo del texto y se han propuesto las bases de una forma de escritura no gramatical, no sujeta a las limitaciones específicas del logos, para ofrecer la posibilidad de construir una metodología que permita pensar contenido epistémico no semántico. Este trabajo es, en sí mismo, una puesta en práctica de su propio contenido.

Esta propuesta artística-pedagógica se centra en los géneros de la intimidad, más concretamente en los diarios de artista. Estos pueden ser conocidos como libros de artista, pero se mostrarán desde una perspectiva menos academicista y más personal. La actividad se centrará en la materialización de las emociones a través de la escritura y posteriormente será plasmado desde un punto de vista más ligado a las Bellas Artes (o al menos con lo que se suele asociar), como puede ser un dibujo, una escultura, pintura… Los sujetos que realizarán la actividad oscilarán entre los 22-23 años, alumnos de la Universidad Complutense de Madrid de Bellas Artes, situado en Madrid. Se enfrentarán a una propuesta artística basada en el individualismo dentro de un entorno colectivo (en un espacio público educativo). Las actividades se resolverán en el momento para evitar el sobre trabajo al que están sometidos diariamente (se usará como vía de escape, una solución a la evasión de la realidad y una conexión diferente con su entorno y con el interior).

Ciudad Real, tesoro oculto es un proyecto que consiste en el diseño y la realización de una colección (28 looks) de moda comunicativa y promocional de Ciudad Real, localidad manchega que celebra en 2020 el VI centenario de su fundación, y en su posterior exposición. Busca representar a la ciudad utilizando códigos visuales que simbolicen su identidad: su pasado, su presente, su arquitectura, sus valores, sus gentes, etc. La colección también quiere ser un símbolo de una ciudad contemporánea y comprometida con su entorno social. Por eso, se trabaja principalmente con industrias locales y de cercanía geográfica, para valorizarlas. Los looks que componen la colección se desarrollan tanto para género femenino como masculino; las prendas no tienen un carácter de producción comercial y se elaboran con el modelo de slow fashion: prendas de alta calidad y trabajadas de forma sostenible. Esta iniciativa surge porque el Ayuntamiento de Ciudad Real busca proyectos innovadores que promocionen la ciudad en el exterior, más allá de sus fiestas locales y tópicos, mostrándola como una capital actual comprometida con sus gentes y su tiempo. La colección realizada se presentó en un desfile que se llevó a cabo el 24 de julio de 2021 en el Museo Municipal del Quijote de Ciudad Real. Posteriormente los looks realizados, junto con una explicación del proceso creativo necesario para su dise o y construcción, se expusieron en el mismo museo hasta el 29 de agosto del 2021.

Ante una escena cotidiana iniciamos esta reflexión. Ante la luz olvidada en su repetición constante intentamos recuperar su esencia de dadora de vida, de conformadora de espacio y de tiempo. Éste estudio se basa en la observación de como los rayos del sol pasan a través de un vidrio situado en el mismo plano este-oeste que recorre este astro, que cierra la apertura de cuatro paredes, suelo y techo, que conforman el espacio físico de un dormitorio compartido. Este estudio se traslada allí donde el Sol se asoma, diluyendo los objetos cambiantes, las personas que habitan. Y cuando se hace palpable el movimiento universal de los astros y el planeta en el que nos sostenemos, clavamos nuestra mirada en el tiempo y desde nuestra fugaz existencia, cuestionamos el tiempo.

El propósito del presente trabajo es determinar si el uso del cómic en las aulas de Educación Secundaria Obligatoria en el ámbito de la materia de Educación Plástica, Visual y Audiovisual, y su organización a través del Aprendizaje Basado en Proyectos, pueden suponer una mejora en la implicación del alumnado y por consiguiente en el desarrollo de sus habilidades gráficas. Esta propuesta surge de la problemática que hemos observado en las aulas: una falta generalizada de motivación, y dificultades en la soltura y desempeño gráfico en general. Para ello hemos realizado una investigación-acción, empleando una metodología cualitativa, a través de la cual hemos llevado a cabo durante un mes y medio un proyecto de realización de un cómic personal con 86 alumnas y alumnos de un Instituto de Educación Secundaria de la Comunidad de Madrid. Los principales resultados obtenidos han sido un aumento significativo del grado de satisfacción del alumnado, y un mejor desempeño en el alumnado que ya presentaba buena motivación con anterioridad. Sin embargo, no hemos obtenido información concluyente respecto a sus efectos en la motivación en general, ya que el alumnado que anteriormente no se implicaba en la materia ha seguido sin hacerlo. Como otros hallazgos del estudio, hemos observado que el trabajo en sesiones cortas (1 hora de clase) y autoconclusivas aporta mejores resultados en cuanto a entregas y concentración; que el trabajo técnico sobre la composición en sesiones independientes aporta una gran mejora en la calidad de los resultados finales del proyecto y que el cómic como recurso abre muchas posibilidades creativas a las personas que ya cuentan con un cierto grado de motivación por las artes plásticas.

En este segundo número de Cuadernos de dibujo y poesía, hemos propuesto un trabajo con el poemario “La Lengua de los otros” de José Ramón Ripoll, al que damos las gracias por permitirnos trabajar con sus poemas.

En este trabajo voy a analizar las obras que he estado desarrollando durante mi carrera artística en los últimos años y trabajos que he realizado en el transcurso de este máster. Comenzaré contextualizando mi conjunto de obras con los artistas que me han influenciad, como M.C. Escher y Andreas Gursky; además incluiré a artistas españoles que he descubierto durante este curso como Dionisio Gonzales y Cinta Vidal. Haré también breves referencias a varios artistas plásticos, escritores y obras que tienen de una forma u otra relación con mi trabajo y línea de pensamiento conceptual. El título del trabajo “Paisajes Expansivos” hace referencia a mi interés en los panoramas naturales y urbanos que explora mi obra. Al mismo tiempo porque los trabajos además de ser de gran formato tratan de compilar una visión extensa del panorama que se propaga y trasciende más allá de lo que uno puede ver con una simple mirada. Expansivos también alude a las personas que exteriorizan sus sentimientos y pensamientos sin reserva, y los trabajos que he estado realizando durante este curso encajan particularmente bien con esta descripción ya que incorporan una variedad de técnicas con el propósito de dar mayor expresividad y personalidad a la obra. El subtítulo, “Una mirada al panorama desde diversos puntos de vista”, refleja mi interés por las perspectivas geométricas y las posibles formas en que la realidad puede representarse incorporando diversas posiciones espaciales y variaciones en el tiempo. Incluso, los puntos de vista se pueden interpretar con las variadas formas en que entiendo al panorama a través de la contextualización de mi obra con los distintos artistas a los que hago referencia y con las variadas combinaciones de técnicas y formatos que utilizo para su representación. La visión e interpretación de la realidad cambia en la historia del arte occidental con Cézanne, sus pinturas de contenidos simples y sintéticos describen la forma en que percibimos al mundo, más que al mundo en sí mismo. Esto, junto con el arte primitivo, inspiró a Picasso y a Braque a inventar el cubismo, donde muchos puntos de vista se unen en un solo plano, mostrando así una realidad más completa, cruda y libre de puntos de fuga e ilusiones perspectivas. Con mi obra intento reunir las características multifacéticas del cubismo con las perspectivas clásicas del renacimiento para así crear un conjunto de trabajos panorámicos que evoquen una visión alternativa y compleja de los espacios y tiempos en que vivimos., In this essay I am going to analyse the body of works I have been developing during my artistic career the last few years and the works I have produced throughout this master. I will start contextualising my artwork with the artists that have influenced me like M. C. Escher and Andreas Gursky; I will also include Spanish artists that I have discovered during the master like Dionisio Gonzales and Cinta Vidal. I will also make brief references to various visual artists, writers and pieces that have in a way or another a relationship with my work and conceptual line of thought. The title of the work “Expansive Landscapes” refers to my interest in the natural and urban landscapes explored in my body of work. The title also alludes to the large dimensions of the artworks and my intention to evoke an extensive vision of the panorama that transcends and propagates, a vision that cannot be viewed in single glance. Expansive also refers to those who show and express their feelings and thoughts without hesitations, and the works that I have been producing during the master fit particularly well with this definition since they incorporate a variety of techniques with the purpose of giving more expression and personality to the work. The subtitle, " A Look at the Panorama from Different Points of View ", reflects my interest in geometric perspectives and the possible ways in which reality can be represented by incorporating various spatial positions and variations over time. Even so, the views can be interpreted with the multiple ways in which I understand the panorama through the contextualization of my work with the different artists to which I refer to and with the varied combinations of techniques and formats that I use for its representation. The vision and interpretations of reality changes in the history of Western art with Cézanne, his paintings of simple and synthetic forms describe the way we perceive the world, rather than the world itself. This, along with primitive art, inspired Picasso and Braque to invent Cubism, where many views come together in a single plane, thus showing a more complete reality, raw and free of vanishing points and perspective illusions. With my work I try to bring together the multifaceted characteristics of Cubism with the classical perspectives of the renaissance to create a set of panoramic works that evoke an alternative and complex vision of the spaces and times in which we live.

[ES] El objetivo principal de esta investigación es determinar si el acto de caminar facilita una aproximación creativa al mundo. En aras de resolver este objetivo, se recurre en primera instancia a una revisión de literatura del caminar, el paisaje, el habitar, el territorio, entre otros temas. También se exploran las experiencias creativas de artistas que caminan y recurren al territorio como espacio de creación, como Hamish Fulton, Francis Alÿs y Richard Long. En segunda instancia, el caminar y la creación se abordan a partir de la experiencia personal, obtenida de un trabajo de campo estructurado en cinco viajes a pie realizados en España, China y Ecuador. El trabajo de campo tuvo como resultado una serie de obras que forman parte integral del proceso de investigación. La obra que fue elaborada a partir de fragmentos de los diarios de viaje, está compuesta por dibujos, pinturas y fotografías que indagan los lugares y los habitares que conforman un paisaje. Específicamente, se presentan las series Camino de Santiago, El Color del Viento, Desorientaciones y Entre el cielo y la tierra. También incluye el registro de la intervención realizada en las faldas del volcán Cotopaxi, en tributo a Richard Long. Esta investigación que se basa en la práctica y en la experiencia personal como el principal método de exploración, contribuye a entender la forma en que el caminar permite una aproximación creativa al mundo. El caminar es un acto de limpieza a partir del cual se eliminan todos los clichés y emergen las ideas. También, el caminar expone al cuerpo a situaciones extremas que le recuerdan su fragilidad., [CA] L'objectiu principal d'aquesta investigació és determinar si l'acte de caminar facilita una aproximació creativa al món. Per a respondre a aquesta pregunta, es recorre en primera instància a una revisió de literatura del caminar, el paisatge, l'habitar, el territori, entre altres temes. També s'exploren les experiències creatives d'artistes que caminen i recorren al territori com a espai de creació, com Hamish Fulton, Francis Alÿs i Richard Long. En segona instància, el caminar i la creació s'aborden a partir de l'experiència personal, obtinguda d'un treball de camp estructurat en cinc viatges a peu realitzats a Espanya, la Xina i l'Equador. El treball de camp va tindre com a resultat una sèrie d'obres que formen part integral del procés d'investigació. L'obra que va ser elaborada a partir de fragments dels diaris de viatge, està composta per dibuixos, pintures i fotografies que indaguen els llocs i els habitars que conformen un paisatge. Específicament, es presenten les sèries Camino de Santiago, El Color del Viento, Desorientaciones i Entre el cielo y la tierra. També inclou el registre de la intervenció realitzada en les faldes del volcà Cotopaxi, en tribut a Richard Long. Aquesta investigació que es basa en la pràctica i en l'experiència personal com principal mètode d'exploració, contribueix a entendre la forma en què el caminar permet una aproximació creativa al món. El caminar és un acte de neteja a partir del qual s'eliminen tots els clixés i emergeixen les idees. També, el caminar exposa al cos a situacions extremes que li recorden la seua fragilitat., [EN] The main objective of this research is to determine if walking contributes to a creative approximation to the world. To address this issue, a literature review of the act of walking, landscape, territory, among other topics, is done. The creative experiences of artists such as Hamish Fulton, Francis Alÿs, and Richard Long, whom rely on walking and in territory as a place for creation, are also considered. In second place, the relationship between walking and creation is explored thru a field work composed by five journeys on foot in Spain, China and Ecuador. The field work resulted in artistic works that constitute an integral part of the research process. These works include drawings, paintings and photographs that explore the places and other elements of landscape; they were crafted from fragments of the travel journey. Specifically, this dissertation presents the series Camino de Santiago, El Color del Viento, Desorientaciones and Entre el cielo y la tierra. It also includes the photographic record of the intervention made at the skirts of Cotopaxi volcano, in tribute to Richard Long. This research, based in practice as the principle method of inquiry, contributes to understanding the different ways that walking allows a creative approximation to the world. Walking can be conceived as a cleaning act that removes clichés and allows ideas to emerge. Also, walking exposes the body to extreme situations that remind us of its fragility.

Como Trabajo de Fin de Grado he realizado las ilustraciones y diseños para una baraja inglesa de póquer consistente en 54 naipes que incluye dos jokers. Me he valido de técnicas tradicionales y digitales, que he ido combinando para elaborar el diseño final de las cartas. La temática de la baraja es la mitología celta de las islas británicas, cuyos personajes (selkies, banshees, reyes de las hadas...) he empleado para ilustrar las figuras de las jotas, reinas, reyes y jokers, tratando de conseguir que su personalidad, aspecto y colores armonizaran lo máximo posible con el palo que les asignaba, teniendo en cuenta, a su vez, que cada palo lo he hecho corresponder con una de las cuatro estaciones del año. También he investigado sobre diseños y adornos celtas para dar con una estética coherente con la temática que aunara el estilo de todas las cartas. He diseñado los ases manteniendo las formas tradicionales y reconocibles de diamantes, picas, corazones y tréboles, transformándolos en nudos celtas. Además, los he adornado con los frutos, hojas, ramas y flores del serbal, que van cambiando dependiendo del palo y estación correspondiente. Esta planta también se puede encontrar en algunas de las ilustraciones de las figuras. En el reverso de las cartas figura un nudo cuaternario adornado. Reutilizo este diseño en el packaging de la baraja. Para el otro lado del estuche he usado una ilustración de un naipe que he adaptado a la caja. Por otro lado, he investigado sobre los posibles métodos de publicación y producción de una baraja.

El presente Trabajo de Fin de Máster explora la construcción cultural del sujeto mujer en el contexto artístico para tratar de analizar las estrategias de poder que se dan dentro de la comunidad artística universitaria. En este análisis se han revisado los distintos tipos de violencia para poder identificar las menos visibles a través de imágenes que se emplean en la formación artística universitaria y que inundan los espacios físicos y simbólicos. Las imágenes construyen un imaginario colectivo que replica de forma sistémica la violencia sobre la mujer. Esta violencia se infringe en acciones que van desde la elección del profesorado que aparecerá en la orla, hasta el recipiente en el que sirven café. Durante toda la investigación, se ha tratado de enlazar la revisión crítica de la historia con datos de actualidad para tratar de entender los comportamientos generalizados que se dan en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid y que motivaron esta investigación que reclama, amparada por la ley vigente, la inserción de perspectiva de género de forma transversal en todos sus estudios.

Cales negras es una propuesta pictórica que trabaja, desde los métodos y materiales del dibujo, la revisión y tergiversación de los recursos, códigos y lenguajes propios de la tradición de la pintura de género. Los procesos con los que estos han sido trabajados han dado como resultado imágenes con fuertes referencias al espacio de exposición y al de trabajo, al gabinete/estudio, a la reducción por “pirólisis” de la imagen a sus sintagmas fundamentales y al proceso de esbozo de los mismos a partir de una miríada de imágenes y textos provenientes de la tradición pictórica de género y de su estudio. La estancia se deshace en una imagen trabajada con la materia polvorienta y difusa del carbón y el pigmento negro, permitiendo que el juego plástico e intertextual entre los elementos de la imagen, así como entre las citas y referencias a la historia de la pintura de interiores, cobre el protagonismo. Siendo consciente del pesado bagaje histórico que arrastran estos espacios interiores de representación, esta visión nublada, oscura y distorsionada es consecuente.

El catálogo de la exposición Aedes arboribus ecosystem-UCM.La pintura como aprendizaje servicio de los sistemas arbóreos", tiene como objetivo mostrar una pequeña selección de los estudios realizados por los alumnos del grado en Bellas Artes que han estado vinculados desde sus asignaturas correspondientes al proyecto Innova 137: “La pintura como instrumento aprendizaje-servicio de los ecosistemas arbóreos en la Avd. Complutense”. Así mismo recoge la reflexión teórica de los docentes e investigadores participantes. Responsable del proyecto y edición del vídeo Paloma Peláez Bravo.

Se presenta parte del Trabajo de Fin de Grado (TFG) Natalia Dibuja a Marina (Facultad de Bellas Artes, UCM, 2019, Tutor Javier Lozano) Es un proyecto de Arte Plástico y Poesía inédita de la escritora y poeta Marina Romero Serrano (1908-2001): poemas para niños. Con ésto pretendo, no sólo desempolvar a quien fue una excelente poeta sino también a otras figuras que también me han influido pero que siendo conocidos se han ido difuminando con el paso del tiempo (Diego Lara, Delhy Tejero o Ramón Gaya) Partimos del facsímil de la obra poética, copia del manuscrito original redactado a máquina, cedidos por el profesor Javier Campos Bueno, amigo y albacea de la poeta. Ésta serie es la continuación de la última obra “Poemas Rompecabezas”. La obra se quedó sin editar y confió los documentos al profesor con quien tenía una relación de amistad, para que, en algún futuro por voluntad de la poeta, se pudieran editar.

El presente trabajo desarrolla la desmitificación ilustrada del icono, proyectando un relato ficcional que versa en un vínculo con Marilyn Monroe. La producción se apoya en conformar un libro ilustrado que aúna dibujo, pintura, fotografía y grabado junto a palabra y poesía. Asimismo el objeto de estudio rescata un análisis crítico que justifica y contrasta los diversos temas expuestos a través de un recorrido teórico que plantea la ilustración como movimiento trascendental. Para ello, el trabajo recoge una selección de personajes influyentes, considerando sus prácticas artísticas, psicoanalíticas y literarias, para facultar de una comprensión sobre el dibujo en la obra. Del mismo modo, se expone el desarrollo y producción del libro ilustrado, la experiencia como autor en la industria editorial y la realidad de la gestión y publicación de la obra en el contexto artístico contemporáneo.

Revista de poemarios contemporáneos ilustrada por alumnos de la Facultad de Bellas Artes de la UCM. No 1: Poesía de Joan Margarit Libro de Joana. El lenguaje visual tiene una gran tradición, al igual que el lenguaje literario, pero encontramos pocas propuestas que aúnen ambas tradiciones. Este proyecto pretende poner un grano de arena en este hueco. En una sociedad audiovisual la novela gráfica, el ensayo visual, el cómic y el libro ilustrado, presentan un crecimiento de demanda editorial en el que están trabajando bastantes editoriales que hace unos años ni lo contemplaban. La imagen ayuda a sintetizar el texto y el texto alumbra las imágenes. Pensamos que dotando de un contenido visual a las obras poéticas allanaremos el camino para una mayor comprensión y acercamiento a este tipo de lenguaje tan necesario en una sociedad cada vez más alienada.

Catálogo de Exposición del Máster en Investigación en Arte y Creación de la UCM. Muestra celebrada del 23 de septiembre al 14 de octubre de 2019 en la Sala de Exposiciones de la Facultad de Bellas Artes. C / Pintor el Greco 2, Ciudad Universitaria. 28040 Madrid. Comisariado de Javier Mañero Rodicio.

La idea de este trabajo de investigación es la de elaborar una metodología para el análisis de los videojuegos desde el punto de vista del campo de las artes en general, y de las artes gráficas en particular. Lo que espero conseguir en este trabajo es, mediante la investigación de los videojuegos más relevantes, crear un método que sustituya al actual a la hora del análisis y estudio de los mismos, y que ayude a la hora de realizar futuras producciones. Esta investigación pretende poner en valor las aportaciones de los artistas a la hora de desarrollar los videojuegos, ya que dicha participación no siempre ha sido preferente en la producción y creación de videojuegos. Al contrario, en los medios se trata al videojuego como un producto más (se utilizan metodologías de marketing, y también estrategias que simplemente analizan aspectos técnicos, relación calidad/precio, etc., que, pese a ser necesarias, acaban dejando de lado elementos también importantes. Por ejemplo, lo novedoso que pueda resultar su guión o su correcta consecución; los orígenes de los que partieron y demás aspectos más artísticos, y menos pragmáticos. El fin último de esta investigación, pues, es crear una metodología de análisis de los vidoeojuegos desde el punto de vista artístico que complementa al técnico, y potenciar esta faceta para la creación de futuros videojuegos., The main purpose of this research work is to elaborate a methodology related to video game analysis, from the point of view of the different arts in general, and graphic arts in particular. What I hope to achieve with this work is: To create a new method that replaces the current ones at the time of analysing and studying video games, by developing a new methodology, that also helps video game creators at the time of producing new games. This research work pretends to give value to artists’ contributions when developing new video games, because that participation has not always been the most important when producing and creating video games. On the contrary, media use to treat video games as just another product (marketing methodologies are used, which focus themselves in technical aspects, like price-quality ratios, etc. Even if these are necessary, other important issues are left behind. For example, how well the plot works, the origins and influences a video game has, and other artistic and less pragmatic aspects. The ultimate goal of this research is to create a new methodology for video game analysis, taking into account both a technical and artistic approach, complementing each other, encouraging this aspect for the creation of future video games., Tesis Univ. Granada. Programa Oficial de Doctorado en Historia y Artes

El objetivo de este trabajo es ofrecer una propuesta metodológica basada en el análisis, la aplicación y adaptación de estrategias de artistas contemporáneos en la práctica del aula para trabajar el dibujo como proceso creativo. A su vez, persigue sensibilizar al alumnado acerca de las prácticas artísticas actuales de modo que supongan un elemento motivador para su aprendizaje y su propia capacidad creadora. Se enmarca en el 2º curso del Bachillerato de Artes, en la asignatura de Dibujo Artístico II, fundamentando los ejercicios propuestos en un aprendizaje progresivo que se construye a partir de conocimientos y destrezas adquiridas previamente. Así, esta propuesta pone el foco en el papel del dibujo dentro del proceso creativo, no en la producción de imágenes. Utiliza una metodología activa fundamentada en el estudio dirigido procurando la participación del estudiante en su aprendizaje. Además, esta se complementa con trabajo en equipo en fases concretas de la propuesta que posibiliten la interacción entre el alumnado. La propuesta se compone de dos bloques de actividades diseñadas a partir de la obra de dos artistas: Gosia Wlodarczak y Marcel Van Eeden; cada conjunto de actividades dedicado a uno de ellos. Ambos bloques tratan conceptos en común como son la existencia y el tiempo, lo que permite observar y experimentar distintas funciones del dibujo en la creación tratando el mismo tema. No obstante, a su vez, estos se complementan, centrándose el primero en una concepción del dibujo como acción y experiencia y, el segundo como apropiación y narración. Tomando estos planteamientos como punto de partida y adaptándolos al contexto de la asignatura, surgen nuevos conceptos vinculados al aprendizaje y las vivencias de los estudiantes sobre los que reflexionar en las actividades propuestas. ----------ABSTRACT---------- The aim of this paper is to present a methodological proposal based on the analysis, application and adaptation of the contemporary artists's strategies in the classroom practice in order to work on drawing as a creative process. At the same time, it seeks to sensitize students about current artistic practices so that they become a motivating element for their learning and their own creative ability. It is set on the last year of Secondary Education, Arts specialty, in the subject Artistic Drawing II, basing the proposed exercises on progressive learning which is built from knowledge and skills previously acquired. Thus, this proposal lays stress on the role of drawing whitin the creative process, not in the production of images. It deploys an active methodology grounded on conducted study securing the student's participation through his or her learning. In addition, it is complemented with teamwork in specific phases of the proposal that enable interaction among students. The proposal consists of two blocks of activities designed from the work of two artists: Gosia Wlodarczak and Marcel Van Eeden, each group of activities is devoted to one ot them. Each block deals with common concepts such as existence and time, which allows to observe and experiment with different functions of drawing in artistic creation concerning the same subject. Nevertheless, in turn, they complement each other, focusing the first one on a conception of drawing as action and experience, and the second as appropriation and narrative. Taking these approaches as a starting point and adapting them to the subject's context, new concepts linked/ related to the students's learning and experiences arise, on which to reflect on th e proposed activities.

Catálogo de la exposición colectiva celebrada en la sala de exposiciones de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid entre el 5 y el 20 de marzo de 2018. La exposición denominada “LA SUSTANCIA DE LA REPRESENTACIÓN. ESENCIA Y SIGNIFICADO” tiene como objetivo mostrar las obras más relevantes y personales de treinta y tres artistas pertenecientes a la facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid. Comisariada por Mauro Hernández, Sandra Malvar y Rodrigo Moreno.

Catálogo de Exposición del Máster en Investigación en Arte y Creación de la UCM. Muestra celebrada del 25 de septiembre al 10 de octubre de 2018 en la Sala de Exposiciones de la Facultad de Bellas Artes. C / Pintor el Greco 2, Ciudad Universitaria. 28040 Madrid. Comisariado de Javier Mañero Rodicio.

Esta propuesta expositiva reúne por primera vez a cuatro artistas, aunque la realidad es, que varios de nosotros ya veníamos colaborando en diferentes iniciativas artísticas desde años atrás. Anto Rabzas hace de catalizador de la mezcla, conoce la obra de los otros tres: Julián Gil, Guillermo Lledó y Jorge Varas, y les propone un proyecto conjunto basado en establecer un diálogo a cuatro voces de sus obras sobre papel, obras mínimas, pobres, sencillas que, sin embargo, muestran sin artificios el pensamiento sin aditivos que hay detrás.

Nuestra investigación se encuentra enmarcada dentro de la metodología de Investigación basada en las Artes Visuales con el objetivo de llevar a cabo un proceso de búsqueda originado en el ambiente artístico y cuyo de senlace también se ubicaría en dicho campo. Así, pues, nuestra hipótesis trata de justificar la elección del dibujo de los vasos griegos como referente artístico actual, emplazando nuestro punto de partida en la colección de cerámicas pertenecientes al Museo Arqueológico de Tesalónica. Del estudio de dichas obras nace el interés por llevar a cabo representaciones de los dibujos inscritos en las mismas, con el objetivo de revalorizar el patrimonio artístico y dotar al mismo de una actualidad de la que, quizás, antes carecía. A raíz de dichas representaciones hemos elaborado un proceso de estudio vertebrado por la técnica del dibujo, con el propósito de adaptar el estilo que podemos encontrar en las obras griegas a un contexto creativo actual, a través del cual generar imágenes nuevas y originales que posean un interés estético relevante y puedan emplearse para sugerir discursos incluidos dentro de una problemática artística contemporánea., For our research, we have followed the arts-based research methodology in order to carry out a search process and delimit our findings in the field of arts. Thus, our hypothesis seeks to justify our choice of Greek vase paintings as a contemporary artistic reference, initiating this venture with the collection of ceramics from the Archaeological Museum of Thessaloniki. The study of these works has sparkled our interest to create drawings of the representations depicted on the vases in order to revalorize the artistic heritage and to endow it with a contemporary trait that, perhaps, it lacked before. As a result of these recreations, we have developed an analytical process structured around the drawing technique in order to adapt the style found in Greek art to a contemporary creative context. This process would make it possible to generate new, original and aesthetically relevant creations, which could be used to generate discourses within a contemporary artistic framework., Tesis Univ. Granada. Programa Oficial de Doctorado en Arte

Este trabajo desarrolla dos ideas principales: analizar la relación, hoy día creemos reconciliada, de la ilustración y el ornamento con la práctica creativa en el Diseño contemporáneo, al tiempo que descifrar cómo se produjo el aislamiento que ha caracterizado la separación radical que se mantuvo durante las pasadas décadas. El análisis histórico demostrará la simbiosis progresiva entre las artes decorativas en el diseño, y el contexto socioeconómico y cultural que las produce. Para ello intentamos detectar la justa presencia, y validar el reconocimiento, de la ilustración como aportación significativa en el diseño de productos útiles y cotidianos. Esta unión o mutua comprensión se manifiesta de forma patente en proyectos reales donde ilustración y producto diseñado encuentran una interacción fructífera y enriquecedora. Uno de ellos es el ejemplo profesional, creativo y empresarial de Nani Marquina (Barcelona, 1952). En un segundo lugar, expone el proyecto real de la Tienda de la Universidad de Granada como laboratatorio creativo, germen facilitador de inquietudes y aptitudes creativas en la sociedad granadina. Como objetivo final, pretende servir de testimonio útil y constructivo sobre la profesión en el presente, con una clara proyección de futuro y con el ánimo de resolver intereses científicos y divulgativos para el ámbito de la enseñanza de la disciplina de la Ilustración., Tesis Univ. Granada. Programa Oficial de Doctorado en: Dibujo: Creación Artística, Producción y Difusión

Mediante este Trabajo de Fin de Grado, queremos darle a la Educación Artística, en concreto al dibujo, el lugar y la importancia que realmente tiene en Educación, en concreto en la Etapa Infantil, ya que a través de él, podemos observar el desarrollo evolutivo del niño/a, su contribución a la psicomotricidad, creatividad… e incluso para detección de problemas y su posterior resolución. Como el dibujo, está considerado una herramienta fundamental, una gran fuente de comunicación, una forma de expresión, un modo de lenguaje no verbal y que a través de su análisis e interpretación podemos percibir lo más profundo de la persona, el reflejo de uno mismo y todo ello, fundamentado en las diversas teorías, métodos y/o pruebas adecuados para ello., Grado en Educación Infantil

En esta investigación se pretende estudiar el uso que se ha hecho del grafismo en aquellos procesos creativos que tendrían la intencionalidad de devenir en obras de carácter plástico-artístico Consideremos que todo diagrama tienen una intencionalidad; se carga de valor creativo en el mismo momento que pretende crear o recrear una realidad. Pero no por ello habría que suponer que su valor pueda contemplarse como artístico. Esta valoración habría que hacerla en función de la significación, inmediata o subsiguiente, que se le dé a estos esquemas: el que lleguen a ser considerados como elementos de un proceso con una finalidad artística concreta. La significación aquí estaría definida por el dominio del que habla Deleuze en su conferencia "¿Qué es el acto de creación?" en 1987. " [...]Uno no tiene una idea “en general”. Una idea está “ya vista de antemano”, está ya en tal autor, en tal dominio determinado. Quiero decir que una idea, ya sea una idea en pintura, ya sea una idea en novela, ya una idea en filosofía, como una idea en ciencia, evidentemente no es lo mismo."3 Aquí nos encontramos con la intencionalidad que cada autor le quiera dar a su obra. Pero la resignificación que se hace de la obra cuando esta se contempla en diversos momentos o lugares, ¿afecta también a estos elementos? Si los consideramos como parte de la obra, aunque en su momento no fuera así, es más que probable. La obra final, entonces, no siempre existe. Pero aún es más frecuente, sobre todo en ciertas épocas o culturas, que sea el material conducente a la obra final lo que ha desaparecido, aunque se tenga constancia de su existencia. El que esta documentación del proceso se haya conservado o no, no parece afectar de manera directa a la obra final, pero sí nos habla de manera directa de como se contempla el arte, por lo que esta significativa ausencia también se tiene en cuenta a la hora de realizar este estudio...

El tema escogido para el presente proyecto versa sobre “El Cartel” como obra de arte, su historia, desarrollo y diferentes diseños. La propuesta es extensa, tiene múltiples líneas a seguir. Una vez investigado el tema, he desarrollado, por un lado, carteles sobre cualquier tipo de violencia, social, género, animal; por otro lado he realizado carteles promocionales de fiestas, lugares o productos. Son obras propias, en las que no he insertado texto. Pienso que una imagen, si es potente, no lo precisa. Los trabajos resultantes son siete, cinco de ellos en un formato grande y dos de formato menor, además de numerosos bocetos que no se han llegado a realizar, quedando pues pendiente su ejecución como futuros carteles.

La expresión del movimiento vivenciado en animación depende de todos los elementos que conforman el medio. El «movimiento vivenciado» es aquél que transmite la esencia dinámica prescindiendo de los medios pretendidamente objetivos de representación. En este artículo se estudia en concreto uno de esos componentes, la «interpretación espaciotemporal» (conocida como timing), empleada de manera especial: por medio de la yuxtaposición de fases no correlativas del movimiento. Esto supone una alternativa al análisis pormenorizado del desarrollo cronológico de la acción. El fenómeno es analizado a través de varios ejemplos extraídos de obras de animación, y se extiende a la práctica artística. Basándonos en la técnica de la película pintada (en la que se interviene plásticamente sobre el celuloide), hemos creado seis secuencias de animación en las que los fotogramas no representan fases contiguas del movimiento, con el objetivo de verificar cómo es posible expresar el movimiento vivenciado a través de este recurso. The expression of lived-movement in animation depends on all the elements that build this medium. «Lived-movement» is the one which transmits the dynamic essence without the supposedly objective means of depiction. One of these components is studied in this article, the «spatio-temporal interpretation» (commonly known as «timing»), specifically a special use of it: by the juxtaposition of non-consecutive phases of movement. This involves an alternative to the detailed analysis of the chronological development of motion. The phenomenon is analysed through several examples extracted from animated films, and it is extended to the artistic practice in animation. We have created 6 animated sequences based on the technic of drawn-on-film animation (in which it is painted or drawn directly on celluloid). In these sequences, frames do not represent correlative stages of motion. Our objective is verifying how it is possible to express lived-movement through juxtaposition of phases.

Esta tesis es un estudio sobre el proceso creativo del dibujo y sobre cuál es el momento adecuado de su finalización. Para ello establecemos un amplio marco de actuación con el que abordamos ambos temas desde distintos planteamientos teóricos y prácticos. La investigación se sustenta sobre tres ideas principales: el valor de la obra como huella de una acción. La relación de un artista con su dibujo. El acto de dibujar como fin en sí mismo. Estas tres ideas configuran de forma transversal experiencias sobre el acto de dibujar y el concepto de dibujo como herramienta de pensamiento mediante el cual incidimos en conflictos propios de la actividad intelectual y experimental de un artista, centrando nuestro análisis en cómo éste resuelve y afronta el final del proceso de creación de una obra. Con esta tesis hemos llevado a cabo una labor documental que abarca desde testimonios y reflexiones de artistas sobre su trabajo hasta escritos de ensayistas e investigadores en arte. Para ahondar en el tema, hemos estudiado los dibujos de Pablo Picasso que la revista "Verve" publicó en 1954, ya que supone un ejemplo de modelo creativo que refleja muy bien cómo piensa, intuye y actúa un artista., Tesis Univ. Granada. Programa Oficial de Doctorado en: Arte

Through a historic path centered in the Renascence, are exposed some of the most meaningful contributions of theorist and artists the evolution of the human figure foreshortening from a geometrical involving point of view. The artist, using their drawings and texts to help others in the learning of the representation, rushed to include the study of the foreshortening in their treatises, searching ways to facilitate its drawing in any kind of support and any position in space. In this article are analyzed and linked, treatises of geometrical experts, with art works that reflect important advances in this field. Supports such as canvas, walls or vaults represent new working surfaces and different space positions for the artist. The human figure, protagonist in the scene, will have to adapt in order to be contemplated from wider and different architectonic spaces. It was necessary to master perspective in drawing, and more specifically in wall-drawing, in order to offer compositions that were each time more ambitions and surprising. A través de un recorrido histórico centrado en el Renacimiento, se exponen las aportaciones más significativas de teóricos y artistas en la evolución del escorzo de la figura humana desde un punto de vista geométrico. Los artistas que con sus dibujos y escritos ayudaban a otros en el aprendizaje de la representación, se apresuraron a incluir el estudio del escorzo en sus tratados, buscando métodos que facilitaran su dibujo sobre cualquier soporte y en cualquier posición en el espacio. En este artículo se analizan y enlazan los trazados propuestos por los estudiosos de la geometría, con las obras de arte que reflejan importantes avances en este sentido. Soportes como el lienzo, el muro o la bóveda, presentan al pintor superficies diferentes de trabajo y en distintas posiciones en el espacio. La figura humana, protagonista en la escena, tendrá que adaptarse a ellos para ser contemplada desde unos espacios arquitectónicos cada vez más amplios y con más posibilidades. Fue necesario dominar la perspectiva en la pintura, y muy particularmente en la mural, para ofrecer composiciones cada día más ambiciosas y sorprendentes.

Resumen basado en el de la publicación Se presenta un proyecto diseñado a partir de las difíciles condiciones económicas y a los escasos recursos materiales e instrumentos de las escuelas telesecundarias de México. Dicho proyecto vincula muchos de los contenidos de todas las asignaturas de la educación secundaria con obras musicales para fomentar la sensibilidad, la apreciación musical, la imaginación y las capacidades de una actividad artística en la que los estudiantes logren productos propios: el dibujo. Biblioteca de Educación del Ministerio de Educación y Formación Profesional; Calle San Agustín, 5 - 3 Planta; 28014 Madrid; Tel. +34917748000; biblioteca@mecd.es ESP

Con autorización de la editorial para este capítulo., Introducción y justificación acerca del pequeño volumen colectivo publicado con ocasión de la celebración, en el espacio del Real Jardín Botánico, de la Noche Europea de los Investigadores, Madrid-2016. Se comenta la ocasión, la estrecha relación existente entre el arte y la ciencia y los textos, firmados por varios especialistas, que parten del espacio emblemático y referente del Jardín Botánico para plantear y ahondar en las sugerentes relaciones, intercambios y colaboraciones entre la naturaleza y el arte, entre el arte y la ciencia que, con su creación en el siglo XVIII, comenzaron a cobrar impulso., Programa Marco de Investigación e Innovación Horizonte 2020, bajo las Acciones Marie Sklodowska-Curie de la Comisión Europea, DG-EAC. Comisión Europea bajo el acuerdo de subvención número 721631. Proyecto I+D+i: 50 años de arte en el Siglo de Plata español (1931-1981) (P. E. MINECO ref. HAR2014-53871-P). Proyecto I+D+i: Ciencia y espectáculo de la naturaleza (P.E. MINECO ref. HAR2013-48065-C2-2-P). I.P.: Miguel Ángel Puig-Samper Mulero.

Nowadays, Internet and mass media development have caused a radical change in communication in Western World. Written language is giving way to visual language. Businessmen and publicists profit of the power of images to transmit messages, bombing us with all kinds of visual products and contributing to the creation of a passive and manageable receiver. We are living in a period of history characterized by individualism and no ideals. But, in contrast, with the development of the multimedia world, many users create their own personal spaces to express their opinions. Receivers also demand an active role in the process of communication. Creative citizenship and new artistic groups show us what we can achieve with commitment and participation. In this article we will analyse the necessity of a kind of educative action that demands a critical and reflective use of visual language. From artistic education we can propose creative activities that help us understand the world and change what we do not like from it.

La representación de la tecnología imaginada a través del dibujo y sus técnicas Actualmente, son numerosos los mecanismos que operan en la recogida de datos sobre aquellos aspectos proféticos desarrollados en la literatura y la filmografía que se cumplen en el mundo actual. Documentan el paradero de tanta predicción y adivinan el devenir de la sociedad hacia realidades tecnológicamente complejas. El dibujo, como técnica artística fundamental del cómic, los videojuegos y la animación, los convierte en géneros que deben presentar lo impresentable. Se declara entonces como herramienta de pensamiento imprescindible. Desde la exageración y la fantasía, la imagen dibujada y la ilusión de movimiento alcanzan significados que la imagen real, demasiado veraz a veces, no consigue ofrecer. La transferencia bidireccional de datos y técnicas gráficas del cómic a la animación puede producir recreaciones de mundos ficticios, altamente tecnológicos, en los que coexisten campos aparentemente contrarios e irreconciliables. El trabajo a base de líneas, puntos, paralelas, etc. es un proceso generativo. Espacios, culturas y sociedades increíbles surgen a partir del papel en blanco, lo que abre la puerta a la innovación.

Este libro aborda la reproducción de la obra de arte a través de los nuevos medios como Internet para analizar los cambios que la revolución tecnológica ha traído al campo de la imagen. La desmaterialización de las formas de producción y difusión del conocimiento ha provocado la multiplicación de imágenes que circulan libremente por la red y que se nos presentan sin apenas límite de tiempo o espacio a través de los dispositivos. En este proceso, que trae consigo consecuencias estéticas, políticas y sociales más profundas, características fundamentales de las obras como la objetualidad, la unicidad y la singularidad se transforman por completo, desembocando en el extremo opuesto: virtualidad, repetición, copia múltiple. Utilizando el buscador de Google Imágenes como herramienta, se pone en evidencia la presencia que ejerce el medio en nuestro acercamiento al arte y la influencia de la interfaz sobre nuestra forma de mirar. Desde la perspectiva de los estudios visuales, se trata a las imágenes ya no como representaciones o reproducciones de objetos, sino como entidades que generan pensamiento por sí mismas. En este contexto sobresaturado de información visual cabe cuestionarnos el papel que juegan el arte y la tradición hoy en día y las nuevas categorías necesarias para comprender la imagen, distintas ya de conceptos como los de autoría, originalidad y genio individual. Así, se propone aprovechar esta ubicuidad de la imagen que nos proporciona Internet para traer la tradición pictórica a la actualidad, mirando esta tradición a través del filtro de la web y generando así un diálogo entre pasado y presente.

[spa] La presente tesis desarrolla una investigación sobre el proceso creativo del dibujo en la era digital. Estudia la posible influencia que ejerce la tecnología digital sobre los procesos en la representación y la expresión gráfica, así como analiza los posibles cambios en las acciones que se producen en la disciplina artística del dibujo cuando se utiliza el ordenador. Estos cambios se estudian analizando el proceso creativo en sus fases: la ideación, la producción y la posproducción (donde se analizan las técnicas de la reproducción digital). Partiendo de los antecedentes históricos del grafismo computerizado, este estudio centra su atención en el marco teórico que permite a posteriori realizar el análisis de las acciones, procesos, fases y etapas determinantes en la realización de un dibujo digital de carácter estático. Se aportan dos estudios de caso que permiten contrastar y avalar los resultados: el estudio de las obras Orogénesis, de Joan Fontcuberta, y PsicoManualDigital de Evru-Zush (Albert Porta). El estudio se ha completado con el análisis de la obra de veintiséis artistas que realizan su obra gráfica por medio de la tecnología digital., [eng] This thesis develops an investigation into the creative process of artistic drawing with computer in the digital age. It studies the possible influence of digital technology on the processes in graphical representation and expression and to analyze possible changes in the actions that occur in the artistic discipline of drawing when the computer is used. These changes are studied by analyzing the creative process in its phases: ideation, production and post-production (where the digital reproduction techniques are analyzed). Based on the historical background of computerized graphics, this study focuses on the theoretical framework for the subsequent analysis of the actions, processes, phases and decisive steps in the creation of a digital drawing of a static nature. Two case studies have been included to contrast and validate the results: the study of the works Orogénesis, Joan Fontcuberta and PsicoManualDigital Evru-Zush (Albert Porta). The study is completed with the analysis of the work of twenty-six artists who made their artwork through digital technology.

Resumen basado en el de la publicación Se presenta una experiencia con niños de cinco y seis años a quienes se propuso realizar un dibujo sobre las matemáticas que los rodean, actuando como tutores alumnos de secundaria. En ella, se pretendió fomentar la enseñanza y el aprendizaje matemático a través de la interacción entre iguales, la participación en el aula y la argumentación matemática, resultando muy satisfactoria, tanto para los alumnos participantes como para el profesorado. Biblioteca de Educación del Ministerio de Educación y Formación Profesional; Calle San Agustín, 5 - 3 Planta; 28014 Madrid; Tel. +34917748000; biblioteca@mecd.es ESP

El dibujo definido como una actividad práctica y de pensamiento produce valor simbólico desde el hacer por medio de la labor manual y la gestión material de sus elementos primarios, de la misma forma que los oficios realizados en la esfera social para transformar fuerza de trabajo en valor de cambio económico, realizados en apariencia de manera mecánica, repetitiva, e irreflexiva. Sin embargo, concebido acá como mecanismo de producción de sentido, resultado de la experiencia y el entendimiento de su labor, se convierte en un modelo de resistencia en contra de las condiciones de producción material. La línea, asumida como elemento abstracto de la realidad, se presenta como una unidad estructural que articula estos conceptos y permite evidenciar la duración temporal de su ejecución, generando patrones gráficos tales como retículas, redes, tejidos y matrices. En la parte práctica propongo la realización de una serie de dibujos de líneas continuas que se extienden de un lado al otro y de arriba abajo, multiplicando los límites de un soporte determinado, mediante la repetición exhaustiva de patrones lineales que se van adhiriendo uno tras otro, generando patrones que se modulan y superponen unos sobre otros para construir una suerte de palimpsesto visual a partir de la escritura sismográfica del cuerpo en el tiempo.

Después de Distorsión, equívocos y ambigüedades: las ilusiones ópticas en el arte, continúa la saga de las ilusiones con Ilusiones ópticas en la publicidad y el diseño. ¡Ya puedes consultarlo en la Biblioteca! Enhorabuena a nuestro profesor Ramón Díaz Padilla y a todo el equipo de profesores que han participado en esta publicación. "En esta ocasión, se busca identificar la presencia e importancia de estos efectos ópticos en el ámbito del diseño, haciendo hincapié en el diseño gráfico, con el objetivo de proporcionar recursos a los estudiantes para que, no solo sean capaces de reconocerlos sino que también sean creadores de imágenes efectivas haciendo uso de estas valiosas herramientas de comunicación." (Díaz Padilla, Ramón. Ilusiones ópticas en la publicidad y el diseño. Madrid, 2012, p. 11)

cuando me disponía a escribir... de pintura, algo que todo el mundo valora, mucha gente sobrevalora y sólo unos pocos aprecian." (Rivas, Quico. Cómo escribir de pintura sin que se note. Madrid: Árdora, 2011, p. 19) ¡Acude a la presentación del libro de Quico Rivas, el próximo martes 7 de febrero, a las 12 de la mañana, en las mesas de nuestra Biblioteca!

Con esta cita del Mahabhárata termina nuestro ex compañero Álvaro Enterría -el autor de La India por dentro- la excelente introducción a la versión en cómic de la gran epopeya india a cargo de Miguel Gómez Andrea, Gol. Puedes llevártelo a casa. ¡Pídelo en la Biblioteca! "El Mahābhārata es una especie de enciclopedia de todo el saber de su tiempo.. La historia principal recoge igualmente todo tipo de actividades, pasiones y sentimientos humanos, donde prácticamente toda situación tiene cabida: las historias de un país y una época concreta adquieren así un evidente carácter universal. Se ha dicho así que esta es la épica del peregrinaje del hombre sobre la tierra. Como el mismo libro dice: Lo que está contenido aquí puede encontrarse en otros lugares, pero lo que no está aquí no se hallará en ningún sitio. (Mahabhárata: la gran guerra del Clan de los Bháratas. Palma: José J. de Olañeta e Indika Books, 2011, p. 13)

Desde 2001 tenemos la suerte de contar con la excelente réplica de las pinturas rupestres del Museo de Altamira. El equipo de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid, bajo la dirección de Matilde Múzquiz, profesora de Dibujo, y Pedro Saura, catedrático de Fotografía, llevó a cabo la reproducción de las magníficas pinturas del techo de la cueva. Se utilizaron las mismas técnicas de dibujo, grabado y pintura que emplearon los pintores paleolíticos. Ahora, la revista Science ha elegido una fotografía de Pedro Saura como portada del número del 15 de junio de 2012, que incluye un artículo sobre la datación del arte rupestre cantábrico. ¡¡¡Enhorabuena!!!

por la nueva edición de Dibujo técnico. 1º Bachillerato. ¡Ya puedes consultarla en la Biblioteca! "Una especial atención puesta en su diseño hace, por tanto, que podamos hablar de su excelente "ergonomía", por cuanto tiene de adecuación al objeto que se propone: una buena traslación de los contenidos propios del temario con una visualización muy conseguida, amable, espaciosa y clara. Todo el esfuerzo está encaminado a su eficacia didáctica: secuenciación de los contenidos, explicación equilibrada y bien engarzada con la imagen, y una exquisita expresión gráfica. En este aspecto, entiendo que la formación artística del autor, así como su trabajo en enseñanzas medias y en la universidad le han permitido sintetizar con mucho acierto en esta obra la utilidad derivada del dibujo técnico a sus posteriores aplicaciones: diseño, arquitectura, ingeniería, bellas artes..." (Barredo Cahue, Jon. Presentación de: Bargueño, Eugenio. Dibujo técnico 1º Bachillerato. Madrid: McGraw-Hill, 2012, p. 3)

Publicación monográfica del proyecto artístico IN REM VERSO del artista Santiago Morilla sobre el enriquecimiento material indebido y las formas naturales de justicia poética.

Durante el curso académico 2010-11 impartí por primera vez la asignatura Construcción y Representación del Dibujo, correspondiente a segundo curso del Grado en Bellas Artes. Durante la elaboración del programa, teniendo en cuenta la metodología propuesta, que hace que la asignatura se divida en tres prácticas: teórico-práctico, aula-taller y actividad autónoma, consideré interesante la propuesta docente de construir un libro donde éste fuera utilizado como espacio de creación. Un Libro-Arte. Este amplio concepto, tanto de forma como de contenido, permitiría al alumno trabajar con autonomía, estimular sus capacidades y su expresividad, explorar las posibilidades técnico-plásticas puestas en práctica en los talleres e investigar acerca de la tipología del libro. La propuesta era amplia y ambiciosa; la única condición sería que el dibujo debería ser el protagonista principal. No se limitaría ni su contenido, ni su realización, y únicamente el alumno sería el responsable de su idea y su ejecución.

Lo que intento a través de mi obra es una búsqueda de un discurso personal a través de los distintos proyectos que voy realizando. Como un medio de conocimiento y aprendizaje partiendo del universo de lo particular. Del mismo modo que los situacionistas formulaban la arquitectura como un medio de conocimiento y de actuación, con esos recorridos por la ciudad y su planteamiento de arte/vida/juego. Mi campo de actuación para la ejecución de la práctica artística no se circunscribe en un espacio, si no que investigo a través de la realización de recorridos por mi experiencia, ya sea la vivida o la actual. Interpretando o reinterpretando a modo de receptor-transmisor. Me valgo de lo personal y de la vida cotidiana para representar aquello que quiero. Utilizo la obra para los construcción de lo “real” aunque sea un “real-ficticio”. Una búsqueda de conocimiento, un entendimiento del otro y de lo “otro”; de lo desconocido. Poniendo de manifiesto y en la palestra todo aquello que me rodea que pasa de pronto a ser señalado. Dicha búsqueda va ligada a la experiencia de vivir y reinterpretar. Como proceso articulador de una experiencia de vida. Trabajando a partir de fragmentos tanto a nivel de obras particulares como a nivel global. No veo en mi trabajo la importancia de un dibujo en particular sino el conjunto de todas las piezas que conforman un proyecto, en la manera de exponerlo es dónde creo la línea discursiva del mismo. Jugando con las piezas y como se interrelacionan unas con otras, como herramienta de conocimiento. Veo la obra como un juego que me ayuda a establecer mis límites o poner los límites a lo externo. Un juego divertido pero muy serio al mismo tiempo. La obra como algo orgánico que yo pudiese moldear y estirar a mi conveniencia. Utilizando el dibujo y explorando a través de el, que me ayuda a establecer mis límites y los límites de lo que desconozco. Como si el hecho de dibujar me configurase, a la manera de una voyeur hiperactiva que no se conforma con mirar. La elección del dibujo no se hace de forma arbitraria; por una parte me interesa la sutileza del medio, su fragilidad y transparencia y por otra me permite inventar sin intermediarios. De manera directa puedo controlar aquello que hago.

Este proyecto se plantea como una investigación de las posibilidades del dibujo como una herramienta para relatar una historia propia que se empapa de realidad y de ficción con el deseo de confundir al espectador y suscitarle preguntas. Para ello me he servido de mi propia imagen como personaje central. Éste se presenta duplicado, multiplicado, repetido e interactúa consigo mismo en un espacio imaginario con intención de simular aquello que se revela en el interior de la psique. Mi trabajo se ha enriquecido con las características propias del soporte del dibujo. Se ha tratado, en este caso, de cajas de medicamentos, y prospectos, ya usadas y vaciadas por sus usuarios. Estos medicamentos han sido ingeridos para paliar los síntomas de la ansiedad, la depresión y la falta de sueño de aquellas personas que se encuentran en conflicto consigo mismas y que han tenido que recurrir a la ayuda de estos fármacos para no perderse en el laberinto del propio aislamiento psicológico. Tras recopilar estos objetos utilizados por otras personas, los he usado como soporte para hablar de lo onírico y de la lucha del individuo consigo mismo en cuanto que sumergido en su propia subjetividad. Así, he intervenido en este soporte de imaginario colectivo para contar mi propia historia y tratar en primera persona algo que tiene que ver con lo les ocurre a todos aquellos que se sienten perdidos en el mar de la soledad, en la batalla con su propia intimidad y en la lucha contra ese fuerte sentimiento de separación que nos ahoga a todos, casi, por igual.

¿Conoces los dibujos y pinturas de Bob Dylan? ¡Asómate a la biblioteca! Bob Dylan : the drawn blank series. Munich: Prestel, 2007 Bob Dylan : the Brazil series. London: Prestel, 2010

Por el Premio Penagos de Dibujo 2011 [...] "...yo no puedo hacer arte conceptual. Sólo puedo hacer lo que hago y lo que he hecho. Y eso es dibujar. Todo lo que hago está relacionado con el dibujo.[...] "La infancia es el descubrimiento de la vida. Y del miedo. Un amigo muy querido [...] escribió que yo pintaba para darle un rostro al miedo. Yo siempre estuve asustada de todo. De otros niños (era hija única), de salir al jardín (por los insectos). Todo me daba miedo. [...] Las injusticias que padecen las mujeres, políticas y legales, en algunos países son muchas y muy graves. Hice una serie de obras en torno al aborto y la presenté en Portugal, porque estaba prohibido y porque había una situación de hipocresía legal. La gente de dinero se iba a abortar al extranjero y las mujeres que no tenían recursos morían con frecuencia a causa de abortos hechos en pésimas condiciones. Me parecía algo intolerable y nadie hacía nada en torno a ese tema en Portugal. La primera muestra de esa serie de cuadros fue en Madrid y después fueron a Lisboa. Me siento muy satisfecha y orgullosa porque ahora las leyes han cambiado. Y espero que mi pequeña contribución a tomar consciencia de la situación haya ayudado." (Entrevista de Fietta Jarque, El País, 22-9-2007) [...] "Cómo lo hagas es importante para lo que quieras decir. Pero ni siquiera sabes qué es lo que quieres decir. Por eso yo aprendí a dibujar. El miedo, el terrible miedo al vacío y a no tener algo, es espantoso. Es como un estrangulamiento si no sabes qué hacer a continuación." [...] (Paula Rego. Madrid: MNCARS, 2008, p. 196) Bibliografía de Paula Rego