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This portfolio has been elaborated between Complutense University of Madrid (Spain) and Madrid Salud, Institute of Public Health of Madrid (Spain). The first version (spanish) was published on December, 2019. Avalaible in: https://eprints.ucm.es/id/eprint/58719/1/dossier%20ARTE%20SALUD%20CUIDADOS.pdf This english version has been published on November, 2022. More information: https://www.ucm.es/arteysaludproyectos/

ilustraciones, fotografías, gráficas La pregunta acerca de cómo habito y he habitado mi cuerpo, ha sido una reflexión y una búsqueda constante, en medio de experiencias corpóreas tales como la danza, el dibujo y ciertos caminos espirituales que permiten ser medio de comprensión y consciencia de mi humanidad. Habitar el cuerpo -de manera plena- en un entorno colectivo normativo, que tiende a delimitar y negar las subjetividades, que pretende conducir a los cuerpos al cumplimiento de determinadas formas, maneras y sentires, a través de un devenir de señalamientos, es un desafío quimérico. Es por esto que, tomo la noción de indisciplina como la pregunta y la constante reflexión por aquello que se da por hecho en la educación, en este caso del cuerpo, más no como oposición o acto combativo a una contraparte. Desde esa perspectiva, plasmo mi experiencia corpórea como sujeto-aula, a través de tres momentos: en el primero, narro sucesos específicos que determinaron el proceso de formarme en medio del señalamiento como dispositivo normativo y disciplinario. Posteriormente, denoto el impacto de ese primer momento, manifestado en la disociación de la autopercepción tanto física como psíquica, originando el cuerpo dolor-culpa. Y en el último momento, busco resignificar y sobrepasar el estado dual entre el señalador y el cuerpo que padece, a través de la escucha de la auténtica voz de mi cuerpo. A partir de este proceso de resignificación, expongo cómo surgió el espacio que posibilitó esas nuevas miradas hacia lo que antes me inmovilizaba y que ahora es materia de creación, tanto artística como pedagógica. (Texto tomado de la fuente). The question about how I inhabit and have inhabited my body has been a reflection and a constant search, in the midst of corporeal experiences such as dance, drawing and certain spiritual paths that allow it to be a means of understanding and awareness of my humanity. Inhabiting the body -fully- in a normative collective environment, which tends to delimit and deny subjectivities, which seeks to lead bodies to comply with certain forms, manners and feelings, through a process of markings, is a challenge. chimerical. For that reason, I take the notion of indiscipline as the question and the constant reflection on what is taken for granted in education, in this case the body, but not as opposition or combative act without just cause to a counterpart. From this perspective, I capture my corporeal experience as a subject-classroom, through three moments: in the first, I narrate specific events that determined the process of forming myself in the midst of signaling as a normative and disciplinary device. Subsequently, I denote the impact of that first moment, manifested in the dissociation of both physical and mental self-perception, originating the tension body and the pain-guilt body. And at the last moment, I seek to give new meaning and overcome the dual state between the pointer and the body that suffers, through listening, active observation and finding the authentic voice of my body. Starting from this process of redefinition, I explain how the space that made these new views possible towards what before immobilized me and which is now a matter of creation, both artistic and pedagogical, arose. Maestría Magíster en Educación Artística Arte y política

Esta propuesta artística-pedagógica se centra en los géneros de la intimidad, más concretamente en los diarios de artista. Estos pueden ser conocidos como libros de artista, pero se mostrarán desde una perspectiva menos academicista y más personal. La actividad se centrará en la materialización de las emociones a través de la escritura y posteriormente será plasmado desde un punto de vista más ligado a las Bellas Artes (o al menos con lo que se suele asociar), como puede ser un dibujo, una escultura, pintura… Los sujetos que realizarán la actividad oscilarán entre los 22-23 años, alumnos de la Universidad Complutense de Madrid de Bellas Artes, situado en Madrid. Se enfrentarán a una propuesta artística basada en el individualismo dentro de un entorno colectivo (en un espacio público educativo). Las actividades se resolverán en el momento para evitar el sobre trabajo al que están sometidos diariamente (se usará como vía de escape, una solución a la evasión de la realidad y una conexión diferente con su entorno y con el interior).

Las bibliotecas financiadas con dinero público, independientemente de la institución en la que estén insertas, deberían tejer una red de atención a toda la ciudadanía. Por otro lado, el arte y la investigación basada en prácticas artísticas representan unas herramientas poderosísimas para crear bibliotecas colaborativas, centradas en sus públicos y en las comunidades a las que atienden. Esta idea de biblioteca va unida a la de edición expandida en la que la creación de textos, su lectura, se entrelaza con acciones que implican cuerpos, exposiciones, instalaciones y programación de charlas y talleres. A partir de esas premisas, llevamos 8 años trabajando para convertir la Biblioteca de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid en una obra de arte colectiva e inacabada.

Presentamos un taller performativo en el que cuatro métodos creados de forma independiente por cada autor en su espacio académico van abriendo significados y posibilidades entre ellos provocadas por las sugerencias, afectos y respuestas que se van proponiendo de forma colectiva. El resultado no es un método universal y prescriptivo que encierra el acto de enseñar, aprender o investigar en las inercias de lo ya vivido, ya pensado, ya sentido, sino que es un método diverso, vivo, entreabierto y poroso que posibilita y adquiere nuevos sentidos en lo diálogos intersubjetivos docente-docente; docente-discente, discente-discente. Consideramos que los métodos en Educación Artística deben permitir recorridos metodográficos subjetivos que posibiliten lo poético sin dejar de “servir” a su propósito académico de investigar, enseñar, aprender arte., We present a performative workshop in which four methods created independently by each author in their own academic space open up meanings and possibilities among them, provoked by the suggestions, affections and answers that are proposed collectively. The result is not a universal and prescriptive method that encloses the act of teaching, learning or researching in the inertias of what has already been experienced, already thought, already felt, but it is a diverse, alive, open and porous method that makes possible and acquires new meanings in the intersubjective dialogues teacher-teacher, teacherdiscussant, student-discussant. We believe that methods in Art Education should allow subjective methodological paths that enable the poetic without ceasing to “serve” its academic purpose of researching, teaching, learning art., (PID2019-109990RB-I00) Ministerio de Ciencia, Innovación y Universidades

Ciudad Real, tesoro oculto es un proyecto que consiste en el diseño y la realización de una colección (28 looks) de moda comunicativa y promocional de Ciudad Real, localidad manchega que celebra en 2020 el VI centenario de su fundación, y en su posterior exposición. Busca representar a la ciudad utilizando códigos visuales que simbolicen su identidad: su pasado, su presente, su arquitectura, sus valores, sus gentes, etc. La colección también quiere ser un símbolo de una ciudad contemporánea y comprometida con su entorno social. Por eso, se trabaja principalmente con industrias locales y de cercanía geográfica, para valorizarlas. Los looks que componen la colección se desarrollan tanto para género femenino como masculino; las prendas no tienen un carácter de producción comercial y se elaboran con el modelo de slow fashion: prendas de alta calidad y trabajadas de forma sostenible. Esta iniciativa surge porque el Ayuntamiento de Ciudad Real busca proyectos innovadores que promocionen la ciudad en el exterior, más allá de sus fiestas locales y tópicos, mostrándola como una capital actual comprometida con sus gentes y su tiempo. La colección realizada se presentó en un desfile que se llevó a cabo el 24 de julio de 2021 en el Museo Municipal del Quijote de Ciudad Real. Posteriormente los looks realizados, junto con una explicación del proceso creativo necesario para su dise o y construcción, se expusieron en el mismo museo hasta el 29 de agosto del 2021.

Presentamos un taller performativo en el que cuatro métodos creados de forma independiente por cada autor en su espacio académico van abriendo significados y posibilidades entre ellos provocadas por las sugerencias, afectos y respuestas que se van proponiendo de forma colectiva. El resultado no es un método universal y prescriptivo que encierra el acto de enseñar, aprender o investigar en las inercias de lo ya vivido, ya pensado, ya sentido, sino que es un método diverso, vivo, entreabierto y poroso que posibilita y adquiere nuevos sentidos en lo diálogos intersubjetivos docente-docente; docente-discente, discente-discente. Consideramos que los métodos en Educación Artística deben permitir recorridos metodográficos subjetivos que posibiliten lo poético sin dejar de “servir” a su propósito académico de investigar, enseñar, aprender arte. We present a performative workshop in which four methods created independently by each author in their own academic space open up meanings and possibilities among them, provoked by the suggestions, affections and answers that are proposed collectively. The result is not a universal and prescriptive method that encloses the act of teaching, learning or researching in the inertias of what has already been experienced, already thought, already felt, but it is a diverse, alive, open and porous method that makes possible and acquires new meanings in the intersubjective dialogues teacher-teacher, teacherdiscussant, student-discussant. We believe that methods in Art Education should allow subjective methodological paths that enable the poetic without ceasing to “serve” its academic purpose of researching, teaching, learning art. (PID2019-109990RB-I00) Ministerio de Ciencia, Innovación y Universidades

Descripción del proyecto. Tal y como se describe en su página web, el proyecto Deslizar arrancó como proyecto de formación de profesorado en centros, investigación y residencias artísticas en el aula, basado en la cocreación entre: profesionales del Prado especializados en formación e investigación en arte y educación, profesorado de seis centros educativos públicos (cuatro de Primaria y dos de Secundaria y Bachillerato), artistas y estudiantes universitarios de Educación, que han trabajado juntos con el objetivo de idear y producir recursos artísticoeducativos (preferentemente en formato digital) que luego se implementaron con el alumnado, estudiantes de Primaria, ESO y Bachillerato, que a su vez han sido parte del proceso de cocreación. En el cruce de estos contenidos con los objetivos de desarrollo sostenible (ODS) se diseñaron los ejes conceptuales que han enmarcado el trabajo: Escucha y comunicación. Ecología y sostenibilidad. Cuerpo, espacio y creación. Etnoeducación y género. Para la producción de estos recursos se ha contado con el apoyo de profesionales del Museo especializados en formación e investigación y nuevas tecnologías aplicadas a la educación. Los resultados se han recogido en seis herramientas interactivas que permiten compartir estos procesos con todo el profesorado interesado. Intro a la investigación EL proyecto Deslizar se presenta como experiencia piloto en el que la diversidad de los agentes que intervienen (Museo y sus profesionales de la educación y la mediación, artistas, docentes, investigadoras y alumnas de la Facultad de Educación) le confiere una complejidad directamente relacionada con la conexión entre los mismos, lo que sin duda ha resultado ser un reto para esta investigación. A través de un proceso de cocreación que utiliza la práctica artística contemporánea como vehículo de aprendizaje y estrategia para vincular la colección del Prado con los ODS del horizonte 2030, el proyecto activa aprendizajes significativos para todos los agentes, centrando sus objetivos en la formación del profesorado y la accesibilidad al museo, el arte, y otras formas de aprendizaje enfocadas a un alumnado procedente de contextos socioeconómicos caracterizados por la diversidad cultural y la falta de recursos. Todo el proceso, además, se materializa en una serie de recursos digitales disponibles en su página web para el profesorado interesado. Con este panorama, y como bien articula el propio título del proyecto, la investigación se “desliza” hacia lo que algunos autores/as han denominado un enfoque postcualitativo, lo que significa un desplazamiento de las metodologías cualitativas a espacios más abiertos e imaginativos que, más allá de generar hipótesis que dirijan la investigación hacia respuestas preconcebidas y quizá sabidas, dejen aflorar potenciales preguntas y respuestas no imaginadas. En definitiva, la perspectiva postcualitativa gira en torno al concepto de lo que surge y sucede en el proceso. No se parte de una hipótesis sino de una actitud de descubrimiento. Desde este posicionamiento, el resultado de la investigación requiere ser expuesto a partir de una contextualización que pueda situarlo entre las acciones y proyectos que se desarrollan en los principales museos del territorio español. Si bien este análisis no es exhaustivo, sirve para establecer las aportaciones y diferencias de Deslizar, entre las que destaca el concepto de cocreación implementado, que ha adquirido un carácter dominante de metodología, tal y como se desarrollará en las conclusiones y el espacio para el profesorado ha sido especialmente relevante. Se suman a esas aportaciones la incorporación de alumnas de la Facultad de Educación, como un agente híbrido entre la investigación, el aprendizaje y la colaboración, con una clara intención de afecto, vínculo y escucha, lo que aporta a esta investigación una mirada muy genuina. Tal complejidad de agentes e interacciones ha requerido el empleo de varias herramientas de investigación, previstas e imprevistas: cuadernos de campo, cuadernos inspiradores, cartografías y grupos de discusión, de las cuales no solo se extrae información, también se visibiliza el modo en que esta es expresada, al objeto de contrastar aquello que la investigación entiende, y la fuente de la que lo extrae. En el caso de las cartografías, esa información está protagonizada por imágenes comentadas por sus autores y, cuando se trata de los grupos de discusión, a través de “vervatims” (partes del diálogo) y, si es el caso, de los apuntes directos de los cuadernos de campo. Todo ello es una forma de hacer transparentes los fundamentos de las conclusiones de la investigación. Coherentemente con una investigación abierta a lo emergente, que permita poner en valor los resultados, los grupos de discusión se presentan como una herramienta necesaria durante el proceso y se diseñan sobre la base a la observación. Esta herramienta, que atraviesa una parte importante de la redacción de este informe, ha requerido llevar a cabo un análisis de términos cargados de imaginarios: museo, artista y profesorado, como un hecho que afecta a la relación de los agentes y que el proyecto ha contribuido claramente a transformar. Por otra parte, conceptos como cocreación y arte contemporáneo, han requerido de una definición previa que establezca una referencia a la hora de valorar los resultados. Todos estos conceptos han sido analizados en los agentes y han permitido exponer aprendizajes significativos y aspectos metodológicos transferibles. Es muy importante insistir en que una investigación, desde el paradigma postcualitativo, no tiene por objeto establecer hipótesis ni respuestas absolutas; más bien, debe ofrecer realidades y lecturas abiertas. De ahí que precisar términos y conceptos sea una forma de visibilizar en torno a qué se articula el análisis y la valoración de los resultados en función de los objetivos. De este modo, se facilita llevar a cabo una lectura propia, sin perder el foco, pero incorporando visiones propias que construyen un conocimiento crítico y situado. De todo este proceso, en el que se conectan diferentes fuentes de información, se concluye contestando a tres categorías: aspectos relevantes, inspiradores y transferibles. La capacidad del museo de hacer el conocimiento accesible y transformar su propio imaginario como institución, la necesidad del profesorado de formarse a través de experiencias significativas, la conciencia de los artistas acerca de la realidad de la educación y su labor, el impacto sobre el alumnado investigador de la Facultad de Educación, la cocreación como metodología, la cartografía como herramienta pedagógica, el aprendizaje transversal y el desarrollo de competencias en un alumnado dentro de un contexto desfavorecido, son algunos de los aspectos más relevantes que se han podido extraer de un proceso no exento de las dificultades inherentes a la complejidad del mismo y a su condición de proyecto piloto.

[ES] El presente trabajo que se ha llevado a cabo consta de una producción sobre la propia sensación de desconexión con la naturaleza y las consecuencias de las pérdidas de experiencias, bajo un marco teórico en el que se realiza una investigación sobre la necesidad de recuperar el contacto con nuestro entorno natural en una sociedad tecnológica, así como de sus beneficios para el desarrollo cognitivo, emocional y físico. La obra posee una base autobiográfica, una serie de autorretratos fotográficos transferidos en un tablero de madera, en los que se refleja la pérdida progresiva de las interacciones con la naturaleza. Naturaleza, conexión y sociedad son las bases de este proyecto., [EN] The present work that has been carried out consists of a production on the own feeling of disconnection with nature and the consequences of the losses of experiences, under a theoretical framework in which research is carried out on the need to recover contact with our natural environment in a technological society, as well as its benefits for cognitive, emotional and physical development. The work has an autobiographical basis, a series of photographic self-portraits transferred on a wooden board, which reflects the progressive loss of interactions with nature. Nature, connection and society are the basis of this project.

Catálogo de la exposición “Indulto Ferrándiz” (diciembre 2020 - enero 2021) en torno a la obra navideña del ilustrador Juan Ferrándiz, curada por Julio Jara y Rafael Sánchez-Mateos Paniagua, que tuvo lugar en el Monasterio de la Inmaculada Concepción de Loeches, en el marco del proyecto Impropios. Incluye e villancico “Niñito ajonjolí”. Publicación parte de la exposición “Entre canto y lomo” en torno a la obra editorial de Julio Jara, curada por Rafael Sánchez-Mateos Paniagua (16 enero 2023 - 15 febrero 2023) para la Biblioteca de Bellas Artes de la UCM.

El propósito del presente trabajo es determinar si el uso del cómic en las aulas de Educación Secundaria Obligatoria en el ámbito de la materia de Educación Plástica, Visual y Audiovisual, y su organización a través del Aprendizaje Basado en Proyectos, pueden suponer una mejora en la implicación del alumnado y por consiguiente en el desarrollo de sus habilidades gráficas. Esta propuesta surge de la problemática que hemos observado en las aulas: una falta generalizada de motivación, y dificultades en la soltura y desempeño gráfico en general. Para ello hemos realizado una investigación-acción, empleando una metodología cualitativa, a través de la cual hemos llevado a cabo durante un mes y medio un proyecto de realización de un cómic personal con 86 alumnas y alumnos de un Instituto de Educación Secundaria de la Comunidad de Madrid. Los principales resultados obtenidos han sido un aumento significativo del grado de satisfacción del alumnado, y un mejor desempeño en el alumnado que ya presentaba buena motivación con anterioridad. Sin embargo, no hemos obtenido información concluyente respecto a sus efectos en la motivación en general, ya que el alumnado que anteriormente no se implicaba en la materia ha seguido sin hacerlo. Como otros hallazgos del estudio, hemos observado que el trabajo en sesiones cortas (1 hora de clase) y autoconclusivas aporta mejores resultados en cuanto a entregas y concentración; que el trabajo técnico sobre la composición en sesiones independientes aporta una gran mejora en la calidad de los resultados finales del proyecto y que el cómic como recurso abre muchas posibilidades creativas a las personas que ya cuentan con un cierto grado de motivación por las artes plásticas.

Partiendo de diferentes elementos que unen la realidad ecosocial de los Parques Nacionales de Doñana y Las Tablas de Daimiel, el presente capítulo analiza la estética de los acontecimientos que desembocaron en la protección de Doñana por su importancia en la configuración del movimiento ecologista contemporáneo. Esa estética continúa siendo hoy la predominante en el discurso interpretativo y de uso público de nuestros espacios naturales protegidos. Comprobada la importancia de ciertos comportamientos culturales en la actual situación de emergencia ecosocial, recorremos las experiencias del proyecto "Doñana Art-Land" y de las Jornadas sobre Arte, Ecología y Uso Público de Espacios Naturales Protegidos, proponiendo la incorporación de las prácticas artísticas a la conservación, la interpretación y el disfrute de nuestros espacios naturales protegidos.

El presente ensayo intenta responder a la pregunta ¿qué es `arte¿? Partiendo de la generalidad, para terminar en una propuesta de práctica artística contemporánea con una perspectiva de género, entendido éste como una construcción social. Se presenta a la ASOCIACIÓN MAMARRACHXS QUEER (AMQ) como artista con personalidad jurídica. A lo largo del escrito, se plantean cuestiones esenciales necesarias para comprender las prácticas artísticas propuestas, como son los elementos espectador, arte de acción y de transformación social, arte y asociacionismo o archivo. Para ello se expondrán diferentes artistas y ejemplos que acompañarán las tesis principales. Finalmente, se proponen las prácticas artísticas desarrolladas por AMQ, centradas en valores de identidad de género y cuestiones LGTBIQ vinculadas a metodologías de intervención social., The purpose of this paper is to answer the fo-llowing question, what is art? Firstly, starting with commonality and ending with the proposal of contemporary artwork touching on gender perspective that is defined as a social cons-truction. This is presented to the Asociación Mamarrachxs Queer - AMQ (Outlandish Queer Association) as artists of legal character. Throughout this paper, necessary essential issues are proposed to understand the artistic work proposals such elements as the viewer, action art and social transformation, art, and associationism or archive. For this reason, di-fferent artists and role models will be show-cased that serve the main thesis. Finally, it is proposed that artistic works conducted by AMQ are centered around values of gender identity and LGTBIQ issues related to social intervention methodologies., Universidad Pablo de Olavide

Aquí desarrollamos los que entendemos son algunos de los aportes que el concep-to de praxis artística nos brinda para asumir la educación artística. Ponemos el foco en dos de ellos: en la relevancia del propio concepto de praxis para abordar la educación; y en la importancia de considerar los tres elementos que integran la praxis artística: la creación, la obra de arte y la recepción, revalorizando la importancia de esta última. Estos ejes son una muestra de la fertilidad de este concepto para ampliar la mirada y diseñar propuestas educativas integrales. A su vez, nos permite reconocer a la crea-ción como posibilidad y condición del ser humano y colocar como uno de los objetivos de la educación artística el promover su generalización a toda la población

En este segundo número de Cuadernos de dibujo y poesía, hemos propuesto un trabajo con el poemario “La Lengua de los otros” de José Ramón Ripoll, al que damos las gracias por permitirnos trabajar con sus poemas.

En la base del paradigma mente-cuerpo se lleva a cabo un estudio de caso de un grupo de profesoras de una escuela pública de Madrid, un primer estudio exploratorio que se pregunta por el estado socioemocional durante el curso escolar 2020-21 ante un año escolar que se desarrolla en medio de la pandemia COViD-19. Además, se lleva a cabo un diseño metodológico para acercarnos a esta cuestión desde una mirada multimodal, tomando información desde diferentes fuentes e incluyendo el arte, la arteterapia y la creación como parte central de la investigación. Los resultados se analizan y se interconectan de forma holística para abrir nuevas preguntas que permitan ampliar la perspectiva sobre aquellos posibles aspectos impactados por la situación de pandemia dentro de la escuela.

Actas del III Congreso Internacional de Música y Cultura para la Inclusión y la Innovación: Facultade de Ciencias da Educación, Universidade da Coruña, días 27, 28 y 29 de mayo de 2021 En este trabajo se analiza la puesta en práctica de una propuesta formativa para alumnado universitario basada en proyectos de creación artística. Dicha propuesta se dirige a estudiantes de 4º curso del Grado en Maestros/as de Educación Infantil y presenta la novedad de que se concibe la materia como un proyecto en sí mismo. Desde una educación artística integral que estimula la exploración de lo sensorial y el aprendizaje experiencial, se propone al alumnado una vía formativa que combina sesiones performativas, talleres de experimentación, debates y discusiones y el diseño e implementación de acciones en un contexto real gracias a la colaboración interinstitucional. A través de un estudio de caso a lo largo de cuatro cursos académicos, se recopilaron diferentes evidencias que permitieron analizar el grado de aceptación e interés del programa. La investigación sugiere que desde la formación inicial del profesorado se deben impulsar acciones formativas que faciliten la comprensión de los contenidos interrelacionaos, la utilización de materiales atractivos y ricos que permitan su manipulación y exploración sensorial, la autonomía de los estudiantes, y la puesta en práctica en contextos reales de las experiencias llevadas a cabo en las aulas universitarias más allá del período de Prácticum This article analyses the implementation of a formative programme for university students whose education is based upon Arts projects. This programme is addressed to 4th Year students of the Teacher Training in Early Childhood degree and introduces the novelty that the subject is designed as a project in itself. From an integral Arts education that stimulates sensorial exploration and experiential learning, an educational path that combines performative sessions, exploration workshops, discussins and the design and implementation of actions in a real context thanks to inter-institutional collaboration, is offered to students. Through a case study during four academic years, different evidences that have allowed the analysis of the degree of acceptance and interest the programme have been analysed. This study suggests that in initial teacher training programmes that promote the comprehension of interrelated contents, the use of attractive and rich materials that allow their manipulation and sensorial exploration, students’ autonomy and the implementation in real contexts of the experiences carried out in the university classrooms beyond placements, must be promoted

Primer capítulo de introducción de la publicación “Traducir un bosque”, editada y coordinada por Santiago Morilla y publicada por la Diputación de Granada (2021): Los estudios y experimentos sobre comunicación entre plantas nos indican que todos los seres vivos nos relacionamos dentro de un complejo tejido de interdependencias que nos afectan de manera simbiótica, más allá de lo que los humanos podemos ver u oír, o siquiera creemos saber sobre ellas. Es más, pese a que la biomasa planetaria está esencialmente por plantas, siguen siendo las grandes desconocidas en nuestra cotidianeidad antropocéntrica. Desde este planteamiento, el proyecto “Traducir un bosque” pretende, con ayuda de la mediación tecnológica, hacer perceptible aquello que no vemos ni oímos, que ni siquiera sabemos o creemos saber sobre las plantas. “Traducir un bosque” despliega un sistema experimental de interacción simbólica entre humanos y plantas; una red que nos invita a considerar que no somos únicamente espectadores, sino cocreadores de la realidad que compartimos con el ecosistema vegetal, pero cuyos datos necesitan ser traducidos y acotados para ser –de nuevo– reobservados y reinterrogados desde otro lugar para la convivencia multiespecie.

Doce prólogos para doce libros que no existen. Audio-edición del texto mediante código QR. Publicación parte de la exposición “Entre canto y lomo” en torno a la obra editorial de Julio Jara, curada por Rafael Sánchez-Mateos Paniagua (16 enero 2023 - 15 febrero 2023) para la Biblioteca de Bellas Artes de la UCM.

Enmarcado dentro un nuevo paradigma que entiende al ser humano como una unidad mente-cuerpo indisociable, el objetivo de esta investigación fue diseñar y validar un instrumento de observación y registro de la corporeización de las/los clientes en arteterapia, que permita realizar una práctica más holística integrando la emoción, la cognición y el cuerpo en el desarrollo de los talleres. El proceso se llevó a cabo en cuatro fases, donde se realizó una revisión sistemática de la literatura, un grupo focal y observaciones no sistemáticas con dos casos, lo que permitió la construcción de un instrumento inicial que luego fue validado a través del juicio de expertas. La versión final del instrumento se sustentó por medio de la teoría, explicando cada uno de sus ítems y cómo se podrían analizar en la práctica. Debido a las limitaciones de tiempo y de acceso a grandes muestras, el instrumento no fue validado empíricamente, por lo que se propone como una línea futura de investigación.

Artículo presentado en el Encuentro de Centros Innovadores 25-11-20 Durante el periodo de confinamiento, el Colegio Marista Ntra. Sra. de la Fuencisla (Segovia) llevó a cabo una programación vertical, con pequeñas adaptaciones, en las áreas de Educación Plástica y Visual y Música de Educación Primaria. Se pretendía trabajar los contenidos de las áreas de una forma común, potenciando la creatividad y la creación artística como ejes fundamentales de la programación durante los meses de confinamiento. A su vez, se intentó facilitar a las familias con varios hijos en la etapa la organización de las tareas escolares, ya que los alumnos podían entregar la tarea juntos. En Educación Plástica y Visual, se trabajaron cuatro autores (Franz Mark, Yayoi Kusama, Vincent Van Gogh y un autor elegido por cada alumno). El trabajo se organizaba cada dos semanas. La primera tarea consistía en buscar información del pintor, sus obras principales, etc. La segunda tarea (en la segunda semana) consistía en la realización de una obra inspirada en ese artista. Desde Música se planteó un proyecto para segundo ciclo de primaria: crear un cuento musical. Para ello, cada semana se pedía una tarea diferente: se comenzó con una reflexión sobre los instrumentos musicales, que en la siguiente semana se convertirían en los protagonistas de un cuento musical. La tercera tarea fue crear melodías, y se terminó grabando el cuento con las melodías incorporadas en los momentos elegidos por el alumnado. Artículo presentado en el Encuentro de Centros Innovadores 25-11-20 Durante el periodo de confinamiento, el Colegio Marista Ntra. Sra. de la Fuencisla (Segovia) llevó a cabo una programación vertical, con pequeñas adaptaciones, en las áreas de Educación Plástica y Visual y Música de Educación Primaria. Se pretendía trabajar los contenidos de las áreas de una forma común, potenciando la creatividad y la creación artística como ejes fundamentales de la programación durante los meses de confinamiento. A su vez, se intentó facilitar a las familias con varios hijos en la etapa la organización de las tareas escolares, ya que los alumnos podían entregar la tarea juntos. En Educación Plástica y Visual, se trabajaron cuatro autores (Franz Mark, Yayoi Kusama, Vincent Van Gogh y un autor elegido por cada alumno). El trabajo se organizaba cada dos semanas. La primera tarea consistía en buscar información del pintor, sus obras principales, etc. La segunda tarea (en la segunda semana) consistía en la realización de una obra inspirada en ese artista.Desde Música se planteó un proyecto para segundo ciclo de primaria: crear un cuento musical. Para ello, cada semana se pedía una tarea diferente: se comenzó con una reflexión sobre los instrumentos musicales, que en la siguiente semana se convertirían en los protagonistas de un cuento musical. La tercera tarea fue crear melodías, y se terminó grabando el cuento con las melodías incorporadas en los momentos elegidos por el alumnado.

Título, resumen y palabras clave también en inglés Resumen basado en el de la publicación Se explica la pedagogía de la performance aplicada en el ámbito de la Educación Artística dentro de la Educación Secundaria Obligatoria (ESO). Se trata de una serie de prácticas que fusionan la igualdad, la diversidad sexual y de género, la producción artística y corporal y el uso de las redes sociales (YouTube, Instagram, Blogs …) bajo una perspectiva feminista y de la teoría queer con intención de cambio social en el ámbito educativo. Se presentan ejemplos realizados por alumnado de los dos grupos de 3º ESO del IES Marjana de Chiva (Valencia) a lo largo de los cursos 2018-19 y 2019-2020. Se estructura a partir de 4 planteamientos: 1) aproximación teórica a todos los elementos y conceptos que intervienen en la pedagogía de la performance y en las dinámicas relacionales; 2) visualización y análisis de imágenes y vídeos de artistas y performers; 3) realización de ejercicios corporales propios de la pedagogía de la performance y de la dinámica relacional; 4) trabajar en equipo y diseñar performances que incorporen la diversidad y la igualdad como elemento transversal con la finalidad de transformación social. Se plantea una metodología a través de la acción artística desarrollada con el propio cuerpo de los estudiantes con el fin de promover el trabajo por competencias, la creatividad, la autoestima, la empatía, la convivencia, el trabajo en equipo, el pensamiento crítico, y toda una serie de valores y políticas inclusivas relacionadas con la igualdad y principalmente con la diversidad sexual y de género. ESP

Título, resumen y palabras clave también en inglés Resumen basado en el de la publicación En el contexto de la pandemia de la COVID-19 y con la nueva ley educativa (LOMLOE), se reflexiona sobre la importancia de las artes y su educación como motor de cambio social, así como el nuevo marco social en el que se insertan: la postdigitalidad. Las tecnologías y dispositivos digitales han evidenciado una hibridez entre los límites físicos y digitales, dos contextos íntimamente interrelacionados. La educación, al igual que las artes y su práctica educativa, se nutre de estos espacios y modos de hacer y es necesaria una mirada crítica hacia las posibilidades y retos que presentan. Así, surge el concepto de intercreatividad. La práctica intercreativa, desde una concepción educativa crítica, reconoce la concepción artística como un recurso pedagógico en el aula que favorece el pensamiento crítico y la acción participativa y democrática. La intercreatividad es una práctica artística y una estrategia educativa a través de la creación colectiva que focaliza su atención en la mejora y en el cambio social ya que fomenta la resolución de conflictos y la tolerancia. ESP

This article presents the results of an investigation focused on the analysis of the influence that the realization of a service-learning experience has on the development of motivation towards arts education of secondary school students. The study took as the axis of inquiry a project carried out in the paediatric area of a Primary Health Care Centre. The general objective was to explore the motivational aspects of art education students in order to determine whether their level of appreciation of artistic activity increased after the development of a project. To this end, a series of specific objectives were deployed, focused on finding out the evolution of interest in the area during the project, studying the factors that trigger student motivation, understanding the operability attributed by the students to the artistic content and finding out the significance of the learning acquired. The case study was used as the research methodology, and document analysis, observation, interviews and discussion groups were used as strategies for gathering information. From the findings obtained, it is concluded that service-learning is a relevant pedagogical scenario. The results obtained allow for the improvement of the capacity to systematise the processes of artistic creation through the understanding of the operability of the contents and significance of its learning. The experience helped them to have a favourable attitude towards learning the contents of the subject and to have a greater interest in art education. The participants felt more motivated, either because they enjoyed the group learning environment, the artistic content of the project or because of its final applicability in a real environment. The students were actively involved in the learning process, showing curiosity, interest and determination. Este trabajo presenta los resultados de una investigación centrada en el análisis de la influencia que tiene la realización de una experiencia de aprendizaje-servicio en el desarrollo de la motivación hacia la educación artística del estudiantado de secundaria. El estudio tomó como eje de indagación un proyecto llevado a cabo en la zona pediátrica de un Centro de Salud de Atención Primaria. El objetivo general fue explorar los aspectos motivacionales de los estudiantes de educación plástica para determinar si su nivel de valoración de la actividad artística aumentó tras el desarrollo de un proyecto. Para ello se desplegaron una serie de objetivos específicos centrados en conocer la evolución del interés por el área durante la realización del proyecto, estudiar los factores que desencadenan la motivación del alumnado, comprender la operatividad que atribuyeron los discentes a los contenidos artísticos y conocer la significación de los aprendizajes adquiridos. Se utilizó el estudio de caso como metodología de la investigación y el análisis de documentos, observación, entrevistas y grupos de discusión como estrategias de recogida de información. A partir de los hallazgos obtenidos se concluye que el aprendizaje-servicio conforma un escenario pedagógico pertinente Los resultados alcanzados permiten para para la mejora de la capacidad para sistematizar los procesos de creación artística por medio de la comprensión de la operatividad de los contenidos y significación de sus aprendizajes. La experiencia les ayudó a tener una actitud favorable para aprender los contenidos de la asignatura y tener un mayor interés por la educación plástica. Los participantes se sintieron más motivados, ya fuera porque disfrutaron del entorno de aprendizaje grupal, el contenido artístico del proyecto o por su aplicabilidad final en un entorno real. Los discentes se involucraron activamente en el aprendizaje, mostrando curiosidad, interés y constancia.

Edición-guión de la performance “Sueño contigo” de Julio Jara, en el marco de la exposición “Miguel Benlloch Ensayos sobre lo cutre. Lecturas del Archivo Miguel Benlloch” (IVAM, 11 nov. 2021 – 01 may. 2022) curada por Alejandro Simón, Joaquín Vázquez y Mar Villaespesa.

Cancionero del coro del Monasterio de la Inmaculada Concepción de Loeches. Canciones y letras compuestas por Julio Jara e interpretadas por la comunidad de impropios y afines. Incluye códigos QR para escuchar las canciones. Publicación parte de la exposición “Entre canto y lomo” en torno a la obra editorial de Julio Jara, curada por Rafael Sánchez-Mateos Paniagua (16 enero 2023 - 15 febrero 2023) para la Biblioteca de Bellas Artes de la UCM.

[EN] This article wants to expose an own artistic research methodology through a particular path, which serves the students in their training as a process of artistic creation and search. The own methodology that is presented as an example to follow is «Art and mysticism in the XXI century. Artistic creation as an approach to spirituality¿, which serves as a didactic and methodological example of research in the arts within my own teaching. An example that allows me not only to motivate students, but later to take them to an artistic practice, the laboratory., [ES] El presente artículo quiere exponer una metodología de investigación artística propia a través de un camino particular, que le sirve al alumnado en su formación como un proceso de creación y búsqueda artística. La metodología propia que se presenta como ejemplo a seguir es «Arte y mística en el siglo XXI. La creación artística como una aproximación a la espiritualidad», que me sirve de ejemplo didáctico y metodológico de investigación en las artes dentro de la docencia propia. Un ejemplo que me permite no solo motivar al alumnado, sino más tarde llevarlo a una práctica artística, el laboratorio.

En el año 2010 se realizó en el MUSAC Primer PROFORMA con el objetivo de responder a las siguientes cuestiones: “¿Sería posible una historia de los procesos propios del arte? ¿En qué lenguaje se plasmaría esa historia?”. El proyecto, a cargo de Txomin Badiola, Jon Mikel Euba y Sergio Prego, suponía un intento por situar la técnica en el centro de la producción, el análisis y la recepción del hecho artístico. Partiendo de la propuesta de que solo a través de la técnica sería posible conocer el arte, o “el funcionamiento y potencial de los procesos creativos en el arte”, pretendo cuestionar las formas de comunicar ese saber artístico por medio del lenguaje discursivo y el texto. Un TFM sobre escribir las prácticas artísticas. ¿De qué modo hay que violentar el texto para que pueda reflejar algo sobre la naturaleza del hecho artístico? ¿Se puede describir la técnica? Para dar respuesta a estas preguntas, planteo un estudio de los modos en los que PROFORMA se ha dicho, se ha registrado o se ha explicado, poniéndolo en relación con los debates sobre investigación artística en el ámbito académico y las categorías que los atraviesan. Planteo, ante todo, un estudio sobre cómo yo digo Primer PROFORMA, situando la técnica de la investigación en el centro de la misma.

[ES] El pensamiento es una construcción que se va formando a través de la enseñanza y la experiencia. Unas creencias que vamos tejiendo a lo largo de nuestra formación y llevamos cual mochila en el día a día. Nosotros como investigadores y docentes podemos y debemos ayudar en esa construcción para lograr la tolerancia y solidaridad que favorezca el respeto hacia los demás. Educar en género y diversidad significa implicarse en un empeño para lograr un cambio en la visión, en la mirada y en la actitud que repercuta directamente en la sociedad actual, y sea el germen del cumplimiento real de los derechos humanos. En este aprendizaje es primordial identificarse y reconocerse, para poder reconocer e identificar a los demás. Este artículo muestra la necesidad de generar conciencia del cuerpo y plantea la importancia del arte como medio de introspección e identificación que permite ese reconocimiento. Dentro de la educación artística, tomar conciencia del cuerpo supone acciones y representaciones dirigidas a la forma de cubrirlo o protegerlo, a la manera de mirarlo, a su construcción y a su reivindicación. Para ello revisaremos la labor de mujeres artistas que, a través de su creación, lo han hecho visible desde otra perspectiva y han logrado generar una conciencia de la situación actual de la mujer. Todas ellas contribuyen al cambio de su imagen, a la transformación de esta mirada y construyen una nueva visión, [EN] Thought is a construction that is formed through teaching and experience. Some beliefs that we weave throughout our training and we carry like a backpack on a day-to- day basis. We as researchers and teachers can and must help in this construction to achieve tolerance and solidarity that favors respect for others. Educating in gender and diversity means getting involved in an effort to achieve a change in vision, outlook and attitude that has a direct impact on today¿s society, and is the germ of the real fulfillment of human rights. In this learning it is essential to identify and recognize yourself, to be able to recognize and identify others. This article shows the need to generate awareness of the body and raises the importance of art as a means of introspection and identification that allows this recognition. Within artistic education, becoming aware of the body involves actions and representations aimed at the way of covering or protecting it, the way of looking at it, its construction and its vindication. For this we will review the work of women artists who, through their creation, have made it visible from another perspective and have managed to generate an awareness of the current situation of women. All of them contribute to the change of its image, to the transformation of this look and build a new vision

Publicación parte de la exposición “Entre canto y lomo” en torno a la obra editorial de Julio Jara, curada por Rafael Sánchez-Mateos Paniagua (16 enero 2023 - 15 febrero 2023) para la Biblioteca de Bellas Artes de la UCM.

He de empezar diciendo que tengo astigmatismo en el ojo izquierdo y por eso pongo el foco en distintos puntos a la vez. Nunca muy bien del todo. Aquí intento investigar modos de hacer, modos de no-hacer, procesos, obra y deseos tanto de algunas compañeras del MIAC como míos. También los diferentes tipos de saberes que tienen lugar (y los que no tienen). El primer capítulo consiste en mirarnos al espejo, pero no como hacen los críticos de arte (todas sabemos que a los críticos les encanta cenar a solas delante de un espejo), sino rompiéndolo y clavándonos un trozo para vernos dentro. La parte central nos la encontramos en obras. Mientras que la tercera podría ser una conversación. Esta estructura no es tanto un sandwich como una masa de pan; una masa madre que puede devenir en algo. El conjunto del libro aporta un relato (más cercano al asterismo que a la constelación) de nuestras prácticas.

Finalizado el contrato (nº expte. 4156635), para el Asesoramiento científico-técnico para la documentación, recopilación y digitalización de materiales artísticos y evidencias de los diseños, intervenciones y proyectos de “Arte y Salud” de la Dirección General de Prevención y Promoción de la Salud (DARSA), llevado a cabo entre los años 2017 y 2018, por la Universidad Complutense de Madrid para Madrid Salud, se dispone de documentación, datos y evidencias sobre el impacto del arte en los diferentes programas y también en la percepción del arte como herramienta al servicio de la promoción de la salud y la salud comunitaria. Este contrato ha revelado la intensa actividad y además ha visibilizado una producción artística propia generada en las intervenciones, talleres, actividades y propuesta. Esta producción artística propia ha sido documentada y organizada digitalmente en varios formatos para su difusión (línea de tiempo, fichas de registro, banco de imágenes, artículos académicos, comunicaciones en congresos y reuniones científicas, etc.). Al tratarse de producción artística, se considera necesario la gestión de esta para que pueda ser expuesta y visible en diferentes contextos. Por ello, la propuesta de una “Colección Arte y Salud” pretende generar una colección susceptible de ser expuesta en los propios espacios y centros de Madrid Salud, así como ser prestada para su exposición en otros contextos o espacios (museos, galerías, instituciones culturales, sociales o sanitarias). La tarea de comisariado de la “Colección Arte y Salud” se concibe como una selección de la producción artística generada en el proyecto Arte y Salud, con un discurso y justificación que acompañe a las obras. El profundo conocimiento de los fondos y materiales de Madrid Salud, así como los continuos intercambios y propuestas compartidas con esta institución generan un amplio conocimiento para el desarrollo de este contrato.

Título, resumen y palabras clave en español e inglés Resumen basado en el de la publicación Monográfico con el título: “Cinco décadas después de la Ley General de Educación” Ley General de Educación, promulgada en 1970, supone la primera tentativa de normalización y regulación de la educación teatral en España, en toda su diversidad. Por un lado, la Ley sitúa la educación artística, y con una orientación expresiva, en la agenda curricular de la educación general, lo que permitirá mostrar el potencial pedagógico de un conjunto de procedimientos de carácter dramático y teatral, confirmar su legitimidad educativa, y generar desarrollos importantes en las culturas empírica y científica. Se muestran algunas líneas de trabajo especialmente relevantes en la construcción de la Historia de la Educación teatral y de la Historia de la Pedagogía Teatral en España. ESP

El presente Trabajo de Fin de Máster explora la construcción cultural del sujeto mujer en el contexto artístico para tratar de analizar las estrategias de poder que se dan dentro de la comunidad artística universitaria. En este análisis se han revisado los distintos tipos de violencia para poder identificar las menos visibles a través de imágenes que se emplean en la formación artística universitaria y que inundan los espacios físicos y simbólicos. Las imágenes construyen un imaginario colectivo que replica de forma sistémica la violencia sobre la mujer. Esta violencia se infringe en acciones que van desde la elección del profesorado que aparecerá en la orla, hasta el recipiente en el que sirven café. Durante toda la investigación, se ha tratado de enlazar la revisión crítica de la historia con datos de actualidad para tratar de entender los comportamientos generalizados que se dan en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid y que motivaron esta investigación que reclama, amparada por la ley vigente, la inserción de perspectiva de género de forma transversal en todos sus estudios.

Edición-guión de la performance “Propongo errar” en el marco de la exposición 'Insistir en el mateix: tornar sobre una presència suggerida', curada por Ángel Calvo Ulloa (Espai D’Art Concemporani de Castelló, 31 de octubre de 2019 al 16 de febrero de 2020). Publicación parte de la exposición “Entre canto y lomo” en torno a la obra editorial de Julio Jara, curada por Rafael Sánchez-Mateos Paniagua (16 enero 2023 - 15 febrero 2023) para la Biblioteca de Bellas Artes de la UCM.

El presente Trabajo de Fin de Máster parte del interés personal por explorar y generar conocimiento teórico/práctico en torno a posicionamientos feministas orientados desde la interseccionalidad, y planteados bajo los términos de Posfeminismo, Transfeminismo, o Xerofeminismo. Pretendemos con ello abrir espacios de representación otros. Se trata, por tanto, de feminismos inclusivos que implican dar visibilidad a las disidencias sexo/genérica, la capacitación, o la raza, factores que sitúan en la subalternidad a las “minorías” que han sido excluidas recurrentemente de la representación hegemónica patriarcal. Con este objeto, se toma como marco geográfico y temporal la escena contemporánea del estado español que, a partir de los contextos artísticos y académicos, permite analizar el ámbito simbólico en el que se inscribe esta investigación.

El catálogo de la exposición Aedes arboribus ecosystem-UCM.La pintura como aprendizaje servicio de los sistemas arbóreos", tiene como objetivo mostrar una pequeña selección de los estudios realizados por los alumnos del grado en Bellas Artes que han estado vinculados desde sus asignaturas correspondientes al proyecto Innova 137: “La pintura como instrumento aprendizaje-servicio de los ecosistemas arbóreos en la Avd. Complutense”. Así mismo recoge la reflexión teórica de los docentes e investigadores participantes. Responsable del proyecto y edición del vídeo Paloma Peláez Bravo.

El artículo narra el proyecto realizado llevado a cabo en colaboración con el Museo de la Medicina Infanta Margarita acerca de su colección de fonendoscopios, desde la asignatura Tecnologías Digitales del Grado en Arte.

Esta tesis doctoral resume el trabajo de investigación realizado por una profesora de Educación plástica y visual en la ESO durante ocho años de investigación, en los que se utiliza como método didáctico la performance artística.Defiende el uso de esta herramienta artística como metodología didáctica adaptada para la comprensión y el acercamiento hacia el arte contemporáneo por alumnos adolescentes, que es el problema inicial encontrado que genera toda la investigación. Explica las relaciones encontradas entre el proceso adolescente y el proceso creativo de la performance.Se plantean nuevos perfiles del profesor posmoderno en educación plástica, así como nuevas maneras de diseñar metodología innovadora. Toda esta investigación se sitúa en un marco teórico claramente posmoderno, que se ha ido confeccionando a medida que la profesora investigadora avanzaba en sus prácticas docentes. Estas prácticas se han ido revisando a medida que se trabajaba el uso de la performance como herramienta didáctica., Departamento de Didáctica de la Expresión Musical, Plástica y Corporal

Resumen El presente artículo de reflexión dimensiona, en el ámbito de la educación artística, tres posibilidades metodológicas que se pueden desarrollar en contextos donde se adelantan programas de formación artística en cartografía social artística, investigación acción e investigación creación. El escrito explica, en una visión panorámica, algunas de las ventajas y complejidades posibles en cada una de estos tres enfoques metodológicos de investigación en el arte, para exponer finalmente la necesidad de pluralizar y ampliar la gama de posibilidades investigativas, ayudando a orientar de esta manera la construcción del conocimiento en el campo de la educación artística, a partir del ideal de la pluralización de las metodologías cualitativas, y dimensionando la posibilidad a futuro de que el arte construya su propio método de investigación. Abstract This reflection paper evaluates three methodological options in the field of arts education that can be implemented in contexts in which artistic training programs in artistic social cartography, action research and creation research are offered. It provides an overview of the advantages and possible complexities of these methodological approaches to art research. Finally, it explains the need to multiply and expand the range of research opportunities, thus helping to guide knowledge creation in arts education, from the ideal of qualitative methodology pluralization, and exploring the future possibility that art builds its own research method. Resumo Este artigo de reflexão dimensiona, no âmbito da educação artística, três possibilidades metodológicas que podem ser desenvolvidas em contextos em que são realizados programas de formação artística em cartografia social artística, pesquisa-ação e pesquisa-criação. Este texto explica, em uma visão panorâmica, algumas das vantagens e complexidades possíveis em cada uma dessas três abordagens metodológicas de pesquisa em arte, para expor, finalmente, a necessidade de pluralizar e ampliar as possibilidades de pesquisa, ajudando a orientar, dessa maneira, a construção do conhecimento no campo da educação artística, a partir do ideal da pluralização das metodologias qualitativas, e dimensionando a possibilidade, no futuro, de que a arte construa seu próprio método de pesquisa.

Esta investigación es un acercamiento a la metáfora desde el ámbito arteterapéutico. Su objetivo general es comprender la aparición de los procesos metafóricos en las intervenciones de arteterapia. Busca responder a preguntas acerca de su esencia; formas de expresión; espacio y tiempo de ocurrencia; factores que la posibilitan; consecuencias de su existencia y sujetos de creación. Este estudio revisa antecedentes desde la arteterapia y otras áreas del conocimiento. Sigue una metodología cualitativa, según el método de la Teoría Fundamentada, y analiza la experiencia de 47 personas en procesos de arteterapia. La investigación muestra que la metáfora es en esencia una expresión multimodal, que incluye lenguajes verbales y no verbales, y que se manifiesta principalmente en el momento intermedio y final de las sesiones. También, nota que su aparición se posibilita por características intrínsecas de la intervención de arteterapia y por impulsos creativos de cada participante. Además, halla que la metáfora genera dinámicas de creación, expresión, evocación, representación, descubrimiento, interpretación, transformación e interacción. Adicionalmente, el estudio encuentra que la metáfora suele ser creada por los participantes de manera individual, aunque en ocasiones también es creada colectivamente. Finalmente, abre la posibilidad a nuevas líneas de investigación a partir de sus hallazgos

CITAS SUCULENTAS #2 se realizó en enero de 2019, con la excusa de juntar a dos jueces, coleccionista y editores - Gustavo Bruzzone y Carlos Copertone- y ser testigas de su intercambio de recetas. Agradecemos la generosa hospitalidad de Carlos Copertone, por acoger este evento en su casa y la maravillosa mano de Javier Pérez Iglesias, quien preparó unas sublimes pechugas en escabeche. CITAS SUCULENTAS forma parte de las actividades que la plataforma FelipaManuela organiza en paralelo a sus programas de residencia; cuenta con el apoyo del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, a través del programa Escuela Perturbable; y la participación de MINECO (Ministerio de Economía, Industria y Competitividad) dentro del proyecto I+D, del Programa Estatal de Fomento de la Investigación Científica y Técnica: Referencia: HAR2015-64469-P, “La incorporación de las comunidades artísticas universitarias a las narraciones de la modernidad y del presente”.

Este artículo introduce un número monográfico editado por la revista Hispanismos sobre el arte en el espacio público y sus aplicaciones, alianzas, contingencias y retroalimentaciones con respecto al uso de las nuevas tecnologías. Este número da cuenta en formato académico del proyecto de investigación realizado conjuntamente entre Anne Puech y Santiago Morilla, que duró tres años, y que incluyó la organización de seminarios, conferencias e intervenciones artísticas en Francia y en España. Se recogen consideraciones léxicas en torno al termino “street art”, así como una necesaria contextualización crítica sobre su delimitación y su posible definición en el ámbito de la teoría y la práctica artística. También se revisa la actual pertinencia de los términos “arte urbano” y “arte público”, sus diferencias y sus particularidades, en relación al evidente cambio y evolución semántica que se ha producido en las últimas décadas en el área de las humanidades. Finalmente se introducen y reseñan todas las aportaciones originales de los participantes del proyecto.

El presente artículo aborda cómo desde la experiencia y práctica docente se puede mediar el conocimiento y la creación del un nuevo arte urbano que considere el concepto del procomún desde el contexto de la ciudad híbrida actual. Ahonda en la reflexión y superación de los actuales imaginarios dominantes del arte urbano, considerando su actual status de muralismo urbano, hacia una nueva agencia de las representaciones del procomún, desde el arte como constructor de sentido social en el espacio.

Resumen basado en el de la publicación Se presenta un proyecto que tiene como objetivo principal trabajar el sentido de pertenencia al grupo y las emociones a través de diferentes procesos de creación artística. Procesos que contribuyen a la formación global (emocional y cognitiva) de los niños y niñas. Elementos que, a la larga, acaban contribuyendo a la mejora del bienestar social. Se proponen diversidad de procedimientos y técnicas que rompen con la plástica más tradicional. Biblioteca del Ministerio de Educación y Formación Profesional; Calle San Agustín, 5 - 3 Planta; 28014 Madrid; Tel. +34917748000; biblioteca@educacion.gob.es ESP

La educación artística, por lo general, no suele tomar demasiada importancia en los contextos educativos; aunque en la etapa infantil, al tener un carácter más globalizador, cobra más importancia por la satisfacción sensorial que ofrece a los niños y niñas y todas las posibilidades con las que cuenta. En esta etapa están constantemente expresándose, ya sea a través de su cuerpo, de sus dibujos, trazos o de la música. Por ello, enfocar la didáctica de esta etapa educativa hacia la creación de actividades que utilicen distintos materiales y técnicas plásticas, favorece al aprendizaje conceptual de los niños., Programa de estudios conjunto de Grado en Educación Infantil y Grado en Educación Primaria

Entre 2010 y 2017 se llevó a cabo en la Universidad Complutense de Madrid un laboratorio de creación artística denominado intransit. Intransit ha sido muchas cosas en estos siete años: un laboratorio creativo, una plataforma de mediación artística, un puente entre los universitarios y los sectores profesionales del arte y la cultura, un acelerador de proyectos artísticos, una forma de conectar la universidad con la sociedad y de unir distintas facultades y áreas de conocimiento en proyectos de carácter transversal. En esta publicación hablamos de la función de la Universidad como necesaria escuela de creación. Exactamente esto quiere decir que es, o debe ser, una institución donde aprender a adaptarse a los variados entornos, a prepararse para el desarrollo de tareas vitales, donde aportar ideas nuevas y donde encauzar nuestras pasiones más signicativas. Este libro se apresta pues a reflexionar sobre la adaptación, la creación, la enseñanza.