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María Dolores Casanova Teruel fue una pintora relevante en el contexto del arte contemporáneo español desde finales de los años sesenta hasta, aproximadamente, 1988. Sin embargo, su trascendencia se ha diluido con el tiempo. Dado el carácter narrativo y autorreferencial de su producción, este artículo aspira a reconstruir su trayectoria vital mientras se mantuvo activa en el espacio público. Para ello, se efectúa un análisis del diálogo biográfico-artístico en su obra, en el que sus memorias publicadas, eje vertebrador del discurso, se confrontan con sus creaciones pictóricas. El estudio también se sustenta en entrevistas a Casanova divulgadas en prensa y en otras inéditas a sus familiares y allegados, así como en material de archivo. La investigación demostrará una correspondencia casi exacta entre los diferentes episodios e intereses de su vida, registrados en su autobiografía, y su legado. No obstante, a su vez, el examen constatará que, donde el texto de la artista «miente», pasa con aparente indiferencia u oculta determinados momentos clave de su existencia, son sus pinturas las que revelan su «yo» más íntimo, que solo puede hallarse en su plástica y no en su crónica.

En mayo de 2022, la obra de María Dolores Casanova Dama recostada fue adquirida por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Con ello, la pintora recibe un reconocimiento póstumo a su extensa producción pictórica, al tiempo que el museo cumple con su compromiso declarado de visibilizar el arte realizado por mujeres, con el fin de sustituir las miradas patriarcales, coloniales y memorialistas hegemónicas de la modernidad por enfoques feministas, decoloniales y ecologistas. La investigación que aquí se presenta consiste en un estudio riguroso y en profundidad de la pieza. Su examen pormenorizado desde el ámbito temático permitirá inscribirla en el género pictórico del autorretrato, mientras que el análisis formal e iconográfico confirmará su pertenencia a la tercera etapa estilística de su producción, que se sitúa entre 1990 y 2003, con lo que se establecerá una cronología aproximada de la misma y se determinará la modalidad de autorretrato a la que pertenece, de los tres de diferente tipología que cultivó la artista.

Este artículo consiste en un estudio de la relación profesional de Greta Garbo y Clarence Brown, su realizador más habitual en Hollywood, quien la guio en siete largometrajes —ningún otro cineasta la dirigió en más de dos— y al que la crítica y la historiografía han señalado invariablemente como su “director favorito”. Aunque a finales de los años veinte y durante la primera mitad de los años treinta el tándem Garbo-Brown se consideró el equipo más exitoso de actriz y realizador de la época, a día de hoy su asociación es prácticamente desconocida. ¿Fue Brown realmente su “director favorito”? ¿A qué se debió la reticencia de Garbo a repetir más de dos veces con un mismo cineasta? ¿Por qué permitió, en cambio, que Brown la guiará en siete films? ¿Cuál fue su éxito al dirigirla? ¿Era Garbo una actriz técnica o instintiva? ¿Fue una gran intérprete o simplemente un rostro magnífico dotado de una fotogenia excepcional? Para desvelar estos interrogantes, se han analizado de forma cronológica y en profundidad sus siete películas conjuntas, realizadas a lo largo de once años de colaboración, y se han consultado abundantes documentos del periodo y actuales, así como una entrevista inédita con el director.

Reseña del libro de Carmen Guiralt (2017). Clarence Brown. Madrid: Cátedra, Colección Signo e Imagen / Cineastas, 401 pp

El largometraje silente norteamericano The Last of the Mohicans (1920), sobre la famosa novela homónima de James Fenimore Cooper, se estrenó como co-dirigido por Maurice Tourneur y Clarence L. Brown. Tourneur era el productor y al inicio el único director, con Brown traba-jando como su ayudante. No obstante, poco después de iniciarse la filmación cayó gravemente enfermo, y Brown realizó la película casi al completo en su lugar. De ahí que Tourneur decidiera otorgar a su discí-pulo la mitad del crédito. Pese a ello, la polémica al respecto de su autoría ha rodeado siempre al film. Tal controversia surge a raíz de que The Last of the Mohicans está considerada por unanimidad como la obra maestra de Tourneur. Este artículo se centra en dicha problemática autoral, con objeto de establecer las verdaderas atribuciones de los dos directores. Para ello, previamente se ha analizado su relación profesional, que abarcó desde 1915 hasta 1921. Con posterioridad, a fin de establecer el grado de participación de cada uno de ellos, se han reconstruido los hechos relativos al rodaje a través de entrevistas de los que participaron en él (muchas de ellas hasta la fecha inéditas), así como de materiales publicados por la prensa de la época. Se ha llevado a cabo la consulta y confrontación de abundante material bibliográfico y, finalmente, el análisis plástico de las imágenes de la cinta. Abstract: The American silent film The Last of the Mohicans (1920), based on the famous homonymous novel by James Fenimore Cooper, was released as co-directed by Maurice Tourneur and Clarence L. Brown. Initially, Tourneur was the producer and the only director, with Brown being his assistant. However, shortly after shooting began he fell seriously ill. As a result, the film was almost entirely directed by Brown. Hence Tourneur decided to share the credit with his disciple. Still, the controversy concerning authorship has always surrounded the film. Such polemic arises from the fact that The Last of the Mohicans is considered unanimously Tourneur’s masterpiece. This article focuses on that authorial problematic, with the aim of determining the real responsibilities of both directors. In order to achieve this objective, their professional relationship (which spans from 1915 to 1921) has been previously analysed. Subsequently, to establish the degree of participation of each of them, the facts of the shooting have been reconstructed using interviews (many of them unpublished) from those who took part in it, as well as through contemporary trade papers. In addition, research and confrontation on extensive bibliography have been carried out. Finally, the visual analysis of the images of the film has been evaluated. Palabras clave: Maurice Tourneur; Clarence Brown; Hollywood; Associated Producers, Inc.; cine mudo. Keywords: Maurice Tourneur; Clarence Brown; Hollywood; Associated Producers, Inc.; Silent film.

El Two-Color Kodachrome fue un proceso experimental de color de la Eastman Kodak Company, inventado por John G. Capstaff (en 1913 para fotografía fija y desde finales de 1914 adaptado al celuloide), y el primer método fotoquímico de color sustractivo que se aplicó a la cinematografía. Se introdujo en un único largometraje comercial, que supuso a la vez la primera exhibición pública del sistema: The Light in the Dark (Clarence Brown, 1922). Pese a las buenas críticas, después quedó restringido a la experimentación dentro de la compañía y a cortometrajes. Este artículo examina el sistema de color en sí mismo, así como el modo en que se insertó en la película, de la que no han sobrevivido ni su negativo original ni la única copia que existió de ella en Kodachrome. Esto último se realiza a través de la confrontación de material de archivo inédito y de testimonios de pruebas en Kodachrome simultáneas al rodaje del film. Conocemos así cómo fueron las imágenes en color de la película y el estado de desarrollo exacto del sistema en 1922. Se examina también la evolución posterior del Kodachrome y su ausencia de éxito para su adopción por parte de los estudios de Hollywood. Abstract: Two-Color Kodachrome was a color experimental process from the Eastman Kodak Company, invented by John G. Capstaff (in 1913 for still photography and since the end of 1914 adapted to motion pictures), and it was the first photochemical method in a subtractive color system applied to cinematography. It was introduced in an only one commercial feature, which meant at the same time the first public exhibition of the system: The Light in the Dark (Clarence Brown, 1922). Despite obtaining good reviews, later the system was restricted to the experimentation within the company and shorts. This article examines the color system by itself, as well as the way in which the color was inserted into the film, of which neither the original negative nor the only print of it that included the Kodachrome have survived. Principio del formulario The latter is carried out through the confrontation of unpublished archival material and examples of existing tests that were filmed in Kodachrome simultaneously to the shooting of the picture. This way we can know how the color images of the film were, as well as the exact state of development on the system in 1922. It is also examined the subsequent evolution of Kodachrome and its lack of success in being used by the Hollywood studios. Palabras clave: Two-Color Kodachrome; Kodak; John G. Capstaff; George Eastman; Jules Brulatour; The Light in the Dark (Clarence Brown, 1922). Keywords: Two-Color Kodachrome; Kodak; John G. Capstaff; George Eastman; Jules Brulatour; The Light in the Dark (Clarence Brown, 1922).