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In general, mimesis can be ritual, visual or cognitive. The oldest mimesis takes place within the framework of rites, but in times of symbolic impoverishment many of them have lost their former vigour and have sometimes been reduced to mere folklore. Plato addressed visual mimesis, who said that it did not allow us to know reality with the depth or perfection with which it was possible to do it through rite or reflection. Aristotle delved into cognitive mimesis, pointing out that from it could be known the laws of nature, its ends and the way in which it operates to achieve them. By analysing these types of mimesis, we will highlight that a legitimate and effective way to reconnect man with the world and with reality is the enhancement of the rite. En general, la mímesis puede ser de orden ritual, visual o cognitiva. La mímesis más antigua tiene lugar en el marco de los ritos, pero en tiempos de empobrecimiento simbólico, muchos de ellos han perdido su antiguo vigor y, a veces, han quedado reducidos a mero folclore. La mímesis visual fue abordada por Platón de la que afirmó que no permitía conocer la realidad con la profundidad ni con la perfección con que era posible hacerlo mediante el rito o la reflexión. Aristóteles profundizó en una mímesis de índole cognitiva, señalando que a partir de ella podían conocerse las leyes de la naturaleza, sus fines y el modo en que opera para conseguirlos. Al analizar estos tipos de mímesis trataremos de poner de relieve que una forma legítima y eficaz de reconectar al hombre con el mundo y con la realidad es la puesta en valor del rito.

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A menudo se hace interesante constatar como han llegado las obras de un artista a las colecciones estatales y como han sido utilizadas éstas desde el Estado para una política determinada. Lo que, por otra parte, suele emparentarse a razones y circunstancias que rebasan el mero hecho de una donación o de una oportunidad concreta de uso del arte con fines políticos.

RESUMO Para a história da arte, os escritos de artistas são referências documentais importantes. Em razão disso, apresenta-se uma tradução anotada de três textos de Edvard Munch (1863-1944) relativos à história da elaboração de suas obras mais conhecidas, bem como de suas respectivas exposições: o manuscrito “Ibsen e o friso da vida!” (não datado) e os textos posteriores, nele baseados, O friso da vida (1918) e A gênese do friso da vida (1928), que serviram de apresentação à exposição O friso da vida. Esta reuniu grande parte das obras de Munch e foi o projeto artístico de sua vida; assim, tais textos dão voz ao artista e possibilitam interpretar e compreender melhor a obra desse expoente da arte. Esses textos também apontam para a possibilidade de que o próprio artista possa servir de referencial teórico ao estudo de suas obras. ABSTRACT For the history of art, the writings of artists are important documentary references. Here, I present an annotated translation of three texts by Edvard Munch (1863-1944), that are related to the history of the elaboration of his best-known works, as well as their respective exhibitions: the manuscript “Ibsen and the Frieze of Life!” (undated) and the subsequent texts, based on it, The Frieze of Life (1918) and The Genesis of the Frieze of Life (1928), which served as a presentation for the exhibition The Frieze of Life. This exhibition brought together the greater part of Munch’s works and was his life’s artistic project; thus, such texts give the artist a voice and make it possible to better interpret and understand his work.. These texts also show how artists can be theoretical references for the study of their works. RESUMEN Para la historia del arte, los escritos de artistas son referencias documentales importantes. En este sentido, se muestra una traducción anotada en tres textos de Edvard Munch (1863-1944) relativos a la historia de la elaboración de sus obras más conocidas, así como de sus respectivas exposiciones: el manuscrito de “¡Ibsen y el friso de la vida!” (sin fecha) y los textos posteriores en él basados, El friso de la vida (1918) y La génesis del friso de la vida (1928), que sirvieron de presentación a la exposición El friso de la vida. La misma reunió grande parte de las obras de Munch y fue el proyecto artístico de su vida; así, tales textos dan voz al artista y posibilitan interpretar y comprender mejor la obra de este exponente del arte. Esos textos también apuntan para la posibilidad de que el propio artista pueda servir de alusión teórica al estudio de sus obras.

Reseña de: Denoyelle, Françoise, Arles, les rencontres de la photographie: une histoire française. Arlés, Art Book Magazines, 2019. ISBN: 978-28-216-0128-4, 252 pp.

[EN] This work consist of the elaboration of illustrations and posters from the information obtained and the previous study of the 7 deadly sins. The practical part consist of elaborating the different symbolic illustrations of the animals with whick sins have been associated since the Middle Ages. Apart from what was said above, I mix these symbols with the art nouveau signage style to give them a more daring and dynamic touch, much more aesthetic. For the theoretical part, I have compiled all the information along with the references and stories about the deadly sins and hoy they have been represented in the well-known "inferno of Dante"., ES] Este trabajo consiste en la elaboración de ilustraciones y carteles a partir de la información obtenida y el estudio previo de los 7 pecados capitales. La parte practica consiste en elaborar las distintas ilustraciones simbólicas de los animales con los que se asocian los pecados desde la Edad Media. A parte de lo dicho anteriormente, mezclo estos símbolos con el estilo de cartelería del art nouveau para darles un toque mas atrevido y dinámico, mucho mas estético. Para la parte teórica, he recopilado toda la información junto a los referentes e historias sobre los pecados capitales y como se han ido representando en el conocido "infierno de Dante".

Tabernacle shrines from the period 1180-1400 are rare today, and not a single one is entirely preserved with its original polychromy and in the context for which it was made. Most examples are found in Scandinavia, Italy, and the Iberian Peninsula, which indicates that such shrines were a European phenomenon. This is confirmed by isolated survivals found in intermediate locations in France, Germany, and Slovakia. The similarities between these objects from the north, center, and south of Europe enable us to follow their Europe-wide development. The one country that possesses by far the largest number of preserved tabernacle shrines is Sweden. This is why the present study refers to Swedish examples to identify European types. The first type is the 'Appuna-type' shrines, dating from c. 1200, that contain an early sculpture of the Sedes Sapientiae. The second group are shrines of the Fröskog-type, which are characterized by the presense of reliefs on the interiors of their wings. The third type, more vertical and of architectural character, is called the 'Kil-type' and had its largest spread during the fourteenth century. It was in the relative periphery of the continent, and in modest churches in isolated locations, that tabernacle shrines had the best chances of surviving. The fact that academic art history was not invented precisely there has largely prevented tabernacle shrines from making it into our art-historical handbooks to date. Los retablos-tabernáculo del período 1180-1400 son raros hoy en día, y ninguno se conserva entero, con su policromía original y en el contexto para el que fue producido. La mayoría de ejemplos se encuentran en Escandinavia, Italia y la península ibérica, lo que pone de manifiesto que se trataba de un fenómeno europeo. Esta dimensión viene confirmada por algunos ejemplos aislados en territorios intermedios, en Francia, Alemania y Eslovaquia. La similitud de las obras en el norte, centro y sur de Europa es tal que permite esbozar su desarrollo en términos generales. El país europeo que posee la mayor cantidad de retablos-tabernáculo conservados, es, con diferencia, Suecia. Es por esta razón que, en este estudio, nos referimos a ejemplos suecos para identificar tipologías europeas. El primero es el "tipo Appuna", de alrededor de 1200, que contiene una escultura temprana de la Sedes Sapientiae. El segundo es el "tipo Fröskog", que se caracteriza sobre todo por la presencia de relieves en el interior de las alas. El tercer tipo, más vertical y con marcado carácter arquitectónico, se denomina el "tipo Kil" y tuvo su mayor difusión en el siglo XIV. Fue en la relativa periferia del continente, y en iglesias modestas en localidades aisladas, donde los retablos-tabernáculo tuvieron las mayores probabilidades de sobrevivir. El hecho de que la Historia del Arte como disciplina académica no fuese escrita precisamente allí ha influido en que hayan permanecido poco estudiados hasta hoy en día.

Most of the tabernacle altarpieces preserved throughout Europe are fragmented, overpainted, and reconstructed, thus impeding a closer analysis of their image program. A detailed study of the earliest fully preserved representatives of this altarpiece type originating from the Lower and Middle Rhine as well as some other little-known late medieval examples from this region will cast some light upon topics such as the construction and evolution of the form as well as the iconography and media used in its creation and its possible impact on the spectator. This study concentrates on a small group of almost completely preserved tabernacle altarpieces, which allows detailed observation of their all-around design. This enables an examination of the ensemble of sculpture and painting, the strategies of emphasizing the venerated sculpture as well as points of reference between the images on the interior and on the exterior. Another aspect of this survey addresses questions regarding the different ways an altar could be adjusted and displayed spatially (with the wings fully open or partially closed) and the perception of these objects, most of which are designed to be viewed from all sides - issues that have received little attention in the research on tabernacle-altarpieces so far. The results of this brief survey will also serve as groundwork for answering questions about the long durability of the tabernacle altarpieces alongside new forms such as winged altarpieces. La mayoría de los retablos-tabernáculo conservados por toda Europa presentan un carácter fragmentario o están repintados y reutilizados, lo que impide un análisis profundo de su programa iconográfico. Un estudio detallado de los ejemplares más antiguos conservados en su integridad procedentes del Bajo y Medio Rin, así como de algún ejemplo tardomedieval de esta región, arrojará algo de luz sobre asuntos tales como la construcción y evolución de sus formas, así como la iconografía y las técnicas empleadas en su creación y su posible impacto en el espectador. Este estudio se centra en un pequeño grupo de retablos-tabernáculo preservados casi por completo, lo que permite una observación detallada de todos los aspectos de su diseño. Esto posibilita un examen del conjunto de la escultura y de la pintura, de las estrategias desplegadas para resaltar la imagen de culto en su interior, así como de los puntos de conexión entre las imágenes en el interior y en el exterior. Otro aspecto de este estudio apunta a cuestiones relativas a los diferentes modos en que un altar puede adaptarse y mostrarse en un espacio (con los paneles laterales completamente abiertos o parcialmente cerrados) y a la percepción de estos artefactos, la mayoría de los cuales están diseñados para ser vistos desde todos sus lados -aspectos que hasta ahora han recibido escasa atención en los estudios sobre retablos-tabernáculos-. Los resultados de este breve estudio servirán también como trabajo preliminar para responder cuestiones acerca de la larga persistencia de los retablos-tabernáculo junto a nuevos tipos como los retablos con alas.

espanolEl articulo analiza la labor profesional realizada por Blanca Alvarez en Television Espanola. Los objetivos principales son definir la situacion de las mujeres en el medio televisivo desde la dictadura a la democracia y mostrar los procesos de su acceso y avance profesional. La eleccion de Blanca Alvarez como estudio de caso se justifica por su temprana incorporacion a Television Espanola (1958), asi como ser la primera mujer en tener un cargo directivo. El estudio de su trayectoria es, por tanto, relevante para reflexionar sobre los margenes establecidos por el regimen franquista a las mujeres en el ambito de los medios audiovisuales. EnglishThe article analyzes the professional trajectory Blanca Alvarez in Television Espanola. The main objectives are to define the situation of women in television from the dictatorship to democracy and to show the processes for their access and professional advance. The choice of Blanca Alvarez as a case study is justified by her early incorporation to Television Espanola (1958), as well as being the first woman to hold an executive position. The study of her career is, therefore, relevant to reflect on the margins established by the Franco regime for women in the field of media.

Este trabajo indaga de forma exploratoria en las concepciones de los/as estudiantes del Máster en Profesor/a de Educación Secundaria (Geografía e Historia) sobre la Historia del Arte y su enseñanza y aprendizaje. El principal objetivo es analizar dichas concepciones para caracterizar el conocimiento académico profesional previo de los/as participantes y ser el referente de partida en el proceso de formación inicial. Para ello, se ha diseñado y aplicado un cuestionario en el momento previo al desarrollo del módulo en la didáctica de esta materia. Los resultados muestran unas concepciones duales que en buena medida se mantienen cercanas a una concepción formalista-teleológica de la disciplina, con una finalidad eminentemente culturalista y con unas estrategias de enseñanza y aprendizaje enmarcadas en la transmisión de contenidos. La formación inicial docente debería partir de estas concepciones para su reestructuración, apostando por la alfabetización audiovisual crítica de la ciudadanía. This paper investigates the conceptions of the students of the master’s degree in Secondary Education Teaching (Geography and History) in relation to the History of Art and its teaching and learning process. The main objective is to analyse these conceptions to characterize their previous professional academic knowledge and to be the starting point of reference in the process of initial teacher training. To this end, a questionnaire has been designed and applied in the moments before to the development of the module in the didactics of this subject. The results show dual conceptions that to a significant extent remain close to a formalist conception of the discipline, with an eminently cultural purpose and with teaching and learning strategies framed in the transmission of content. Initial teacher training must start from these conceptions for its restructuring in accordance with the critical audiovisual literacy of citizens.

[EN] This article deals with the formal, stylistic, procedural, and technical analysis of a series of panels representing the Nursing Virgin. It is a model of which dozens of versions and their copies have been documented. Its attribution has been uncertain, having been ascribed to various authors of the 16th century Valencian artistic panorama, almost always in the orbit of Macip. The detailed technical study of various specimens has allowed, on the one hand, a proposal to date the prototype, recognizing it as one of the first works by Joan de Joanes. On the other hand, the material and procedural evidence has made it possible to group together some specimens that came from the same workshop and it was also possible to verify that they were painted by different artists, even discerning later copies. Finally, a hypothesis is proposed for the model, which due to its characteristics, may have constituted a test of mastery in the Macip¿s workshop., [ES] El artículo se ocupa del análisis formal, estilístico, procedimental y técnico de una serie de tablas de la Virgen de la Leche. Se trata de un modelo del que existen decenas de versiones, variantes y copias, y cuya atribución ha sido incierta, filiándose a diversos autores del panorama artístico valenciano del siglo XVI, casi siempre en la órbita de Macip. El estudio técnico pormenorizado de diversos ejemplares ha permitido, por un parte, una propuesta de datación del prototipo, reconociéndolo como una de las primeras obras de Joan de Joanes. Por otra parte, las evidencias materiales y procedimentales han permitido agrupar algunos ejemplares salidos de un mismo taller, pero de diversas manos, lo que ha posibilitado discernir copias posteriores. Por último, se propone la hipótesis de que el modelo, por sus características, constituyese una prueba de maestría en el obrador de los Macip

Los pilares fundamentales del cosmismo ruso fueron inmortalidad, resurrección e interplanetariedad. A pesar de ser un movimiento con tintes utópicos, sus fines eran claros: acabar con la injusticia a través de la consolidación de un biopoder que permitiera superar la finitud humana, tanto en lo temporal como en lo espacial. Dentro de las tecnologías de inmortalidad que los cosmistas consideraban dispositivos fundamentales para la redistribución histórica de las fuerzas vitales, se encontraba el museo., The foundations of russian cosmism were immortality, resurrection and an interplanetary society. Despite its utopian overtones, the movement’s goals were clear: stop injustice by consolidating a biopower in order to beat human finitude, both in time and space. Amongst the technologies of immortality that cosmists deemed important for the redistribution of life forces, was the museum., Facultad de Artes

The deeds of Alexander the Great in the eastern Mediterranean and Asia marked a great cultural transformation of the known world in the fourth century B. C. and, in particular, in urbanism and architectural conception. This text focuses on the relationship of the Macedonian with architecture, urbanism and especially with funerary architecture, and how it was reflected in the artistic depictions of the Early Modern Age. Artists from the 16th to 18th centuries were especially interested in Alexander’s acts of veneration towards the sacred buildings of other religions and towards the tombs of Homeric heroes, as demonstrated through various pictorial examples. La gesta de Alejandro Magno en el Mediterráneo oriental y Asia supuso una gran transformación cultural del mundo conocido en el siglo IV a. C. y, en especial, en el urbanismo y la concepción arquitectónica. Este texto realiza un análisis de la relación del macedonio con la arquitectura, el urbanismo y, en especial, con la arquitectura funeraria, y cómo se plasmó en las representaciones artísticas de la Edad Moderna. Los artistas de los siglos XVI a XVIII sintieron especial interés por los actos de veneración de Alejandro hacia los edificios sagrados de otras religiones y hacia las tumbas de los héroes homéricos, como se demuestra a través de diversos ejemplos pictóricos.

Dentro de la investigación que se está llevando a cabo para identificar y caracterizar el mármol empleado en Galicia desde la Antigüedad, en este trabajo se presenta por primera vez un inventario de los capiteles marmóreos tardorromanos y altomedievales localizados en el ámbito del actual territorio gallego, incluyendo un importante número de piezas inéditas que amplían significativamente el número de ejemplares conocidos hasta el momento. En efecto, a pesar del interés y la calidad de estas piezas, hasta el momento no se había realizado ninguna revisión de conjunto sobre los capiteles marmóreos gallegos a pesar de la singularidad que representan dentro del panorama eminentemente granítico que identifica este territorio. Aunque la mayor parte de estos ejemplares aparecen descontextualizados o en posición secundaria, entendemos que existen elementos coincidentes que evidencian el interés mostrado desde la Antigüedad por obtener y utilizar el mármol en diferentes construcciones, realidad que siguió vigente en las múltiples reutilizaciones y usos a los que estas piezas se vieron sometidas. Así, al tiempo que se está completando el estudio analítico de este conjunto, en este artículo se presenta un primer avance sobre la caracterización del material empleado en la realización de estos capiteles, se reflexiona sobre sus principales características formales y estilísticas, se consideran los contextos de localización y conservación de cada una de las piezas, y se apuntan distintas consideraciones vinculadas al uso y reutilización de unas piezas de mármol que pueden ser de enorme importancia para comprender un poco mejor este fenómeno en el noroeste peninsular, Within the ongoing research that is being carried out to identify and characterize the marble used in Galicia since Antiquity, this article details for the first time an inventory of marble capitals dating from the late Roman and early medieval period located where now is Galicia. The addition of a significant number of new pieces has substantially broadened the number of samples known to date. Indeed, despite their interest and quality, they have not been extensively studied as a whole within the eminently granitic panorama of this region until recent times. However, although most of these capitals appear decontextualized or in a secondary position, we consider that there are matching elements that evidence the interest shown since ancient times in obtaining and using marble in different constructions, a reality that continued with the multiple uses and reuses that these pieces were subjected to. Consequently, at the same time that the analytical research is being carried out to establish the origin of the raw material employed, this study presents a first step in the characterization of the material used in the construction of these capitals. We also reflect on their main formal and stylistic characteristics, the contexts of location and conservation of each of the pieces, and the different aspects linked to the use and reuse of marble pieces, according to their importance in order to understand the meaning of this phenomenon in the northwest area of the Iberian Peninsula

Reseña de la obra de Cordez, Philippe. Treasure, Memory, Nature. Church Objects in the Middle Ages. London-Turnhout: Brepols-Harvey Miller Publishers, 2020 [ISBN: 978-1-912554-61-4]

Este artigo busca investigar, a partir de uma abordagem histórica, como o regime jurídico de aquisição de imóveis rurais por estrangeiros evoluiu no ordenamento jurídico brasileiro e como ele é regulado atualmente pela legislação brasileira. Objetiva estabelecer bases para o desenvolvimento de futuros estudos que relacionem aquisição de imóveis rurais por estrangeiros no Brasil a temas críticos ao direito agrário, como land grabbing, agrarian extractivism, food sovereignty e climate changes. Trata-se, portanto, de pesquisa de caráter descritivo. A metodologia utilizada foi a revisão bibliográfica e documental não sistematizada. Ao final da pesquisa identificou-se que no Brasil o regime de aquisição de imóveis rurais por estrangeiros evoluiu de um paradigma de estímulo à imigração e facilitação à aquisição de propriedade para um regime de restrição., This article seeks to investigate, from a historical approach, how the legal regime for the acquisition of rural properties by foreigners evolved in the Brazilian legal system and how it is currently regulated by Brazilian legislation. It aims to establish bases for the development of future studies that relate the acquisition of rural properties by foreigners in Brazil to critical issues of agrarian law, such as land grabbing, agrarian extractivism, food sovereignty and climate changes. It is, therefore, a descriptive research. The methodology used was a non-systematized bibliographic and documentary review. At the end of the research, it was identified that the regime for the acquisition of rural properties by foreigners evolved from a paradigm of encouraging immigration and facilitating the acquisition of property by foreigners in Brazil to a regime of restriction on the acquisition of rural properties by foreigners., Facultad de Humanidades y Ciencias de la Educación

[EN] This paper focuses on the period of consolidation of Joan de Joanes as a master painter, and particularly at the time when, before taking charge of the management of the family workshop, he worked in the shadow of his father. Through a series of case studies, the incipient artistic activity of the young Joanes is briefly outlined, while some considerations about works and tasks in the workshops are raised. All this leads a revision of the attribution of certain artworks that from now on must be considered joint authorship. Finally, some conclusions and premises are raised between the lines. Although they not only are valid in the case of the Macip family workshop, but they are also equally operative for many other artists of the period, [ES] El presente artículo se centra en el periodo de consolidación de Joan de Joanes como maestro pintor, y particularmente en el momento en el que, antes de ocuparse de la dirección del obrador familiar trabajó como oficial, a la sombra de su padre. A través de una serie de casos de estudio se perfila someramente la incipiente actividad artística del joven Joanes, al tiempo que se plantean algunas consideraciones sobre el trabajo en los talleres. Todo ello suscita una revisión de la atribución de ciertas obras que en lo sucesivo deben considerarse de autoría conjunta. Se plantean entre líneas, por último, una serie de reflexiones y premisas que, aunque son especialmente válidas para el caso del taller familiar de los Macip, se manifiestan igualmente operativas para otros muchos artistas del periodo.

Este artículo explora el trabajo de María Campo Alange (1902-1986) como crítica de arte. Sus escritos han sido casi totalmente ignorados en la literatura académica, quizá porque no encajan dentro de los tópicos habituales en la crítica artística española de la época. Según veremos, este “pensar fuera del marco” no solo tiene que ver con la singularidad de la trayectoria de Campo Alange, sino también con la fragilidad de su posición como mujer intelectual en el contexto del régimen franquista, que proscribía la participación de las mujeres en la esfera pública. Mantenerse alejada de los “grandes debates” de su tiempo era una forma de labrarse un espacio de libertad, así como de iluminar un punto ciego que los críticos hegemónicos no fueron capaces de abordar: el lugar de las mujeres dentro del arte moderno.

Un aspecto poco conocido de la colonización americana fue la implantación y el desarrollo de la arquitectura religiosa hispana en Tierra Firme. Llegó al continente como lo hizo a las islas caribeñas, de la mano de la nueva organización eclesiástica diseñada por la Corona según el modelo sevillano. Sin embargo, su plasmación fue muy tardía y desigual, condicionada por diferentes factores que se analizan en este estudio. Sufrió asimismo un proceso de adaptación al medio americano difícil de interpretar a la luz de los escasos testimonios materiales que han llegado a nuestros días.

El siguiente estado de la cuestión se inscribe como parte de una investigación doctoral en curso en la cual abordamos las formas que asumió la sensibilidad visual en el Buenos Aires de 1860 a través de las pinturas de temática rural de Prilidiano Pueyrredón. Por tal motivo, aquí presentamos el rastreo de la literatura referida a sus trabajos pictóricos y la dividimos en dos partes según sus formas de abordaje: los estudios clásicos y los enfoques más recientes., The following state of affairs is inscribed as part of an ongoing doctoral research in which we address the forms that visual sensitivity assumed in Buenos Aires in 1860 through the rural paintings of Prilidiano Pueyrredón. For this reason we present here the tracing of the literature referring to his pictorial works and we divide it into two parts according to his approaches: the classic studies and the most recent approaches., Facultad de Artes

Fabián Patinho’s El ejército de los tiburones martillo (2019) (An Army of Hammerhead Sharks) consists of metafictional critique, a mode of novel writing that has surfaced often in Ecuadorian Letters in the last decade. The article holds that Patinho’s text works as a means of legitimizing the emergent field of the Ecuadorian Graphic Novel; that is to say, it presumes to establish a double origin as befits this hybrid medium. On the one hand, the graphic aspects of the text seek validation in the mythic mural painting produced by Camilo Egas for the New York World Fair of 1940. The literary side of things seeks support in the Spanish translation done by Francisco Alexander of Walt Whitman´s Leaves of Grass. This revisionist history of Ecuadorian literary an art history works to establish a new version and vision of Ecuadorian High Culture that can be formulated as a reading pact (that includes a gendered reading) between a new and skeptical, group of readers and a new authorial, self-referential sensibility. La novela gráfica de Fabián Patinho, El ejército de los tiburones martillo (2019), consiste en un ejercicio de metaficción, congruente con múltiples novelas ecuatorianas, escritas y publicadas en la misma clave en la última década. El ensayo argumenta que la novela de Patinho opera como un dispositivo de legitimación para la naciente novela gráfica ecuatoriana; es decir, como un documento que propone un doble origen para este medio expresivo: por un lado, la obra plástica (desaparecida) de Camilo Egas; por otro, la obra literaria, de traducción, de Francisco Alexander. La visión revisionista emitida por El ejército implícitamente plantea tanto una nueva visión y versión de la historia literaria y la historia plástica ecuatorianas como un nuevo pacto de lectura (que incluye una perspectiva de género) entre lectores contemporáneos escépticos y autores (como Patinho) autorreferenciales.

La propia historia fundacional de Estados Unidos, que sienta sus bases sobre el viaje que los puritanos ingleses realizaron en el siglo XVII en busca de una nueva Jerusalén, explica el lugar de referencia que el arquetipo del viaje ostenta en el imaginario cultural de este país. A lo largo del siglo XIX y principios del XX, la literatura estadounidense centraría gran parte de sus argumentos en el viaje figurado y metafórico, al igual que muchos de los géneros del Hollywood clásico y genuinamente norteamericanos como el western. Con el paso del tiempo, en el contexto de la crisis política, social y cultural que atravesarían los Estados Unidos a finales de la década de los sesenta, el cine moderno de terror se apropiaría de este arquetipo para llevar a cabo la definitiva subversión del mismo. En el siguiente artículo profundizaremos sobre la importancia del arquetipo del viaje en el imaginario cultural estadounidense y su posterior fractura en momentos de crisis social, a través del estudio de su evolución en la literatura y los géneros cinematográficos. The archetype of the journey has an important role in the imaginary cultural heritage of the United States. Throughout the late 19th and early 20th centuries, American literature would focus much of its arguments on the figurative and metaphorical journeys, like many of the classic Hollywood genres and those genuinely American such as the western. Over the years, in the context of the political, social and cultural crises that the United States would go through during the late sixties, modern horror cinema would appropriate of this archetype to carry out its final subversion. In the following article, we will deepen on the importance of the archetype of the journey within the American cultural imaginary and its subsequent fracture in times of social crisis, through the study of its evolution in the literature and film genres. The use of a multidisciplinary methodology will allow us to approach the subject from a perspective that includes the historical, artistic and social realities.

La reciente publicación del hallazgo de una fuente iconográfica del relieve de la Reina Camila en el jerezano Paklacio de Riquelme lleva al autor de dicho hahhazgo a decir que esto invalida todo el programa iconológico propuesto hace algún tiempo. se trata de demostrar que dicha fuente no sólo no invalida sino que corrobora dicha interpretación, haciendo hincapié en la diferencia entre iconografía y sus posibles fuentes y el método iconológico, que intenta ir más allá, buscando una interpretacikón, un mednsaje coherente en la obra de arte

Medieval images that have survived to the present time are known to be decontextualised, and very often appear as isolated or free-standing objects, as is the case with statues of the Virgin and Child. Those still preserved in churches have been adapted to structures built subsequent to their creation, and quite often have been transferred to different locations, but many statues held in museums and collections lack their corresponding base or surrounding structure. In Catalonia, the example of Sant Martí d'Envalls (Angoustrine, Cerdanya, Pyrénées Orientales), which dates to the early 13th century, clearly shows that many sculptures were integrated into larger altar ensembles in combination with highly elaborate imagery. The restoration of a sculpture of the Virgin in the Museu Nacional d'Art de Catalunya (MNAC 15926) carried out in 2018 has allowed us to review some of these issues. The position of the Child, leaning purposefully to his right, suggests that the carving was part of an ensemble that depicted the Adoration of the Magi and some other scene - similar to the ensemble from Sant Martí Sarroca, where the image was centred in an edicule, flanked by the Annunciation and the Adoration of the Magi. The image is also interesting from a museological perspective, since during the first half of the 20th century it was exhibited under a custom-made structure. We will discuss the relationship between the sculpture under study and other images of the Virgin dating from the 12th and 13th centuries in Catalonia that could have formed part of altar ensembles. Es bien sabido que las imágenes medievales han llegado a la actualidad descontextualizadas y muy a menudo como objetos aislados o totalmente exentos, tal como sucede con las tallas de la Virgen con el Niño. Mientras que las que todavía son objeto de culto han sido adaptadas a estructuras posteriores al momento de su creación y cambiadas de emplazamiento, hay una gran cantidad de piezas conservadas en museos y colecciones que no han preservado el soporte o la estructura correspondiente. En Cataluña, el ejemplo de Sant Martí d'Envalls (Angoustrine, Cerdaña francesa), fechable poco después del 1200, es la muestra más evidente de que muchas tallas se integraban en estructuras de altar más amplias, en combinación con representaciones historiadas. La restauración de una talla de la Virgen en el Museu Nacional d'Art de Catalunya (MNAC 15926) llevada a cabo en 2018 ha permitido revisar algunas de estas cuestiones. La posición del Niño, inclinado y orientado explícitamente hacia su derecha, hace pensar que la talla se integraba en un conjunto donde se representaría la Adoración de los Magos y alguna otra escena, como sucedía en Sant Martí Sarroca, donde la imagen se situaba en el centro en un edículo flanqueado por la Anunciación y la Adoración de los Magos. La imagen también interesa desde la vertiente museográfica, ya que durante la primera mitad del siglo XX fue expuesta bajo una estructura construida expresamente. Partiendo de la talla del museo trataremos la relación de este y otros ejemplos de imágenes de la Virgen de los siglos XII y XIII en Cataluña con posibles estructuras de altar.

A first survey of tabernacle-altarpieces in the German-speaking countries reveals that probably less than 20 specimens can be traced from the time before c. 1450; most of them are only preserved in fragments. They can be found in the north (Stralsund) as well as in middle and southern Germany and the Alpine region. Among them are large, sumptuous works like the former high altar retable of Stams monastery in Tyrol or the life-size 'Madonna with the Stags' in Erfurt, both from around 1370/80. The only coherent group in the corpus, however, is formed by four smaller tabernacles that probably were made for the Nuremberg convent of the Poor Clares around 1360/70. In terms of iconography, the Virgin as the Apocalyptic Woman appears remarkably often at the centre of tabernacle-altarpieces, starting with the Erfurt Madonna. A later example of this type is the large Virgin in the Sun on a pier of St Sebaldus church in Nuremberg, donated by the Imhof-family around 1440. Originally the centre of a tabernacle with wings, it stood next to and above an altar with a painted retable; thus the two works must have formed a kind of ensemble. Most of the known tabernacle-altarpieces were designed as a kind of vertical cabinet or as a tower; in the latter case, ground-plans vary between rectangle, pentagon and T-shape. Starting around mid-14th century, there are also some retables with scenic arrangements of sculptures in broad shrines that basically follow the construction of tabernacle-altarpieces. Una primera valoración de los retablos-tabernáculo en los territorios de lengua alemana revela que probablemente solo se pueden rastrear menos de veinte ejemplares anteriores a 1450, la mayoría de ellos conservados de manera fragmentaria. Se pueden encontrar en el norte (Stralsund), así como en el centro y sur de Alemania y en la región alpina. Entre ellos hay obras grandes y suntuosas, como el antiguo retablo mayor del monasterio de Stams, en el Tirol, o la Virgen de los Ciervos de Erfurt, de tamaño natural (ambos se fechan hacia 1370-80). En cualquier caso, el único grupo coherente dentro de este corpus es el formado por cuatro retablos-tabernáculos de menor tamaño que probablemente fueron hechos para el convento de las clarisas de Núremberg hacia 1360-70. Desde el punto de vista iconográfico, resulta significativa la frecuente aparición de la Virgen como mujer apocalíptica en el centro de los retablos-tabernáculo, empezando por la mencionada Virgen de Erfurt. Un ejemplo posterior de este tipo es la gran Virgen ceñida por el sol que se encuentra en un pilar de la iglesia de San Sebaldo de Núremberg, donada por la familia Imhof hacia 1440. En origen fue la imagen titular de un tabernáculo con alas que se situó cerca y por encima de un altar con un retablo pintado, de manera que ambas obras pudieron haber formado una especie de conjunto. La mayor parte de los retablos-tabernáculo conocidos fueron diseñados como a modo de cajón vertical o de torre (en este último caso, la forma de la planta varía entre el rectángulo, el pentágono y la forma de T). A partir de mediados del siglo XIV, también hay algunos retablos con figuras formando escenas dentro de amplios tabernáculos que siguen básicamente la estructura de los retablos-tabernáculo.

Producción Científica, This article explores the origins and distinctive features of Castilian tabernaclealtarpieces. Less attention will be paid to the well-known examples of the fourteenth century (as for example the Castildelgado and Yurre altarpieces) and the focus will be on a number of poorly preserved, fragmented and altered examples of the late thirteenth century, for which proposals of reconstruction are provided in some instances. To investigate the origins of Castilian tabernacle-altarpieces, this study centres on several thirteenth-century sculptures that were made prominent by being placed either before back panels or within baldachins. These displays are usually regarded as the forerunners of genuine tabernacle-altarpieces. In this context, special attention is paid to the images of the Virgin and Child in the church of Villalcázar de Sirga (Palencia). Concerning the distinctive features of Castilian tabernacle-altarpieces, the text points out the relationship between the earliest tabernacle-altarpieces and the locally produced monumental and tomb sculpture, which in all likelihood served as a model for these early altarpieces., Este artículo indaga en el origen y en los rasgos distintivos de los retablos-tabernáculo castellanos. Por ello se presta especial atención no tanto a los ejemplares bien conocidos del siglo XIV (como, por ejemplo, los retablos de Castildelgado y de Yurre) como a algunos ejemplares de finales del siglo XIII pobremente conservados, fragmentados y manipulados, para algunos de los cuales se ofrecen propuestas de reconstrucción. Con respecto al origen de los retablos-tabernáculo castellanos, el estudio se centra en algunas esculturas del siglo XIII que fueron dotadas, o bien de un respaldo que las destacaba, o bien de un baldaquino que las albergaba, pues se suele considerar a estos dispositivos como precursores de los genuinos retablos-tabernáculo. En este contexto, se presta especial atención a las imágenes de la Virgen con el Niño de la iglesia de Villalcázar de Sirga (Palencia). Con respecto a los rasgos distintivos de los retablos-tabernáculo castellanos, el texto destaca la relación existente entre los ejemplares más antiguos y la escultura monumental y funeraria de producción local, que con toda probabilidad sirvió como modelo para estos retablos primitivos., Ministerio de Economía, Industria y Competitividad, AEI, FEDER, UE (HAR2017-82949-P)

Producción Científica, Los retablos se encuentran entre los logros más destacados y celebrados del arte medieval. Eran el fruto de los esfuerzos conjuntos, habilidades y ambiciones de artistas y mecenas. A menudo, combinando diferentes medios, reflejaban gran parte de la fe, ideales, esperanzas, ansiedades y devociones de las comunidades cristianas. Se erigieron retablos en iglesias de toda clase, desde catedrales y monumentales abadías hasta modestas iglesias rurales. Con los años, los retablos medievales se hicieron cada vez más grandes y más complejos. Se convirtieron en símbolos de la identidad y el orgullo de las comunidades y los individuos, para quienes a veces incluso se convirtieron en objeto de emulación., Ministerio de Economía, Industria y Competitividad, AEI, FEDER, UE (HAR2017-82949-P)

Estudio del tabernáculo de la Virgen de los Reyes (h. 1278) y su instalación en la capilla Real renacentista (1579). Revisión y noticias documentales del tabernáculo encargado al orfebre Sancho Martínez (1366), aportaciones al conocimiento del tabernáculo de la Virgen de la Sede y al tardogótico de la Virgen de la Antigua (1497-1499) de la catedral de Sevilla. Study of the tabernacle of the 'Virgen de los Reyes' (Virgin of the Monarchs, c. 1278) and its installation in the Renaissance royal chapel (1579). Review and documentary information of the tabernacle entrusted to the silversmith Sancho Martínez (1366), and contributions to the knowledge of the tabernacle of the 'Virgen de la Sede' (Virgin of the See) and to the Late Gothic one of the 'Virgen de la Antigua' (Virgin of the Old One [Cathedral], 1497-1499) of the cathedral of Seville.

There are at least twenty-nine Madonna tabernacles from 1150-1350 with one or more wings preserved, most of them in Scandinavia and Spain. These tabernacles housed a sculpture of the Virgin and Child. In the open position, the central sculpture would be revealed, surrounded by scenes from the Incarnation story, depicted in relief, paint, or a combination of both. The aim of this paper is to explore these Madonna tabernacle in its closed position; What decoration and motifs are found on the exteriors? Can a closer examination of the exteriors of these works provide a greater understanding of their function and later development? And, finally, is there a difference between a closed Madonna tabernacle and a closed tabernacle that houses other saints? Most of the surviving tabernacles have wings with monochrome exteriors, often red, but also green and black or a combination of red and green. There are also examples of tabernacles with patterns or foliage. Only six tabernacles have traces of figural decoration on the exterior. Here we find St. Peter and St. Paul, sometimes together with St. John. One tabernacle has the Passion of Christ on the exterior wings. Tabernacles housing saints other than a Madonna figure have also had monochrome exteriors, often red, although several of them, at least in Scandinavia, have lost most of their original color. Only two examples have figural decorations on the exterior and they would probably have had depictions of St. Paul and St. Peter.[1] This leads us to the conclusion that in a closed position there was little that distinguished a Madonna tabernacle from tabernacles housing other saints. Existen al menos veintinueve retablos-tabernáculo marianos del periodo comprendido entre 1150 y 1350 que conservan uno o más de sus paneles de cierre. La mayoría de ellos se encuentran en Escandinavia y en España. Estos retablos albergaban una imagen de la Virgen con el Niño. Cuando se encontraban abiertos, la escultura central se mostraría rodeada por escenas relativas al misterio de la Encarnación, representadas en relieve, en pintura o en una combinación de ambas técnicas. El propósito de este estudio es indagar cómo eran esos retablos-tabernáculo marianos cuando se encontraban cerrados. ¿Qué decoración y motivos se encontraban en su parte exterior? ¿Podría un estudio más profundo de su exterior proporcionarnos un mejor entendimiento de su función y de su desarrollo posterior? Y, por último, ¿existen diferencias entre los tabernáculos cerrados de tipo mariano y los que albergaron otros santos? La mayoría de los tabernáculos que se conservan tienen paneles de cierre con exteriores monócromos, frecuentemente en rojo, pero también en verde, en negro o en una combinación de rojo y de verde. También hay ejemplos de tabernáculos decorados a base de patrones o a base de motivos vegetales. Solo seis retablos-tabernáculo tienen restos de decoración figurativa en el exterior de sus paneles. En ellos encontramos a San Pedro y a San Pablo, acompañados a veces por San Juan. Uno de ellos muestra en el exterior de sus paneles la pasión de Cristo. Los tabernáculos que cobijan la figura de un santo distinto de la Virgen también presentan exteriores monócromos, a menudo rojos, aunque varios de ellos, al menos en Escandinavia, han perdido gran parte de su color original. Solo dos ejemplos presentan decoración figurativa en el exterior y probablemente en su momento tuvieron representaciones de San Pablo y de San Pedro (los dos conservan solo uno de los paneles que cerraban su frente, donde, en su cara exterior, se representa a San Pablo, por lo que San Pedro se encontraría probablemente en el panel perdido, véase el apartado 'Tabernacles housing other saints'). Esto nos lleva a la conclusión de que en posición cerrada había poca diferencia entre un retablo-tabernáculo mariano y aquellos que albergaran otros santos.

En su escrito Sobre las ruinas del museo, Douglas Crimp planteó la necesidad de abrir un capítulo olvidado por parte de la crítica hacia las entrañas de la modernidad. Foucault había diseccionado buena parte de los saberes e instituciones del nuevo teatro epistemológico, pero una disciplina evitó su operación quirúrgica: la historia del arte. Concebida como una histórica secuencia de paradigmas interrelacionados o como un saber científico y puramente taxonómico, la historia del arte funciona como el artefacto discursivo que produce y legitima una nueva verdad para las imágenes. Por ello, el texto plantea la síntesis de una serie de hipótesis que animan a repensar la disciplina como hermana contemporánea de dispositivos disciplinarios como la criminalidad, la enfermedad mental o la sexualidad, con el fin de integrarla en el nuevo régimen somatopolítico de las imágenes y en el epicentro de las nuevas técnicas de poder., In his essay On the ruins of the museum, Douglas Crimp proposed the need for critics to open a forgotten chapter about the entrails of modernity. Foucault had dissected much of the knowledge and institutions of the new epistemological theatre, but one discipline had avoided his surgical procedure: art history. Conceived as a historical sequence of interrelated paradigms or as a scientific and purely taxonomic knowledge, art history functions as the discursive artifact that produces and legitimizes a new truth for images. Therefore, the text presents the synthesis of a series of hypotheses that encourage us to rethink the discipline as a modern kinswoman of disciplinary devices such as crime, mental disease or sexuality in order to integrate it into the new somatic-political regime of images and the epicenter of the new power techniques.

espanolLa investigacion historico-artistica asume a menudo que en las iglesias parroquiales escandinavas las esculturas de la Virgen Maria se encontraban originalmente en el altar norte de la nave. Sin embargo, las evidencias sugieren que varias esculturas marianas dotadas de un tabernaculo se localizaban en realidad en el altar mayor del presbiterio. Esta hipotesis puede ser reconstituida si miramos los retablos-tabernaculo que han sobrevivido en (o proceden de) las pequenas parroquias noruegas de Hedalen, Reinli y Hove. Ademas de estos retablos, un cierto numero de frontales de altar con imagineria mariana probablemente tambien pertenecieron a los altares mayores. Vistas en un contexto europeo mas amplio, estas decoraciones de altar noruegas siguen un patron homogeneo, comun a amplias zonas de Europa Occidental, que pueden ser explicado por el surgimiento de una cultura religiosa unificada en aspectos tales como la liturgia y la teologia. En el altar mayor, la Virgen y el Nino constituian el punto focal del interior del templo. Esta prominente posicion refleja el papel central de la Madre de Dios en la historia de la salvacion en tanto que instrumento de la Encarnacion. En el altar mayor, Maria remite a este misterio cristiano a traves de su imagen, al igual que lo hace en las escenas narrativas mostradas en el interior de los paneles que rodean la escultura. EnglishArt historical research often assumes that sculptures of the Virgin Mary originally stood on the northern nave altar in Scandinavian parish churches. However, evidence suggests that several enshrined Marian sculptures actually had their place on the main altar in the chancel. This claim can be reconstructed with regard to the surviving tabernacle shrines in (and from) the small Norwegian parish churches of Hedalen, Reinli, and Hove. In addition to the shrines, a number of altar frontals with Marian imagery also probably belonged to main altars. Seen in their wider European context, these Norwegian altar decorations follow a homogenous pattern, common to large parts of Western Europe, that may be explained by the rise of a unified religious culture in aspects such as liturgy and theology. On the main altar, the Virgin and Child constituted the focal point of the church interior. This prominent position reflects the central role of the Mother of God in the history of salvation as an instrument of the Incarnation. On the main altar, Mary refers to this Christian mystery, through her image as well as in the narrative scenes shown on the inside of the wings that surrounded the sculpture.

This paper aims to provide an in-depth survey of grand-scale medieval Italian tabernacles and other types of closing altarpieces with all of their wings - or substantial parts thereof - still preserved (1200-1435). Most such altarpieces, enclosing a statue of the Virgin Mary or a Saint, come from the culturally homogeneous and generally conservative regions of the Central Apennines, in particular from Abruzzo. Structure, provenance, original location, function, patronage, iconography are only a few of the many questions raised by the surviving examples here discussed within a broader European frame.Notwithstanding the great variety and composite character of medieval altar furnishings, three major types of medieval Italian closing retables will be here described - according to Claude Lapaire's formal classification (1969 and 1972): the tabernacle-altarpiece in the strict sense of the word, i.e. an open ciborium with the pedestal, rear wall, and canopy, equipped with carved or painted bi-fold wings; the polygonal tabernacle-altarpiece ("le retable à tabernacle polygonal"); and the cupboard-altarpiece ("le retable en forme d'armoire"). In Central Apennine regions all of these types coexisted throughout the fourteenth century at least, resisting the spread of Tuscan polyptychs. Este trabajo pretende ofrecer un estudio en profundidad de los retablos-tabernáculo medievales italianos de gran tamaño y de otro tipo de retablos cerraderos que aún conservan todos sus paneles o partes sustanciales de los mismos (1200-1435). La mayor parte de estos retablos, que albergaban una imagen de la Virgen María o de algún santo, proceden de las regiones culturalmente homogéneas y, por lo general, conservadoras de los Apeninos Centrales, en particular de los Abruzos. Estructura, procedencia, localización original, función, promoción, iconografía... son solo algunas de las muchas cuestiones que suscitan los ejemplos conservados, que aquí se planterán en un contexto europeo más amplio. A pesar de la gran variedad y del carácter compuesto del mobiliario de altar medieval, aquí se describirán tres tipos principales de retablos medievales italianos cerraderos, de acuerdo con la clasificación formal de Claude Lapaire (1969 y 1972): el retablo-tabernáculo en el sentido estricto de la expresión (esto es, un baldaquino abierto con pedestal, panel posterior y dosel que está dotado de alas abatibles talladas o pintadas); el retablo-tabernáculo poligonal ("le retable à tabernacle polygonal"); y el retablo en forma de armario ("le retable en forme d'armoire"). En las regiones de los Apeninos Centrales todos estos tipos coexistieron al menos a lo largo del siglo XIV, resistiendo frente a la difusión de los polípticos toscanos.

Museo Picasso Málaga. Del 10 de octubre de 2017 al 28 de enero de 2018

Beatriz González (1965-2017). CAPC, Musée d'Art Contemporain de Bordeaux. Del 23 de noviembre de 2017 al 25 de febrero de 2018Se trata de un análisis sobre la retrospectiva dedicada a la pintora colombiana Beatriz González, considerada como una de las figuras más importantes de las artes plástica en Latinoamérica. La muestra ha sido expuesta en el Museo de Arte Contemporáneo de Burdeos.

Durante el Renacimiento en España, al igual que en el resto de Europa, se crea todo un imaginario en torno a la gura femenina; un modelo ideal que establece la imagen, el comportamiento, las funciones, la gestualidad, etc., que debían tener las mujeres. El propósito de este trabajo es analizar cómo María, a través de su representación como Virgen de la Leche, se convierte durante el Renacimiento, no sólo en una extendida imagen devocional, sino también en un instrumento para la educación de las mujeres, siendo utilizada para extender el nuevo modelo ideal de mujer creado en esta época. Así, veremos cómo el imaginario femenino es plasmado por los artistas en las pinturas de la Virgen de la Leche realizadas en España durante el Renacimiento. During Spanish Renaissance, as in the rest of Europe, a new prototype of women was created, establishing how women should behave, which tasks were appropriated for them, how they had to talk or move, or which education they could receive. The purpose of this work is to analyze how Mary, represented as the Nursing Madonna, becomes, during Renaissance, not only an extended image of devotion, but also a tool for female education, spreading the new ideal of women. We will study how this prototype was embodied in paintings of Nursing Madonnas created by Spanish artists during Renaissance.

En el presente estudio se aborda el programa iconográfico de la “Sala del Fresco” de Micenas con el objetivo de entender el significado de las pinturas, el propósito por el cual fueron concebidas, así como su relación con la actividad ritual del lugar. Para ello, revisando las teorías existentes, se procederá al análisis y a la interpretación de cada una de las figuras y de los motivos decorativos. Por último, se atiende al contexto arqueológico de la estancia y del resto de espacios con el fin de establecer un posible vínculo con otras salas vecinas del “Centro cultual”, cuya relación es clave para una nueva lectura de las pinturas, The present study addresses the iconographic program of the ‘Room 31’ at Mycenae with the aim of understanding the meaning of the paintings, the purpose for which they were created as well as their relationship with the ritual activity carried out in the place. To that end, while reviewing the existing theories, we will proceed to the analysis and interpretation of each figure and the decorative motifs. To conclude, we will keep in mind the archaeological context of the room and the rest of the spaces in order to determinate a possible link with other nearby rooms of the ‘Cultual Center’, whose relationship is essential to give a new interpretation of the paintings

El presente artículo es fruto de una investigación sobre la representación de la danza en las tumbas tebanas privadas del Reino Nuevo (1550-1070 a.C.). En él se pretende poner en contexto la representación de la danza dentro de las conocidas escenas de banquete de la XVIII dinastía (1550-1295 a.C.), así como analizar, mediante el estudio de todas las escenas encontradas, sus características principales y su simbología. Por último, se intentará explicar su posible interpretación, basada en el contexto en el que aparecen, y las convenciones utilizadas para su representación. Por lo tanto, se resaltarán los elementos comunes de estas escenas (ubicación, iconografía…) que son los que nos ayudan a entender su significado e importancia. Se trata de un tema relevante, ya que estas escenas de banquete en las que aparecen bailarinas estaban cargadas de contenido simbólico y estético, y servían de nexo entre el difunto y los visitantes de la tumba. Tenían así, por lo tanto, una gran importancia para el pensamiento religioso egipcio, pues ayudaban a la supervivencia del difunto en el Más Allá. The present paper is the result of an investigation about the representation of dance within the banquet scenes found in the decoration of the private Theban tombs of the New Kingdom (1550-1070 B.C.). It aims to put in context the representation of dance within the well-known banquet scenes of the Eighteenth Dynasty (1550-1295 B.C.), as well as analyse, through the study of all the scenes found, its main characteristics and its symbolism. Finally, I will try to explain its possible interpretation, based on the context in which the images appear, and the conventions used for its representation. Therefore, the common elements in these scenes (location, iconography…) will be highlighted as they are the key to understand their meaning and importance. This is a relevant issue, since these banquet scenes in which we can see female dancers were loaded with symbolic and aesthetic content, and would serve as a link between the deceased and the visitors of the tomb. They had, therefore, a great importance for Egyptian religious thought as they helped the survival of the deceased in the Hereafter.

Al igual que nuestra sociedad contemporánea busca en determinados comportamientos de los animales caminos para la empatía interespecies, en el origen de nuestro pensamiento simbólico hubo estrategias empáticas hacia los demás seres con los que compartíamos hábitat, comportamientos que, por apropiación mimética, son el inicio de nuestro pensamiento místico y de las manifestaciones estéticas asociadas a él. Analizando el comportamiento cosmético del quebrantahuesos (Gypaetus barbatus) y el registro fósil neandertal y el del inicio de la colonización de Europa por el sapiens, donde aparecen los primeros instrumentos musicales del continente, presentamos algunas de esas estrategias en el origen de la conciencia simbólica en relación con el sueño arquetípico de vuelo y con la observación de aves.

El Rococó vio un renacimiento en el siglo XIX y se convirtió, junto con otros estilos del Antiguo Régimen, en una referencia para las élites (antiguas y emergentes) en ambos lados del Atlántico. Este artículo pretende mostrar cómo interiores y muebles, a primera vista objetos sobre todo decorativos, adquirieron en el pasaje del siglo XIX al XX distintos sentidos semánticos en el marco del ser nacional, a la par de la formación de las narrativas históricas de los estados-nación. Partiendo de un conjunto de muebles realizados en Prusia se explica cómo estos artefactos se convirtieron en armas ideológicas en la batalla por la hegemonía de la cultura entre Francia y el Imperio alemán durante la Exposición Universal de París de 1900., The Rococo underwent a revival in the 19th century and became, along with other styles of the Ancient Regime, a reference for (old as well as emerging) elites on both sides of the Atlantic. This article aims to show how interiors and furniture, considered first and foremost decorative objects, acquired at the turn from the nineteenth to the twentieth century different semantic meanings within the context of nation building. Starting with a group of Prussian furniture, it explains how these artefacts became ideological weapons in the battle for cultural hegemony between France and the German Empire during the 1900 Universal Exhibition in Paris., Sección: Artículos, Facultad de Bellas Artes

Traditionally, nanban art has been seen as a simple product of exchanges between Japan, Portugal and Spain. The historiography tends to solely focus on artistic contributions of the Society of Jesus due to the foundation of a painting school in Japan. Thereby, the relevance of the Indo-Portuguese route in the cross-cultural history has been emphasized. However, the research advances of the last decades identify that nanban works consist of artistic inheritances from diverse regions of the world which were connected through the Portuguese and Spanish transoceanic routes. Similarly, Japanese nanban art influenced the artistic productions on the other side of the world. In summary, nanban art cannot be understood without taking into account its global implications. This paper clarifies the changes in epistemological understanding of nanban art, and its redefinitions through a historiographical review. This work also shows the important role of Spanish America in the artistic exchange mechanisms; these interactions occurred reciprocally. Therefore, the New World was one of the regions where Japanese art significantly influenced local productions. To exemplify this phenomenon, we address the influence of nanban art on the mural painting The great martyrdom of Japan in 1597 in Cuernavaca, Morelos, Mexico. Resumen Tradicionalmente, el arte namban ha sido visto como un simple producto de intercambios entre Japón, Portugal y España. La historiografía tiende a centrarse únicamente en las contribuciones artísticas de la Compañía de Jesús por establecer una escuela de pintura en Japón. De este modo, se ha enfatizado la relevancia de la ruta indo-portuguesa en la historia intercultural. Sin embargo, los avances de investigación en las últimas décadas identifican que las obras namban se conforman de herencias artísticas de diversas regiones del mundo que estaban conectadas a través de las rutas transoceánicas portuguesa y española. De igual modo, el arte namban japonés influyó en las producciones artísticas del otro lado del mundo. En resumen, el arte namban no puede entenderse sin tener en cuenta sus implicaciones globales. Este artículo dilucida los cambios en la comprensión epistemológica del arte namban y sus redeiniciones mediante una revisión historiográica. También resalta la importancia de América hispánica en los mecanismos de intercambio artístico. Estas interacciones se dieron de manera mutua, ya que el Nuevo Mundo es una de las regiones donde el arte japonés tuvo una influencia significativa en las producciones locales. Para ejemplificar este fenómeno, este trabajo aborda la influencia del arte namban en la pintura mural El gran martirio de Japón en 1597 en Cuernavaca, Morelos, México. Resumo Tradicionalmente, a arte namban tem sido vista como um simples produto de intercâmbios entre Japão, Portugal e Espanha. A historiografia tende a se centrar unicamente nas contribuições artísticas da Companhia de Jesus por estabelecer uma escola de pintura no Japão. Deste modo, tem sido enfatizada a relevância da rota indo-portuguesa na história intercultural. Não obstante, os avanços nas pesquisas das últimas décadas identiicam que as obras namban se conformam como herança artística de diversas regiões do mundo que estavam conectadas através das rotas transoceânicas portuguesas e espanholas. De igual modo, a arte namban japonesa influiu nas produções artísticas do outro lado do mundo. Em resumo, a arte namban não pode ser entendida sem ter em conta suas implicações globais. Este artigo clariica as mudanças na compreensão epistemológica da arte namban e suas redeinições mediante uma revisão historiográica. Também ressalta a importância da América hispânica nos mecanismos de intercâmbio artístico. Estas interações se deram de forma mútua, já que o Novo Mundo é uma das regiões onde a arte japonesa teve uma influência significativa nas produções locais. Para exemplificar este fenómeno, este trabalho aborda a influência da arte namban na pintura mural O grande martírio do Japão em 1597 em Cuernavaca, Morelos, México.

The goal of the present paper is to outline the first steps Archaeology took before becoming a scientific discipline. It will be proved that from the first civilizations that populated the Near East area, passing by several examples from the Americancivilizations till the nineteenth century, human beings have constantly been curious to discover their origins through material evidence. These remote antecedents will constitute the basis upon which the Archaeological science as we know it nowadays will be set. En el presente artículo se pretende esbozar los primeros pasos por los cuales transita la arqueología antes de consolidarse como disciplina científica. Se demostrará que desde las primeras civilizaciones de Oriente Próximo, pasando por ejemplos en las civilizaciones americanas hasta el siglo XIX, la curiosidad del ser humano por conocer sus orígenes a través de las evidencias materiales ha sido una constante. Estos antecedentes remotos constituirán la base sobre la que se configurará la ciencia arqueológica tal y como la conocemos hoy.

En 1983, a poco más de un año de finalizada la Guerra de Malvinas, y aún no concluido el gobierno de facto del Proceso de Reorganización Nacional (1976-1983), el grupo independiente Teatro Rambla (La Plata, Provincia de Buenos Aires) estrenó "Laureles", pieza de un valor excepcional para la historia de las representaciones del conflicto bélico en el teatro argentino. Se trata de una de las primeras representaciones explícitas de la Guerra de Malvinas en la escena nacional, al mismo tiempo, fundacional y anticipatoria. En el presente artículo focalizaremos en la condición posescénica y heteroestructurada de su texto dramático, resultado de un complejo proceso de composición del antes, durante y después de los ensayos, así como de una investigación territorializada en La Plata sobre la Guerra de Malvinas., In 1983, more than a year after the end of the Malvinas War, and but still in the context of the de facto government of the National Reorganization Process (1976-1983), the independent group Teatro Rambla (La Plata, Province of Buenos Aires) premiered "Laureles", a piece of exceptional value for the history of representations of the war in the Argentine theater. It is one of the first explicit representations of the Malvinas War on the national scene, at the same time foundational and anticipatory. In this article we will focus on the post-scenic and heterostructured condition of this dramatic text, the result of a complex composition process before, during and after the rehearsals, as well as a territorialized investigation in La Plata on the Malvinas War., Facultad de Artes

Nuestra tesis se ha centrado entre el periodo de la proclamación de la Segunda República (1931) y el primer franquismo (década de los cincuenta) en la ciudad de Cuenca. Una de las principales características que encontramos en esta época es el problema de la cuestión religiosa, fruto de las primeras medidas del nuevo régimen republicano, es decir, la separación Iglesia-Estado. Pues a los pocos días de la proclamación, las revueltas de trabajadores en el primer día de mayo provocaron otro fenómeno para mayor crispación de la Iglesia: la quema de conventos, empezando en Madrid y extendiéndose por el Levante y Andalucía. Por estas líneas llegamos al centro de nuestro trabajo, Cuenca, ciudad que permaneció prácticamente en calma y ajena a todos estos acontecimientos que se vinieron sucediendo en el resto del país. No podemos descartar que no hubiera hechos aislados de concejales en contra de la Iglesia conquense, pero no llegaron al alcance de otras capitales. Sin embargo, tras las elecciones de febrero de 1936 y la llegada al poder del Frente Popular del estado de tranquilidad se pasó a los enfrentamientos. El más destacado fue el ataque al convento de los Padres Paúles en mayo de ese mismo año. El comienzo de la Guerra Civil trajo a Cuenca el odio y la muerte entre convecinos, destacando, en agosto, la del Obispo de la Diócesis Cruz Laplana y su secretario Fernando Español, brutalmente fusilados a las afueras de la ciudad. Pero no solo la muerte de personas, especialmente religiosas, sino que se acabó con la imaginería procesional que enriquecía la Semana Santa de Cuenca, famosa ya en aquellos años por su transcendencia turística. Se destruyeron iglesias enteras y con ellas su patrimonio artístico y religioso. El final de la guerra y el nuevo ideario nacionalcatolicista de Franco favoreció a la recuperación patrimonial religiosa, sobre todo de la imaginería procesional de la ciudad, hasta el punto de poder contar con obras de escultores de gran renombre en aquella época, como, por ejemplo, el conquense Luis Marco Pérez; Federico Coullaut-Valera, quien también trabajó para los círculos más cercanos del dictador; o José Capuz Mamano, entre otros. Gracias a la recuperación del patrimonio religioso, que con creces mejoró lo que existió antes de la guerra, la Semana Santa de Cuenca se declaró Fiesta de Interés Turístico Internacional. Pero también entran en valor otras características y peculiaridades por las que apostamos por la importancia de esta fiesta como manifestación de patrimonio inmaterial.