Search

El presente pretende describir las líneas generales del contexto teórico en el que se inscriben la creación y la concepción dramáticas del primer Lope. Se trata, así, de establecer el grado de desarrollo del sistema conceptual que sustenta la idea de teatro, proporciona las categorías y legitima los procedimientos puestos en juego en la creación y formulados luego en la teoría del Arte nuevo. Además, el estudio procura establecer en qué medida Lope recibe y, por su parte, formula una verdadera teoría teatral, lo que exige determinar, antes de nada, si la reflexión sobre el teatro cuyo caudal hereda y transmite Lope es autónoma, o bien, subsidiaria con respecto a otras disciplinas, factor este último que impediría una consideración exenta e integral de su objeto. Cuando el joven Lope inicia su carrera de dramaturgo, el entrecruzamiento de líneas doctrinales aparece complementado y, en buena medida, impulsado por el dinamismo de una tradición teórica cuyas etapas han ido generando concepciones del teatro que han mantenido su vigencia en el humanismo renacentista y cuya influencia continúa cuando se produce el surgimiento del teatro como espectáculo y de la comedia barroca como su forma predominante. En consecuencia, este trabajo incluye un marcado enfoque diacrónico, que debe permitir mostrar las etapas de aquel secular proceso de conformación de una dramática o teoría específica sobre el teatro, mostrando los avances y retrocesos de la evolución, así como el punto en que ésta se encuentra cuando Lope de Vega formula su propia teoría., This work analyzes the theoretical context before Lope de Vega’s “Arte nuevo de hacer comedias”.

La irrupción, plenamente fecunda, de Juan Ignacio Ferreras en el campo de la creación teatral supone en 2006 un acontecimiento tan alejado de los ecos encomiásticos que suele brindar la proximidad a los círculos del poder artístico, como rico en consideraciones de gran calado en los niveles más verdaderamente esenciales de la historia del teatro y de la entidad conceptual y estilística de la obra del propio autor. El dramaturgo produce su obra teatral mayor en una fase avanzada de su trayectoria biográfica, la cual, a su vez, se corresponde con sendas y dilatadísimas trayectorias en los ámbitos creativo e intelectual. Este autor, a quien se debe la investigación tal vez de mayor alcance acontecida en la historiografía de la narrativa española, tiene de sobra atestiguados los perfiles de historiador de la novela y, en menor medida, del teatro, como lo muestra cualquier consulta a los repertorios bibliográficos más comunes, así como también a los más especializados. A las consiguientes labores de lectura de textos, recopilación de datos, elaboración de descripciones, trazado de tendencias y evidenciación de fenómenos literarios de alcance general -generadoras todas ellas de bien fundamentados hábitos de reflexión y de trabajo conceptual-, une Ferreras el enorme caudal de una experiencia vital que ha navegado las aguas bravas de nuestra época, especialmente convulsa en el terreno del pensamiento, nadando a brazo partido en el torrente de la vida, cuando no inspeccionando con precisión sus procelosas corrientes desde el prisma del pensador y del estudioso. Dichas consideraciones abren, al mismo tiempo, un sugerente haz de paradojas que afectan a diversos aspectos del teatro de Ferreras y cuya evidenciación resulta, por lo tanto, necesaria para dar cuenta de la notable singularidad del mismo. A ello pretende contribuir el presente trabajo, dedicado al conjunto de la obra teatral de Ferreras, aunque sin dar cabida en el mismo a sus varios volúmenes de piezas breves. Así pues, se ofrece aquí un estudio integral y, a la vez, individualizado, de las once piezas extensas del autor, las cuales se agrupan en tres trilogías (Teatro de internos, Teatro de finales, Antiteatro), más otras dos piezas existenciales (Pasarela, Ha llegado Godot).

Este trabajo se proponer sistematizar un conjunto de reflexiones acerca del concepto de autoría teatral, a fin de arrojar alguna luz sobre la relativa variedad de las acepciones que ofrece hoy aquel término y bajo las que subyacen, con frecuencia, concepciones integrales de la propia naturaleza del teatro y de los distintos elementos que intervienen en la creación y comunicación del hecho teatral. Para abordar su objeto, el estudio se sitúa de lleno en el ámbito de las teorías teatrales, esto es, de las grandes formulaciones que han producido sistematizaciones conceptuales acerca del teatro, con frecuencia estrechamente relacionadas con las manifestaciones escénicas adscritas a la estética que dichas formulaciones describen. Al mismo tiempo, la exposición adopta un enfoque plenamente inserto en la historia del teatro, en tanto que el intento de clarificar los sentidos actuales del término autor (y de otros que comparten su campo semántico) se lleva a cabo a través de la indagación en las dos líneas estéticas que se hallan situadas en la génesis inmediata de la diversidad que caracteriza hoy a dicha parcela semántica. Así, las dos teorías teatrales constituidas por el Naturalismo y por el Simbolismo (las cuales, complementándose, generan el inicio del teatro contemporáneo en los decenios finales del siglo XIX) explican, también para el propósito de este trabajo, la pervivencia de una doble línea que, aun en nuestros días, articula el conjunto de concepciones y términos referidos a la autoría teatral., This work analyses the concept of authorship in the contemporary drama through the main aesthetic directions generated by the Naturalism and the Symbolism. These two lines still influence in the current theatrical creation.

Revisión del artículo publicado en 2006, El presente trabajo se inicia con una reflexión sobre la dramaticidad que se inserta en el marco de una conceptualización, de más amplio alcance, relativa a la esencia de la obra teatral. Dicha conceptualización contempla la esencia teatral como la conjunción de las siguientes tres facetas esenciales: configuración, ficcionalidad y escenicidad. Atendiendo a la primera de ellas, se presenta el concepto de dramaticidad como el modo de configuración más próximo al ser propio del teatro y se define como la evidenciación preferente del conflicto y de la acción en la configuración de la obra teatral. A continuación, se señala que el concepto de dramaticidad permite hablar de diversos grados de la misma, basados éstos en el predominio e importancia de la instancia conflictual en el modo de configuración de la pieza. El estudio se plantea, en este punto, la consideración de una categoría constituida por la dramaticidad atenuada, la cual aparece referida a una determinada gama discernible en dicha variedad de grados adoptada por la dramaticidad. Partiendo de las posiciones conceptuales descritas, el trabajo analiza sucintamente el funcionamiento de los mecanismos atenuadores de la dramaticidad a través de tres de los principales ámbitos en los que (aplicando un procedimiento inductivo, que tiene en cuenta la realidad de las creaciones del teatro español actual) es posible contemplar la existencia de la dramaticidad atenuada: el género de la comedia, el género del drama (en una parte de sus manifestaciones) y el conjunto de las obras en las que se manifiesta la presencia de la ficcionalidad como elemento especialmente eficaz en la atenuación de los perfiles conformadores de la dramaticidad.

Estudio de la pieza "Nacimiento, pasión y muerte de... por ejemplo: tú" (1975), del dramaturgo español contemporáneo Jesús Campos, obra configurada como sucesión de partes emparentadas con la ceremonialidad, bien sea porque sus referentes se insertan en el ciclo vital general del ser humano, bien sea por su carácter de transposición de retazos de conductas colectivas dotadas de patrones rituales. El trabajo analiza los aspectos semánticos y formales de cada uno de los fragmentos de la obra, estableciendo como hipótesis que el Existencialismo dotó de contenido a las principales manifestaciones de la Revolución Experimental aportada por la segunda oleada vanguardista a la escena occidental y, en consecuencia, también al teatro español del período transitorio. Esta pieza de Jesús Campos aparece dotada de una notable variedad de referentes, tanto verbales como estrictamente escénicos, que hunden sus raíces en las fuentes primigenias del pensamiento occidental, hallando en el teatro algunas de sus manifestaciones más brillantes. En este sentido, "Nacimiento, pasión y muerte de... por ejemplo: tú" encuentra en la fusión de los conceptos de nacimiento y muerte un elemento referencial de primer orden, el cual, al tiempo que remite a la iconografía barroca y a la intertextualidad calderoniana, vincula también el pensamiento de la obra con la cumbre vanguardista que supone el teatro de Samuel Beckett. La pieza de Jesús Campos refuerza este legado intelectual y artístico con nuevos procedimientos expresivos, mostrando, como confirmación de la hipótesis planteada en el estudio y anunciada en el título del trabajo, la estrecha correspondencia entre las formas teatrales de vanguardia y la visión del mundo aportada por el pensamiento existencialista en la segunda posguerra del siglo XX.

El presente trabajo pretende servir como estudio introductorio al volumen “Obra Dramática. Trilogías”, en el que se publican las nueve obras teatrales mayores escritas hasta el momento por Juan Ignacio Ferreras, tal y como éstas se recogen agrupadas en las tres trilogías (Teatro de finales, Teatro de internos y Antiteatro) que conforman el libro. El estudio analiza estas piezas e inserta la obra ferreriana en la corriente de “teatro intelectual” presente en la creación teatral española del cambio de siglo., This work is the preface to “Obra Dramática. Trilogías”, de Juan Ignacio Ferreras. The nine plays are distributed in three trilogies (Teatro de finales, Teatro de internos, Antiteatro) and integrated in the Spanish tendency of “intellectual drama”.

Estudio de la pieza "El fuego de los dioses", del dramaturgo español contemporáneo Luis Riaza, obra cuya configuración se asienta, en primer lugar, sobre una nítida dramaticidad, que alberga un conflicto, recurrente en el teatro de Riaza, establecido por las relaciones de dominio y sumisión que mantienen las principales figuras dramáticas; y, en segundo lugar, sobre una anécdota vinculada a la mitología griega, viniendo a ser un trasunto (a la vez, degradado y paródico) de la peripecia atribuida a Prometeo. Por otra parte, el núcleo más profundo de la esencia conceptual de la obra viene dado por una reflexión que se inscribe en el Existencialismo, pensamiento que, especialmente a través de algunas de sus formulaciones de posguerra, se convirtió en el más fecundo referente de la vanguardia occidental. Dicho contenido, así como la perfecta asunción por Riaza de los postulados estéticos de la Revolución Experimental (manifestados aquí tanto en el plano compositivo, como en el de la concepción escénica), subrayan la inserción del teatro de Riaza y de una parte de la creación teatral española desde la Transición Política, en el pleno contexto de la vanguardia teatral.

Estudio de las dos piezas que integran el volumen (2005) titulado "Teatro del desarraigo (1)", de la dramaturga española contemporánea Mariam Budia, así como de los aspectos temáticos y formales que encierra el concepto expresado en el título. A través del mismo, materializa la autora percepciones y actitudes altamente caracterizadoras del individuo actual, mediante acciones dirigidas al descubrimiento de la alteridad, por lo que este teatro viene a ser teatro de orientación, esto es, de superación de la radical soledad del ser humano mediante la búsqueda del otro. Aunque dichos rasgos se analizan, de manera breve, en "Carlaño" (segunda de las obras que integran el volumen), el presente trabajo se centra especialmente en el estudio de "Al soslayo", pieza especialmente representativa del Teatro del desarraigo, en tanto que, a los aspectos de contenido ya señalados, añade unos procedimientos compositivos (tratamiento de la ficcionalidad, función del discurso, concepción del personaje, etc.) que, en consonancia con los primeros, inscriben plenamente la obra en el ámbito estilístico del Teatro Verbo, presente en el panorama creador del teatro español actual.

Este trabajo ofrece una visión panorámica de la presencia del universo republicano en el teatro actual, a través del estudio de las obras del teatro español creadas a partir de 1975 que contienen una ficcionalización del período de la Segunda República española. Se analizan algunas piezas especialmente representativas de entre aquellas cuyo referente coincide total o parcialmente con el período 1931-1939; esto es, las que sitúan su universo imaginario en los años del régimen republicano, bien sea en toda la duración del período, bien únicamente en una porción del mismo; y ya se trate de recreaciones exentas, o ya formen parte de ficcionalizaciones de períodos más amplios. El enfoque adoptado pretende mostrar distintas perspectivas desde las que el teatro histórico actual se ha acercado a la Segunda República española, evidenciando las distintas concepciones históricas que subyacen a las creaciones de los autores y que determinan no solamente los aspectos temáticos e intencionales de las obras, sino también sus aspectos compositivos.

Este trabajo constituye un acercamiento de carácter panorámico al teatro femenino español actual, es decir, a la creación teatral llevada a cabo por las dramaturgas españolas desde 1975. La contribución a la historia del teatro que este estudio contiene se complementa con el esbozo de una tipología de las piezas, realizado a través de algunas particularmente representativas del conjunto.

Estudio de la pieza "El rincón de don Miguelito" (1978), del dramaturgo español contemporáneo José María Rodríguez Méndez, obra concebida con la técnica de un mosaico formado por personajes y situaciones cervantinos, amalgamados aquí por la presencia del propio Cervantes, que contempla el espectáculo de la vida popular el día de su muerte, participando así del mismo por última vez. Dado que, en la configuración de la obra, uno de los elementos básicos viene constituido por la intertextualidad cervantina, el desarrollo del presente trabajo atiende inicialmente a catalogar aquellos personajes y fragmentos de acción cuya procedencia resulta posible identificar en el conjunto de las obras de Miguel de Cervantes. Así, la recreación por Rodríguez Méndez de los universos cervantinos alcanza a las "Novelas Ejemplares" ("La Gitanilla", "Rinconete y Cortadillo", "El Licenciado Vidriera", "El coloquio de los perros"), a las "Ocho comedias y ocho entremeses nuevos, nunca representados" ("Pedro de Urdemalas", "La cueva de Salamanca", "La guarda cuidadosa", "El retablo de las maravillas"), al Quijote y a otros textos de Cervantes, así como a algún otro de nuestra literatura áurea. El tratamiento otorgado a todos estos personajes y situaciones se halla en consonancia con la concepción de la existencia que caracteriza al autor, la cual resulta central en todo su teatro y conforma la piedra angular de la visión del mundo que anima su dilatada creación de teatro histórico: lo popular es la médula de lo social, por lo que, en las obras de Rodríguez Méndez, los problemas comunes a las grandes masas anónimas son aglutinados alrededor de los personajes que pueblan los universos ficticios extraídos de los géneros que abastecen la imaginación popular, bien sean éstos áureos o contemporáneos.

Estudio de las piezas breves "El caballo del caballero" y "Los infractores", escritas respectivamente en 1965 y 1969 por el dramaturgo español contemporáneo Carlos Muñiz, las cuales muestran una perfecta coherencia con el conjunto de la creación teatral del autor y, a la vez, un carácter paradigmático respecto a la estética en que dicha obra se inscribe, esto es, la vanguardia expresionista. El análisis de las mismas es realizado mediante la aplicación de los principios esenciales que articulan la teoría teatral expresionista, de manera que la remisión al plano teórico llevada a cabo en este trabajo, no sólo confirma la dimensión general del expresionismo muñiciano, asimilándolo a los rasgos de un sistema estético supralocal, sino que refuerza la centralidad doctrinal del mismo, vinculándolo con las fuentes directas del Expresionismo en su culminante formulación germánica de entreguerras y, muy especialmente, con la teoría del supradrama debida a Ivan Goll. Resulta posible, en consecuencia, comprobar que los procedimientos enunciados por este teórico y dramaturgo alemán en 1919 constituyen los respectivos núcleos compositivos de las dos piezas estudiadas. Carlos Muñiz aparece, de este modo, como el dramaturgo expresionista español por excelencia, en tanto que ofrece la sorprendente singularidad de cultivar de manera sistemática una estética que revitaliza cincuenta años después y que aplica, además, con un rigor conceptual y una precisión técnica sin parangón entre el resto de los autores españoles que se aproximan al Expresionismo teatral.

El presente trabajo pretende ofrecer una visión panorámica de las principales revistas editadas actualmente en España cuyos contenidos se relacionan con el ámbito del teatro. Se reflexiona, en el inicio del mismo, sobre la actividad intelectual surgida en torno a estas revistas y publicaciones regulares, insertando dicha actividad el campo de la crítica teatral, parcela específica, a su vez, de la epistemología del teatro. En su desarrollo, el estudio atiende a varios objetivos, que van desde la enumeración de las revistas teatrales de mayor relevancia en el panorama crítico español de nuestros días (para lo que se agrega a la mención de cada revista su dirección de correo electrónico y su página web), hasta la sucinta reflexión sobre las diferencias (de fines, expectativas y entidad) existentes en el conjunto notablemente emplio que se cataloga. En relación con este último objetivo, el presente trabajo contiene una sistematización de las publicaciones periódicas más importantes, bien sea por su influencia efectiva en la información y reflexión sobre el hecho teatral, bien por su implantación en los distintos sectores científicos, académicos, profesionales, institucionales, etc. Del análisis practicado se extrae la conclusión de que la cantidad y variedad de las revistas dedicadas hoy en España al teatro constituyen, por sí mismos, factores de carácter eminentemente positivo y esperanzador.

Este trabajo pretende realizar una contribución parcial a la biografía de Valle-Inclán, estudiando la actividad llevada a cabo por éste en el Ateneo de Madrid. Para ello, se consideran los aspectos biográficos, literarios y cívicos apreciables en las relaciones establecidas entre Valle y el Ateneo., This work analyzes the biographic, literary and civic aspects of the relations between Valle-Inclán and the Ateneo de Madrid.

El presente trabajo contiene una sistematización de las publicaciones periódicas posteriores a 1990 y relacionadas con la investigación teatral, ofreciendo la mención y datos de las que son consideradas más relevantes, tanto por su influencia efectiva en la información y reflexión sobre el hecho teatral, como por su capacidad de hacerse presentes a las comunidades científica, académica y profesional implicadas en dicha temática. Ateniéndose a los criterios de selección y ordenación que se exponen en la introducción del estudio, éste ofrece una catalogación complementada por los datos y direcciones de cada revista o publicación, a fin de asegurar el deseable contacto postal o informático entre el lector del trabajo y la publicación que despierta su interés. Por otra parte, alternan en la enumeración las revistas impresas con aquéllas que se editan únicamente en soporte informático y, también, con las que aúnan ambos modos de difusión. El ámbito de edición y distribución considerado es el de toda la comunidad teatral hispánica, de modo que, si bien se atiende especialmente a las publicaciones editadas en España y en idioma castellano, se procura otorgar también atención a una parte de las muchas y muy meritorias que se editan en la América de habla hispana, así como a algunas de edición nacional redactadas, bien sea de modo bilingüe o monolingüe, en los idiomas cooficiales de España.

Este trabajo se inserta en el ámbito de la historia del teatro y pretende, en concreto, realizar una contribución a la historia del teatro español actual, mediante un intento de sistematización (y de somera descripción) de las formas teatrales apreciables a través de los textos de las obras. A la vez, desde el punto de vista metodológico, el presente estudio se inserta en una perspectiva formal, en tanto que intenta, por un lado determinar los estilos teatrales comunes a grandes grupos de obras, entendiendo aquel concepto referido tanto a los aspectos esenciales o compositivos de las piezas como a sus materializaciones escénicas; y, de otro, insertar dichos grupos y sus respectivas características formales en un conjunto sistematizado de ámbitos estilístico-formales apreciables en la creación teatral llevada a cabo por los autores españoles en la época democrática.

Estudio de la pieza "La felicidad de la piedra" (1993), del dramaturgo español contemporáneo Alberto Miralles, drama que, en el plano compositivo, se caracteriza por el predominio del modo de configuración teatral deparado por el eje de la narratividad, en tanto que su universo imaginario se articula en torno a un enigma que debe ser resuelto y a una intriga constituida precisamente por el itinerario de dicha resolución. En el plano de la ficcionalidad, la obra ofrece una filiación con la serie negra, recreando así un universo atenido a las figuras y convenciones propias, en la novela y el cine actuales, de dicha temática. Como marco, la ciudad de Valencia es sometida a un brillante proceso de esencialización, que vincula sus datos más objetivos a la celebración de las fiestas falleras. Como en otros varios títulos notables del autor, la base realista aparece aquí trascendida por una sutil elaboración, que ubica esta creación en la esfera sofisticada y rica de la convención artística de ley. Por otra parte, la clara voluntad estilística que revela una condición de verdadero literato en este autor, se apoya en un registro lingüístico de notable elevación y dilatada elegancia. Al mismo tiempo, el texto se muestra plenamente capaz de evidenciar la puesta en escena virtual diseñada por el autor, revelando así la proximidad del estilo escénico de la pieza a modos genuinos de la dramaturgia de Alberto Miralles, tales como la utilización de técnicas procedentes del teatro épico brechtiano.

El presente trabajo intenta sistematizar un conjunto de reflexiones destinadas a proveer una consideración teórica de la crítica teatral, que, de un lado, inscriba la actividad crítica en el proceso más amplio de la comunicación teatral y, de otro, contribuya al esclarecimiento de la cuestión relativa a la validez de la crítica como instrumento apto para la metodología del estudio y de la didáctica del teatro, propiciando así su posterior aplicación al análisis de las obras teatrales. El desarrollo del mismo procede, en primer lugar, a diferenciar dos niveles críticos, constituidos respectivamente por las denominadas crítica inmediata y crítica de investigación. La actividad crítica es situada en el ámbito científico de la recepción teatral, concepto éste último a cuya síntesis se procede en líneas generales, exponiendo también los que son considerados aspectos constitutivos del mismo. La inserción de la crítica en la instancia de la recepción teatral se contempla, tanto en su génesis (inscripción en un proceso comunicativo de carácter teatral), como en su posterior sistematización (codificación de una reflexión con base empírica). En su parte central, el estudio lleva a cabo una conceptualización de carácter sistemático, referida a la esencia o naturaleza de la actividad crítica, así como a la determinación de su objeto y de los consiguientes aspectos conformadores del mismo. El trabajo concluye considerando la validez metodológica de la crítica teatral y sistematizando las funciones que pueden derivarse del empleo de las críticas teatrales, en tanto que fuentes de investigación de singular eficacia en los distintos ámbitos y disciplinas relacionados con el hecho teatral.

Estudio de la pieza "La camisa" (1960), del dramaturgo español contemporáneo Lauro Olmo, drama cuyo valor universal emana de su concreta historicidad, esto es, del acierto y eficacia con que se inserta en su propio contexto socio-histórico, constituyendo un reflejo clarificador del mismo. En ella, el autor practica un corte perfectamente delimitado en el tiempo (veintidós días de finales del verano del mismo año de su composición), en el espacio (fragmento de suburbio madrileño constituido por calle, solar y chabola) y en el estrato social (proletariado urbano). A dichos elementos aplica Olmo un proceso de recreación imaginaria que, si se enraiza en el Naturalismo, halla nuevos procedimientos en la reconversión que, sobre la tradición naturalista, practica la estética del Realismo Socialista. Considerando que, dada su innegable condición de obra clásica en la historia del teatro español del siglo XX, existe una abundante y valiosa bibliografía sobre la misma, el presente estudio se dirige a subrayar aspectos concretos tales como las razones de su vigencia en nuestros días, la elevada conciencia de historicidad que envuelve su retrato del universo popular madrileño de 1960 y, finalmente, el análisis -a la luz de la consideración anterior- de los tres personajes sobre los que se asienta de modo principal el conflicto que articula la dramaticidad de la pieza.

Revisión del artículo publicado en 2004, El presente estudio constituye un intento de definición del género comedia y, en consecuencia, de sistematización de la diversidad de subgéneros que configuran tanto su campo conceptual como sus manifestaciones en la historia teatral contemporánea. El desarrollo del trabajo adopta un procedimiento inductivo, que utiliza como base analítica el conjunto de las obras del teatro español posterior a 1975 que comparten de algún modo las características que aquí se elevan al rango de comunes. Al mismo tiempo, se recurre a la historia del teatro para clarificar y sustentar, no sólo la tarea de determinar la base empírica de la conceptualización abordada, sino también la adecuada percepción de los procesos que contemplan el nacimiento contemporáneo del género y proporcionan, con ello, algunos de los rasgos conformadores de su actual naturaleza. Así, a la definición del concepto, sigue la exposición de las líneas básicas constitutivas de su génesis contemporánea en el marco del teatro francés de bulevar. En su parte final, el estudio analiza la tipología actual del género, sistematizando y definiendo, como subgéneros principales, los de comedia de evasión, comedia de humor y comedia dramática.

El objetivo de este trabajo es exponer un conjunto de consideraciones acerca del concepto actual de autor teatral, señalando de manera esquemática algunos apuntes sobre la problemática que afecta tanto a dicho concepto como a las funciones que de él se derivan, y atendiendo a los aspectos terminologicos, funcionales y académicos del tema abordado.

Revisión del estudio publicado en 2003 con el título "El género comedia en el teatro español actual: aproximación conceptual y estudio panorámico", El presente trabajo, situado en el ámbito de la historia del teatro español posterior a 1975, constituye un estudio destinado a revelar especialmente (teniendo en cuenta la existencia de una bibliografía adecuada para el período la Transición Política) el panorama constituido por los comediógrafos y las comedias de la época democrática, esto es, la comprendida entre el año 1983 y nuestros días. Partiendo del planteamiento de algunas cuestiones previas específicas del género de la comedia y de sus actuales manifestaciones, se practica un análisis apoyado en la caracterización conceptual del género y en la determinación, como génesis inmediata del mismo, del modelo constituido por la pieza bien hecha surgida y desarrollada en el teatro francés de bulevar. El cuerpo principal del estudio está dedicado a la sistematización de las piezas del teatro español actual que permiten ser adscritas al género de la comedia, clasificándolas en las tres modalidades o sugbéneros (comedia de evasión, de humor y dramática) que, procediendo empíricamente a partir del corpus considerado, resulta posible diferenciar en la más reciente etapa de la historia teatral española.

This article examines the influence of history conceptions among the playwrights of the so-called radical tendency. Most frequently, these authors apply to their plays their Marxist and revisionist views about history. Revisión del artículo publicado en 2003 con el título "La teoría del drama histórico a través del teatro de la subtendencia radical", El presente trabajo parte de la diferenciación, existente en el seno de la teoría teatral marxista, de dos formulaciones diferentes constituidas por el Realismo Socialista y por el Teatro Épico, las cuales, aunque comparten un objetivo ideológico común, deparan dos distintos estilos de notoria fecundidad en el teatro europeo del siglo XX. Las concepciones de la historia derivadas del pensamiento marxista subyacen a la notable producción de teatro histórico llevada a cabo, en la escena española posterior a 1975, por autores como José Martín Recuerda, Alfonso Sastre, Domingo Miras, Manuel Martínez Mediero, Jerónimo López Mozo y Luis Matilla, juntamente con algún colectivo como Tábano, cuyas obras muestran rasgos que permiten considerar la existencia de una corriente radical en el teatro español del período transitorio (tardofranquismo y Transición Política). Desde estas coordenadas, y asumiendo como hipótesis principal la homología entre los conceptos históricos presentes en este teatro radical y los que subyacen a los dos principales estilos teatrales surgidos de la aplicación del marxismo a la teoría teatral, se adopta como base empírica del presente estudio un corpus constituido por las principales obras históricas de dichos autores, a partir de cuyo análisis sistemático se intenta determinar la vinculación predominante de aquel teatro radical, bien con la teoría y práctica del Teatro Épico, bien con los cauces intelectuales y compositivos de la doctrina del Realismo Socialista.

This article examines the influence of history conceptions among the playwrights of the socalled radical subtendency. Most frequently, these authors apply to their plays their Marxist and revisionist views about history., Este articulo evalúa la influencia del concepto de lo histórico en los autores del teatro crítico radical. De manera predominante, el punto de vista sobre la historia aplicado a sus obras se adscribe a los principios del realismo socialista.

Estudio de la pieza "El niño no para de crecer por dentro" (2002), del autor español contemporáneo José Manuel Arias Acedo, obra que muestra una mentalidad de superación / separación, propia del contexto democrático de la sociedad española actual, en tanto que materializa actitudes individuales, que ponen su énfasis en el conflicto interior que la relación con el entorno plantea a los individuos -muy especialmente, en los sectores de población más jóvenes- de nuestro tiempo. La modalidad genérica de la obra muestra una particular forma de adopción de los modos de la comedia, que revela, en este caso, no tanto el afán de supervivencia en los procesos del mercado teatral, cuanto el deseo de abordar de manera aparentemente intranscendente cuestiones cuya consideración se halla desprovista de cualquier asomo de transcendencia. Por otra parte, el estilo teatral de "El niño no para de crecer por dentro" se aproxima a las formas propias del ámbito del Teatro Verbo, presente en el panorama estético del teatro español actual.

Revisión del estudio publicado en 2002, Este trabajo pretende realizar una contribución a la investigación sobre el teatro español contemporáneo a través de un triple objetivo: atender a los elementos específicamente estéticos de la creación teatral (mediante el esbozo de las formas o estilos presentes en el teatro actual), realizar una valoración del teatro del período transitorio (últimos años sesenta y década siguiente, esto es, tardofranquismo y Transición Política) y desvelar las relaciones existentes entre el teatro de aquel período y el teatro de la época democrática, esto es, el teatro actual. De manera consecuente con dichos objetivos, el estudio asume como hipótesis para la sistematización formal del teatro español actual la existencia de las siguentes vías o cauces estilísticos: formas de la espectacularidad, formas de la dramaticidad y formas de la textualidad. De igual modo, se establece la asimilación de las transformaciones producidas en el teatro español del período transitorio a la revolución experimental llevada a cabo en el teatro occidental en las décadas precedentes. Así también, por último, se describe la capacidad renovadora del teatro de aquellos años, a través del análisis de la efectiva contribución de los estilos teatrales entonces vigentes a la formación y desarrollo de los cauces formales de nuestro presente teatral.

Este trabajo pretende llevar a cabo una aproximación a la teoría teatral del clasicismo francés, empleando como fuente principal la deparada por el pensamiento trágico raciniano y, en particular, por el Préface colocado por este autor al frente de la publicación en 1674 de su tragedia "Berenice" (estrenada en 1670). En efecto, los modos de la teatralidad característica de esta pieza, así como del resto de las grandes creaciones de este autor y de su contemporáneo Pierre Corneille, revelan procedimientos que informan -en el campo general de la teoría del teatro- acerca de trascendentales cuestiones relacionadas con la concentración dramática, con el efecto teatral y con el rendimiento de la verbalidad en la articulación de la acción dramática, las cuales vienen a constituir, por otra parte, principios configuradores de formas teatrales de notable vigencia en diversos períodos de la historia del teatro occidental contemporáneo. El sistema estético clasicista, así como, en particular, el pensamiento dramático que acoge, adquieren en la historia del teatro occidental una notable vigencia que se extiende a lo largo de casi tres centurias, desde su surgimiento en el seno de las artes europeas del Renacimiento hasta su culminación en el sistema estético dominante en la Francia del siglo XVII y su posterior asunción por los diversos neoclasicismos europeos del siglo siguiente. Entre los aspectos constitutivos de esta teatralidad clasicista, se analizan en este estudio los referidos a las reglas clásicas (especialmente, el relacionado con la denominada unidad de acción), al efecto trágico constituido por la catarsis y al funcionamiento del discurso performativo, con especial atención, en relación con este último aspecto, al efecto modelizante deparado por el metro alejandrino.

Este trabajo persigue, en primer lugar, la sistematización de un conjunto de reflexiones en torno a la pieza "El valiente negro en Flandes", obra de Andrés de Claramonte, cuya edición princeps es de 1638 y que se inscribe plenamente en la estética de la comedia española del barroco. De manera concreta, se analiza un elemento de singular importancia en el dramatis personae, cual es la figura del gracioso, encomendada en esta obra al negrillo Antón. Se indagan las raíces que la comicidad suscitada por este personaje halla en el teatro español anterior, especialmente en los tipos populares que pueblan los pasos de Lope de Rueda. La línea conceptual que rige la investigación contenida en este estudio se complementa con la atención a los aspectos estrictamente pertenecientes al ámbito de la escenicidad, extrayendo del análisis conclusiones orientadas a desvelar las posibilidades que se derivan, tanto de la obra elegida como del planteamiento metodológico adoptado, en el terreno de la didáctica del teatro.

Bajo la evocación borgiana de su título, este estudio intenta sistematizar una serie de reflexiones en torno a dos de los colectivos más importantes del teatro español actual, cuales son Els Joglars y La Cuadra de Sevilla, al frente de los cuales se hallan, respectivamente, los autores-directores Albert Boadella y Salvador Távora. De manera concreta, se parte del análisis de sendas obras, coetáneas entre sí, que son "La increíble historia del Dr. Floit & Mr. Pla", del grupo catalán, y "Carmen. Ópera andaluza de cornetas y tambores", de la compañía sevillana. Se trata, en ambos casos, de creaciones de madurez, concebidas tras dilatadas trayectorias caracterizadas por la coherencia con que los colectivos que las han protagonizado han enriquecido el panorama teatral español contemporáneo. Desde el punto de vista de la evolución de nuestra historia teatral, la relación establecida entre estas creaciones de plenitud y la obra anterior de sus autores depara algunas reveladoras consideraciones sobre los trayectos recorridos, no sólo por los modos de creación colectiva (especialmente adoptados por los que se denominaron grupos independientes), sino también por el conjunto más general de la creación teatral española de los años transitorios, caracterizada en buena medida por la búsqueda de nuevas formas y por la incorporación de las transformacones aportadas por la revolución experimental de raíz vanguardista. En el contexto de dicha evolución, las dos obras analizadas adquieren el valor de sendas culminaciones en las trayectorias creadoras de La Cuadra y de Els Joglars, en tanto que a través de las mismas es posible apreciar la vigencia de fórmulas escénicas que, aunque dotadas de diferentes grados de evolución, constituyen vías nítidamente discernibles entre la variedad de estilos creadores puestos en práctica por nuestros dramaturgos de hoy.

Revisión del estudio publicado en 2000, Partiendo de una nueva reposición de la pieza de Jacinto Benavente "Los intereses creados", se utiliza como base inicial para este trabajo la diferenciación entre la crítica inmediata, publicada en la prensa periódica en aquella ocasión, y la crítica de investigación, a la que incumben tareas de sistematización generadas por la inserción de la obra en la historia del teatro español contemporáneo. Situado en el segundo de los ámbitos señalados, el estudio esboza las líneas básicas de aquella sistematización, explicando, en primer lugar, la pieza desde el juego de las mediaciones en las que se inscribe el teatro español de 1907; aplicando, a continuación, desde criterios estrictamente estéticos, las categorías estilísticas que se proyectan sobre dicha creación benaventina (especialmente, las teatralidades simbolista y del arte), a cuya luz se trazan los principales rasgos compositivos y formales de la misma; considerando, asimismo, desde dicha perspectiva los principales aspectos que afectan a la recepción de la obra, desde el inicio de su trayectoria escénica hasta nuestros días; y situando, finalmente, la pieza en el seno de la corriente teatral que tiene en Benavente a su máximo representante y que halla, como principal referente para su génesis y evolución, la tradición de la obra bien hecha surgida de la escena francesa del bulevar a mediados del siglo XIX y cultivada sin interrupción hasta el teatro de nuestros días.

Estudio de la pieza "Naufragar en Internet" (1999), del autor español contemporáneo Jesús Campos, obra de notable modernidad, tanto por la importancia de las cuestiones técnicas que propone como por los temas que plantea. El texto de "Naufragar en Internet" revela unos procedimientos compositivos notablemente singulares, que propician gratas sorpresas en la representación prevista por el autor, caracterizan fuertemente la escritura de la obra y guardan relación con la extensa labor de escritura teatral de Jesús Campos. Así, llama la atención la contundente desproporción que, en el campo interpretativo, se da entre el plano inmediato y el plano ficticio, de manera que, siendo obra para un solo actor, presenta un universo poblado por un número mucho mayor de personajes (no encarnados aquí, a diferencia de otras muchas obras en la historia del teatro, por aquel intérprete), procedimiento que se inscribe en la labor de experimentación con series de códigos escénicos llevada a cabo por el autor en anteriores obras. El núcleo conflictual de la pieza viene dado por la relación cognoscitiva del individuo (inmerso en un estado mental post-mortem) con la realidad que es objeto de su percepción y constituye la base de su experiencia. De acuerdo con los rasgos de identidad del individuo actual, la interpretación del sentido de "Naufragar en Internet" permanece abierta y dispuesta para el disfrute de su mundo de bellezas sutiles por parte del espectador y del lector.

Estudio de la pieza "A ciegas" (1997), del dramaturgo español contemporáneo Jesús Campos, en cuya representación se produce (de acuerdo con la previsión creadora y textual del autor) la eliminación absoluta de los signos visuales, deparando un especial modo de comunicación con el espectador. El carácter decididamente experimental derivado de la distorsión perceptiva a la que es sometido el receptor aparece reforzado, en esta obra de post-vanguardia, por una indudable complejidad temática y conceptual, fundada en una eficaz forma de descoyuntamiento que afecta fundamentalmente a la filiación genérica de la pieza.

Revisión del estudio publicado en 1998, Estudio de la pieza "Las herederas del sol" (1973-1977), de Ricardo López Aranda, dramaturgo español contemporáneo que, en esta obra, se interroga acerca del proceso de cambios que conforman la Transición Política española, así como acerca de la determinación que dicho proceso está a punto de ejercer sobre el inmediato proyecto vital de los individuos. De esta manera, el universo de la pieza recrea la transformación traumática de una situación que, nacida en el pasado, ejerce una acción opresiva contra unos seres que intentan subvertir el orden vigente para poner fin a aquel estado de cosas insostenible para ellos. La homología con el proceso político-social de la Transición resulta evidente y, por lo mismo, dota al contenido de la obra de una dimensión simbolizadora que se extiende igualmente al conflicto y a los personajes que lo sustentan. Sin embargo, pese a que la utilización alegórica de un conflicto teatral puesto al servicio del intento de comprensión global del cambio social y político inscribe la pieza de Ricardo López Aranda en una tendencia bien apreciable en el teatro del período transitorio, el estilo escénico previsto por el autor singulariza esta pieza, aproximándola al molde compositivo procedente de la obra bien hecha.

Estudio de la pieza "La espera" (1960-61), del autor español contemporáneo Ricardo López Aranda, obra cuyo muy estimable valor (así como, parcialmente, también su prolongada condición de inédita) debe ser puesto en relación directa con su especial configuración estética en el contexto del teatro español contemporáneo e, incluso, de la obra conocida de su autor. Se trata de un drama esencialmente abstracto (y, por lo mismo, radicalmente alejado de todo anecdotismo trivializador), dotado de intensa concentración dramática y densa textura compositiva, que revelan una ideación rigurosa y fielmente atenida a la consecución de un determinado efecto intelectual, mostrando al mismo tiempo influjos y coincidencias respecto a las primeras manifestaciones de las vanguardias teatrales europeas. Así, en el plano estético, el antidrama que, en definición del propio Ionesco, configuraría la esencia del Teatro del Absurdo, proporciona, en La espera, la base compositiva en la que se insertan los elementos provenientes de la esencia teatral simbolista, anticipando a la vez, en esta pieza, el tipo de referencialidad que será característico del drama alegórico del período transitorio. Por su parte, el contenido de la obra viene dado por la expresión de esa angustia existencial e histórica, tan propia del individuo europeo de la segunda posguerra del siglo XX, como presente en muchas de las creaciones de la revolución experimental de los años siguientes.

Revisión del artículo publicado en 1998 bajo el título "Panorama del teatro español último (1983-1996)", El presente trabajo pretende establecer una aproximación a la creación teatral llevada a cabo por los dramaturgos españoles una vez acabado el período de la Transición Política. La sistematización del objeto de este estudio (constituido por los autores y obras más representativos de la historia del teatro español entre 1983 y 1996) se basa en la consideración de unas corrientes creadoras que, a su vez, se hallan presentes en el teatro español de todo el siglo XX y sobre cuya vigencia en el período señalado se reflexiona en el desarrollo del trabajo. Dichas corrientes o cauces comunes poseen una naturaleza eminentemente formal, en tanto que constituyen grandes vías o modelos compositivos que funcionan, en el acto de la creación teatral, como referentes paradigmáticos en relación con los cuales establecen los dramaturgos la previsión de los estilos escénicos que configuran sus obras. Por otra parte, el concepto de corriente creadora revela, en razón de su propia composición semántica, el carácter dinámico y solidario que posee la creación artística y que se traduce en la influencia progresiva, sobre cada autor, de la obra de sus antecesores y de la de buena parte de sus coetáneos.

Revisión del estudio publicado en 1997, Estudio de la pieza "Triple salto mortal con pirueta" (1997), del autor español contemporáneo Jesús Campos, obra que, al tiempo que muestra la realización plena de las características que singularizan la dilatada creación teatral de este dramaturgo, se inscribe de manera paradigmática en el seno de una corriente aprecible en el teatro español actual. Los dramaturgos que la conforman, al reflexionar en sus obras sobre los marcos convivenciales de la sociedad española, practican una suerte de indagación formal que, con frecuencia, se materializa en un tipo específico de obra, cuyos rasgos evidencia con nitidez la pieza analizada en este trabajo. Se trata, en efecto, de un drama de notable densidad comunicativa, tanto por la carga conceptual que conlleva, como por una concentración compositiva articulada en torno a un evidente conflicto (con frecuencia sostenido por un reducido número de personajes) y desarrollada mediante una progresión dramática basada en la sucesión de correlaciones de las fuerzas encarnadas por los agonistas y en la eficaz dosificación de las partes que transmiten la narratividad de la trama.

Se pretende, a través de este estudio, llevar a cabo una aproximación al teatro histórico ofrecido a los escenarios por los dramaturgos españoles una vez finalizada la dictadura, esto es, desde que se produce el actual proceso democrático español. En consecuencia, son objetivos del presente trabajo, en primer lugar, trazar un marco general que permita ordenar el considerable conjunto de obras históricas estrenadas en aquellos años; en segundo lugar, determinar, a través de su reflejo en dichas piezas, cuáles fueron las diferentes actitudes apreciables en la sociedad española de la democracia con respecto a su pasado histórico común; así como, por último, esbozar las tendencias que recorren la etapa de la historia del teatro comprendida en este análisis.

Este trabajo, del que se ofrece aquí una versión revisada, fue publicado en 1996, en idioma polaco, bajo el siguiente título: "Symbolizm i postmodernizm: estetyka post-teatralna `Cyrana' Josepha-Angela"., Historically, Symbolism proposed the most important condensation and artistic manifestation of the idealistic trends that arose from the complex phenomenon of Pre-Romanticism. In theater, Symbolism offers a notably well determined theory that comes from a praxis of renowned playwrites such as Maeterlinck, Hauptmann and Ibsen. The Symbolist theatricality has been well codified and this is the basic principle of the Symbolist theatrical creation: to produce a vital show on stage. In 1885, Jean Moreás published an article which shifted the differentiating criteria from the 'decadent' to the 'symbolic', thus provoking a symbolist schism in the heart of French Decadentism. Edmond Rostand's "Cyrano de Bergerac" (drama debuted in Paris at the end of 1897) should be contemplated in this context because the drama's formal aspects and sensibilities correspond in many ways to those of the Decadent spirit. In his plays, Rostand puts into practice a dramatic line that is formally infused by the tradition of theater in verse but equally nourished by the ever-present Decadentist sensibilities and the aesthetic of dramatic and literary Symbolism. The elements borne of this 'turn of the century' spirit and the Symbolist aesthetic can be found in the Cyrano of our days though in distinct forms and with different meanings. This Cyrano, the Cyrano of our days, is Joseph-Angel's post-theatrical version entitled "Cyrano Parfumé" ("Cyrano's perfume"). This post-theatrical recreation of Rostand's "Cyrano" is selectively projected over some intense moments of French drama. Joseph-Angel inscribes his recreation of Cyrano in the heart of another spiritual category intimately related to the new turn of the century process, the Post-Modernity.

Este trabajo indaga la pertinencia del concepto de Posmodernidad como categoría descriptiva y analítica en los ámbitos de la literatura y del teatro contemporáneos, con especial referencia al contexto español de finales del siglo XX., This work explores the pertinence of apply the concept of Postmodernity as category of analysis and description of Spanish literature and drama.

La base empírica del estudio aparece constituida por el relato de Ignacio Aldecoa titulado "Young Sánchez" (publicado en 1970) y el drama de Fermín Cabal "¡Esta noche, gran velada...!" (estrenado en 1983). El procedimiento analítico adoptado viene dado por un cotejo de ambas obras literarias realizado desde la perspectiva del tratamiento compositivo que les otorgan sus autores, en correspondencia con sus respectivos momentos creadores en el seno de la corriente estética común constituida por el estilo literario realista. A partir del análisis realizado se muestra cómo, en el campo literario, la poderosa corriente del Realismo (pese a ser un estilo artístico ya centenario) evidencia un desplazamiento estético, con sus correspondencias ideológicas, apreciable incluso en intervalos temporales tan concretos como el que separa las fechas de creación de estas dos obras. Es revisión del artículo publicado en 1996 con el título "Realismo y post-realismo en la literatura y el teatro contemporáneos... en diez asaltos: repercusiones dramático-literarias de un directo al mentón", El presente trabajo contiene un conjunto sistematizado de reflexiones sobre la estética realista y sobre las particularidades que la misma presenta en nuestros días. La hipótesis inicial es que el Realismo, cuya esencia reside precisamente en la incorporación de la realidad exterior al artista como paradigma del universo de la obra, ha experimentado con el paso de los años un conjunto de variaciones que afectan, no sólo a los temas elegidos y al tratamiento de los mismos, sino al grado de realidad, que debe hoy medirse ante todo en términos de referencialidad existencial/referencialidad artística de los universos creadores y que aparece relacionado con las formas de percepción del entorno propias de este fin de siglo. El estudio concluye señalando la existencia (bien apreciable en la pieza teatral analizada) de otro tono y otros modos, acordes con otros propósitos y aspiraciones, que vienen a constituir una diferenciación, estilizada y recontextualizada, del tronco realista; y proponiendo el término Post-realismo como denominación que mantiene adecuadamente, en líneas generales, los términos de aquella diferenciación.

Este trabajo pretende estudiar las concepciones que, en relación con la categoría teatral del espacio, aparecen contenidas en las piezas del dramaturgo español Lauro Olmo, así como definir la tipología que presentan dichas concepciones, distinguiendo entre espacio naturalista, espacio realista, espacio convivencial y espacio contextual. Se introducen ejemplos procedentes de obras como "La camisa", "La pechuga de la sardina", "El cuerpo", "English spoken", "Pablo Iglesias", "Desde abajo" y "Luis Candelas, el ladrón de Madrid". El estudio se complementa con el planteamiento de cuestiones teóricas sobre el espacio escénico, partiendo de la conceptualización que proviene de la teoría teatral naturalista y de sus derivaciones en las diversas fórmulas realistas. Este planteamiento es consecuente con la adscripción, bien asentada en la historia del teatro español de posguerra, de la obra teatral de Lauro Olmo a los principios del realismo social, estética en la que inscriben sus piezas importantes dramaturgos que, con especial brillantez textual y relevancia artística, llevan a cabo durante los años sesenta del siglo XX una actividad creadora de talante predominantemente crítico con respecto al contexto social y político del período.

El presente libro constituye un estudio global, que, si bien proyectado sobre el teatro alcalaíno, pretende, en virtud del conjunto de datos que describen cada uno de los espectáculos, así como de las reflexiones y apreciaciones surgidas en torno a éstos, deparar un modelo de acercamiento al hecho teatral general desde la perspectiva de la recepción. Por ello, la organización en forma de capítulos dedicados monográficamente a cada espectáculo teatral, la presentación de una ficha descriptiva de las circunstancias espaciotemporales y de los medios humanos que han hecho posible cada representación y el ofrecimiento, por último, de diversos índices alfabéticos en las páginas finales, aparecen como instrumentos idóneos para la descripción externa del fenómeno teatral, tanto en su conjunto como en cada una de sus manifestaciones., Este libro pretende dar cuenta de la notable variedad de manifestaciones del hecho teatral producidas, durante los años señalados en su título, en Alcalá de Henares, ciudad universitaria española que, a la circunstancia de contar con una notable actividad escénica, une la fortuna de compartir habitualmente con Madrid, no sólo una selección muy representativa de los espectáculos exhibidos en la capital de España, sino también algunas de las primicias que, en forma de estrenos, aparecen cada temporada en el horizonte teatral. En la concepción del teatro que subyace a este estudio predomina el carácter escénico de las obras, por lo que se ponen de relieve los aspectos de su representación y de su recepción a través de sus materializaciones en forma de espectáculos teatrales. De acuerdo con dicha concepción, la investigación se está sirviendo de modo creciente de las críticas teatrales como privilegiados textos elaborados de manera reflexiva por un tipo especial de receptor que, situado en el mismo plano que el destinatario general de la obra, sirve de enlace entre ésta y aquél, fijando en su comentario la memoria de los contenidos conceptuales, de las circunstancias imaginarias y de los códigos expresivos emanados del escenario. En consecuencia, este libro se halla formado, en primer lugar, por la compilación exhaustiva de las memorias de los espectáculos contenidas en las críticas teatrales. Por otra parte, el método adoptado para el análisis intrínseco de las obras tiene en cuenta la evidente variedad de los elementos que intervienen en su recepción, de manera que se adoptan instrumentos de análisis capaces de dar adecuada cuenta de tal pluralidad, así como también de la actividad de creadores y colectivos, aspectos todos ellos constitutivos, en definitiva, del fenómeno de la recepción teatral.

Revisión del artículo publicado en 1995, En el teatro español de los primeros años setenta se produce la eclosión de concepciones teatrales y de técnicas creadoras que materializan la presencia real en nuestros escenarios de las nuevas formas dramáticas nacidas y desarrolladas con inusitado vigor en el contexto de la creación teatral europea. La influencia de las formas de vanguardia en el teatro español se anticipa nítidamente en la mayor parte de los casos al final de la dictadura franquista, por lo que la misión de inscribir en la historia de nuestro teatro contemporáneo el acta de aparición de tendencias homologables a las vanguardias occidentales del momento corresponde de manera primordial a dramaturgos que, a la altura del año 1975, contaban ya con una considerable labor creadora. El presente trabajo pretende dar cuenta de las respuestas que ofrecen los dramaturgos españoles en el ámbito de la creación teatral centrándose para ello en aquéllos que, contando con una considerable creación teatral ya en el tardofranquismo, muestran en sus obras la influencia de los nuevos elementos formales aportados por la revolución experimental que acontece en el teatro occidental desde los años sesenta y es generada por la evolución estética de las vanguardias históricas en la segunda mitad del siglo XX. Adoptando un enfoque metodológico enteramente atenido al fenómeno de la recepción escénica, la contemplación del hecho teatral subyacente a este estudio viene determinada por unos presupuestos que se atienen al siguiente doble y restrictivo plano: de un lado, la permanencia en cartel de las obras teatrales; de otro, los juicios de la crítica especializada aparecidos en los medios de prensa.

Revisión del artículo publicado en 1995, Estudio de la pieza "La cicatriz" (circa 1990), del dramaturgo español contemporáneo Pedro Casariego Córdoba, obra dotada de un conflicto cuya progresión pertenece fundamentalmente al ámbito individual y que se centra en la problemática relación de un sujeto con un entorno complejo, desde una mentalidad nítidamente teñida de los rasgos de la contemporaneidad. El autor recurre a elementos expresivos que, en el plano verbal, se emparentan con el lenguaje poético de vanguardia y cuyo carácter simbolizador los inserta en el interior de un código que recurre con notable frecuencia y sorprendente lucidez al empleo de la metáfora y del símil. Si el conjunto de dichas imágenes verbales adopta una formulación inequívocamente emparentada con la estética surrealista, el tratamiento de la palabra guarda evidentes reminiscencias de aquel que pusieron en práctica Ionesco, Beckett y otros maestros del Absurdo, parentesco que también aparece reforzado tanto por la concepción escénica inscrita por Casariego en el texto de la obra, como por algunos de los aspectos de visión del mundo insertos en su contenido.

Estudio de la pieza "En Castilla mandamos nosotros" (1985), del dramaturgo español contemporáneo Manuel Pérez Casaux. Se trata de un drama histórico, articulado en torno a un conflicto de índole simultáneamente individual y social, cuya urdimbre aparece constituida por las guerras de comunidades castellanas y leonesas en tiempo de Carlos I. En medio de los dos bandos rivales, nobiliario y popular, que se enfrentan abiertamente, el protagonista sueña con una neutralidad imposible, de la que llegará a ser víctima cuando los poderosos acaben utilizándolo (Cabeza de Turco se llama el personaje) para mantener una guerra que supondrá su ruina física y moral. Desde el punto de vista formal, esta obra muestra la ubicación del autor en el cruce de caminos estéticos que supuso la revolución experimental, acontecida en el teatro occidental en los años sesenta y materializada en la escena española en el que denominamos período transitorio de nuestra historia teatral contemporánea. Así, este drama de Pérez Casaux evidencia, junto a técnicas de indudable raigambre brechtiana, otros modos característicos de los grupos de teatro independiente de aquel período. En cuanto al tratamiento de la materia histórica, la obra revela también una notable proximidad al teatro histórico de Buero Vallejo, influencia que aquí aparece fundida con un tono general de carácter paródico y didáctico, propio del denominado drama alegórico que florece en el umbral de la Transición Política española a la época democrática actual.

Revisión del artículo publicado en 1995, Estudio de la pieza "La señorita de Tacna" (1981), del novelista y dramaturgo contempráneo Mario Vargas Llosa, drama que constituye un acabado ejemplo de transposición de las técnicas de la novela moderna al campo del teatro, materializada en la fluidez con que son tratados los diversos elementos del drama (espacio, tiempo, personajes, composición, etc.), dotados ahora de una ingravidez que explica la veloz permuta de todos ellos y el empleo libre de los mismos. Por otra parte, la pieza contiene la manifestación teórica de las claves estéticas insertas en la novela "La tía Julia y el escribidor", texto narrativo con el que aparece estrechamente relacionado el proceso compositivo llevado a cabo por el autor en el texto dramático de "La señorita de Tacna". La correspondencia entre estas dos obras halla su prolongación en la común ficcionalización del propio Mario Vargas Llosa en sus respectivos personajes centrales: mientras en la novela el autor se transmuta en Marito, en el drama queda transfigurado en el personaje/función Belisario. Al mismo tiempo, el trabajo reflexiona sobre la irrupción, en el mundo de la escena, de autores ya consagrados en el campo de la narrativa, fenómeno de dimensiones peculiares e interesantes repercusiones en los ámbitos dramático y literario, especialmente frecuente (sobre un horizonte habitado, en el ámbito de la literatura española, por muy notables precedentes) en los últimos decenios del siglo XX y fecundo en consecuencias intensamente enriquecedoras para la teoría de la creación literaria contemporánea.

Versión revisada del artículo publicado en 1994, A través del análisis de la pieza "Cyrano Parfumé", del autor dramático Joseph-Angel, se exponen en este trabajo algunos de los rasgos de la estética post-teatral. De acuerdo con los principales postulados del Post-teatro, la obra aquí estudiada surge como la recreación esencializada de una de las grandes cumbres del teatro universal, en concreto, del drama de Edmond Rostand Cyrano de Bergerac, estrenado en París en 1897, el cual manifiesta a su vez, en el seno de una sensibilidad enmarcada en el Decadentismo finisecular, las líneas básicas del estilo generado por el el Simbolismo dramático y literario que atraviesa la divisoria de aquel fin de siglo. En consecuencia, el estudio se dirige a desvelar los aspectos a través de los cuales el Post-teatro se manifiesta (en "Cyrano Parfumé") como un lenguaje dramático sublimador, cumplido un ciclo artístico de cien años, del movimiento estético simbolista.

Revisión del artículo publicado en 1994, El objetivo del presente trabajo es sistematizar un modo de edición de los textos teatrales que permita materializar sobre la página (y, a través de ésta, sobre la mente del lector) los elementos que conforman el ser pleno de la obra y sus características específicamente teatrales. El corpus empírico inicial está formado por ediciones de textos teatrales proporcionadas por el mercado editorial de nuestros días. A partir del análisis de las mismas, se considera la necesidad de llegar al concepto de edición escénica, que permita presentar los textos creados para el teatro revelando las virtualidades de los mismos como codificaciones de puestas en escena potenciales y haciendo así ostensibles para el lector las visiones escénicas generadas por los autores en los procesos creativos. Se llega así a definir la edición escénica como proceso de notación del hecho teatral dirigido a dar cuenta, de manera general, del conjunto de facetas que conforman la esencia de la obra (las cuales se encuentran ya implícitas en el texto, al que precisamente se dirige aquel proceso); así como, de manera específica, de aquella faceta que, constituida por los elementos y mecanismos relacionados con las necesarias dimensión y comunicación escénicas de la pieza, constituye la escenicidad de ésta. El estudio se completa con la propuesta de unos principios generales para la edición escénica, a lo que sigue la descripción de los rasgos que dicha edición comparte con otras parcelas afines del ámbito dramático, tales como escritura teatral, adaptaciones escénicas, críticas teatrales, cuadernos de dirección y procedimientos específicos para la notación del espectáculo. La parte final del trabajo contiene un conjunto sistematizado de propuestas metodológicas para la labor de edición escénica.

Estudio de la pieza "Ritual", del dramaturgo español contemporáneo Ángel Camacho Cabrera, drama de un acendrado realismo obtenido a partir de la tematización o permanencia en la memoria colectiva de ciertos sucesos inquietantes objetos de información en los medios y de interés colectivo en nuetros días. La instancia de la dramaticidad se base en la explicitación de una dimensión claramente dual, que opone, en su nivel más general, vitalismo e intolerancia como fuerzas irreconciliables. El drama constituye así una materialización dialéctica del fanatismo sectario de cualquier especie, con valor por lo mismo de símbolo universal de la intransigencia. El tratamiento otorgado por el autor inserta, en el marco de una narratividad próxima a los cauces de la conocida trama negra, una estructura ceremonial, marcada por una sucesión climática en la que tensión progresiva y ritmo violento aparecen subrayados por diversos elementos pertenecientes al ámbito de los códigos escénicos previstos por el autor. En efecto, la textualización practicada por Camacho revela un proceso creador plenamente consciente de la dimensión escénica de la pieza, a través de una escenicidad concebida en los términos propios de la estética expresionista.