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espanolEste trabajo atiende a la reflexion sobre el album visual, derivacion del videoclip, como una novedosa herramienta de la industria musical para promocionar en un contexto internacional, audiovisual y transmedia a sus artistas musicales. Ademas de describir su naturaleza, que combina la unidad y la diversidad de tematicas y motivos, optando por generar una narrativa especifica en forma de storytelling, este articulo tiene como objetivo la profundizacion del objeto de estudio en un tipo de musica concreto, la musica popular urbana, el hip-hop y el rap, donde cursan importancia la originalidad musical y performatica. De la propia seleccion del corpus, se anade otro foco de interes, como es el de las mujeres negras que han utilizado este tipo de formato. A traves del analisis multimodal de los albumes Dirty computer de Janelle Monae y Whack World de Tierra Whack, se contempla a dos bandas la perspectiva de creacion de storytelling transmedia y la de reivindicacion de identidades multiples como mujeres negras. Las conclusiones refuerzan la idea de que la performance se reinventa y se asiste a una nueva concepcion de lo fisico, que permite construir, por suma de identidades, un discurso de empoderamiento de las artistas. Se configura un mundo transmedia personal, siendo el cuerpo uno de los contenedores de significacion de lo contemporaneo. EnglishThe body is one of the containers of meaning of the contemporary. This is mobilized in various formulas, some crystallized in media formats such as music video: each musical genre adapts it to their needs to promote discursive worlds. Visual album, derived from music video, is a new tool for music industry to promote its musical artists in an international, audiovisual and transmedia context. It is a format that combines unity and diversity of topics and visual motifs, choosing to generate a specific narrative in the form of storytelling. Urban popular music, hip-hop and rap, has been developed for a purpose of authenticity based on musical and performative originality, evolving since eighties. Female singers represent a specific case; they use this expanded format of transmedia, to generate their stories. In this paper, we use a theoretical corpus about visual album and transmedia to analyse Janelle Monae’s Dirty computer and Tierra Whack’s Whack World, with a perspective of creating storytelling through the claim of multiple identities as black women. This strategy has purposes of personal claim and feminist agenda. The performance is revisited and there is a new conception of the physical, which allows the construction of a discourse of empowerment for the artists. A personal transmedia world is stablished in this process.

Resumen: En el presente artículo analizaremos las representaciones sobre la figura de Rosas y su época, producidas desde la música popular, entre fines de los años veinte y la década de 1940. Trabajaremos en particular el ciclo de canciones federales, que tuvo por figura central -aunque no exclusiva- a Ignacio Corsini. A partir de su análisis buscaremos profundizar en la manera en que pudieron haber interactuado los imaginarios nacionales, la música popular y el problema de los usos del pasado durante ese ciclo. En particular, buscaremos integrar este repertorio de canciones, dado lo prolífico y popular que fue, en una mirada integral sobre la manera en que aquella sociedad pudo haber construido sus representaciones sobre la época de Rosas. Abstract: In this article we will analyze the representations about the figure of Rosas and his time, produced from popular music, between the late 1920s and the 1940s. We will work in particular on the federal song cycle, which had Ignacio Corsini as its central figure, although not exclusively. Based on its analysis, we will seek to delve into the way in which national imaginaries, popular music and the problem of past uses could have interacted during that cycle. In particular, we will seek to integrate this repertoire of songs, given how prolific and popular it was, in a comprehensive look at the way in which that society could have built its representations on the time of Rosas.

This study examines the use of metaphors, metonymies and metaphorical similes for love in a corpus of 52 year-end number one hit songs in the USA from 1946 to 2016 according to Billboard charts. The analysis is performed within the framework of Conceptual Metaphor Theory and from quantitative and qualitative perspectives. Our findings indicate that the theme of romantic love is prevalent in US mainstream pop music over the course of seven decades but shows evolutionary features. Metaphors of love evolve from conventional to novel with a notable increase in both heartbreak and erotic metaphors. Remarkably, the study finds that the two predominant conceptualizations of love in pop songs – which in a significant number of cases overlap – are the following: experiential, originating in the physical proximity of the lovers, and cultural, reflecting possession by one lover and showing a non-egalitarian type of love.

A finales de 2018 la cantante Rosalía Vila Tobella (Barcelona, 1993) presenta su segundo álbum, titulado El mal querer, obteniendo gran visibilidad en los medios de comunicación internacionales, además de premios tan significativos como dos Grammys Latinos. Paralelamente, Rosalía como fenómeno musical ha generado una fuerte controversia en torno a la acusación de apropiación cultural, ya incipiente desde comienzos del mismo año a raíz de su anterior trabajo. Debido a ello, han surgido un buen número de vídeos divulgativos en la plataforma YouTube enfocados a la puesta en valor del contenido y dignificación musical del álbum. Sin embargo, aún no se ha planteado un análisis musical exhaustivo de sus canciones, videoclips o la propia campaña publicitaria adoptada por Rosalía. En este sentido, con el presente trabajo se pretende realizar un estudio semiótico y hermenéutico de la canción que consta de un videoclip en su canal oficial de YouTube: «Di mi nombre (Cap. VIII: Éxtasis)». Además, se implementarán propuestas de análisis iconográfico, desde una perspectiva multidisciplinar, y se precisarán cómo los rasgos de los géneros musicales urbanos que se han hibridado con el flamenco actúan en la música de Rosalía. Así pues, se identificarán varios procesos de intertextualidad y se determinará el imaginario simbólico como metodología para demostrar la hipótesis de trabajo. At the end of 2018 the singer Rosalía Vila Tobella (Barcelona, 1993) released her second album, entitled El mal querer, acquiring great visibility in the international media, as well as significant awards such as two Latin Grammys. Simultaneously, as a musical phenomenon she has generated strong controversy on the cultural appropriation accusation, yet emerging since the beginning of the same year due to her previous work. In consequence, there has arisen a considerable number of educational videos in the YouTube platform focused on promoting the album content and musical value by dignifying it. However, there has not been an exhaustive musical analysis proposal of its songs, video clips or the marketing campaign itself adopted by Rosalía. In this sense, it is intended in this article to carry out a semiotic and hermeneutic study of the song that also has a video clip in her official YouTube channel: «Di mi nombre (Cap. VIII: Éxtasis)». In addition, iconographic analysis methodologies would be implemented, with a multidisciplinary perspective, and how the characteristics of the urban musical genres hybridized with flamenco interact in Rosalía’s music with each other. Thus, several intertextuality processes would be identified and the symbolic imaginary would be specified as a method to prove the work hypothesis.

O tema deste artigo aborda as letras de frevo como documento e sua relação com a memória social e afetiva; por isso, trata-se de uma pesquisa de caráter exploratório e documental cujo objetivo principal foi considerar, a partir das letras de frevo do maestro pernambucano Nelson Ferreira, a relevância da informação musical para a reconstituição da memória da cidade do Recife. Para tanto, estabeleceu-se como corpus as letras de frevo-canção e frevo de bloco do músico, gravadas nas duas coletâneas da extinta fábrica de discos Rozenblit: O que eu fiz e você gostou... de 1959 e O que faltou e você pediu... de 1968, adotando como método a avaliação qualitativa da Análise de Conteúdo. Assim, os 39 frevos demonstraram, por meio de quatro categorias temáticas, que as letras são um produto de seu tempo, mas que também são um produto do olhar e da experiência de um homem em sua época, a qual, a partir do fenômeno da reprodutibilidade da informação, foi então massificada e perpetuada por quase 100 anos, repetindo-se por meio das narrativas das canções que, ao serem tocadas, ativam essa memória, trazendo-a para o presente e diluindo a memória individual de cada um, criando vínculos sonoros.

O eixo central deste artigo é uma análise da canção “Alegria, alegria”, de Caetano Veloso, com interesse em aspectos formais de certa representação da brasilidade na música comercial radiofônica local durante os anos sessenta. Apontamos como a canção, proponente no III Festival de Música Popular Brasileira, de 1967, e espécie de manifesto de primeira hora pelo programa estético da Tropicália, suspende uma interpretação consagrada da brasilidade ao tensionar os pares conceituais antitéticos arcaico/moderno e local/universal. Visando à exposição do argumento, percorremos, em detalhe, procedimentos que chamamos multidirecionamento e justaposição, realizados entre os estratos musical e poético. À luz dos elementos levantados, ressaltamos, enfim, como “Alegria, alegria” encampa, na própria estrutura, impasses que inflexionam o debate da brasilidade ante o influxo global da cultura de massas.

Resumen La narrativa transmedia supone una nueva configuración de los proyectos culturales mediados a través de los canales de comunicación, que combina los tradicionales (televisión, radio, medios impresos) con los novedosos (medios online, redes sociales). En ellos se trasciende la gestión única de los mensajes, se planifica de forma que adquieran sentido a través de los medios y se diversifican los momentos de liberación de estos mensajes. El álbum visual, como heredero del álbum conceptual de rock, establece un formato extendido en la idea de videoclip musical, donde la unidad y la coherencia de los discursos visuales son rasgos primordiales. El artículo examina los motivos visuales a modo de símbolos reconocibles de la tradición española y la apropiación cultural que hace de ellos el álbum visual El Mal Querer de Rosalía (2018). El análisis se enmarca en una reflexión sobre el videoclip actual y otros conocidos álbumes visuales. Abstract Transmedia narrative entails a new configuration of cultural projects mediated by communication channels, combining traditional (television, radio, print media) and contemporary (online media, social media) ones. In them, the single management of messages is transcended and planned so that it makes sense through the media, and the timing of message delivery is diversified. As an heir to the conceptual rock album, the visual album establishes an extended music video format, whose prominent features are unity and coherence of the visual discourses. The article examines the visual motifs as recognizable symbols of the Spanish tradition and cultural appropriation by Rosalía’s visual album El Mal Querer (2018). The analysis is part of a reflection on the current music video and other well-known visual albums. Resumo A narrativa transmídia indica uma nova configuração dos projetos culturais mediados por canais de comunicação, que combina os tradicionais (televisão, rádio, meios impressos) com os novos (meios digitais, redes sociais). Neles, transcende-se a gestão única das mensagens e planeja-se de forma que adquira sentido através dos meios e diversificam-se os momentos de liberação dessas mensagens. O álbum visual, como herdeiro do álbum conceitual de rock, estabelece um formato estendido na ideia de videoclipe, em que a unidade e a coerência dos discursos visuais são características primordiais. Neste artigo, examinam-se os motivos visuais enquanto símbolos reconhecíveis da tradição espanhola e da apropriação cultural que o álbum El Mal Querer de Rosalía (2018) faz deles. A análise está delimitada em uma reflexão sobre o videoclipe atual e outros conhecidos álbuns visuais.

[ES] Venezuela a partir de la década de los setenta, comienza un cambio en el concepto de la música instrumental de raíz tradicional venezolana. Los arreglos, el formato, los géneros a interpretar, las formas de expresión y ejecución van a ser la clave del cambio en la música que se venía haciendo en el país. Básicamente gracias a tres agrupaciones: Luis Laguna y su Venezuela 4 (1973), el grupo Raíces de Venezuela (1976) y El Cuarteto (1979). A partir de ahí se fue generando un movimiento de agrupaciones y músicos volcados a la música tradicional venezolana. Dicho movimiento fue creciendo año tras año, incorporándose músicos venidos del ambiente académico, del jazz, de lo folklórico, de lo popular y por supuesto de lo tradicional, convergiendo en propuestas novedosas. Ya en el siglo XXI comienzan a florecer una gran cantidad de proyectos con propuestas interesantes, demostrando y afianzando el recorrido que se había tenido en los años previos. Pero después del 2013, la situación política, social y sobre todo económica va a empeorar de manera alarmante en el país. Con este panorama servido comienza uno de los éxodos de venezolanos más importantes de la historia de la nación, marcando el final de una etapa importante en la música instrumental de raíz tradicional venezolana., [EN] In Venezuela from the seventies, a change began in the concept of traditional Venezuelan instrumental music. The arrangements, the format, the genres to be interpreted, the forms of expression and performance are going to be the key to the change in the music that was being made in the country. Basically thanks to three groups: Luis Laguna y su Venezuela 4 (1973), the group Raíces de Venezuela (1976) and El Cuarteto (1979). From there, a movement of groups and musicians focused on traditional Venezuelan music was generated. This movement grew year after year, incorporating musicians from the academic, jazz, folkloric, popular and, of course, traditional environments, converging on new proposals. Already in the 21st century, a large number of projects with interesting proposals began to flourish, demonstrating and consolidating the path that had been taken in previous years. But after 2013, the political, social and even more economic situation is going to worsen hence alarmingly in the country. With this panorama served, one of the most important exoduses of Venezuelans in the history of the nation begins, marking the end of an important era in traditional Venezuelan instrumental music.

This article exposes a possible dialectic interpretation for the Study Nº 1 from the brazilian composer Heitor Villa-Lobos (Brazil, 1887-1959). It’s placed in the sonorous, cultural and artistic contexts that were contemporary to the author. In this article is possible to find a reference to the esthetic and artistic tendency from the popular music that surrounded the author and, subsequently, through the notions of Cultural Anthropophagy, Postcolonial Listening and Ethnographic Ear, relocate the rhythmic sense of the aforementioned Study. El presente artículo expone una posible interpretación dialéctica para el Estudio Nº 1 del compositor brasileño Heitor Villa-Lobos (Brasil, 1887- 1959). Éste se ubica en el contexto sonoro, cultural y artístico que le es contemporáneo al autor en cuestión. En este trabajo se aborda la tendencia estética y artística de la música popular que rodeó al autor para, posteriormente, reubicar el sentido rítmico del Estudio a través de las nociones de Antropofagia Cultural, Escucha Poscolonial y Oído Etnográfico.

Preliminary research on Peruvian salsa and salsa in Peru, highlighting historical and conceptual elements such as the transnationality of certain musical genres, the formation of local scenes and markets, their roots and identity implications, etc., up to the present day and going back to the beginnings of tropical music in the country, around the 1920s. Investigación preliminar sobre salsa peruana y salsa en el Perú, destacando elementos históricos y conceptuales como la transnacionalidad de determinados géneros musicales, la conformación de escenas y mercados locales, su raigambre e implicaciones identitarias, etcétera, hasta la actualidad, y remontándose a los inicios de la música tropical en el país, hacia la década de 1920.

En este artículo estudiamos los géneros discursivos a partir de su relación con la música popular. Desde una perspectiva pragmática, abordamos la evolución histórica del soul en relación al movimiento afroamericano por los derechos civiles. Con el objetivo de examinar las transformaciones del género y su imaginario entre las décadas de 1960 y 1970, realizamos un análisis socio-semiótico a partir de dos ejemplos paradigmáticos: la canción “Dancing in the Street” (Martha Reeves & The Vandellas, 1964) y el disco What’s Going On (Marvin Gaye, 1971). Estas obras concretan y figurativizan un imaginario dinámico que cambia en relación con la experiencia social y política de la comunidad afroamericana en EE.UU. Asistimos a la puesta en escena de las caras del soul: una alegre y esperanzada; otra herida y melancólica. In this paper we study discourse genres based on their relationship with popular music. From a pragmatic perspective, we approach the historical evolution of soul in relation to the African-American civil rights movement. In order to examine the transformations of this music genre and its imaginary, we undertake a socio-semiotic analysis based on two paradigmatic examples: the song “Dancing in the Street” (Martha Reeves & The Vandellas, 1964) and the album What’s Going On (Marvin Gaye, 1971). These works embody and shape a dynamic imaginary that evolves in relation to the social and political experiences of the African-American community in the U.S. They represent and exemplify the two faces of soul: a happy and hopeful one; and a wounded and melancholic one. Ministerio de Ciencia, Innovación y Universidades

espanolEste articulo aborda la relacion entre el jazz norteamericano y algunas musicas populares latinoamericanas. Para ello se explora el concepto armonico usado en el jazz, cuestionando la existencia de una “armonia del jazz” que definiria (por si sola) la influencia de este genero musical sobre otros repertorios de America Latina. Se postula que la experiencia del jazz, en cuanto a la elaboracion de su armonia, ha sido considerada de manera acritica como una influencia del jazz sobre otros generos musicales. Mas alla de las razones ideologicas que subyacen en esta problematica, el autor recurre a herramientas de la linguistica para explicar la motivacion de este criterio de causalidad. EnglishThis article addresses the relationship between North American jazz and some of the popular Latin American music. To this end, the concept of harmony in jazz is explored, challenging the existence of a, ‘jazz harmony’ that would alone define the influence of this genre on other Latin American repertoires. It is proposed that, in terms of the development of its harmony, we experience jazz uncritically as a ‘jazz influence’ on other musical genres. Beyond any ideologies underlying this problem, the author borrows from the field of linguistics to explain the motivation of this criterion of causality.

O presente artigo tem como objetivo central compreender os processos de interferência da indústria fonográfica sobre a música popular. Diante da expansão da lógica formal capitalista no campo da arte, a relação entre objetividade e subjetividade será a mola propulsora que utilizaremos para analisar paradoxos no processo de reprodução da música popular moderna, tais como indústria cultural e a reprodutibilidade técnica. Assim, partindo da análise do reggae jamaicano, buscamos ampliar o postulado adorniano sobre massificação da música para uma análise na qual seja possível investigar a experiência de produção artística periférica, como a da música popular jamaicana. Essa problemática abriu espaço para a discussão acerca da possibilidade de a indústria fonográfica ter múltiplas formas de atuação, a partir das contingências geradas pela singularidade do funcionamento desigual das condições econômicas, políticas e culturais de cada região, não perdendo devista que as configurações locais são partes integrantes do modo de produção capitalista. THE EMERGENCE OF POPULAR MUSIC AND ITS INTERFACES WITH THE PHONOGRAPHIC INDUSTRYThis article is about popular music, focusing in the relations built by music in face of capitalism’s expansion in the arts’ field. For this instance, therelations between objectivity and subjectivity will be the plot from where we will analyze the paradoxes in the process of modern popular music reproduction, such as: culture industry and the work of art in the age of its technological reproduction. So, starting from the Jamaican reggae, we seek to wise Adorno’s perspective about music investigation to an analysis where is possible toinvestigate the outlying artistic production, as the popular music that rises in Jamaica. This argument opened space to a discussion about the possibility of the phonographic industry have multiple actuation forms developed from its contingencies that are created by the singularities of its unequal way of work in face of different economic, political and cultural circumstances, keeping in sight that local realities are integrated to the capitalism mode of production.Keywords: Popular music. Jamaican reggae. Culture industry. Phonographic industry. Aesthetics. L’EMERGENCE DE LA MUSIQUE POPULAIRE ET SES INTERFACES AVEC L’INDUSTRIE PHONOGRAPHIQUELe sujet de cet article c’est la musique populaire. On prend la question des rapports entre la musique et la logique de l’expansion capitaliste au domainede l’art. Pour cela, la relation entre l’objectivité et la subjectivité c’est la force motrice de notre analyse sur les paradoxes du procès de reproduction de lamusique populaire moderne, tels que : l’industrie culturelle et la reproductibilité technique. On part de la musique jamaïcaine pour faire la critique au postulat adornien de la négativité appliqué à la musique erudite, en visant comprendre avec lui, aussi, la musique populaire, particulièrement la musique pop des régions périphériques du monde. Cette voie des discussions nous ouvre des multiples possibilités des investigations sur l’industrie phonographique, issues des contingences générées par la singularité du fonctionnement inégal des conditions économiques, politiques et culturelles de chaque région, sans oublier que les configurations locales font partie intégrante de mode de production capitaliste.Mots-clés: Musique populaire. Reggae jamaïcain. Industrie culturelle. Esthétique.

espanolO texto se propoe a relacionar a trajetoria da industria fonografica e da musica popular no Brasil ao longo do seculo XX, a partir de suas interacoes com as industrias radiofonica e televisiva. Para tanto, ele foi dividido em quatro fases principais: “das maquinas falantes nos tropicos a Casa Edison, 1900-1930”, “a era do cinema e do radio, 1930-1950”, “a nova bossa da televisao, 1960-1970” e “em busca do popular, 1980-1990”. Nesse percurso, o texto busca refletir sobre questoes como a concentracao economica da industria fonografica, a criacao de um repertorio musical propriamente “brasileiro”, em que certos generos musicais foram mais ou menos privilegiados de acordo com o desenvolvimento da propria industria fonografica. EnglishThe paper relates the trajectory of the recording industry and popular music in Brazil throughout the 20th century, taking into account the interactions of the music industry with both the radio and television industries. Therefore, it was divided into four main periods: “From the talking machines in the tropics to the Casa Edison label, 1900-1930”, “the age of cinema and radio, 1930-1950”, “the bossa-nova and television, 1960-1970” and “in search of the popular, 1980-1990". The text highlights issues such as the economic concentration of the recording industry, and the development of a properly “Brazilian” musical repertoire, in which certain musical genres were more or less privileged according to the development of the recording industry itself.

RESUMO: A canção “Para Lennon e McCartney” imagina um diálogo entre músicos latino americanos e anglo-saxões. Os dois cantores citados no título tornam-se uma metonímia de toda a indústria musical do eixo Europa/EUA. Nessa composição, a condição simultânea rural e urbana que compõe o espaço da periferia permite que o sujeito da experiência persista na modernidade. A voz do narrador experiente confronta todo o projeto de identidade supostamente coerente da metrópole, baseado no acúmulo de informação. PALAVRAS-CHAVE: Identidade, Globalização, Experiência, Música Popular. ___________________________________ ABSTRACT: The song "Para Lennon e McCartney" imagines a dialogue between Latin American and Anglo-Saxon musicians. The two singers mentioned in the title symbolize the entire music industry from Europe and United States. In this composition, the simultaneous rural and urban condition of poor countries allows the permanence of the experienced person in modernity. The voice of the experienced narrator confronts the coherent identity project from people in North metropolis, based in accumulation of information. KEYWORDS: Identity, Globalization, Experience, Popular Music.

Este articulo presenta una cancion popular que situa su narracion en la Tierra del Fuego de fines del siglo XIX, y analiza los componentes de veracidad, ficcion y falsedad que presenta asi como las condiciones de posibilidad de la historia cantada para aprehender las experiencias sociales del espacio colonial fueguino. A modo de hipotesis, se plantea que la circulacion global de la musica popular permite la acumulacion y transformacion de experiencias equivocas dentro de un mismo conjunto original de informacion. ABSTRACT This article presents a popular song which situates its narrative in Tierra del Fuego during the second half of the nineteenth century. The vectors of conditions of possibility and historiographic veracity of the sung story for apprehending the social experiences of the colonial space are analyzed. As a hypothesis, we argue that the global circulation of popular music allows the accumulation and transformation of misleading experiences within the same original set of information.

Resumo O artigo trata da websérie musical Sampleados. A partir da descrição de seus episódios, discutimos possíveis relações entre história e música popular feita no Brasil. A série foi ao ar em 2015 e, indiretamente, nos conta parte da história do brega paraense ao apresentar, em suas narrativas, artistas e canções supostamente importantes para o fenômeno desde os anos 1980. Ao convocar determinado passado, Sampleados apresenta o brega como uma espécie de tradição musical. Sendo assim, buscamos evidenciar as contradições que permeiam as narrativas históricas a partir do pensamento de Paul Ricoeur. Abstract This paper examines a musical web series Sampleados. Describing its episodes, we discussed possible links between history and popular music made in Brazil. The series was broadcast in 2015 and, indirectly, tells us part of the history of the style called “brega paraense” by introducing, in its narratives, songs and artists considered representatives of the phenomenon since the 1980s. By invoking certain past, Sampleados presents the “brega” as a kind of musical tradition. Therefore we seek to highlight the contradictions that permeate historical narratives from the contributions of Paul Ricoeur.

Resumo A construção da nova sede do Museu da Imagem e do Som (MIS), em Copacabana, insere-se num conjunto de alterações urbanas que buscam imprimir um viés turístico e cosmopolita à cidade do Rio. No MIS, a música desempenha um papel de destaque na elaboração dessa “identidade carioca”, sendo apresentada como cartão de visitas para a cidade e para o novo museu. Nesse texto, discutimos os conflitos e contradições das escolhas estéticas processadas pelo MIS, entendendo que os repertórios musicais legitimados na instituição operam segundo uma lógica de consagração musical e artística convencional, reificando modelos e valores já sedimentados no imaginário estereotípico do Rio. Abstract The new building of the Museum of Image and Sound (MIS) in Copacabana is part of a set of urban changes in Rio de Janeiro that seek to reinforce a touristic and cosmopolitan profile to the city. At the MIS, music plays an important role in the development of that “carioca identity”. In this paper, we discuss the conflicts and contradictions of some aesthetic choices made by the museum, understanding that the musical repertoires chosen by the institution work to crystallize a conventional musical and artistic pattern, reifying models and values already sedimented in the stereotypical imagery of the city.

espanolEl presente articulo consta de dos secciones. En la primera parte se revisa la trayectoria musical de Vicente Bianchi Alarcon, en sus variadas dimensiones como pianista, arreglador, director orquestal y compositor. La mayor parte de la informacion contenida fue obtenida de conversaciones con Vicente Bianchi, en particular de una entrevista realizada en 2002. La segunda parte contiene una relacion de datos y consideraciones respecto de la obtencion del Premio Nacional de Artes Musicales 2016. EnglishThis article consists of two sections. In the first part we review the musical trajectory of Vicente Bianchi Alarcon, in his varied dimensions as a pianist, arranger, orchestral conductor and composer. Most of the information contained was obtained from conversations with Vicente Bianchi, especially from an interview made in 2002. The second part contains a list of data and considerations regarding the obtaining of the National Prize for Musical Arts 2016.

El artículo analiza las representaciones presentes en la música latinoamericana de inicios del siglo XXI sobre la experiencia de la migración. Se sostiene que las canciones dan cuenta de fenómenos sociales más amplios, entre ellos el surgimiento de un nuevo sujeto político migrante que contesta, resiste y se organiza frente a las situaciones de discriminación y en la defensa de sus derechos. Este cambio parece estar vinculado a eventos globales como la incorporación de la defensa de derechos humanos en el discurso popular, la difusión mediática de la situación migrante, el fortalecimiento organizativo y el reconocimiento de identidades globalizadas. The article analyses representations present in Latin American music at the beginning of the 21st century about the migration experience. Hold the songs to give account of broader social phenomena, including the emergence of a new migrant political subject that answers, resists and is organized to address situations of discrimination and in the defense of their rights. This change seems to be linked to global events such as the incorporation of human rights in popular discourse, the broadcast media of the migrant situation, organizational strengthening and recognition of globalized identities. UCR::Vicerrectoría de Investigación::Unidades de Investigación::Ciencias Sociales::Instituto de Investigaciones Sociales (IIS) UCR::Vicerrectoría de Investigación::Sistema de Estudios de Posgrado::Ingeniería::Maestría Profesional en Vivienda y Equipamiento Social

Reggaeton in Cuba: Censorship, Ostentation and Cracks in Media Policies Reggaeton em Cuba: censura, ostentação e fissuras nas políticas midiáticas A través de la censura de un videoclip en los sistemas de medios de comunicación cubanos, se abordan aquí las controversias evidenciadas por la presencia del reguetón en Cuba. Género musical que se ancla fuertemente en las diásporas caribeñas en los Estados Unidos, el reguetón escenifica discusiones sobre la construcción de una noción de panlatinidad transnacional, juvenil y cosmopolita, marcada por el consumo y la ostentación, que parece interrogar la singularidad de Cuba como nación socialista en América Latina. Se levanta la problemática alrededor de la performance del “hombre exitoso” que posee mansiones y autos en un país cuya economía es fuertemente mediada por el Estado, se visualizan los conflictos con otros géneros musicales cubanos y se postula que formas alternativas y no oficiales de producción y divulgación —las cuales explicitan accionamientos identitarios globales— resquebrajan políticas nacionales sobre el “ser cubano”. Para citar este artículo / to reference this article / para citar este artigo Luci, S. y Soares, T. (2019). Reguetón en Cuba: censura, ostentación y grietas en las políticas mediáticas. Palabra Clave 22(1), e2217. DOI: 10.5294/pacla.2019.22.1.7

El siguiente trabajo aborda tres versiones del tango Malena tomando como eje principal la práctica improvisada entendida como un modo de producción identitario, frecuente tanto en el tango como en otras músicas populares latinoamericanas., This paper deals with three Malena tango versions taking the improvised practice understood as identity production as the focus of analysis, which is frequent both in tango and in other instances of Latin American popular music., Facultad de Bellas Artes

Al igual que ocurre en el spot, cuando se promocionan los beneficios de un producto o marca para conseguir provocar el deseo de éste y su posterior adquisición, en el videoclip musical se promociona el producto de música popular y su emisor/productor, el cantante, a través de mecanismos en los que actúan ciertos códigos audiovisuales de seducción. Por otro lado, criterios relacionados con el género musical se disponen para situar el mensaje en el contexto y como parte de la construcción de un texto-estrella para el artista determinado. Este artículo recoge un análisis sobre los videoclips dentro de la cultura hip hop, concretamente durante la época de los noventa dada su repercusión, ya que fue a principios de ésta cuando se categorizó como género musical. Se muestra un recorrido desde su gestación hasta su época álgida o dorada para entender su complejidad como género musical, seguido de un análisis de la realización y el lenguaje audiovisual de cinco vídeos musicales elaborados entre 1990 y 1999, y representados por artistas de la costa este de EE.UU. Con todo esto se pretende describir tanto técnica como artísticamente cuáles son los arquetipos audiovisuales que rodean a los vídeos musicales de hip hop en ese periodo de tiempo. Hay que destacar que, aunque no se trate de un estudio taxativo, este análisis revela una serie de características y estilemas que se repiten, estableciéndose así una estética audiovisual. As in the case of commercials, where the benefits of a product or brand are promoted in order to enhance its desirability and ideally results in its subsequent acquisition, music videos (the product of popular music and promoters) are circulated through visual techniques that contain certain audiovisual codes. Furthermore, the criteria set against musical genres are arranged as such that the messages which they convey are contextualised and perceived as part of the character of some musical artist. This paper presents an analysis of the music video in hip hop culture, particularly during the nineties, due to this genre’s impact during the period of its categorisation. The article presents a historical review, from hip hop’s inception until its algid or golden age, in order to critically analyse its complexity as a genre. It will then follow with analysis of the performance and audiovisual language of five music videos made between 1990 and 1999 that represent artist from the East Coast in the United States. The aim is to describe technical and audiovisual archetypes reflective of that period in time. It should be noted that, although it is not an exhaustive study, this analysis reveals a number of features and stylistics codes.

Through the analysis of the songs of the band Ataque Escampe this article aims to determine if their musical discourse harbors a political attitude. In this case, the article will explore how the band maintains this critical and resistant character regarding certain sociopolitical conflicts in the Galician context, where two cultures coexist in inequality. Furthermore, it seeks to understand if, within this context, identities are fragmented or in the making, and what kind of social function the songs of the band exert in that hypothetical case., Mediante a análise das cancións do grupo Ataque Escampe este artigo pretende pescudar se o seu discurso musical alberga unha actitude política. No caso de ser así, tratará de responder por que o grupo mantén este carácter crítico e resistente con respecto a certos con fiitos sociopolíticos no contexto galego, onde conviven dúas culturas en desigualdade. Tamén busca entender se dentro deste contexto as identidades se atopan fragmentadas ou en vías de formación, e que función social exercen as cancións do grupo nese hipotético caso.

La aprobación por parte de UNESCO de la Convención sobre la protección y promoción de la diversidad de las expresiones culturales (UNESCO, 2005) es un importante elemento que ha dado impulso a los intentos de medir la diversidad en las industrias culturales (UIS, 2011). En este marco, este trabajo aborda las relaciones entre la industria musical y la radio musical en España desde una perspectiva crítica y a través de un análisis de los datos disponibles sobre oferta y consumo de música grabada (listas de ventas, listas de radiofórmulas, composición de los mercados radiofónico y fonográfico) en diferentes momentos clave marcados por la emergencia de nuevos soportes y dispositivos (CD, Mp3, internet). Este trabajo tiene por objetivo fundamental analizar la evolución de la diversidad del mercado discográfico español desde el final de la década de 1970 hasta la actualidad, a través del estudio de las listas de éxitos musicales radiofónicos, la configuración empresarial del sector fonográfico y radiofónico, y las listas de fonogramas más vendidos UNESCO’s approval of the Convention on the Protection and Promotion of the Diversity of Cultural Expressions (UNESCO, 2005) has been an important element in catalyzing any attempt to measure the diversity of cultural industries (UIS, 2011). Within this framework, this article analyzes the relations between the music and radio industries in Spain from a critical perspective through the analysis of available data on recorded music offer and consumption (sales lists, radio-formula lists, the characteristics of the phonographic and radio markets) in different key moments due to the emergence of new formats and devices (CDS, Mp3, Internet). The main goal of this work is to study the evolution of the Spanish record market in terms of diversity from the end of the 1970s to the present, through the study of radio music hits lists and, the business structure of the phonographic and radio sectors, and phonograms top sales lists La producción de este artículo se enmarca en la ejecución del proyecto de investigación ‘Diversidad de la industria audiovisual en la era digital’ (ref. CSO2014-¬52354-¬R), correspondiente al Programa Estatal de I+D+i Orientada a los Retos de la Sociedad del Ministerio de Economía y Competitividad de España.

FAPEMIG - Fundação de Amparo a Pesquisa do Estado de Minas Gerais Esta pesquisa desenvolve reflexões e análises em torno da música e história do Rock Progressivo. Com o objetivo de se traçar um perfil histórico e musical, definindo também suas características mais notáveis, este trabalho contemplou uma descrição de suas origens, alguns de seus principais desenvolvimentos ao longo da história, e como progrediu até os dias atuais. O foco principal do trabalho está na atividade de novas bandas a partir da década de 1990. A pesquisa analisou, de forma descritiva, a carreira e a música de algumas destas bandas que tiveram um impacto considerável no Rock Progressivo e sua comunidade, ao longo do período em foco, traçando também comparações entre esta nova música e os trabalhos de outros artistas influentes neste subgênero nas décadas anteriores. This research develops reflections and analyses around the music and history of Progressive Rock. Drafting a historical and musical profile as an objective, this work contemplated a description of its origins, its most notable characteristics, and how it progressed up until current days. The work is focused on the activity of new bands from 1990s onwards. The research analyzed, in a descriptive manner, the career and music from some of the bands that had a considerable impact on Progressive Rock and its community, over the fixated period, also tracing comparisons between this new music and the works of other influential artists in this subgenre on previous decades. Dissertação (Mestrado)

Simon Frith sostiene que la música popular constituye una de las expresiones culturales con mayor eficacia en la construcción de identidades, en tanto permite describir "lo social en lo individual y lo individual en lo social, la mente en el cuerpo y el cuerpo en la mente" (2003). Siguiendo esta perspectiva nos preguntamos por el rol de la música popular de difusión masiva en contextos locales de producción y las estrategias puestas en juego, tanto en lo que atañe a sus aspectos musicales, como literarios e interpretativos. Abordamos para ello el estudio de dos producciones localizadas en Salta en el primer cuarto del siglo XXI, una de ellas, Saltalogía, del compositor de jazz Daniel Tinte (Salta, 1969), editado en 2005; la otra, El canto hereje, un CD realizado como homenaje desde el rock al músico de folklore salteño Gustavo "Cuchi" Leguizamón (1917-2000), editado en 2014. En las mismas interesa analizar las formas de construcción de subjetividades y los modos de representación del espacio considerando los múltiples diálogos, tensiones y apropiaciones entre diversas tradiciones y estilos; especialmente, las reelaboraciones y sentidos configurados en torno al folklore. Simon Frith argues that popular music makes up one of the cultural expressions with the greatest efficiency in the construction of identities, as it allows to describe "the social in the individual and the individual in the social, the mind in the body and the body in the mind" (2003). Adopting this perspective we wonder about the role of massively disseminated popular music in local contexts of production and the strategies at stake, both concerning its musical as literary and interpretative aspects. For that purpose, we undertake the study of two productions located in Salta in the first quarter of the 21st Century, one of them, Saltalogía by the jazz composer Daniel Tinte (Salta, 1969) edited in 2005; the other, El canto hereje, a CD produced as a tribute from rock to the folklore musician of Salta Gustavo "Cuchi" Leguizamón (1917-2000), edited in 2014. In these productions, we are interested in analyzing the ways of construction of subjectivity and the manners of space representation considering the many dialogs, tensions and appropriations between various traditions and styles; specially, the reinterpretations and senses around the folklor. Fil: López, Irene Noemí. Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Técnicas. Centro Científico Tecnológico Conicet - Salta. Instituto de Investigaciones en Ciencias Sociales y Humanidades. Universidad Nacional de Salta. Facultad de Humanidades. Instituto de Investigaciones en Ciencias Sociales y Humanidades; Argentina

RESUMO Durante as décadas de 1950 e 1960 uma geração de jornalistas que vivia na cidade do Rio de Janeiro se preocupou em comentar e analisar de maneira sistemática diversos aspectos da formação da música popular urbana no Brasil. Profundamente interessados no assunto que fazia parte também de suas próprias experiências de vida, eles ultrapassaram os limites da crônica jornalística e trataram de realizar exaustivos inventários, organizaram admiráveis coleções privadas e reuniram bibliografia sobre o assunto. O jornalista Lúcio Rangel (1914-1979) estava no centro desse processo. Sua trajetória de vida carioca foi importante na constituição de certa memória em torno do fenômeno, e seu trabalho jornalístico ocupou lugar de destaque na formação da crítica especializada sobre música popular. Este artigo tem como objetivo examinar de modo crítico aspectos desse conjunto para compreender melhor o papel de Lúcio Rangel na construção de certa narrativa historiográfica sobre a música popular. ABSTRACT During the 1950s and 60s, a generation of journalists living in the city of Rio de Janeiro became engaged in systematically commenting on and analysing various aspects of the origins of Brazil’s urban popular music. Deeply interested in the subject, which also formed part of their own life experiences, they pushed beyond the limits of newspaper columns and produced exhaustive inventories, organized remarkable private collections and compiled bibliographies on the subject. Journalist Lúcio Rangel (1914-1979) was at the heart of this process. His life experience in Rio de Janeiro was important in building a memory around the phenomenon and his journalistic work had a major role in the development of specialized reviews of popular music. This article aims to critically examine aspects of this process so as to better understand Lúcio Rangel’s role in building a historiographic narrative on popular music.

espanolEn la actualidad subsisten pocas bandas, tanto civiles como militares, pero a cambio tienen un excelente nivel de ejecucion, del que la Musica de la Guardia Real es paradigma, por eso se ha utilizado la programacion de esta para realizar este estudio cientifico. Las programaciones de la Musica de la Guardia Real, son un excelente ejemplo para otras agrupaciones musicales; razon por la cual se podran basar conocimientos de programacion sobre esta dilatada recopilacion.En su historia, la Musica de la Guardia Real, antigua de Alabarderos ha tenido mas de quince directores que en el transcurso de los anos, han programado infinidad de conciertos. En este estudio sobre la programacion de esta agrupacion musical, solo hemos abarcado los conciertos programados por tres de los directores que estuvieron al frente en esta unidad entre 1973 y 2010. Estos programas han sido analizados, segun su ano de publicacion, el genero musical al que pertenece cada pieza, la naturaleza del evento, si fue un concierto militar o civico-militar, si tuvo repercusion internacional o solo nacional y en que ciudad tuvo lugar, ademas de una pequena sintesis de cuales fueron las piezas mas interpretadas en cada periodo.Durante este tiempo, una nueva generacion de grandes directores que comenzo con Jose Lopez Calvo (1973-1988), seguido de Francisco Grau Vegara (1988-2008) y Antonio Sendra Cebolla (2008-2010), supieron llevar a buen termino el desarrollo del arte musical, llegando a ser protagonistas principales de la vida musical en Madrid. Manteniendo las tradiciones de los Relevos de Palacio, actos protocolarios, desfiles, ciclos de conciertos, giras y demas actividades que tanta labor socio-cultural desarrollaron. Estos directores han sabido elevar al lugar que se merece la musica de la Guardia Real, adaptandose a los tiempos que corren y cambiando el repertorio de nuestra banda sinfonica que antiguamente se basaba en transcripciones de orquesta, pasando a interpretar composiciones originales para banda, lo cual da unas sonoridades de planos sonoros mucho mas logrados. Estos compositores-directores que han estado al frente de la agrupacion, tal y como podemos observar en los programas de mano de los conciertos civico-militares que hemos recogido y analizado, han compaginado la direccion con la composicion, estrenando diferentes obras con esta agrupacion. Esta Musica siempre ha sido un referente para todos los directores militares que han deseado llegar algun dia a ser director de esta prestigiosa banda y tambien es una imagen a seguir por bandas civiles, pues en la historia de Espana siempre ha sido una representacion extraordinaria. EnglishCurrently there are few bands, both civilian and military, but in return they have an excellent level of execution, of which the Music of the Royal Guard is a paradigm, that is why the program has been used to carry out this scientific study. The schedules of the Music of the Royal Guard, are an excellent example for other musical groups; which is why you can base programming knowledge on this extensive compilation.In its history, the Music of the Royal Guard, formerly of Alabarderos, has had more than fifteen directors who, over the years, have programmed countless concerts. In this study on the programming of this musical group, we have only covered the concerts programmed by three of the directors who were at the front in this unit between 1973 and 2010. These programs have been analyzed, according to their year of publication, the musical genre to which each piece belongs, the nature of the event, whether it was a military or civic-military concert, whether it had international or only national impact and in what city it took place, besides a brief synthesis of which were the most interpreted pieces in each period.During this time, a new generation of great directors those began with Jose Lopez Calvo (1973-1988), followed by Francisco Grau Vegara (1988-2008) and Antonio Sendra Cebolla (2008-2010), and were able to successfully complete the development of the musical art, becoming the main protagonists of musical life in Madrid. Keeping the following traditions; relays of the Palace, ceremonial events, parades, concert cycles, tours and other activities that so much socio-cultural work developed. These directors have managed to raise to the place that deserves the music of the Royal Guard, adapting to the times and changing the repertoire of our symphonic band that was formerly based on orchestral transcriptions, going on to perform original compositions for the band, which gives sonorities sound planes much more successful. These composers-directors who have been at the head of the group, as we can see in the hand programs of the civic-military concerts that we have collected and analyzed, have combined the direction with the composition, premiering different works with this group. This music has always been a reference for all military directors who have wished to one day become director of this prestigious band and is also an image to be followed by civilian bands, because in the history of Spain has always been an extraordinary.

The eclosion of the Basque Radical Rock endowed the Basque Punk with a new meaning, a movement that was essentially contrary to all, which was used as a vehicle of propaganda by the Basque Nationalist Left. This process is clearly observed through two bands: Eskorbuto and Negu Gorriak. The first one was the representative of the punk philosophy and the second one of the "National Identity Rock ". Throughout this article, we offered some indispensable keys to understand the transformation process of the Basque Underground Music into an identity tool of the Basque Nationalist Left.; La eclosión del Rock Radical Vasco dotó de un nuevo significado al punk vasco, un movimiento esencialmente anti-todo, que fue utilizado como vehículo de propaganda por la “izquierda abertzale”. Este proceso se observa claramente a través de las bandas Eskorbuto y Negu Gorriak, la primera representante del anti-todo punk y la segunda de un “rock identitario”. A lo largo de este artículo se ofrecen algunas claves imprescindibles para entender el proceso de conversión de la música “underground” vasca en instrumento de expresión identitaria para la “izquierda abertzale”.

Music is an important artefact that helps people to construct identities and territorial links, establishing shared imaginaries and symbols that, on their turn, structure ideas about places such as neighbourhoods, cities, and nations. At the same time, music marks distinctions between them, mostly through negative feelings; rejections and prejudices against genres and territories. In this article, the cases of Brazilian genres samba, forró and sertanejo are analysed, taking them as markers of specific territories and spaces in the nation’s hierarchies. Therefore, they can be thought as agents of music conflicts which are intermingled with symbolic and geographic struggles. La música es un importante instrumento para la construcción de identidades y vínculos territoriales y establece simbologías e imaginarios compartidos que estructuran barrios, ciudades y naciones. Simultáneamente, articula segregaciones sobre la base de actitudes y sentimientos de negación, rechazo, impertinencias y prejuicios con relación a cuestiones territoriales o de género. En este artículo se analizan casos de los géneros musicales brasileños samba, forró y la música sertaneja, todos ellos marcadores de espacios específicos en las jerarquías simbólicas de la nación y, por eso mismo, agentes de conflictos musicales, simbólicos y geográficos. A música é um artefato importante na construção de identidades e vínculos territoriais, estabelecendo simbologias e imaginários compartilhados que estruturam bairros, cidades, nações. Simultaneamente, articula segregações baseadas em atitudes e sentimentos de negação; rechaços, incômodos e preconceitos contra gêneros e territórios. Neste artigo são analisados os casos dos gêneros musicais brasileiros samba, forró e sertanejo, marcadores de espaços específicos nas hierarquias simbólicas da nação e, por isso mesmo, agentes de conflitos musicais, simbólicos e geográficos.

Mário de Andrade identifies rhythm as the common structural underpinning between poetry and song. Rhythm is also the apple of discord between them, since it is with rhythm that we are able to note the fundamental distinction between the sung and the spoken word. As well as differentiating language by means of its use, popular song also fluctuates rhythmically; that is, it has another ‘wave’ (or mood) which varies depending on a series of other factors, which Andrade calls to mind. By considering 'canto' (chant) in psycho-physical terms, this essay offers an interpretation of Andrade’s reading of the masses present at one political event in 1930 described in “Dinamogenias políticas.” Moreover, this paper connects the political with the religious practices introduced in Brazil by the Jesuits, focusing above all on the Gregorian chant. I propose that with his “Crítica do gregoriano” Andrade offers a counterpoint by which to understand popular music in Brazil.

"Musica popular" in Spanish comprises an overlapping but distinct category from its English language cognate popular music. Latin American scholars and musicians alike recognize the category as fundamentally linked to subaltern or counterhegemonic subjectivities, and musica popular occupies a complex relationship to hegemonic institutions (the state, educational institutions, and the culture industry) in populist democracies like that of contemporary Argentina. Perhaps nowhere are these tensions between populism and hegemony more apparent than in state-sponsored schools of popular music that began to emerge in the 1980s. Based on an ethnographic study of the oldest and one of the best known of these schools in Latin America, this article explores the conceptual tensions inherent in the notion of a populist and counterhegemonic school of music, and provides evidence of the ways those tensions are expressed and partially resolved through discourse and musical performance in and outside of the classroom.

EnglishThe entertainment complexes of narrative transmedia contain few instances based in popular music. However, those that exist provide intriguing case studies, highly distinct from those based in film and television. The most fully realized of these, Gorillaz’ Plastic Beach (2010), is rich in visual media typical of popular music culture, including sleeve art, animated music videos. The tangible materiality foregrounded in these visuals stems from the main ecological theme of the album: the disposability of plastic waste. Using methods of analysis of the original texts, and a survey of the networked fan practices that respond to them, the essay theorizes that the material and haptic invitation in these visuals is at odds with the diminishing presence of physical consumables within popular music culture. It then argues that fans enter into this gap with their own creative practices, making and playing with hand-made or customized objects inspired by Plastic Beach, activating unexploited, marketing potential within the album. Although current applications of this research are limited due to the low frequency of popular music transmedia case studies, it points the way forward to theoretically more successful marketing strategies in the future. EnglishEl entramado de entretenimiento hilado por las diversas narrativas de material transmedia contiene pocos ejemplos basados en la musica popular. Sin embargo, los que existen proporcionan una interesante oportunidad para profundizar en las diferencias que estos presentan frente a sus equivalentes en formato visual (cine, TV). Un ejemplo particularmente interesante es el de la banda Gorillaz y el album Plastic Beach (2010), rico en medios visuales tipicos de la cultura de la musica popular como son los dibujos y los videos musicales animados. La materialidad tangible de este ejemplo surge del principal tema de indole ecologica del album: el desecho de residuos plasticos. Utilizando metodos de analisis de los textos originales, y una encuesta de las practicas de los aficionados, este ensayo teoriza sobre la posibilidad de una relacion material y haptica con estos visuales; posibilidad que de algun modo se contradice con la actual tendencia de disminucion de consumibles/formatos fisicos en la musica popular. Ademas, concluye que los seguidores de la banda interactuan con sus propias practicas creativas, creando y jugando con objetos hechos a mano o personalizados inspirados en Plastic Beach, activando el potencial de comercializacion que existe inexplotado en Plastic Beach. Aunque las aplicaciones actuales de esta investigacion son limitadas debido a la baja frecuencia de ejemplos en la musica popular transmedia, esto indica un posible camino a seguir, al menos teoricamente, en la elaboracion de estrategias de marketing especificas para esta forma de creatividad.

espanolPartiendo de la necesidad del desarrollo de una perspectiva interpretativa y critica de la musicologia, postergada por el enfoque analitico imperante centrado en la escritura musical, este articulo interroga la forma en que la cancion popular ha construido simbolicamente la ciudad. Para ello considero catorce canciones grabadas en la decada de 1980 en Chile, con la ciudad de Santiago como tema central. La mayoria de ellas manifiesta la construccion simbolica de un espacio social tensionado tanto por la dictadura militar como por el modelo neoliberal imperante. En esa decada se grabaron mas canciones a Santiago, a pesar que la censura afectaba sus procesos de produccion y mediacion, lo que genera nuevos interrogantes para el estudio de la cancion popular chilena en la decada de 1980. El articulo se centra en el caso de "A mi ciudad", de Luis Lebert y Santiago del Nuevo Extremo, la primera de las canciones a Santiago de los anos ochenta y la que ha estado mas presente en la memoria del pais. Me interesa abordar tambien aspectos de la construccion de canon y repertorio en musica popular ademas de formas de circulacion y produccion de la cancion en dictadura. Propongo un estudio intertextual de "A mi ciudad", considerando un racimo de textos musicales, literarios, performativos, sonoros, visuales y discursivos, desde una escucha social e historicamente situada. Propongo que es en la interrelacion de estos textos donde se forma la cancion, de modo que el analisis de ellos por separado, no daria cuenta de sus aspectos esteticos y simbolicos a cabalidad. EnglishBased on the need to develop an interpretative and critical perspective of musicology, which has been postponed by the prevailing analytical approach focusing on musical writing, this article asks how popular song has symbolically built in the city. To do this, I consider fourteen songs recorded in the 1980s in Chile with Santiago as a central theme. Most of them expressed the symbolic construction of a social space stressed both by the military dictatorship and the neoliberal economic model. During this decade more songs inspired by the city of Santiago were recorded than ever before, despite the extent to which the prevailing censorship affected their production processes and mediation, generating new questions for the study of Chilean popular song in the 1980s. The article focuses on the case of "A mi ciudad" by Luis Lebert and Santiago del Nuevo Extremo, the first song to the city of Santiago of the eighties, which has since held a predominant position in the country 's memory. I also want to address aspects of canon and repertoire in popular music as well as forms of circulation and song production under dictatorship. I propose an intertextual study of "A mi ciudad" considering a cluster of musical, literary, performative, audio, visual and discursive texts, from a listening socially and historically situated. I propose that it is in the inter-relationship of these texts where the song is formed, so analyzing them separately would not allow to fully grasp their aesthetic and symbolic aspects.

Resumen: La música de The Beatles, tras su enorme éxito a través del tiempo, esconde diversos secretos que hunden sus raíces no solo en las tendencias coetáneas más evidentes -Pop Art, hippismo, cómic-, sino también en otras mucho más alejadas y sorprendentes que se refieren al manejo de las emociones, desde diversas herramientas armónicas procedentes de la música académica con la manifiesta influencia de las artes visuales, la pintura, la fotografía o la iconología sobre los álbumes del grupo. La continua búsqueda expresiva en The Beatles convirtió la música de la banda de Liverpool en una síntesis perfecta entre vanguardia y tradición a causa de la convergencia entre texto y sonido y, sobre todo, gracias al aprovechamiento de recursos tradicionales como el uso del cromatismo y de la dominante secundaria. Abstract: THe music of the Beatles, ather its enormous success through time, hides diverse secrets that sink their roots not only in the more evident contemporary trends -Pop Art, hippie movement, comic-, but also, in others much more remote and surprising that have to do with the handling of emotions from the harmonic tools of academic music, and with the influence of the visual arts,painting, photography or iconology on the group's albums. The continuous expressive search in the Beatles turned the music of the Liverpool band into a perfect synthesis between avant-garde and tradition because of the convergence between text and sound,and above all, thanks to the use of traditional resources as a the use of chromatism and the secondary dominant.

A recente produção do conhecimento histórico em torno da música popular no Brasil é tributária de uma geração de memorialistas, cronistas e jornalistas cujas obras começaram a aparecer nas décadas de 1960-1970. Esse conjunto permaneceu até o final do século XX como o principal acervo da memória e da história da música popular. O jornalista e cronista carioca Jota Efegê (1902-1997) foi um dos protagonistas desse processo. Sua trajetória de vida foi importante na constituição de certa memória e algumas de suas obras ocuparam lugar de destaque na produção de uma historiografia da música popular. Este artigo tem como objetivo examinar de modo crítico aspectos deste conjunto para compreender melhor o papel de Jota Efegê na construção de uma narrativa historiográfica que se estabilizou e se "naturalizou" com o tempo como a "história da música popular brasileira". The recent production of the historical knowledge on Brazilian popular music stems from a generation of memoirists, chroniclers and journalists, whose works began to emerge back in the 1960s and 1970s. This collection of works remained as the main body of memory and history of popular music until the late twentieth century. Journalist and chronicler Jota Efegê (1902-1997), born in Rio de Janeiro, was one of the leading figures in this process. The course of his life was important for the establishment of part of this memory, and some of his works gained a prominent place in the development of the historiography of popular music. This article aims to critically examine aspects of this collection of works so as to better understand the role of Jota Efegê in building a historiography narrative that stabilized and "naturalized" itself over time as "the history of Brazilian popular music."

Análisis del uso de la música llamada clásica o culta en la serie de público juvenil, Merlí. Cada capítulo está dedicado a un filósofo y, a través de las clases de filosofía y de las estrategias del profesor de dicha asignatura van surgiendo las vivencias y las emociones entre los alumnos. La expresividad, descripción y narratividad que los espectadores podemos percibir mediante la música son analizadas a través de secuencias nucleares en cada capítulo. La popularización de la música de Bach o Chopin, entre otros compositores, nos llega a través de un formato audiovisual que convierte dicho género en un rasgo diferencial de dicha serie frente a otras. In the research field on audiovisual media, we can see how the classical music is often used to illustrate images. We could take as an example some advertisements, films or documentaries which use this musical genre with a significant and evocative purpose. However, in some cases where the audiovisual is aimed at a target audience that does not show an explicit interest in classical music, it may surprise the power of attraction and the significant change it brings to images or video sequences./nIn this article, I propose an analysis of the use of classical music through various sequences of the television serie Merlí in its first season of broadcasting. Between a Prelude, in which I introduce elements that musical designer should consider before editing the sound, and a Postlude, in which I develop the conclusions of the study, I analyse the expressive use and narrative use of classical from different types of video montage. /nTo develop this analysis, I not only delve into each of the sequences in Merlí in relation to the symbiosis “image-classical music” but I also include the development of the script within a TV serie whose target or main target audience are adolescents or young people. In short, discover how classical music is no longer “stamp of the past” or “graffiti of the present.”

espanolEn este trabajo ofrecemos un acercamiento al viaje que el Orfeo Catala realizo a Paris, como parte de la excursion artistica a Paris y Londres en junio de 1914. A traves del acceso a fuentes primarias y fuentes hemerograficas espanolas y francesas, recuperaremos los acontecimientos que rodearon el periplo y conoceremos como fue la recepcion por parte del publico y de la prensa. Asimismo, y a pesar de que la publicidad previa al evento utilizaba la figura de Maria Barrientos la soprano espanola mas celebre del momento como aval al Orfeo en el viaje, en este trabajo trataremos de demostrar que la agrupacion barcelonesa logro brillar con luz propia a traves de su calidad tecnica y de la vistosidad del repertorio popular EnglishIn this work we offer an approach to the journey that the Orfeo Catala made to Paris, as a part of the artistic excursion to Paris and London in June 1914. Throughout primary sources and Spanish and French newspaper sources, we will recover the events that surrounded the tour and we will know how was the reception by the public and the press. Also, and despite the fact that the publicity prior to the event used the figure of Maria Barrientos –the most famous Spanish soprano of the moment–, as patroness of the Orfeo in the journey, in this work we will try to demonstrate that the Barcelona group succeeded thanks to its technical quality and the brilliance of the popular repertoire.

Análise da relação entre música popular e charges satíricas sobre a fundação de Brasília, publicadas na revista humorística Careta. A iniciativa de construção da nova capital pelo governo de Juscelino Kubitschek foi objeto de acesa polêmica, dividindo a opinião pública, além de ser contestada pela União Democrática Nacional – UDN (principal partido de oposição). Inicialmente, investigam-se os usos sociais e apropriações da música popular para fazer a crítica ao projeto de JK. Depois, examinam-se as afinidades entre a revista de humor e a grande imprensa, compartilhando a oposição ao governo federal, bem como a defesa da cultura política liberal. Em seguida, analisa-se a polêmica musical de Brasília, envolvendo diferentes sujeitos, gêneros e práticas sociais. Por fim, através da avaliação da série iconográfica, estudam-se as disputas pelo imaginário social da nova cidade, reinventada como utopia negativa, a distopia Brasiliæ. Analysis of the relationship between popular music and satirical cartoons about the foundation of Brasília, published in Careta (humor magazine of Brazil). The initiative to construct the new capital by the government of Juscelino Kubitschek was the object of fierce controversy, dividing public opinion, besides being challenged by the National Democratic Union – UDN (main opposition's party). Initially, we investigate social uses and appropriations of popular music to criticize JK's project. Then, we examine the affinities between humor magazine and mainstream media, sharing the opposition to the federal government, as well as the defense of liberal political culture. Hereafter, we analyze the musical controversy about Brasília, involving different subjects, genres and social practices. At last, by evaluating the iconographic series, we study disputes over social imaginary of the new city, reinvented as negative utopia, the distopia Brasiliæ.

O objetivo deste artigo é propor algumas reflexões para o ensino de História da América a partir de questões abordadas pela música popular sobre o tema da Conquista. Essas composições tematizam tanto o genocídio e silenciamento das populações indígenas quanto as resistências por elas oferecidas. Tratando-se de uma produção musical difundida principalmente nos anos 1970/1990, essas composições aproximam-se da perspectiva de uma “história dos vencidos”, procurando se contrapor às epopéias da Conquista difundidas por abordagens mais tradicionais. This article aims to propose some reflections about the issues discussed by popular music on the theme of American Conquest in the teaching of American history. These compositions thematize both the genocide and silencing of indigenous people and their resistance. In the case of musical productions spread mainly in the years 1970-1990, these compositions take the perspective of a "history of the vanquished" on the contrary to the prospect of an epic history of the conquests as told by more traditional approaches.

This article introduces an approach to popular song that combines socio-historic analysis - which discusses the relationship between the work and its social environment - with the musical-linguistic-discursive aspects of its inner structure. It also seeks to identify and analyse the elements responsible for the production of musical aesthetic responses. Firstly, the work introduces a series of theoretical frames of reference based on the works of Antonio Candido, Lev S. Vigotski, Carlos Sandroni, Simha Arom and Godfried Toussaint. Secondly, we will analyse a particular case: the samba Portela na avenida by Mauro Duarte and Paulo Cesar Pinheiro, popularized in recording by Clara Nunes.

The article highlights the uniqueness of the activity of the Tropicalism movement, focusing on the modes of production which distinguished its songs since its beginning in terms of concept, structure, transmission and intervention on the artistic and cultural debates taking place in Brazil during the 1960s

El presente artículo analiza los rasgos característicos de la obra lírica del maestro José Serrano Simeón, probablemente el compositor de zarzuelas más relevante del siglo XX, así como las opiniones que la crítica especializada de la época llevó a cabo sobre su insigne producción. La riqueza melódica de sus obras, que tenía su origen en la música popular española, la variedad rítmica de las mismas y su sencilla y eficaz instrumentación son tan sólo algunos de los rasgos más representativos de su magna obra.

Music dictation (dictée) constitutes one of the most difficult challenges in the teaching of music and a source of disappointment for the students. Their errors, during this lesson, may be fundamental to our research. The goal of this paper is to observe, describe and analyse the errors made during the recording of melodies of western European and tropical Greek demotic music (traditional cosmopolitan melodies). These errors indicate proof and a means of analysis of the mental procedures which are inextricably connected to the teaching of music. By analysing these errors we will attempt to discover the causes which provoke difficulties and are inextricably connected to notes, intervals, scales, drops and rhythmic values. The statistical sample of the students (36 students) is a representative of the two different teaching methods (traditional and Kodaly) in an environment of a specific musical culture (Greek)., El dictée (dictado musical) es una de las pruebas más duras en la enseñanza de la música y fuente de frustración para los estudiantes. Sus errores durante este curso pueden ser reveladores en nuestra investigación. Nuestro objetivo es observar, describir y analizar los errores cometidos en la transcripción de melodías tonales y de música tropical occidental tradicional griega (melodías tradicionales). Estos errores son signos y medios de análisis de los procesos cerebrales que están íntimamente ligados al aprendizaje musical. Analizándolos, trataremos a descubrir las causas de las dificultades que causan estos errores en treinta y seis estudiantes y que están íntimamente ligadas a los intervalos, los niveles, las cadencias y los valores rítmicos. La muestra estadística de estudiantes (36 estudiantes) es representativa de las dos diferentes enseñanzas (tradicional y Kodály) en un medio ambiente de la cultura musical especifica (griego)., Universidad de Granada. Grupo de Investigación "Desarrollo Educativo de las Didácticas en la Comunidad Andaluza" (HUM742).

This study aims to give a brief mapping of the fictional musical cinema in Latin America, in order to understand how different Latin cinematography appropriated the musical format and how it spoke with local cultural traditions, especially of film and popular music, to develop. We seek therefore address how the fictional musical is linked to the history of Latin American cinema and the national and cultural identity issues that constantly emerge from these movies. O presente trabalho visa fazer um breve mapeamento cinema musical de ficção na América Latina, de modo a compreender como as diferentes cinematografias latinas se apropriaram do formato do musical e como este dialogou com as tradições culturais locais, em especial do cinema e da música popular, para se desenvolver. Buscaremos, pois, tratar de como o musical de ficção está ligado à história do cinema latino americano e das questões de identidade nacional e cultural que constantemente emergem das obras.

Estudo panorâmico sobre a história do grupo instrumental UAKTI, cobrindo desde a formação musical de seu idealizador, luthier, compositor e multi-instrumentista Marco Antônio Guimarães até a construção e utilização dos novos instrumentos musicais acústicos que norteiam sua estética e continuada produção no Brasil e no exterior por mais de três décadas.

Estudo sobre o reconhecimento de elementos composicionais e interpretativos característicos do baião e do bebop na Introdução e Tema da música Pro Zeca de Victor Assis Brasil (1945-1981), a partir de três fontes primárias: (1) a lead sheet editada que reproduz o manuscrito autógrafo do compositor (ASSIS BRASIL, sem data a), (2) uma lead sheet manuscrita de caligrafia anônima (ASSIS BRASIL, sem data b) e (3) a lead sheet editada da transcrição a partir da gravação do compositor (ASSIS BRASIL, 1974), incluindo sua improvisação, que está publicada às p.39-44 nesse volume de Per Musi. Fundamentada por referenciais históricos e teóricos das práticas de performance da música brasileira (GIF-FONI, 1997; SIQUEIRA, 1981; SÉVE, 1999) e do jazz (GRIDLEY, 2006; LAWN, 1995; HOBSBAWM, 1990, BAKER, 1987), esta análise comparativa revela um hibridismo entre elementos do bebop e do baião, no qual as características desses dois gêneros populares de países diferentes às vezes permanecem distintas e às vezes se entrelaçam em uma síntese. Study about the recognition of compositional and intrepretive elements typical of bebop and baião in the Introduction and Theme of Pro Zeca by Brazilian composer and saxophonist Victor Assis Brasil (1945-1981) departing from three primary sources: (1) the edited lead sheet that reproduces the composer's autograph (ASSIS BRASIL, sem data a), (2) an anonymous lead sheet manuscript (ASSIS BRASIL, sem data b) and (3) the lead sheet of the transcription based on the composer's recording (ASSIS BRASIL, 1974) included at the end of this article. Resorting to historical and theoretical references of performance practices in jazz (GRIDLEY, 2006; LAWN, 1995; HOBSBAWM, 1990, BAKER, 1987) and Brazilian music (GIFFONI, 1997; SIQUEIRA, 1981; SÉVE, 1999), this comparative analysis reveals hybridization between bebop and the Brazilian baião, in which the characteristics of these popular genres from two different countries sometimes remain separate and sometimes are interwoven into a synthesis.

EnglishThis paper aims to analyze the discourse about cultural identity through the manifestations of popular music in Florianopolis, Santa Catarina, from interviews with musicians and community participants samba, emphasizing mainly the issue of musical forms and melodic is composed in the mid-twentieth century. Rooted on the valuation of antique instruments, the way they were made, in either of the sets, groups and musical genres, these memories help us and lead us to an historical analysis of musical experiences as ways of pleasure, affirmation and cultural representation to understanding how languages and representantions, as it takes shape in the theoretical assumptions of History of the Present Time. The music in this sense becomes one forming agents discourse around the cultural identity of the people that belong to the outskirts of towns. portuguesEste artigo tem como objetivo analisar os discursos em torno da identidade cultural atraves das manifestacoes da musica popular em Florianopolis, Santa Catarina, a partir de entrevistas com musicos e participantes das comunidades do samba, enfatizando, principalmente, a questao das formas musicais e melodicas que compunham em meados do seculo XX. Pautadas na valorizacao dos antigos instrumentos, na forma como eram confeccionados, nos formatos dos conjuntos, grupos e nos generos musicais, estas memorias nos conduzem e nos auxiliam para uma reflexao historiografica sobre experiencias musicais enquanto formas de lazer, de afirmacao e representacao cultural, aqui se entendendo como linguagens e representacoes de mundo, tal como esta se configura nos pressupostos teoricos da Historia do Tempo Presente. A musica, nesse sentido, se torna um dos agentes formadores dos discursos em torno da identidade cultural das populacoes que compoe as regioes perifericas urbanas.

O artigo propõe uma primeira aproximação entre alguns dos estudos estético-musicais de Theodor Adorno e Mário de Andrade, a partir do material musical popular explorado por cada um deles. Contemporâneos, ambos escreveram sobre as diversas esferas musicais a partir dos efeitos gerados pela técnica resultante da hegemonia do capitalismo, tanto nos Estados Unidos como no Brasil. O ambiente histórico em que cada um viveu, e suas distintas formas de abordagem, imprimiram semelhanças e diferenças nas suas conclusões. Essas particularidades podem ajudar a compreender a história da música estadunidense e brasileira no século XX.