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El estado de arte del color en la Escuela de Arquitectura y Diseño de Valparaíso no ha sido reconocido. Desde su fundación se analiza el fenómeno cromático en sus proyectos como un hecho experimentable de la acción de la luz sobre la arquitectura. Su aprendizaje se realiza a través de técnicas innovadoras que se resumen en una matriz analítica de doble entrada relacionando modelos de enseñanza con finalidades cromáticas. La cuestión del color y la luz en Ciudad Abierta tiene la cobertura que merece como laboratorio de ensayo que es. El sentido de ser americano en la Escuela de Valparaíso está asimilado a la noción de punto estaca como un modo original de habitar un continente, donde lo cromático alcanza su espacio construido. La conciencia de americanidad se concentra en un horizonte vertical, expresado por la interacción de la luz y el espacio en atmósferas coloreadas que visibilizan la diversidad y complejidad de un territorio. A partir de límites lumínicos -cuyos colores están en una luz plena de atributos- se construye una lugaridad que identifica lo particular de cada lugar. El objetivo de esta inmersión sensorial es desvelar los componentes básicos de los efectos del color sobre un espacio visibilizado como luz con naturaleza continental. La arquitectura se reinventa en espacios lumínicos ecológicamente coloreados como una lectura sintética y cultural de un sitio. La pedagógica innovadora de la Escuela de Valparaíso experimenta con el uso de la luz y el color como eje estructural de la materialización de la extensión del territorio mediante una enseñanza lúdica de la arquitectura. Su metodología toma carácter universal y categoría estética en una constante interrogación poética sobre la condición continental americana. Los colores lumínicos que construyen horizontes en el marco arquitectónico, y la presencia corporal que se vincula a través del juego y la palabra con la creación del lugar, son parte de la respuesta que contribuye a renovar un espíritu innovador predispuesto para el proyecto arquitectónico. The use of colour at the Valparaíso School of Architecture and Design constitutes a state of the art that has hitherto not been recognised. Since its foundation, the chromatic phenomenon that can be found in the School’s projects has been analysed as an experienceable action of light on architecture. It is taught through innovative techniques that are summarised in a double-entry analytical matrix linking teaching models to chromatic purposes. The issue of colour and light in the Open City has the publicity it deserves as the test laboratory that it is. The sense of being American in the Valparaíso School is assimilated to the notion of the stake point as an original way of inhabiting a continent, where the chromatic reaches its built space. The consciousness of Americanity is concentrated on a vertical horizon, expressed by the interaction of light and space in coloured atmospheres that make a territory’s diversity and complexity visible. A place is built using light limits, whose colours are in a light full of attributes, thus determining the particular nature of each place. The objective of this sensory immersion is to reveal the basic components of the effects of colour on a space made visible as light of a continental nature. Architecture reinvents itself in ecologically coloured light-filled spaces as a concise and cultural reading of a site. The Valparaíso School’s innovative pedagogical approach performs experiments using light and colour as the structural axis of the materialisation of the territory’s extension. It thus teaches architectures in a playful manner. The methodology is of a universal nature and its aesthetics represent a constant poetic questioning regarding the condition of the American continent. The colours of the light enable building horizons in the architectural framework. These colours, together with bodily presence, linked to the creation of the place through play and words, partly contribute to the renewal of an innovative spirit predisposed to the architectural project.

En un contexto global inestable y que responde con dificultad ante la aparición de acontecimientos radicales, es necesario anticipar una postura docente que identifique los agentes que intervienen en la enseñanza del proyecto arquitectónico; ya sea para adaptarla, protegerla, resistirse, o actualizarla ante un escenario de imprevisibilidad. Entre estos agentes, el arquitecto que enseña, practica e investiga, se posiciona como un nexo crucial entre otras formas de pensar y hacer arquitectura. Esta situación permite esbozar un contexto y un marco pedagógico general en el cual depositar los libros Learning from Las Vegas (LLV) y Made in Tokyo (MT), entendidos como instrumentos efectivos para la enseñanza del proyecto arquitectónico del siglo XX. Se reclama la construcción de una genealogía pedagógica basada en libros escritos por este perfil de arquitecto —o teórico francotirador—, entendiendo que esta figura ha solidificado un conocimiento específico en arquitectura: el de una pedagogía intrusa, enraizada en la observación de lo ordinario, y que ha resultado eficaz para el aprendizaje proyectual. La transmisión de este conocimiento queda sustentada a su vez en un dibujo disciplinar muy determinado: el resultado de toda observación depende del método de representación. Aludiendo al análisis comparativo y objetivable —implícito en los contenidos de LLV y MT, y que excluye Delirious New York de una clasificación de teorías dibujadas sobre lo real—, parte de este trabajo se desarrolla bajo el método oral basado en conversaciones con Denise Scott Brown, Momoyo Kaijima y Joan Ockman. Se trata de ideas enlazadas con reflexiones docentes que, junto a documentos recabados en Penn Architectural Archives (Filadelfia) y Avery Library (Nueva York), completan y revisan las circunstancias excepcionales tanto de los autores como de los contextos críticos que agitaron la concepción de ambos libros. In an unstable global context that responds awkwardly to radical events, it is necessary to anticipate a teaching position capable of identifying the agents involved in the teaching of architectural design. This is necessary whether such a design requires adapting, protecting, resisting or updating in the face of unpredictable scenarios. Among these agents, architects who teach, practice, and conduct research embody a crucial link between different ways of thinking and realising architecture. This leads us to the outlining of a context and a general pedagogical framework in which the books Learning from Las Vegas (LLV) and Made in Tokyo (MT) play a notable role. Indeed, they can be understood as effective tools for teaching the twentieth century architectural project. Such a pedagogical genealogy, based on books written by this type of architect profile —or sniper theorist—, is called for. Indeed, this figure has solidified a particular type of knowledge in architecture: that of an intrusive pedagogy, rooted in the observation of the ordinary, and which has proved to be effective in project learning. The transmission of this knowledge is in turn supported by a very specific disciplinary picture: the result of any observation depends on the representation method. Alluding to comparative and objectifiable analysis —implicit in the contents of LLV and MT, and which excludes Delirious New York from a classification of theories about the real—this work was partly conducted following an oral method based on conversations with Denise Scott Brown, Momoyo Kaijima and Joan Ockman. These ideas are linked to teaching reflections that, together with documents collected at the Penn Architectural Archives (Philadelphia) and Avery Library (New York), complete and review the exceptional circumstances of both authors and critical contexts that drove the conception of both books.

La primera forma de vida compleja en orbitar la Tierra lo hizo en un artefacto programado para asesinarla. A pesar del avance revolucionario que trajo el Sputnik II, detrás de sus apariencias futuristas persiste la misma ideología que busca entender el universo y relacionarse con él en términos de dominio y destrucción. La cápsula espacial no puede entenderse sin el usuario que alojaba, Laika, una perrita mestiza de tamaño mediano que sobrevivió en las calles de Moscú antes de ser recogida y sometida a un entrenamiento extremo. La rapidez de adaptación en los entrenamientos y su capacidad para la socialización con los humanos convertía a los canes en candidatos ideales con los que experimentar, pero los rusos contaban además con otro factor añadido, la herencia de los estudios realizados décadas antes por Ivan Pavlov desvelando detalladamente su fisiología y psicología. El marco en el que se ideó el Sputnik II fue uno de los momentos álgidos de la Guerra Fría, cuando las dos potencias vieron el espacio exterior como el próximo escenario en el que lucirse y derrotar a su adversario. La rivalidad entre superpotencias provocó que la creación y lanzamiento del Sputnik II fuera apresurado y sin motivaciones científicas que lo sustenten, fue concebido para el espectáculo. The first complex life form to orbit Earth did so in an artefact programmed to kill it. Despite the revolutionary advance brought about by Sputnik II and behind its futuristic appearances lay the same persisting ideology that sought to understand the universe and relate to it in terms of domination and destruction. The space capsule cannot be understood without the user it housed, Laika, a medium-sized mixed-breed dog who survived Moscow’s streets before being collected and subjected to extreme training. Dogs’ speed of training adaptation and their ability to socialise with humans make them ideal experimentation candidates. Yet there was an added factor in the case of the Russians: the heritage of the studies conducted decades before by Ivan Pavlov, who detailed their physiology and psychology. The framework in which Sputnik II was devised was a high point in the Cold War, when the two superpowers saw in outer space a new scenario in which to show off and defeat their adversary. Such rivalry caused the creation and launch of Sputnik II to be rushed. The launch was not supported by scientific motivations, it was conceived for the show.

El movimiento es uno de los temas fundamentales de investigación creativa contemporánea. Comenzando por las vanguardias de las primeras décadas del siglo XX: futuristas, dadaístas, y después los surrealistas, todos hicieron del estudio del movimiento del sujeto en su contexto uno de sus principales campos de experimentación. Décadas después, letristas y situacionistas, reciclan la investigación precedente aumentando la connotación radical del deambular como liberación de la rutina y del orden establecido, abriendo futuras nuevas vías creativas de amplio espectro en disciplinas como el arte de acción, la performance, el teatro, la danza, el cine, pero también de modo relevante en el diseño urbano y en la arquitectura. Uno de los arquitectos que mejor recoge el testigo de toda esta experiencia de investigación con el movimiento y que consigue trasladar estos suculentos hallazgos al recorrido urbano y arquitectónico es Rem Koolhaas. Influido de modo importante en el inicio de su carrera por todas estas corrientes plásticas previas, la obra de Koolhaas se caracterizará por innovar de modo constante en el territorio del desplazamiento del individuo, transformándolo en una acción artística al margen del propio edificio. Una verdadera Performance Architecturale. Koolhaas reivindica la dèrive baudeleriana e instrumentaliza el deambular errático por la ciudad en gran parte de sus proyectos. No sólo lo hace en aquellos de carácter territorial. Sino que también experimenta con deambulatoria urbana dentro de los edificios, en coherencia una vez más, con su propuesta de una Arquitectura Metropolitana. Movement is a major theme in contemporary creative research. It began with the avant-garde movements of the first decades of the twentieth century: Futurists, Dadaists, and later the Surrealists, all made movement in its context one of their main subjects of experimentation. Decades later, lettrists and situationists recycled previous research and reinforced the radical connotation of wandering as an act of liberation from routine and the established order. They paved the way towards new creative forms in a broad spectrum of disciplines such as action art, performance, theatre, dance, cinema, but also notably in urban design and architecture. One of the architects who best exploits all this research and past experience with movement and who manages to transfer these delectable gems to the urban and architectural domain is Rem Koolhaas. Decidedly influenced at the beginning of his career by all these plastic currents, Koolhaas's work would be characterised by constant innovations in the field of an individual’s moving, transforming it into an artistic action outside the building itself. A true Performance Architecturale. Koolhaas vindicates the Baudelerian dérive and instrumentalises erratic city wandering in many of his projects. His contexts are not only territorial. Koolhaas also experiments with urban wandering within buildings, in coherence once again, with his proposal of Metropolitan Architecture.

The architectural work of John Hejduk (1929-2000) is marked by theoretical-design research, collected in series with titles and periods. Among these series the one entitled Masques, developed since about 1979, can be considered the nucleus of his research on the architecture of the city and the place of origin of his language of construction later developed in his realized buildings. This paper analyses the dense network of references and analogies established by Hejduk to create his Masques, trying to fix its origin in the idea of the city as a theatre of characters composed of architecture. Starting from the name chosen for the title of this series, the paper tries to trace the threads that lead from the general work of the various projects of the Masques series, to the reflections and ideas that produced it. Then, it comes back again to the observation of architecture and of a case study (Security, 1989), to understand and explain its meaning and the compositional methods involved into the process of genesis of form. Through the entire work named Masques, and its recognizable link with the buildings and installation realized around the world, Hejduk has built an archive of architectural prototypes ready to construct different parts of the city, thus highlighting the strong connection that his work establishes with reality in order "to conceive it, represent it and finally realize it". La obra arquitectónica de John Hejduk (1929-2000) está marcada por la investigación teórica y de diseño, recogida en series con títulos y períodos diferentes. Entre estas series, la titulada Masques, desarrollada a partir de 1979, puede considerarse el núcleo de su investigación sobre la arquitectura de la ciudad y el lugar de origen de su lenguaje constructivo desarrollado posteriormente en los edificios realizados. Este artículo analiza la densa red de referencias y analogías establecidas por Hejduk para crear sus Masques, tratando de fijar su origen en la idea de la ciudad como un teatro de personajes compuesto por la arquitectura. Partiendo del nombre elegido para dar título a esta serie, el artículo intenta trazar los hilos que conducen desde el trabajo general de los distintos proyectos de la serie Masques, hasta las reflexiones e ideas que la produjeron. A continuación, vuelve de nuevo a la observación de la arquitectura y a un estudio de caso (Security, 1989), para comprender y explicar su significado y los métodos compositivos que intervienen en el proceso de génesis de la forma. A través de toda la obra denominada Masques, y de su reconocible conexión con edificios e instalaciones real izados en todo el mundo, Hejduk ha construido un archivo de prototipos arquitectónicos listos para construir diferentes partes de la ciudad, poniendo así de manifiesto la fuerte conexión que su obra establece con la realidad para "concebirla, representarla y finalmente realizarla".

La malla de los nueve cuadrados, el famoso ejercicio de John Hejduk, ha sido el proyecto más replicado del curso Architectonics de la Cooper Union. Este recurso pedagógico ha sido reproducido en diversas universidades del planeta. Esto puede deberse a la facilidad en su reproducción material, sin embargo, el ejercicio contiene un contexto conceptual preciso que acompaña a sus elementos; los estudios de Colín Rowe y Robert Slutsky sobre las relaciones entre la historia de la arquitectura y la formulación del lenguaje visual desarrollado a partir del arte y el diseño de vanguardia del siglo XX. Este ejercicio se presenta en un espacio abstracto, desprovisto de escala y función, que permite el análisis y la especulación espacial. El objetivo de su estudio se basa en el reconocimiento y la comparación, otras visiones de la clase de Arquitectura después de malla de los nueve cuadrados, revisando ejercicios de arquitectos como Raimund Abraham, Elizabeth Diller, Anthony Candido y Chester Wisniewski y descubrir las persistencias y variaciones en cada caso. Esto a partir de las dos principales publicaciones de trabajos de estudiantes que han salido de Cooper hasta la fecha: Educación de un Arquitecto 1964-1971 y Formación de arquitecto 1972-1985. The nine-square grid, John Hejduk's famous exercise, has been the most replicated project of the Cooper Union Architectonics course. This pedagogical resource has been reproduced in various universities in the world. This can be for the ease of its material reproduction; however, the exercise contains a precise conceptual context that accompanies its elements; Colin Rowe and Robert Slutsky's studies about the relationships between the history of architecture and the formulation of visual language developed as early as the avant-garde art and design of the twentieth century. This exercise is presented in an abstract space, devoid of scale and function, which allows analysis and spatial speculation. The objective of his study is based on the recognition and comparison of other visions of the Architecture class after the nine square problem, reviewing exercises of architects such as Raimund Abraham, Elizabeth Diller Anthony Candido and Chester Wisniewski and discovering the persistence and variations in each case. This begins with two main publications of students work from the Cooper: An Architect Education 1964-1971 and Architect Training 1972-1985.

espanolLas logicas urbanas y las preexistencias ambientales y antropicas escriben caligrafias diversas que, como marcas, pueden ser leidas en el territorio en clave de paisaje. Desde esa perspectiva, este trabajo busca comprender la sucesiva reconfiguracion del frente urbano-rural que deviene de la friccion de diversos proyectos territoriales y las multiples formas en que se inscriben en el ambiente y uso de la tierra. La metodologia empleada esta basada en la revision y analisis documental en articulacion con los testimonios orales recogidos en el trabajo de campo. Se reconocen cuatro cortes espacio-temporales derivados de proyectos de territorializacion diversos. Finalmente, se revisan pautas que podrian devolver al territorio su propio equilibrio. EnglishThe urban logics and the environmental and anthropic pre-existences draw different calligraphies on the territory which may be read in a landscape key. Following that idea, the paper aims to understand the configurations of the rural-urban front regarding the territorial projects and their multiple ways of relating environment and land use. The methodology used is a study case based on the documentary review and analysis in conjunction with the oral testimonies collected in the field work. The analyses go over four spatio-temporal breaks derived from the territorialisation projects considered. Finally, guidelines are reviewed to regain the balance of the territory.

Los grandes cambios que experimentaron los espacios de la liturgia católica durante buena parte del siglo XX estuvieron ligados a las transformaciones que se dieron paralelamente en los espacios de representación del teatro occidental. La correlación de los cambios tuvo que ver con cómo cada uno de los dos ámbitos entendía su propio origen, y con el papel identitario que le concedió. Esas alteraciones en la espacialidad de la liturgia y del teatro tienen mucho en común, pero lo que caracteriza esas similitudes es que se pueden interpretar como "profanaciones", en el sentido que le da Giorgio Agamben al término. La profanación neutralizaría las separaciones base de las antiguas organizaciones espaciales, propiciando el desplazamiento de las funciones. En todo ello, se puede detectar una creciente apropiación del espacio por parte de los participantes -incluidos público y fieles- y una cierta exaltación del movimiento de sus cuerpos en ese espacio, con claras implicaciones políticas. El objetivo de este artículo es evidenciar que la vez que se ha producido esta incorporación de lo profano a los espacios tradicionales de la liturgia, lo sagrado ha trascendido los límites de los templos hace ya varias décadas, en un proceso que se ha acelerado en nuestros días al pasar de lo analógico a lo digital. The great changes developed in the spaces related to the catholic liturgy for most of the 20th century were tied to the transformations that, adjunctly, took place in the spaces dedicated to occidental theatrical enactment. The correlation of changes had to do with the way each field perceived its own origin and the identity role they assigned to it. The changes developed in the liturgic and theatrical spaces have a lot in common, but what mainly characterizes those similarities is the fact that they can be read as "profanations" within the sense of Giorgio Agamben. Profanation neutralizes the seminal separations in antique spatial organizations, thus favouring the function displacement. Through all this, it can be detected an increasing appropriation of space by the participants -including the audience and the worshippers- also a kind of exaltation of their body movements within that space that has clear political implications. The purpose of this paper is to show that while the inclusion of the profane into the traditional spaces of the liturgy took place, the concept of sacral transcended the limits of tern pies several decades ago during a process that has been speeding up nowadays when society is moving from analogic to digital.

En la mirada de Haesbaert (2004) no hay manera de definir al individuo, al grupo, a la comunidad, a la sociedad, por fuera del contexto geográfico-territorial que los contiene. Los sujetos producen sus propios territorios, de manera tal que su modificación abre un camino incierto en el que confluyen, se articulan y retroalimentan los procesos de despojo, enajenación del lugar y destrucción de las territorialidades que dan sostén a la vida. Los relatos de algunos productores agropecuarios de Vichigasta, La Rioja, Argentina, exponen, con claridad meridiana, cómo estas dinámicas afectan su reproducción social. Expresan una profunda impotencia frente a la imposibilidad de frenar el avance de las actividades empresariales con una lógica distinta a la del campesinado, no pudiendo haber logrado hasta el momento resultados en sus luchas acordes con sus expectativas. La creación de una reserva natural comienza a avizorarse como una posibilidad de resguardo y barrera al avance expansivo del capital. Una manera renovada, aunque no libre de contradicciones de valorar el patrimonio natural como dador de servicios y bienes ecológicos e incluso emerge como un espacio donde aportar a la gestión del territorio por y para la comunidad vichigasteña. El presente trabajo avanza con el análisis de las tendencias de crecimiento agrícola en los últimos 30 años en la zona y describen las tensiones generadas como consecuencia de ello. Luego, analiza los procesos de desterritorialización en curso y recupera las miradas de los productores agropecuarios a propósito de las tendencias territoriales en curso. In Haesbaert's (2004)view there is no way to define the individual, the group, the community, the society, outside the geographic-territorial context that contains them. The subjects produce their own territories, in such a way that their modification opens up an uncertain path in which the processes of dispossession, alienation of the place and destruction of the territorialities life-sustaining converge, coordinate with and feed back on each other. The stories of some farmers in Vichigasta, La Rioja, Argentina, show with great clarity, how these dynamics affect their social reproduction. They express profound helplessness in the face of the impossibility to slow down the expansion of business activities that have a different logic from that of the peasantry, and thus far have not been able to achieve results in their struggles in accordance with their expectations. The creation of a natural reserve appears as a possibility of safeguard and barrier against the expansive advance of capital. A renewed way, although not free from contradictions, of valuing the natural heritage as a provider of ecological services and goods, and even emerges as a space to contribute to land management by and for the Vichigasta community. The present work advances with agricultural growth trends analysis in the last 30 years in the area and describes the tensions generated as a consequence. It then analyzes the deterritorialization processes under way and recovers farmers’ views regarding current territorial trends.

[EN] In 1927, Edward Weston, one of the most innovative and influential photographers of the 20th century, created a personal series of six pictures of Rudolph M. Schindler’s Lovell House in Newport Beach. Drawing upon archival evidence, this essay aims to complete the first studies that have contributed to establishing his authorship after decades of editorial oversight and historiographic disregard. Likewise, with the purpose of interpreting Weston’s intentions regarding this iconic California home, which was his only foray into the field of architectural photography, this paper provides a comparative analysis of the elements, techniques and environmental conditions common to all six pictures. [ES] En 1927, Edward Weston, uno de los fotógrafos más innovadores e influyentes del siglo xx, realizó una serie muy personal de seis imágenes de la Lovell House de Rudolph M. Schindler en Newport Beach. Partiendo de documentación hallada en el archivo del arquitecto, este artículo pretende completar los primeros estudios que han contribuido a acreditar la autoría de estas fotografías tras décadas de silencio editorial y desinterés historiográfico. Asimismo, con el objetivo de interpretar las intenciones de Weston ante esta icónica vivienda californiana, su única incursión en el ámbito de la fotografía de arquitectura, este trabajo analiza comparativamente los elementos, técnicas y condiciones ambientales comunes a todas ellas. Architecture and Design Collection, Art, Design & Architecture Museum de la University of California, Santa Barbara (ADC/UCSB)

Los frentes costeros han sido, históricamente, ámbito de diversas apropiaciones de las sociedades. Estos espacios de interfaz entre tierra y agua condensan distintos intereses, generalmente sintetizados en la disputa trabajo Vs. ocio. Especialmente desde la segunda mitad del siglo XX, frente a numerosos cambios en los modos de producción, los sectores ribereños localizados en áreas estratégicas centrales de las ciudades quedan obsoletos. En este sentido, estos espacios se reposicionan como un lugar expectante de transformación, a partir de su reconversión para nuevos espacios públicos que posibiliten el desarrollo de actividades y apropiaciones colectivas. En el presente trabajo se indaga en las renovaciones de los frentes costeros de seis ciudades de diferentes partes del mundo, a fin de analizar críticamente estos paisajes del agua como neoecosistemas desde una particular relación del binomio naturaleza-cultura. Waterfronts have historically been the domain of various appropriations of societies. These land and water interface spaces condense different interests, generally synthesized in the work vs. leisure dispute. Especially from the middle of the 20th century, in the face of numerous changes in the modes of production, the riverside sectors located in central strategic areas of the cities become obsolete. In this sense, these spaces are repositioned as an expectant place for transformation, based on their conversion into new public spaces that enable the development of collective activities and traditions. In this paper, we investigate the renovations of the waterfronts of six cities in different parts of the world, in order to critically analyse these landscapes of water as neoecosystems from a particular relationship of the binomial nature-culture.

[EN] In opera, a musical drama, the plot unfolds according to the descriptions of the different locations that appear in the text, but what happens when it is produced on stage? Such indications enable us to understand the composer’s intentions in his day; however, with the passage of time, they become a guide for an artistic team to adapt the stage space in relation to the piece of music, as and when necessary, by interpreting it. As a result of the regulations imposed by COVID-19, the conception of this space has been forced to change; so what happens when specific restrictions are imposed? The Teatro Real in Madrid has been the first such institution to come up with a possible answer, with the production of a new Traviata. Using graphic analysis and comparing the different adaptations of the work in this second stage of the history of the Teatro Real, it is our intention to demonstrate how relevant the spirit of Verdi’s work is at the present time. [ES] En la ópera, drama musical, la acción se sitúa gracias a las descripciones de los distintos espacios que aparecen en el texto, pero ¿qué sucede cuando se representa sobre el escenario? Estas indicaciones sirven para entender las intenciones del compositor en su época, sin embargo, con el paso del tiempo, constituyen una guía para que un equipo artístico adapte, en cada momento, el espacio escénico en relación a la pieza musical, interpretándolo. La concepción de este espacio se ha visto obligada a cambiar debido a la normativa impuesta por el COVID-19, entonces ¿qué sucede cuando se imponen unas restricciones concretas? El Teatro Real de Madrid ha sido la primera institución en dar una posible respuesta con la representación de una nueva Traviata. A través del análisis gráfico y la comparación entre las distintas adaptaciones de la obra en la segunda etapa del Teatro Real, se quiere evidenciar la actualidad del espíritu de esta obra verdiana.

espanolEl mito de la montana como un espacio espiritual y transcendente ha estado presente en infinidad de religiones, creencias y cosmogonias. La montana ha servido como lugar privilegiado de encuentro entre lo terrenal y lo espiritual, y la arquitectura, desde sus origenes a emulado esta condicion heterotopica que representa el espacio sagrado. La atmosfera de la montana contiene unas condiciones especificas de caracter fisicoquimico, que hacen que las vivencias y percepciones de los espacios a gran altitud adquieran una fenomenologia propia. Mediante una mirada global capaz de interconectar comportamientos, eventos y atmosfera, se desprende lo que unicamente podemos establecer como una intuicion: la relacion entre las distorsiones fenomenologicas que genera el espacio de la montana con la espiritualidad y el misticismo asociado a estos lugares. La reconstruccion de la atmosfera alpina en el Hormonorium, el pabellon suizo para la bienal de Venecia (2002) de Decosterd&Rahm, nos permite reflexionar sobre cuales son las condiciones espaciales de las cumbres montanosas. La atmosfera de la montana y el desorden hormonal que en ella se genera nos afecta fisiologicamente, produciendo no solamente reacciones fisicas y que alteran el comportamiento de nuestro cuerpo, sino tambien, produce cambios en la actividad mental. De ahi que, la atmosfera de montana reconstruida en el Hormonorium es una atmosfera antifragil: un espacio que mejora con el desorden permite acoger lo indeterminado, crear nuevas reflexiones espaciales y generar multiples posibilidades inesperadas. EnglishThe myth of the mountain as a spiritual and transcendent space has been present in countless religions, beliefs and cosmogonies. The mountain has served as a privileged meeting place between the earthly and the spiritual. Architecture, since its origins, has emulated this heterotopic condition that represents the sacred space. The mountain atmosphere contains specific conditions of a physicochemical nature, which make the experiences and perceptions of high-altitude spaces acquire their own phenomenology. Through a global view capable of interconnecting behaviors, events and atmosphere, our intuition reveals the relationship between the phenomenological distortions that mountain space generates with the spirituality and mysticism associated with these places. The reconstruction of the alpine atmosphere in the Hormonorium, the Swiss pavilion for the Venice Biennale (2002) by Decosterd&Rahm, allows us to reflect on the spatial conditions of the mountain summits. The mountain atmosphere affects us physiologically, which generates, not only physical reactions and behavior of our body, but also produces changes in mental activity. An anti-fragile atmosphere is a space that improves with disorder, allows us to welcome the indeterminate and generates new unexpected possibilities.

Al observar la obra de John Hejduk, es posible notar que esta no entra en el canon de la producción arquitectónica tradicional. Sus libros parecen estar cubiertos por un velo que aleja la interpretación directa y, al mismo tiempo, cautiva e intriga profundamente al espectador que se encuentra con ellos. A través del análisis de los elementos que componen Victims, una de sus mascaradas paradigmáticas, este artículo sugiere que Hejduk fragmenta sus obras de tal forma que deja solo lo fundamental de cada parte, dando las piezas mínimas de un gran rompecabezas de múltiples soluciones, el cual deberá ser resuelto por los espectadores que se sumergen en su universo. Su indagación por la esencia lo lleva ron a encontrar el medio y la información justa para cada fragmento, lo necesario para representar aquello que es realmente importante de la condición humana. Un recorrido por sus dibujos, textos y referencias permite evidenciar su forma única de dibujar donde deja de lado información complementaria que daría una guía clara de la narración que está creando, no entrega todo al observador, por el contrario, lo que busca es delegarle la tarea de develar las ideas y de armar una historia propia. Gracias a un dialogo entre varios escritos del arquitecto y Victims, es posible clarificar las motivaciones de Hejduk para materializar sus ideas arquitectónicas de una forma tan particular, en la cual trazos y letras se entrelazan formando una sola obra de carácter profundamente personal. Observing John Hejduk's work, it is possible to note that it does not fit in the architectural production canon. His books seem to be covered by a veil which takes away the obvious interpretation and, at the same time, deeply captives and intrigues the observer who looks at them. Through an analysis of the elements from one of his paradigmatic masques, Victims, the journal suggest that Hejduk fragments his work to reach the fundamental of each part, to give the minimal pieces from a puzzle with undefined solutions which must be solved by the viewer who decide to immerse in his universe. His pursuit for the essence leads him to find the proper medium and information for each fragment, the necessary to re-present what is important in the human condition. Explore his drawings, texts and references allows to evidence his unique way of drawing. He leaves aside complementary information that would enable a clear guide to the narrative he is creating, he does not give everything to the observer, conversely, what he seeks is to delegate the task of unrevealing the ideas to create individual stories. Comparing architect's writings and Victims, it is possible to clarify Hejduk's motivations to materialize his architectural ideas in such a unique form, in which lines and letters intertwine to form a deeply personal work.

espanolBruselas, como una de las capitales del comic europeo, ha sido y es escenario de multiples historias dibujadas, a la vez que reconocida como un ejemplo de renovacion urbana extrema durante las decadas de posguerra europea, hasta el punto de haberse acunado un termino, Bruxellization, como sinonimo de destruccion sistematica de la memoria urbana y del patrimonio existente en favor de la modernizacion. Este tema ha sido recurrente en bastantes autores de comic belga, abordado de manera critica en dialogo con el activismo urbano que, sobre todo a partir de los anos setenta, consiguio invertir el proceso. La obra grafica de Francois Schuiten mantiene como uno de los ejes fundamentales el tema de la destruccion de la ciudad en los ejercicios de anticipacion que lleva a cabo, en particular en la serie Les Cites obscures, con Benoit Peeters como guionista, y de manera mas intensa en una obra clave, Brusel. En Brusel recrea de forma mas que explicita el Palais de Justice de Bruselas como ejemplo de dicho proceso. Schuiten ha editado en 2019 una personal vision de la serie clasica Blake et Mortimer, de Edgar P. Jacobs, el album Le Dernier Pharaon, donde se concentra en el Edificio del Palacio de Justicia y lo pone en dialogo con una importante tradicion arquitectonica, la de la representacion de la arquitectura futura como ruina, un ejercicio romantico cuyo maximo exponente es la obra grafica del arquitecto visionario Joseph Michael Gandy en sus encargos por John Soane de las visiones futuras de sus obras. EnglishBrussels, as one of the main capital cities of European comic, has been and is the scenario of several fantastic stories, while recognised as an example of extreme urban renewal during the post-European-war decades. Up to a point that a specific word, Bruxellization, has been created as a synonymous for the systematic destruction of the urban memory and existing heritage in favour of modernization. This topic has been recurrent in many authors of the Belgian comic, critically aligned with urban activism, particularly since the 1970s. One of the fundamental subjects of Francois Schuiten's graphic work is the destruction of the city in a number of exercises of anticipatory fiction, specifically in the series Les Cites Obscures , and in a key work in this area, Brusel. In the latter, the Palais de Justice in Brussels is explicitly recreated as an example of this process. In 2019 Schuiten edited a particular vision of Edgar P. Jacobs' classic series Blake et Mortimer, the album Le Dernier Pharaon, with a singular representation of the Palace of Justice building, placing it in dialogue with an important architectural tradition, depicting future architecture as a ruin, a romantic exercise whose greatest exponent is the work of the visionary architect Joseph Michael Gandy and, in particular, those commissioned by John Soane on the future visions of his works.

espanolLa abundante obra restaurada del Movimiento Moderno, permite elaborar los primeros corpus metodologicos de restauracion y rehabilitacion. La mayoria de estas intervenciones se han realizado en edificios iconicos, contando, generalmente, con importante apoyo publico o privado. En la mayoria de los casos, la restauracion de estos edificios termina en su musealizacion, lo que les aparta de su funcion habitacional original. Existe una amplia obra, mas alla de estos grandes iconos arquitectonicos, que no esta sujeta a protecciones de maximo nivel, por lo que carece de apoyos y recursos economicos para ser conservada. En estos casos, es muy importante realizar un “analisis habitacional”, es decir, un estudio historico de las transformaciones producidas en las viviendas. Identificados los elementos configuradores de la “autenticidad de diseno” del edificio, este analisis permite determinar los limites de su “variabilidad aceptable”, de forma que, manteniendo su originalidad y funcion, sea posible una serie de transformaciones sin perder su condicion habitacional. Se ha analizado la historia y reformas de los edificios de viviendas de la calle Muntaner 342-348 y Rossello 36 de Josep Lluis Sert, por reunir esas condiciones: importancia historica, encontrarse en uso en la actualidad, y carecer de proteccion patrimonial de maximo nivel. EnglishThe abundant restored work of the Modern Movement, allows to elaborate the first methodological corpus of restoration and rehabilitation. Most of these interventions have been carried out on iconic buildings, generally with significant public or private support. In most cases, the restoration of these buildings ends up in their musealization, which takes them away from their original residential function. There is a wide range of work, beyond these great architectural icons, which is not subject to the highest level of protection, so it lacks support and economic resources to be pre-served. In these cases, it is very important to carry out a "housing analysis", that is, a historical study of the transformations produced in the houses. Identifying the elements that configure the "design authenticity" of the building, this analysis allows us to determine the limits of its "acceptable variability", so that, while maintaining its originality and function, a series of transformations is possible without losing its housing condition. The history and reforms of the residential buildings at 342-348 Muntaner Street and 36 Rossello Street by Josep Lluis Sert have been analysed because they meet these conditions: historical importance, being in use today, and lacking the highest level of heritage protection.

espanolEste texto surge desde la imposibilidad de conversar con las mujeres del barrio. Mujeres companeras con quienes comparto la vida hace mas de diez anos. Mujeres que nos conocemos en nuestras luchas existenciales por la tierra, por el trabajo, por la vivienda, por la autonomia, y que acuerpadas, sostuvimos diversas resistencias pero que jamas pudimos compartir la palabra “orgasmo”. Recorremos preguntas que van configurando un mapa de subjetividades presas de multiples violencias, tanto territorializadas como encarnadas en personajes policiales, que nos ayudan a entender esta imposibilidad de conversacion. Con esta investigacion desmantelamos la impunidad del disciplinamiento espacial domestico, dejandolo en evidencia. Los resultados obtenidos son fundamento de nuestra actual linea de investigacion de Arquitecturas Feministas, donde estamos revisando a la luz de la justicia erotica, el diseno patriarcal biopolitico y la casa como dispositivo. EnglishThis text come to light from the impossibility to talk with women in the field work. Female co workers with whom I share life more than ten years ago. Women who know each other in our existential struggles for the land, for work, for housing, for autonomy, and who agreed, we held various resistance but we could never share the word "orgasm." We go through questions that configure a map of subjectivities imprisoned by multiple kind of violences, both territorialized and embodied in police characters, that help us understand this impossibility of conversation. This research was revealing. It dismantled the impunity of domestic space that discipline our body and life, being the foundation of our current line of Feminist Architectural Research, where we are reviewing in the light of erotic justice, biopolitical patriarchal design and the house as a dispositive.

Producción Científica, La publicación en 1965 del influyente ensayo de Donald Judd titulado Specific Objects, puso de relieve que la reflexión norteamericana sobre el objeto de arte, desarrollada desde los años veinte, había alcanzado una identidad propia. Esa particularidad se apoyaba en el empirismo anglosajón y en el interés por la iconografía industrial e ingenieril, que posibilitaron el predominio estadounidense después de la Segunda Guerra Mundial. La potencia formal de las obras públicas y las máquinas se venía resaltando desde principios de siglo en las nuevas instituciones culturales neoyorquinas, con exposiciones y ferias que suponían un reconocible posicionamiento formal y artístico. Después, en los cincuenta, se erigieron diversos edificios con vocación pública, que instituyeron la estética moderna de la caja como emblema de la postguerra. Así se llegó, en el Nueva York de los sesenta, al Expresionismo Abstracto, el Pop y el Land Art, o el Minimalismo, que siguieron enfatizando la “objetualidad” hasta realizar una transferencia de categorías espaciales arquitectónicas a otras disciplinas artísticas, de unas características sin precedentes. Especialmente, el Minimalismo hizo que la escultura dejara de ser un mero volumen percibido desde fuera, para expandir su campo de acción al contexto expositivo e integrar el movimiento del espectador. A la vez, se activaba el espacio interior del objeto, hasta hacerlo incluso habitable. Se dejaba así preparado el camino para el definitivo entrelazamiento de arquitectura, escultura, escenografía y medios audiovisuales, propio de las instalaciones., The publication in 1965 of Donald Judd's influential essay entitled Specific Objects, high-lighted that the American reflection on the art object, developed since the 1920s, had reached an identity by itself. This particularity was based on Anglo-Saxon empiricism and on the interest in industrial and engineering iconography, which made the American pre-dominance possible after the Second World War. The formal power of public works and machines had been highlighted since the beginning of the century in the new cultural insti-tutions of New York, with exhibitions and festivals that involved a recognizable formal and artistic position. Later, in the 1950s, several buildings with a public vocation were erected, which established the modern aesthetics of the box as the post-war emblem. Therefore, in the 1960s New York, Abstract Expressionism, Pop and Land Art, or Minimalism continued to emphasize “objectivity” until reaching a transfer of architectural spatial categories to other artistic disciplines, with unprecedented characteristics. Especially, Minimalism made the sculpture stop being a mere volume perceived from outside, expanding its field of action to the exhibition context and so integrate the movement of the viewer. At the same time, the interior space of the object was activated, as far as it was even habitable. Thus, the way was prepared for the definitive interweaving of architecture, sculpture, scenogra-phy and audiovisual media, typical of the installations., Este trabajo forma parte del proyecto de investigación del Programa Estatal de proyectos I+D de generación de conocimiento (2017-2020) del Ministerio de Ciencia e Innovación: Análisis planimétrico, espacial y fotográfico de instalaciones audiovisuales pioneras en la Península Ibérica desde 1975 (ref. PGC2018-095359-B-I00)

En las últimas dos décadas se ha evidenciado que las estructuras y dinámicas adoptadas por el sistema de educación superior, tendientes a homologar parámetros universitarios, han afectado también los procesos internos de las escuelas de arquitectura chilenas. No obstante, el sentido político y colectivo reflejado en las demandas planteadas por una nueva generación de estudiantes, informados y exigentes, ha desafiado tanto la política pública como a la pedagogía disciplinar. Dentro de un contexto de inercia institucional, las escuelas de arquitectura no siempre logran responder a las inquietudes de los estudiantes en forma reflexiva o propositiva, actuando reactivamente. Sin embargo, se avistan desde regiones del territorio chileno tres acciones pedagógicas que -en la línea radical de los años sesenta desafían el pensamiento normativo, cuestionando y reorganizando aspectos disciplinares que permiten repensar el potencial ecológico de las comunidades formativas. Estos casos entienden la docencia como práctica central, apuestan por otra forma de relación entre docentes y estudiantes, y combinan la práctica con la investigación, intentando reforzar la idea colectiva de comunidad a través del ejercicio académico del proyecto. En este artículo describiremos y analizaremos las condiciones que hacen posible la emergencia de estas acciones pedagógicas en sus comunidades, y el potencial ecológico de sus prácticas que agregan al proyecto un sentido político y colectivo que llega a re-significar, desde la base formativa, la disciplina arquitectónica. Over the last two decades, the higher education system has visibly tended to standardise university parameters and this process has also affected the internal functioning of Chilean architecture schools. Nevertheless, the political and collective sense reflected in the demands of the new student generation has challenged public policy and the discipline’s pedagogy. In a context of institutional inertia, architecture schools have failed to show reactivity and have not always responded to students’ concerns in a thoughtful and purposeful way. We can observe, however, three pedagogical actions in Chile which – following a radical line proper to the sixties – challenge the normative thoughts, thus questioning and reorganising disciplinary aspects. In so doing, they lead to a rethinking of the ecological potential of the training communities. In such cases, teaching is understood as a central practice, relying on a different relationship between teachers and students. They mix practice with research as they seek to strengthen the collective idea of a community through the academic exercise of a project. In this article, we describe and analyse the conditions that allow these pedagogical actions to emerge and the ecological potential of practice, as they bring about a political and collective meaning that can re-signify the architectural discipline via training.

La arquitectura y la vestimenta responden a una idea de espacialidad corpórea en la que el espacio se define por los cuerpos y energías contenidos en él. Partiendo de esto, se entiende la moda como un conjunto de dispositivos efímeros usables cuyos aprendizajes a nivel conceptual, estructural, material, semiótico, estético, económico, social y/o ambiental se inspiran muchas veces en la arquitectura y a su vez dejan huella en la concepción de esta, de modo que se tiene un proceso de ida y vuelta a lo largo de sus fases de creación. El objetivo de este texto se centra en remarcar las vías transversales a través de las cuales la moda y la arquitectura establecen diálogos conceptuales entre sí creando un trasvase de conocimiento. Para ello se presenta en primer lugar una actualización del estado de la cuestión del tema a través de la organización de la bibliografía y una comparación histórica que es válida para cualquiera de las dos disciplinas y que sirve como punto de partida en el planteamiento de numerosas preguntas de investigación. En segundo lugar, se muestra una clasificación de los textos de acuerdo tres categorías repetidas numerosas veces en estos: la arquitectura y la vestimenta como terminales de información; la arquitectura y la vestimenta como envolventes naturales-artificiales; y la relación de la arquitectura y la vestimenta con el binomio tipología-topología. A través de la investigación hermenéutica, este artículo trata de continuar el diálogo en torno a ambas disciplinas a través de estos tres entendimientos. Architecture and clothing respond to the idea of corporeal spatiality in which space is defined by the bodies and energies contained in it. Starting from this, fashion can be defined as a set of ephemeral wearable devices whose learnings at a conceptual, structural, material, semiotic, aesthetic, economic, social and/or environmental levels are often inspired in architecture, leaving marks in its understanding; it is an ongoing exchange through its processes of creation and realization. This paper focuses in underlining the transversal paths by which fashion and architecture establish conceptual dialogues between them, creating a mutual knowledge transfer. For this purpose, an update of the state of the matter of the topic is presented in the first place through the organization of the bibliography, together with a historical comparison that is valid for either of the two disciplines and that serves as a starting point in the approach of numerous research questions. Secondly, a classification of the texts is shown according to three categories repeated numerous times in them: architecture and clothing as information terminals; architecture and clothing as natural-artificial sheaths; and the relationships between architecture and clothing and the typology-topology binomial. Using hermeneutics research, this paper expects to continue a dialogue around both disciplines through these three understandings.

Artículo de opinión sobre la película Blow Up de Michelangelo Antonioni a través de unas reflexiones de John Hejduk y su proyecto titulado el Cementerio de las Cenizas del Pensamiento.

Este trabajo desarrolla aspectos sobre la enseñanza de la arquitectura, retomando el taller como modalidad pedagógica característica. A partir de este recorte, se propone describir sus aspectos esenciales con el objeto de inferir el tipo de formación que determina su impronta. En este sentido, se detallan fundamentalmente las interacciones que promueve, sus características y su vigencia en el abordaje de procesos proyectuales para una arquitectura contemporánea y situada. Como parte de las reflexiones, se expone que la lógica del taller, en el marco de los procesos de enseñanza-aprendizaje, determina y estimula una formación en competencias, que contribuye con la autonomía, el desarrollo personal y construye un posicionamiento personal –social y disciplinar. Y que estos valores, en torno de la práctica proyectual, promueven abordajes no lineales, en vínculo directo con el paradigma contemporáneo del pensamiento complejo., This work develops aspects of the teaching of architecture, taking up the workshop as a characteristic pedagogical modality. From this point, it is proposed to describe its essential aspects in order to infer the type of training that determines its way. In this sense, the interactions it promotes, its characteristics and its validity in the approach to planning processes for contemporary and situated architecture are fundamentally detailed. As part of the reflections, it is stated that the logic of the workshop, within the framework of the teaching-learning processes, determines and stimulates a training in competences, which contributes to autonomy, personal development and builds a personal -social and discipline. And that these values, around planning practice, promote non-linear approaches, in direct link with the contemporary paradigm of complex thinking., Facultad de Arquitectura y Urbanismo

Editorial.

[ES] La Ciudad de Nueva York ha sido un campo de pruebas en la movilidad urbana desde la aparición de la máquina de vapor. En la Ciudad de Nueva York se creó el sistema de transporte de masas en el siglo XIX, el ferrocarril ¿elevado¿, y también se ensayó por primera vez un sistema de transporte individual en el siglo XX, el ¿parkway¿ y su posterior evolución, el ¿expressway¿. Este trabajo profundiza en el origen y la evolución de la movilidad individual en la Ciudad de Nueva York para comprender el impacto e influencia de la infraestructura en la forma urbana. Se demuestra que la infraestructura de movilidad individual no nació como canal de comunicación, sino más bien como vía de esparcimiento. El ¿parkway¿ fue creado para escapar de la ciudad industrial e hizo posible la construcción de la ciudad suburbana. Su rápida evolución hacia el ¿expressway¿ con una mayor capacidad y velocidad, evitó el colapso de la Ciudad de Nueva York y garantizó la accesibilidad a su centro. Pero al mismo tiempo anuló la ciudad construida en base a las líneas naturales de movimiento del siglo XIX que dirige sus calles a la costa. Y sellando hasta hoy la salida natural de la Ciudad de Nueva York al agua. El artículo es un compendio de nueve textos cortos y un epílogo a modo de conclusión, con sus respectivos documentos gráficos. El lector se enfrenta a un ensayo gráfico formado por pequeños capítulos que le sumergirán en los orígenes y posterior evolución del primer espacio de movilidad individual en la historia de las ciudades. Y esto ocurrió en la Ciudad de Nueva York a lo largo del siglo XX., [EN] New York City has been a testing ground in urban mobility since the appearance of the steam engine. In New York City, the mass transport system was created in the 19th century, the elevated railroad, and an individual transport system was also tested for the first time in the 20th century, the parkway and its subsequent evolution, the expressway. This work delves into the origin and evolution of individual mobility in New York City to understand the impact and influence of infrastructure in the urban form. It is shown that the individual mobility infrastructure was not born as a communication channel, but rather as a means of recreation. The parkway was created to escape the industrial city and made possible the construction of the suburban city. Its rapid evolution towards the expressway with greater capacity and speed, prevented the collapse of New York City and guaranteed accessibility to its center. But at the same time it annulled the city built based on the natural lines of movement of the 19th century that directs its streets to the coast. And sealing until today the natural exit of New York City to the water. The article is a compendium of nine short texts and an epilogue by way of conclusion, with their respective graphic documents. The reader faces a graphic essay formed by small chapters that will immerse him in the origins and subsequent evolution of the first individual mobility space in the history of cities. And this happened in New York City throughout the twentieth century.

Con motivo de una estancia en Chile, asisto y convivo con el despertar del pueblo chileno que tuvo lugar en octubre de 2019. Un despertar que silenció a la Universidad y a casi todo el conjunto de instituciones heredadas de la Modernidad. Con este texto, he querido reflexionar sobre el alcance de este silencio y esta dificultad de la institución universitaria para participar más activamente en los debates del presente.

espanolEl objetivo de este articulo es evaluar el estado del arte de la aplicacion del crowdsourcing a la arquitectura de mediana escala y detectar posibles nuevos modelos de aplicaciones. Para ello, primero, se establecera un marco teorico sobre el crowdsourcing donde se tratara cuales fueron los fenomenos de los que nacio (sus raices) y la definicion del termino. Estos recursos teoricos serviran para detectar y evaluar los casos de aplicacion de crowdsourcing a la arquitectura. A continuacion, se tratara el estado actual de aplicacion del crowdsourcing a la arquitectura. El crowdsourcing ha sido ampliamente utilizado para proyectos de gran escala (urbana y territorial) como medio para realizar cartografias colaborativas de todo tipo. Sin embargo, en la escala mediana, este modelo de colaboracion masiva apenas se ha aplicado. Los unicos casos de aplicacion del crowdsourcing al proyecto de arquitectura, implementados publicamente, han sido Arcbazar y Pillar. Ambas son plataformas de concursos donde se implementan procesos de crowdsourcing selectivo. Para encontrar nuevos modelos alternativos, se buscaran, casos de arquitectura que se encuentran vinculados a las raices el crowdsourcing. Tras realizar una lista de casos, estos se evaluaran segun la definicion del termino de Estelles y Gonzalez para determinar su cercania al crowdsourcing. Los casos mas cercanos al crowdsourcing se analizaran para estudiar las posibles nuevas vias de aplicacion. Finalmente se concluye con la deteccion de dos posibles modelos alternativos al modelo de concurso: el modelo para la creacion de colecciones y el modelo para el desarrollo de sistemas. EnglishThe objective of this article is to evaluate the state of the art of the crowdsourcing application to the medium-scale architectural design and detect possible new application models. First of all, a theoretical framework on crowdsourcing will be established. On the one hand, the phenomena from which crowdsourcing was born (its roots) will be studied. On the other hand, the definitions of the term will be discussed. Both are theoretical re-sources that will be used to detect and evaluate cases of crowdsourcing application in architecture. Next, the current state of application of crowdsourcing to architecture will be discussed. Crowdsourcing has been widely used for large-scale designs (urban and territorial) with the aim of creating collaborative cartographies of all kinds. However, in the building scale, crowdsourcing has barely been applied. The only cases of application to architectural design, implemented publicly, have been Arcbazar and Pillar. Both are contest platforms where selective crowdsourcing processes are implemented. In order to find new alternative models of application, cases of architecture that are linked to the roots of crowdsourcing will be sought. After making a list of cases, these will be evaluated according to the definition of the term by Estelles and Gonzalez to determine its proximity to crowdsourcing. The cases closest to crowdsourcing will be analyzed to study the possible new ways of application. The article concludes with the detection of two possible alternative models to the contest model: the model for the creation of collections and the model for the development of systems.

espanolLa arquitectura en el cine es un factor anadido que influye en la fidelidad de las peliculas. En este articulo se profundiza en el estudio sobre si esta realidad se maximiza debido al conocimiento integro y al buen uso de la disciplina arquitectonica (ejercidos por la figura del cineasta), a traves de referencias y referentes arquitectonicos e incluso con el empleo de recursos espaciales y tecnologicos. El presente ensayo resulta del analisis arquitectonico de un estudio de caso muy elocuente: los decorados recreados del hotel Overlook, del director Stanley Kubrick, posiblemente unos de los escenarios mas verosimiles de toda la historia del cine de terror y misterio. Se concluye con una reflexion que demuestra de que manera su arquitectura contribuye a inducir pavor en el espectador. Como resultado, la citada aportacion permitira aseverar que la posibilidad de un analisis compartido entre la arquitectura y el cine como disciplinas visuales, sera factible debido, esencialmente, a la condicion colaborativa proyectual que ambas profesiones comparten. Supone asi un importante aspecto que evidencia las posibilidades profesionales comunes entre el primer y el septimo arte para los arquitectos. EnglishArchitecture in the cinema is an added factor that influences the credibility of the movies. This article delves into the study of whether this reality is maximized due to the full knowledge and good use of the architectural discipline (exercised by the figure of the filmmaker), through well-known references and architectural icons, and even with the use of spatial and technological resources. The present essay results from the architectural analysis of a very eloquent case study: the recreated sets of the Overlook hotel, possibly one of the most credible scenarios in the history of horror and mystery films. It concludes with a reflection that demonstrates how its architecture helps to induce fear in the viewer. As a result, the aforementioned contribution will make it possible to assert that the possibility of a shared analysis between architecture and cinema as visual disciplines will be feasible, essentially due to the collaborative projectual condition that both professions share. This is an important aspect that demonstrates the common professional possibilities between the first and seventh art for architects.

Este artículo trabaja la vertiente específica de una investigación más amplia en el tiempo y extensa en el espacio. El objetivo de la aportación pretende descubrir e identificar los elementos de conservación y/o transformación urbana y metropolitana en el territorio fluvial de la Ría y Abra de Bilbao. Desde la zona minera hasta el puerto, advertimos las mutaciones de la fisonomía del paisaje, en un ámbito regido por la desindustrialización y remodelaciones urbanísticas de valor añadido y sistemas generales: comunicaciones, transportes, áreas comerciales. Estos procesos inciden en las dimensiones de identidad e imaginarios simbólicos reflejados en la cultura-material: monumentos, mobiliario urbano, hitos característicos señalizadores, etc. La metodología recorre el marco de los estudios vinculados a la maritimidad en su perspectiva estético-artística y cultural, con enfoques problematizados por la arquitectura y la antropología bajo una mirada interdisciplinar, transversal e integradora. De fondo, la idea de patrimonio enraizado en contextos históricos de alteración física/simbólica de la ciudad. Parámetros necesarios para que, finalmente, los entornos citados puedan ser interpretados críticamente. This scientific article works the specific aspect of a more extensive research in time and extensive in space. The purpose of the contribution is to discover and identify the elements of conservation and/or urban and metropolitan transformation in the fluvial territory of the Ría and Abra of Bilbao. From the mining area to the port, we notice the changes in the appearance of the landscape, in a sphere governed by de-industrialization and urban redevelopment of added value and general systems: communications, transport, commercial areas. These processes affect the identity dimensions and symbolic imaginaries reflected in the material culture: monuments, urban furniture, characteristic signaling milestones, etc. The methodology goes through the framework of studies linked to maritimity in its aesthetic-artistic and cultural perspective, structurally and with problematized approaches by architecture and anthropology under an interdisciplinary, transversal and integrating perspective. Which underlies the idea of heritage rooted in historical contexts of change and physical/symbolic alteration of the city. Parameters necessary so that, finally, the mentioned environments can be interpreted critically, as they are perceived at present.

El recorrido trazado a lo largo de este artículo se inicia en la célebre intervención de Manuel y Francisco Aires Mateus de Alenquer realizada en el año 1998 para comprobar que, después de veinte años de obras y proyectos, es posible vislumbrar una transferencia conceptual en torno a la idea del tiempo y la ruina que podrían estar apuntando hacia un asentamiento de ciertas estrategias ligadas al proyecto arquitectónico. Desde esta perspectiva podríamos observar algunas de sus construcciones como estructuras expuestas deliberadamente a recibir las huellas, inscripciones e incluso destrucciones acaecidas por el paso del tiempo. Over the last twenty years it is possible to understand a conceptual transference around the idea of time and ruin in some of the projects designed by architects Manuel and Francisco Aires Mateus. The path drawn along this article starts at the notorious intervention of Alenquer performed on 1998 in order to check, after the approach to some of theirs later projects, the possibility of analysing an evolution over the influence of the time in their works. From this perspective it is possible to observe some of their architectures as structures open to receive traces, inscriptions and even destructions due to the course of time.

This essay aims to describe, analyse and value the drawing as “the fast and nervous outline, which captures the essential features” of the landscape and the city that is installed in it, first as host and then as hostess, through specific projects by architect Julio Cano Lasso, in our view paradigmatic, intimately linked to the landscape that the city recreates and creates. We have chosen four flagship cities in this aspect: Santiago de Compostela, Salamanca, Toledo and Cuenca. In all of them it reflects, through the drawing, his project,always attentive to the landscape in its double sense, natural and artificial, and he puts into practice his passion for what he calls “historical cities”, of which the aforementioned are an indisputable example. Objective of this article is to unravel the deep links that exist between the urban landscape of the cities that the architect draws and the architecture that projects as part of it, to unveil the common thread of his trade, understood as a dialogue between the place and the program. Our method will take us from the analysis of his drawings of the landscape of the city in his territory to the exercise of synthesis and composition of an architecture, as is his case, aware of his environment and in resonance with it. The results of this iterative process between landscape and architecture through the drawing that makes an appearance in each and every one of its steps, are the proof of an exercise of coherence in the process of creation of the work of this architect. The innovation of our work is precisely to provide a different view of the work of Cano Lasso through these drawings, and from them, our main references.DOI: https://doi.org/10.20365/disegnarecon.22.2019.8

Hablamos constantemente del aprendizaje de los estudiantes, pero no tanto del aprendizaje de los profesores que también sucede en el aula. Los esfuerzos vigilantes de las instituciones formativas no suelen reparar en los efectos transformadores sobre los profesores. La enseñanza es una de las profesiones con mayor índice de enfermedades particulares, tanto físicas como mentales. Y quizás esto también sea debido a la falta de programación de estas transformaciones previsibles del docente en el aula. Algo así como haber obviado los aprendizajes y desaprendizajes que también afectan ¡y cómo! al profesor.

espanolEl acelerado crecimiento de la ciudad de Santa Cruz de la Sierra ha derivado en una serie de retos complejos que superan todas las previsiones para alcanzar una planificacion efectiva. En ese sentido, resulta importante profundizar en el estudio de su estructura fisica, mediante el analisis de su diversidad tipologica habitacional consolidada. En la introduccion se evidencia una dicotomia existente, entre la vision utopica por parte de organismos reguladores de la ciudad, frente a una huella fisica que escapo de manera sistematica a los objetivos de la legislacion establecida. El analisis aborda el estudio de las tipologias habitacionales informales, posteriormente se revisan las tipologias de vivienda desarrolladas por el mercado inmobiliario y finalmente se analiza la tipologia de autoconstruccion de vivienda social a cargo del Estado boliviano. Los resultados reflejan una sintesis de la diversidad tipologica habitacional existente, obteniendose asi un diagnostico actualizado que advierte una produccion de unidades habitacionales con un bajo rendimiento, que influye negativamente en la calidad medioambiental urbana, alejando a la ciudad de alcanzar un desarrollo sostenible en un futuro cercano. EnglishThe accelerated growth of the city of Santa Cruz de la Sierra fallouts in several complex challenges that surpassed all the forecasts to reach an effective planning of the city. In that sense, it is important to deepen the study of its physical structure, through the analysis of its consolidated housing typological diversity. In the introduction there is evidence of an existing dichotomy, between the utopian purposes of the policymakers, versus a physical trace that systematically avoid the objectives of the established legislation. Thus, the analysis addresses the study of informal housing typologies, subsequently the housing typologies developed by the real estate market are reviewed and finally the self-construction typology of social housing by the Bolivian State is analyzed. The results reflect a synthesis of the existing housing typological diversity, therefore obtaining an updated diagnosis that warns about the production of housing units with a low performance that negatively influences the environmental quality, distancing the city from the possibility of achieving a sustainable development in the near future.

espanolPartiendo de un analisis de la evolucion de la ciudad industrial a la ciudad posindustrial en la era global y desde una perspectiva interdisciplinar, se trata de describir y argumentar como la vida urbana se desprende de las estructuras solidas y estables de la ciudad; demostrar la eminente separacion entre lo vivido y lo construido. Las diferentes movilidades y la inestabilidad en todos los aspectos de la vida, desde lo familiar, privado e intimo a lo relacional, publico y laboral las relaciones se vuelven “liquidas” en la gran ciudad y se van perdiendo los referentes estables. Las nuevas tecnologias digitales y las comunicaciones promueven la vida movil. El nuevo urbanita tecno-nomada, categoria que incluye el inmigrante precario, el turista, el habitante que se convierte en turista en su propia ciudad y todo un elenco de especies urbanas que buscan oportunidades en la gran ciudad, experimentan el desarraigo, el individualismo y las instituciones debilitadas. En un mundo conectado a distancia a las redes trasnacionales, las grandes ciudades desconectadas interiormente fomentan grandes rupturas, discontinuidades y exclusiones. El metodo de abordaje de este estudio enfoca el “urbanita” en vez del habitual enfoque del urbanismo en un emergente contexto socio tecnologico y trata de definir como se construyen las subjetividades. EnglishThis study analyzes the evolution from the industrial city to the post-industrial city in the global era from an interdisciplinary perspective. It describes and argues how urban life is separated from the solid and stable structures of the city in order to demonstrate the eminent break between what is lived and what is built. The different mobilities and instability in all aspects of life, from the familiar, private and intimate to the relational, public and working relationships become "liquid" in the big city and stable references are being lost. The New digital technologies and communications promote the mobile life. The new techno-nomadic urbanite as a category that includes the precarious immigrant, the tourist, the inhabitant who becomes a tourist in his own city, and a whole cast of urban species that seek opportunities in the big city, experiment the uprooted individualism and the weakened institutions. In a world remotely connected to transnational networks, the big cities, internally disconnected, foster large breaks, discontinuities and exclusions. The approach method of this study focuses on the “urbanite” instead of the usual approach of urbanism in an emerging socio-technological context and aims to define how subjectivities are constructed.

Por medio de las instalaciones de Do Ho Suh, en las que el artista recrea las casas en las que ha vivido, reflexionamos sobre el espacio doméstico. Recorriendo cada una de sus habitaciones y observando sus objetos y sus marcas, atravesamos también su memoria, rememorando cada detalle de la nuestra. Pensando en la parte material y el marco artístico que envuelve las piezas, se profundiza en el carácter inmaterial de nuestros hogares y en la serie de problemáticas que contienen. Queremos pensar en el hogar como un refugio protector, pero no siempre es así. Los hogares de Suh se componen de finas veladuras, de una serie de capas que se superponen con múltiples lecturas sobre el espacio que habitamos y, con ello, sobre nosotros mismos. Through Do Ho Suh’s installations, in which the artist recreates the houses where he has lived, we reflect on the domestic space. Touring each of its rooms and observing its objects and its marks, we also pierce his memory, remembering every detail of ours. Thinking on the material part and the artistic framework that envelops the pieces, we go deeper into the immaterial that embraces our homes and move forward through a series of problems that we find around them. We want to think about home as a protective refuge, but this is not always the case. Suh’s homes are made up of thin glazes, of a series of layers that overlap with multiple readings about the space we inhabit and, with it, about ourselves. Este artículo ha sido posible gracias a la participación en el Proyecto de I+D+i MICIU (2019-2021) “Estéticas híbridas de la imagen en movimiento. Videoarte español y dinámicas identitarias en el mapa global” (EShID), Ref.: PGC2018-095875-B-100, dirigido por la Dra. Ana Martínez-Collado, trabajando parte de sus temáticas. Web: https://aresvisuals.net/

La construcción del litoral mediterráneo en España ha estado ligada al desarrollo económico del país en base al turismo llamado ‘de sol y playa’. La transformación de los espacios demandados para este turismo, el envejecimiento de los nodos más antiguos y los efectos de la burbuja inmobiliaria sobre el litoral han puesto el foco de atención sobre las formas de este espacio turístico. Los proyectos urbanos del espacio turístico litoral tienen unas características morfológicas propias, que los diferencian de otros tejidos urbanos. En este trabajo se analiza la metamorfosis de las formas urbanas empleadas en los nodos turísticos del litoral de la Región de Murcia y se exponen las características de los distintos entornos territoriales, consecuencia de una construcción fragmentada. Por último, se comparan las cargas que sobre el territorio tiene el espacio turístico como herramienta para contrastar la hipótesis de que estos proyectos han ido perdiendo progresivamente su relación con el paisaje, a la vez que provocan un fuerte consumo de sus recursos. Para ello, se han empleado distintas fuentes, principalmente la cartografía catastral y ortofotografías aéreas. Como resultado, se han podido cuantificar variables representativas de la carga sobre el territorio, con 546 m2 de superficie urbanizada por metro lineal de playa y 222 m2 de superficie construida. The construction of the Mediterranean coast in Spain has been linked to the economic development of the country based on tourism called ‘of sun and beach’. The transformation of the spaces demanded for this tourism, the aging of the oldest nodes and the effects of the real estate bubble on the coast have put the spotlight on the forms of this tourist space. The urban projects of the coastal tourism space have their own morphological characteristics, which differentiate them from other urban fabrics. In this work the metamorphosis of the urban forms used in the tourist nodes of the coast of the Region of Murcia is analysed and the characteristics of the different territorial environments are exposed, as a consequence of their fragmented construction. Finally, the burdens on the territory of the tourist space are compared as a tool to test the hypothesis that these projects have progressively lost their relationship with the landscape, at the same time that they cause a strong consumption of their resources. For this, different data have been used, mainly cadastral cartography and aerial orthophotos. As a result, it has been possible to quantify representative variables of the load on the territory, with 546 m2 of urbanized surface per linear meter of beach and 222 m2 of built surface.

El texto se plantea como un juego de preguntas/respuestas en el que situar piezas que componen comunidades de aprendizaje que relacionan la universidad con instancias que operan en el interior de otras instituciones, dibujando un afuera difuso que se relaciona críticamente con ella. This text is presented as a set of questions/answers in which to situate pieces that compose learning communities that relate the university with instances that operate within other institutions, drawing a diffuse outside that is critically related to it.

[EN] The relationship between architectural archaeology and restoration of architectural heritage has long been known. Following an initial introduction, this paper presents four specific case studies on designs and work in restoration and rehabilitation, which reflect t he r elationship b etween t hese t wo d isciplines, a s w ell a s variants resulting from differences in built heritage in terms of study methodology and intervention proposals. The proposed plan describes a wide range of possibilities for application and response to an architectural intervention focusing on stratigraphy. The case studies support an analysis of the shared growth of both disciplines over the past thirty years, and of the specific scientific advances which have completed and enriched this vision just as their views and interpretations have complemented each other., [ES] La relación entre arqueología de la arquitectura y restauración del patrimonio arquitectónico está reconocida desde hace tiempo. Tras una introducción inicial a la cuestión, este artículo presenta cuatro casos concretos de estudios, proyectos y obras de restauración y rehabilitación donde se refleja esta relación entre las dos disciplinas con variantes derivadas de las diferencias del patrimonio construido en cuestión como de metodología de estudio y planteamiento de intervención. El recorrido propuesto describe un abanico variado de las posibilidades de aplicación y respuesta a una intervención arquitectónica con mentalidad estratigráfica. Los casos presentados permiten extraer una reflexión sobre el crecimiento común de las dos disciplinas en los treinta años de andadura, donde cada una ha aportado a la otra una forma de mirar e interpretar, además de los avances científicos concretos que han venido a completar y enriquecer la visión.

[ES] Las Tecnologías de la Información y de la Comunicación, han entrado en nuestro modo de vida de forma sigilosa, pero con una fuerza incuestionable. En este artículo analizamos como los ciudadanos, de forma consciente o inconsciente, somos los encargados de activar la Red y los dispositivos tecnológicos que están estimulando cambios direccionales de la ciudad, fenómeno que hemos denominado digitropismo urbano. Para una mejor comprensión del tema, tras la contextualización del fenómeno, realizamos una taxonomía a partir de la clasificación de las redes que actúan sobre la ciudad y sus repercusiones sobre el espacio físico. En primer lugar, hemos procedido a analizar las redes basadas en la participación pasiva del individuo en las transformaciones urbanas, para luego estudiar un conjunto de redes emergentes que facilitan la participación activa del individuo en los cambios direccionales de la ciudad. Esta clasificación, nos permitió determinar un primer grupo de transformaciones que están induciendo a la gentrificación, al desplazamiento y a la ampliación de flujos urbanos, que consecuentemente producen cambios físicos y de identidad de los lugares. Además, detectamos un segundo grupo de transformaciones, capaces de estimular la regeneración y la creación de nuevos espacios urbanos. Para finalizar, concluimos con la propuesta de una agenda de investigación sobre el digitropismo urbano., [EN] The Information and Communication technologies have stealthily taken over everyday life, but with unquestionable force. In this article we analyze how, consciously or unconsciously, citizens and visitors are responsible for activating Network and digital technologies which are triggering major directional changes in the city¿s physical space. In this paper, this phenomenon is coined as urban digitropism. For a better understanding of the phenomenon, we carry out a taxonomy based on the classification of different networks that act within the city and observe their impact on the urban space. Firstly, we analyze networks based on passive citizen participation in urban transformations. Secondly, we study a set of emerging networks that facilitate the active citizen participation in the directional changes of the city. Thirdly, we catalogue the unleashing effects of these networks in the metabolism of cities, which allowed the identification of a first group of transformations related to changes in the use of the urban space entailing gentrification, displacements and increases in urban flows. These urban transformations are, in turn, causing physical and identity changes in the urban space. A second group of transformations was recognised, capable of stimulating the regeneration and creation of new urban spaces. Finally, the article concludes with a research agenda on urban digitropism.

The higher education sector in the United Kingdom finds itself immersed in a data culture that evaluates every aspect of the university life according to a metrical paradigm. Art education, an area with its own teaching and learning characteristics, is particularly incompatible with a model that favours efficiency, productivity and success over all other aspects. In this essay I describe an exhibition, Art Education in the Age of Metrics, which took place in 2017 at the campus gallery of a specialist university located in the town of Canterbury. This was a curatorial project that tried not only to represent the difficulties of art education in the current climate, but that by engaging the university community—particularly students— in the process of organizing the exhibition, tried to actively intervene in the debates on the impact of this neoliberal model in how we teach and learn art today. El sector de la educación universitaria en el Reino Unido se encuentra inmerso en una cultura del dato que evalúa todos los aspectos de la vida universitaria en relación a un paradigma métrico. La educación artística, un área con sus propias características de enseñanza y aprendizaje, está especialmente en contradicción con un modelo que favorece la eficacia, la productividad y el éxito por encima de cualquier otro aspecto. En este artículo describo una exposición, La Educación Artística en la Edad de la Métrica, que tuvo lugar en 2017 en la sala de exposiciones de una universidad especializada localizada en la ciudad de Canterbury. Se trató de un proyecto curatorial que en vez de simplemente representar las dificultades de la enseñanza artística en el momento actual, a través de la participación de la comunidad universitaria—especialmente de los estudiantes—en el proceso de la organización de la exposición, intentó intervenir activamente en los debates acerca del impacto de este modelo neoliberal en cómo enseñamos y aprendemos arte hoy.

En un contexto de intensificación de acumulación capitalista existen, de manera resiliente, comunes rurales que, a través de una gobernanza específica, gestionan recursos y garantizan la sostenibilidad de bienes. Aprender de estas experiencias nos abre la posibilidad de generar otros espacios autónomos de producción de conocimiento. El Programa de Estudios en Mano Común (PEMAN), desarrollado entre 2016 y 2018, fue la manifestación de ese deseo. A través de este texto leemos ese proceso de transducción de la gobernanza de los montes vecinales gallegos a un programa de estudios independiente: los mecanismos de gestión colaborativa, la co responsabilidad, la toma de decisiones, el retorno social o el grado de apertura de esta comunidad epistémica. In a context of capitalist accumulation intensification, there are resilient rural communities which manage sources and guarantee sustainability of goods through specific governance. Learning from these experiences opens up the possibility of generating other autonomous spaces for the production of knowledge. The Studies Programme in Common Hand (PEMAN), developed between 2016 and 2018, was the sign of this desire. Through this text we interpret that process of transduction of Galician common forests governance to an independent study program: collaborative management mechanisms, co-responsability, decision-making, social return and the degree of openness of this epistemic community.

Este artículo es un intento de introducir las prácticas de resistencia popular y local de Fidelina en la academia. Es un ensayo de situar el conocimiento desde un relato vinculado a la vida personal de quien lo escribe. De ese relato, que es el de Fidelina, se rescatan modos de hacer popular con los que se plantea una forma de imaginar colectivamente una utopía —local, situada en un contexto preciso— de las disidencias sexuales. This paper, is an attempt to introduce Fidelina's popular and local resistance practices to academia. It is a try to situate knowledge from a story linked to the personal life of the writer. From that story of Fidelina, popular ways of doing are taken, and then with them a way of collectively imagining utopia –one that is local, located in a precise context- of sexual dissidence is proposed.

Habitantes Paisajistas es una herramienta y metodología de trabajo: utilizar el acto de caminar como forma de aproximación e interpretación del paisaje. Cada año propone un tema relevante en torno al cual activar procesos de reflexión, creación y aprendizajes colectivos, integrando en la práctica artística diferentes saberes y disciplinas. Un proyecto artístico de Virginia López, que ha iniciado su desarrollo en el 2015 dentro del marco del proyecto PACA_Proyectos Artísticos Casa Antonino: un artist run space auto-gestionado en la zona periurbana y rural de Gijón (Asturias) desde el que la artista propone experiencias de formación, creación y experimentación artística contemporánea, de manera que la práctica e investigación artística, además de tener una valencia estética y poética, generen nuevas vías de interpretación y de conocimiento del territorio en el que operan, a través de valores culturales, ambientales y sociales. Habitantes Paisajistas se realiza en colaboración con el museo arqueológico Villa Romana de Veranes, en el intento de acercar nuevos públicos y en particular la comunidad local a la institución a través de nuevas prácticas donde lo educativo, lo experiencial y lo artístico se relacionan con la memoria de nuestros paisajes cotidianos, favoreciendo lazos afectivos e intelectuales. En este texto se describen metodologías y experiencias realizadas, contexto local de desarrollo, referencias y contradicciones surgidas en el camino. Habitantes Paisajistas (Landscaping Inhabitants) is a tool and work methodology: use the act of walking as a way of approaching and interpreting the landscape. Every year it proposes a relevant topic around which to activate processes of reflection, creation and collective learning, integrating in the artistic practice different knowledge and disciplines. An artistic project by Virginia López, which began its development in 2015 within the framework of PACA Proyectos Artísticos Casa Antonino: a self-managed artist run space in the rural area of Gijón (Asturias) from which the artist proposes experiences of training, creation and contemporary artistic experimentation, so that artistic practice and research, in addition to having an aesthetic and poetic valence, generate new ways of interpretation and knowledge of the territory in which they operate, through cultural, environmental and social values. Habitantes Paisajistas is done in collaboration with the archaeological museum Villa Romana de Veranes, in the attempt to bring new audiences and in particular the local community to the institution through new practices where the educational, experiential and artistic issues interact with our daily landscapes, favoring affective and intellectual ties. This text describes methodologies and experiences carried out during last four years, local development context, references and contradictions that emerged along the way.

La mayoría de lxs profesorxs universitarixs y de lxs artistas utilizan el diaporama en PDF —o cualquier otro de los numerosos softwares que ofrecen los dispositivos digitales— para acompañar sus discursos, siendo ello consecuencia del paradigma de conocimiento audiovisual contemporáneo, donde la palabra y la imagen en movimiento parecen indisolubles. Este aparataje, que suele pasar desapercibido o darse por sentado, incita a reflexionar sobre el diaporama como plataforma de significado en sí mismo. En consecuencia, propongo dirigir este soporte lowtech hacia la conferencia performativa, disciplina que hace borrosas las fronteras entre la teoría y la práctica y que puede hacer tartamudear esta coreografía del poder que es la conferencia sobre diapositivas. Los movimientos dislocados de teclas, voz, pantallas, proyecciones o ratones otorgan a la «performance de PDF» un carácter de multitarea que muestra al mismo nivel work in progress y voice in progress. Con esta estrategia, consigo que la información atraviese el cuerpo y reflexiono sobre cómo, cuánto y desde dónde se miran los archivos para paliar una creciente miopía dialéctica. En definitiva, trato de abordar desde la historia y la especulación el «Formato de Documento Portátil independiente» que me encuentro rellenando en este preciso momento. The majority of college teachers and artists use the PDF slideshow —or any other of the numerous softwares offered by digital devices— to accompany their speeches, being this the consequence of the contemporary audiovisual knowledge paradigm, where the word and the moving image seem indissoluble. This apparatus, which usually goes unnoticed or taken for granted, encourages reflection on the diaporama as a platform of meaning in itself. Consequently, I propose to direct this lowtech support towards the performative lecture, a field that blurs the boundaries between theory and practice and that can stutter this choreography of power, which is the conference on slides. The dislocated movements of keys, voice, screens, projections or mice give the «PDF performance» a multitasking character that shows at the same level work in progress and voice in progress. With this strategy, I get that the information goes through the body and reflect on how, how much and where the archives are looked at to alleviate a growing dialectic myopia. In short, I try to approach from history and speculation the "Independent Portable Document Format" that I find myself filling in at this precise moment.