Search

In this article performative teaching practice becomes a departure point for reflections on linguistic diversity in the field of education. Reference is made to personal experiences with linguistic (in)sensitivity in intercultural encounters, and personal views are expressed to spark off a broader discussion on the development and implementation of linguistic diversity policies.

Es ist ein heißer Sommertag im Jahre 1979. Als damaliger Lehramtsstudent (Anglistik/Germanistik) an der Carl von Ossietzky Universität Oldenburg nehme ich an einem Seminar zum Thema Alternativschulen teil. Die Dozentin schlägt vor, den stickigen Raum zu verlassen und die Lehrveranstaltung unter einem Baum an der Haare, einem nahe gelegenen Fluss, abzuhalten.

El texto aborda algunas controversias sobre la accesibilidad en un contexto universitario, a partir de una investigación en curso denominada “Inclusión de Estudiantes con Discapacidad en la Universidad. Parte II” (16H1178IDP) realizada en la Universidad Nacional de Misiones, Argentina. A partir de la incorporación de investigadores con discapacidad al proyecto, nos planteamos como objetivo analizar en las prácticas docentes universitarias la forma en que se presentan las violencias capacitistas, a partir de la realización de entrevistas y el análisis de clases virtuales. Como primeros resultados, nos encontramos con una problemática: la responsabilidad sobre los apoyos que necesitan estudiantes con discapacidad. El texto se titula “El extraño caso de la estudiante que necesita apoyos” por uno de los relatos que forma parte de la investigación: una situación de violencia capacitista explícita a partir de la solicitud de apoyo de una estudiante con discapacidad visual.

Contributors to this new rubric draw attention to terms that are frequently used when we speak or write about our pedagogical practices. The idea is to engage Scenario readers in a discussion of key terminology in the area of performative teaching and learning. Through Scenario Journal and various Scenario Forum initiatives, including conferences, symposia, colloquia, the term performative has become a key term in the modern languages debate.2 Many readers will remember the 2014 conference entitled Performative Teaching, Learning, Research, the 2017 conference on Performative Spaces in Language, Literature and Culture Education; and the 2020 conference, which carried the title Going Performative in Education, had to be cancelled due to the Covid-19 related lockdown. Like with any other term the meaning of the term performative very much depends on how it is used in a specific context. The photograph below draws our attention to a context that is particularly noteworthy against the background of the recent worldwide Black Lives Matter protests. Fig. 1: Underground station Mohrenstraße in Berlin Why is the streetname crossed out with a red line? From medieval times the German word Mohr was often used when reference was made to people with dark skin. Similary, in the ...

In terms of size of population Ireland is the smallest of the countries represented in the Performative Pedagogy Glossary project (see population estimates below): Whenever reference to infrastructure is made in our discussions it needs to be borne in mind that the countries represented in this project differ (significantly) in terms of historical developments, cultural traditions, institutions, economic performance etc. Even though Ireland might be very ambitious, it is to be expected that economically stronger countries have a more solid infrastructure in a number of areas, including the arts and education. As within our project frequent reference will be made to theatre as an art form, it is noteworthy that Austria founded its first national theatre in 1741 (‘Burgtheater’, from 1776 referred to as ‘Teutsches Nationaltheater’), in Germany the ‘Hamburger Nationaltheater’ was founded in Hamburg in 1767, the Berlin ‘Königliches Nationaltheater’ in 1786. Ireland’s first and only National Theatre, the ‘Abbey Theatre’ was founded in 1904. Despite the rich theatre tradition in the UK (for example, Shakespeare’s Globe) it seems that the first National Theatre building opened in London in 1976/77, in Switzerland the Zurich Schauspielhaus (beginnings date back to 1892) would be considered the nation’s main theatre. The question ...

Let’s start with the image on the book cover which is placed between the author’s name and the book title. It immediately grabs our attention, shows how eight adult individuals bodily connect and create a beautiful shape that looks like a flower, or rather a flower in full bloom. Is the shape that has been created by these individuals (movement artists?) the result of excellent choreography? The ‘embodiment image’ prepares the reader for the main focus of Erika Piazzoli’s monograph (367 pages): the aesthetic dimension of foreign language teaching and learning. Reflecting on “What is ‘Artistry’ and Why Do We Need It in Second Language Education?” in Chapter 1, she then continues to address the aesthetic dimension in three parts: In Part I (chapters 2-5) she engages with “Key Definitions in the Aesthetic Dimension”; Part II (chapters 6-8) deals with aspects of “Navigating the Aesthetic Dimension”; Part III (chapters 9-12) centres on “Researching the Aesthetic Dimension”. In these twelve chapters the author deals with a broad range of theoretical perspectives, including second language education, sociocultural theory, neuroscience and art history. This review highlights some aspects of this impressive monograph by concentrating on keywords which are captured in its title: process ...

The twenty-first century is the century of the performative.1 Claire Colebrook (2018) A performative teaching, learning, and research culture can emerge wherever an academic discipline enters into a constructive dialogue with the performing arts. Many challenges of the 21st century (see the Sustainable Development Goals of the UN)2 require creative solutions. Creativity is, however, not yet sufficiently promoted at universities, thus an artistic reorientation in teaching and research is imperative. As early as 2006, at the UNESCO World Congress in Lisbon and again in Seoul in 20103, there were calls to strengthen the role of the arts in education. Implementation of these recommendations has, however, been very limited thus far. Studies in cognitive science show that performative teaching and learning cultivates a deeper understanding of content and improved long-term retention of knowledge.4 In fact, it has been shown that the use of performative teaching and learning approaches leads to more creative, better learning outcomes; students relate more strongly to their studies and drop-out rates decrease. In addition, overall willingness to learn within the university context has been documented, as well as increased complexity and closer connection to practice in higher education, thus affording graduates better job placement opportunities. At the ...

The twenty-first century is the century of the performative.1 Claire Colebrook (2018) Eine performative Lehr-, Lern- und Forschungskultur kann überall dort entstehen, wo die Fachwissenschaft bzw. Fachdidaktik in einen konstruktiven Dialog mit den performativen Künsten eintritt. Die Herausforderungen des 21. Jahrhunderts (vgl. die Sustainable Development Goals der UN)2 erfordern kreative Lösungen. Kreativität wird aber bislang an Hochschulen nicht ausreichend gefördert, eine künstlerisch orientierte Neuausrichtung in Lehre und Forschung ist dringend erforderlich. Bereits auf den UNESCO-Weltkongressen Lissabon 2006 und Seoul 20103 wurde dazu aufgerufen, die Rolle der Künste in der Bildung zu stärken. Allerdings hält sich die Umsetzung dieser Empfehlungen bisher sehr in Grenzen. Kognitionswissenschaftliche Studien belegen die tiefere und langfristige Verankerung von Inhalten durch die Verwendung performativer Lehr- und Lernformen4. Sie führen zu besseren und kreativeren Studienergebnissen, die Studierenden identifizieren sich stärker mit ihrem Studium, das allgemeine Engagement innerhalb der Hochschulen steigt, die Abbruchquoten sinken, die universitäre Ausbildung gewinnt an Komplexität und Praxisnähe und die Absolventen und Absolventinnen haben bessere Vermittlungschancen. Auf dem 6. Scenario Forum Symposium am 21. und 22. September 2018 in Hannover unter dem Titel Universitäten auf dem Wege zu einer performativen Lehr-, Lern- und Forschungskultur? verständigten sich die teilnehmenden Hochschullehrenden darüber, was unter einer performativen Lehr-, ...

Über die in den Leitfragen enthaltene inhaltliche Ebene hinaus war mir die Form des Vortrags wichtig. Zu den ‚performativen Elementen‘, die den Vortrag durchzogen, gehörte eine Geschichte, auf die ich beim Lesen von Peter Brooks (1988) The Shifting Point. Forty years of theatrical exploration 1946-1987 aufmerksam geworden war und die so beginnt: God, seeing how desperately bored everyone was on the seventh day of creation, racked his overstretched imagination to find something more to add to the completeness he had just conceived. Suddenly his inspiration burst even beyond his own limitless bounds and he saw a further aspect of reality: its possibility to imitate itself. So he invented theatre. Während meiner Erzählung gab es Punkte, an denen ich die Symposium-Teilnehmer*innen dazu aufforderte, spontan an der Konstruktion der Geschichte mitzuwirken; etwa an dem Punkt, an dem Gott erklärt, dass das Theater Trost für den Trinker und für die Einsamen sein kann. „Für wen sonst kann das Theater wichtig sein und warum?“ lautete meine Aufforderung, auf die vom Publikum erfreulich schnell reagiert wurde. Peter Brooks Geschichte wird in dieser Ausgabe abgedruckt, so können Scenario-Leser*innen nachlesen, dass es dem bekannten Theaterregisseur darin insbesondere um die Botschaft geht, dass Theater für alle im Publikum ...

This contribution focuses on performative teaching practice. After a brief introduction in which reference is made to an increasing performative orientation in education and the innovative concept of Performative Foreign Language Didactics, the idea of the teacher as ‘Formmeister’ (Form Master) is presented. The authors then focus on the still image as a concrete example of the wide range of forms that can be derived from the performative arts and gainfully utilised in pedagogical contexts. They outline the general characteristics, function and effect of still images and, via film clips based on their performative teaching practice at University College Cork, demonstrate some of the basic techniques teachers can use to access the different layers of meaning of still images.

Please note that this is a slightly edited version of the group discussion. Scenario wishes to acknowledge the vital contribution of Josephine Rutz by expressly thanking her for the transcription of the discussion. MS: Welcome everyone to this afternoon’s group discussion as part of the 4th SCENARIO FORUM Symposium. As you have read in the Symposium programme the German professional association Bundesarbeitsgemeinschaft (BAG) Spiel & Theater e.V. aims to develop an international glossary of key terms in the area of applied drama and theatre and has invited professionals from outside Germany to become involved in this project. Thank you for coming along to this session which is the first brainstorming session on the topic of an international glossary in the area of Performative Arts and Pedagogy. The participants in today’s group discussion are based at institutions in English speaking countries. I wish to thank especially our guests from abroad for their contributions to the Symposium: Barbara Schmenk from Canada, University of Waterloo; Katja Frimberger from Britain, Brunel University, London and Mike Fleming, University of Durham; and, of course, also a big thanks to my university colleagues Róisín O’Gorman and Bernadette Cronin, based in the Department of Drama and Theatre Studies ...

If somebody living in Dublin and preparing a solo-performance for an academic audience in Cork retreats to a location in Berlin to rehearse for his upcoming show – isn’t that somewhat peculiar? One evening in the winter of 1801 I met an old friend in a public park.2 That is the beginning of the text my friend Peter was reciting as he strolled through the Kleistpark in Berlin. I imagine the way he circles, at a leisurely pace, around the green, time and again pausing at a verge or under one of the mighty beech-trees to practise a gesture or test a graceful move. Each movement, he told me, has its centre of gravity; it is enough to control this within the puppet. The limbs, which are only pendulums, they follow mechanically of their own accord, without further help.3 Walkers, joggers and Turkish women and children sitting on the grass and having their picnic catch the odd word or sentence and may wonder about this elderly gentleman in an Irish sweater. During his days in Berlin, Peter will be fully absorbed in his studies of Kleist’s On the Marionette Theatre (1810) and he will scrutinise each word (e.g. ‘rapier’or ‘vis ...

This overview article initially focuses on early connections between dramatic art, teaching, learning, and living, followed by a brief account of how Great Britain took on a pioneering role with regard to the establishment of drama as a school subject, method and educational sub-discipline. It then focuses on how drama pedagogy in foreign language teaching and learning has developed as a specific field of research and practice since the 1970s, acknowledging the important contributions to the field made by scholars and practitioners from outside Great Britain. An overview of current practice in the field is given by presenting different (small-scale and large-scale) forms of staging language, literature and culture. The article concludes by proposing a model for a „Performative Fremdsprachendidaktik“ (Performative Foreign Languages Didactics) and by arguing that in the future “performative” be used as an umbrella term to describe forms of foreign language teaching and learning that derive from the performing arts.

In den wissenschaftsfixierten Fremdsprachendidaktiken haben die Künste lange ein Schattendasein geführt. Derzeit allerdings mehren sich die Zeichen dafür, dass die Künste mehr ins Licht treten und den Boden bereiten helfen für eine neue, performative Fremdsprachendidaktik.1 Auf diesem Hintergrund soll Lutzkers umfangreicher Studie (478 S.) neue Beachtung geschenkt werden, denn der Autor macht auf die vielfältigen Verbindungslinien aufmerksam, die es seit antiker Zeit zwischen Lehre und Kunst gibt und liefert empirische Belege für die Effektivität eines von der (Theater-)Kunst inspirierten Lehrens und Lernens. Seine Studie könnte beispielsweise ein sinnvoller Bezugspunkt sein, um im Rahmen des 14. Kongresses der Deutschen Gesellschaft für Fremdsprachenforschung (Hamburg, 28.9 – 1.10. 2011) nach Antworten auf Fragen zu suchen, die für die Arbeitsgruppe 11 zum Schwerpunktthema Theatermethoden und Fremdsprachenunterricht formuliert wurden: „Sind die proklamierten Einflüsse der Theaterarbeit auf die Persönlichkeitsentwicklung und die Ausbildung von sprachlichen bzw. interkulturellen Kompetenzen messbar? Und wie müssen Forschungsinstrumente beschaffen sein, um diese komplexen und vielschichtigen Unterrichtsprozesse gegenstandsangemessen zu ergründen?”2 Lutzkers Studie besteht aus zwei Teilen. Im ersten trifft er zunächst die grundsätzliche Unterscheidung zwischen auf der einen Seite pädagogischen Konzepten, die sich an Modellen von Science and Business orientieren und auf der anderen Seite einem Verständnis von Lehren als Kunst. Die dominante ...

In der fremdsprachendidaktischen Fachdiskussion wird die Dramapädagogik zunehmend häufiger zum Bezugspunkt. Inzwischen ist ihr enormes Potenzial für die Sprach-, Literatur- und Kulturvermittlung in Forschungsarbeiten und Praxisberichten vielfach beleuchtet worden (vgl. dazu die umfangreiche Bibliographie auf der SCENARIO-Homepage). Inwiefern durch die Nutzung des Potenzials der Dramapädagogik speziell das interkulturelle Lernen effektiv gefördert werden kann, wurde bereits öfter thematisiert (vgl. z.B. den Sammelband von Byram/Fleming (1998)). Allerdings liegt nunmehr mit Benedikt Kesslers in drei Teile gegliederter, knapp 150seitiger Veröffentlichung ein erster Systematisierungsversuch vor. Im Sinne des Buchtitels ist er mit dem Anspruch verbunden, das Feld einer „Interkulturellen Dramapädagogik“ zu markieren. Im ersten Teil thematisiert Kessler, Lehrer in den Fächern Englisch und Politik/Wirtschaft für das Lehramt an Gymnasien, wie im Laufe der letzten zwanzig Jahre der Aspekt des interkulturellen Lernens in der Fremdsprachendidaktik immer mehr an Bedeutung gewonnen hat und der kommunikative Fremdsprachenunterricht um die Dimension der Interkulturellen Kommunikativen Kompetenz (IKK) erweitert wurde. Er reibt sich dabei allerdings an der Tatsache, dass die damit einhergehenden theoretischen Ansprüche bisher nicht in eine überzeugende Unterrichtspraxis umgesetzt wurden. Seine Bestandsaufnahme mündet in die Feststellung, dass die Verwirklichung interkultureller Kompetenzen im Allgemeinen und die Realisierung des umfassenden Ansatzes der IKK im Besonderen in weiter Ferne zu sein ...

Als Bärbel Jogschies im November 2006 an der Universität Cork über ihre Arbeit als Theaterpädagogin am Maxim Gorki Theater Berlin berichtete, entstand im Gespräch mit SCENARIO-Mitherausgeber Manfred Schewe die Idee eines Interviews mit Armin Petras (alias Dramatiker Fritz Kater), dem neuen Intendanten des Maxim Gorki Theaters. Nun ist dieser Mann ein engagierter Künstler, der auf vielen Hochzeiten gleichzeitig tanzt, ein Workoholic, der oft an mehreren Inszenierungen parallel arbeitet und nebenher auch noch Stücke schreibt. Armin Petras bat um die Zusendung von Fragen per E-Mail, er würde sie dann unterwegs beantworten. Unser gemeinsames Brainstorming mündete in 16 SCENARIO-Fragen. Die Antworten von Armin Petras (AP) kamen sofort zurück, waren allerdings so kurz und knapp, dass wir Erläuterungen für nötig hielten. So kam es zu der recht ungewöhnlichen Form dieses Beitrags. Entsprechende Initialien markieren die vertiefenden Nachfragen von Manfred Schewe (MS) und die darauf Bezug nehmenden Erläuterungen von Bärbel Jogschies (BJ). . Der Artikel soll Interessierten einen Einblick in die deutsche Theaterpraxis und einige ihrer historischen Hintergründe gewähren. Über die theaterpädagogische Arbeit am Theater selbst wird in künftigen SCENARIO-Ausgaben genauer berichtet werden.

Zwischen dem Bereich Drama/Theater und dem Bereich Fremdsprachenvermittlung gibt es seit jeher Verbindungslinien. Zumindest war der Lehrer immer schon ein Akteur, der den Schülern etwas so ‘vorzuspielen’ versuchte, dass die Aufmerksamkeit des Lernerpublikums gebannt blieb; und eigentlich haben Lehrer und Schüler im fremdsprachlichen Unterricht immer schon ‘Theater’ gespielt, indem sie so taten, als ob die Unterhaltung in der fremden Sprache für sie natürlich sei. Der folgende Beitrag zeichnet wichtige Entwicklungsetappen des Brückenbaus zwischen den Bereichen Drama/Theater und Fremd-/Zweitsprachenlehre seit Mitte des 19. Jahrhunderts nach. Es wird davon ausgegangen, dass ‘Drama und Theater in der Fremd-/Zweitsprachenlehre’ sich nunmehr als eines der vielen Anwendungsfelder etabliert hat, die mit dem Fach- und Sammelbegriff ‘Applied Theatre’ erfasst werden. Der Begriff bezieht sich auf das breite Spektrum von Individuen, Gruppen und Institutionen, für die das Theater als Kunstform nicht reiner Selbstzweck ist, sondern zentraler Bezugspunkt und Inspirationsquelle für drama-/theaterbezogene Aktivitäten. Durch solche Aktivitäten sollen im jeweiligen Anwendungsfeld ganz bestimmte Ziele erreicht werden, im Falle des fremd- und zweitsprachlichen Unterrichts z.B. sprach-, literatur- und kulturbezogene Ziele. Dieser Beitrag versteht sich als kompakte Bündelung und insbesondere Aktualisierung von Überlegungen, die erstmalig in meinem Buch Fremdsprache inszenieren (1993) erschienen sind. Zur Ergänzung dieses kompakten Überblicks sei auf die umfangreiche Forschungsbibliographie auf der Homepage dieser Zeitschrift verwiesen. Zum Konzept ‘Applied Theatre’ vgl. z.B. Ackroyd 2000; Taylor 2003; Nicholson 2005. Zwischen dem Bereich Drama/Theater und dem Bereich Fremdsprachenvermittlung gibt es seit jeher Verbindungslinien. Zumindest war der Lehrer immer schon ein Akteur, der den Schülern etwas so ‘vorzuspielen’ versuchte, dass die Aufmerksamkeit des Lernerpublikums gebannt blieb; und eigentlich haben Lehrer und Schüler im fremdsprachlichen Unterricht immer schon ‘Theater’ gespielt, indem sie so taten, als ob die Unterhaltung in der fremden Sprache für sie natürlich sei. Der folgende Beitrag zeichnet wichtige Entwicklungsetappen des Brückenbaus zwischen den Bereichen Drama/Theater und Fremd-/Zweitsprachenlehre seit Mitte des 19. Jahrhunderts nach. Es wird davon ausgegangen, dass ‘Drama und Theater in der Fremd-/Zweitsprachenlehre’ sich nunmehr als eines der vielen Anwendungsfelder etabliert hat, die mit dem Fach- und Sammelbegriff ‘Applied Theatre’ erfasst werden. Der Begriff bezieht sich auf das breite Spektrum von Individuen, Gruppen und Institutionen, für die das Theater als Kunstform nicht reiner Selbstzweck ist, sondern zentraler Bezugspunkt und Inspirationsquelle für drama-/theaterbezogene Aktivitäten. Durch solche Aktivitäten sollen im jeweiligen Anwendungsfeld ganz bestimmte Ziele erreicht werden, im Falle des fremd- und zweitsprachlichen Unterrichts z.B. sprach-, literatur- und kulturbezogene Ziele. Dieser Beitrag versteht sich als kompakte Bündelung und insbesondere Aktualisierung von Überlegungen, die erstmalig in meinem Buch Fremdsprache inszenieren (1993) erschienen sind. Zur Ergänzung dieses kompakten Überblicks sei auf die umfangreiche Forschungsbibliographie auf der Homepage dieser Zeitschrift verwiesen. Zum Konzept ‘Applied Theatre’ vgl. z.B. Ackroyd 2000; Taylor 2003; Nicholson 2005.

Es ist eine ebenso facetten- wie beziehungsreiche Trias aus Sprache, Lernen und Gehirn, die den inhaltlichen Rahmen der vorliegenden Monografie Fremdsprachenunterricht und Neurowissenschaften bildet: Mit Bezug auf eine lehrorientierte Zielleserschaft stellt sich Michaela Sambanis der Herausforderung, Prozesse und Kontexte des fremdsprachlichen Lernens aus einer neurowissenschaftlich motivierten Perspektive aufzuzeigen. Hierbei zieht die Verfasserin eine übergreifende Akzentlinie um die Themenfelder Wie Lernen das Gehirn verändert (Kapitel 1), Emotionen und Lernen im Fremdsprachenunterricht (Kapitel 2), Teenager als besondere Fremdsprachenlerner (Kapitel 3) und – für SCENARIO-Leserinnen und Leser gewiss von besonderem Interesse – Bewegung und Lernen (Kapitel 4) sowie Dramapädagogik (Kapitel 5). Im Fokus des Eröffnungskapitels steht die Frage nach Zusammenhängen zwischen Gehirnaktivitäten und menschlichen Lernvorgängen: Hier erhalten die Lesenden theoretisch vertiefte – stets auf dem aktuellen Kenntnisstand der Hirnforschung fußende – Einblicke in zentrale Strukturen und Funktionsweisen des Gehirns. Angesichts des hohen theoriegestützten Informationsgehaltes wäre es in diesem Abschnitt von Vorteil gewesen, der anvisierten Lesergruppe – Studierende, Lehrende, Auszubildende – ergänzende Visualisierungen an die Hand zu geben, um den (Erst)zugang zu neurowissenschaftlichen Sachverhalten zu erleichtern. Wertvolle Dienste wiederum leisten die am Ende eines jeden Kapitels platzierten Praxisfenster, in denen Kerninhalte aufgegriffen und – in Gestalt eines fiktiven Diskussionsforums – auf unterschiedliche Formate der ...

Based on the criticism concerning traditional teaching methods, problem-based courses were introduced in the medical education of the University of Munich to foster the acquistion of action knowledge. One of these courses is the so-called MuSkel-course (course of musculosceletal diseases and injury). This course ends with a Triple Jump examination, the first step of which is an examination with a standardized patient in an OSCE-format (Objective Strutured Clinical Examination). In order to prepare the students for this exam, an OSCE-training was introduced with the fourth MuSkel-course. This study aimed at answering the question, to what extent this training exhibited a better knowledge. For that, the performance of students without training (control group) was compared with that of students having received two training sessions (experimental group). The results demonstrated that the experimental group performed better than the control group in only a few but important tests (identification of important points in medical history taking and clinical examination, the attitude towards the patient, the call for further diagnostic tests).

Seit 2007 existiert Wortspiel-Berlin, ein Projekt der Sprachlehrerin und Theaterpädagogin Sigrid Unterstab, in dem um es um die Förderung von kreativen Sprachlehr-/lernmethoden geht. Wortspiel-Berlin bietet Fortbildungsseminare für Sprachlehrerende an, Theaterkurse für verschiedene Zielgruppen und auch Individualunterricht. Detailliertere Informationen finden sich unter: http://www.wortspiel-berlin.de SCENARIO wird gelegentlich auf derartige Initiativen im Praxisfeld aufmerksam machen, um dadurch auf Fortbildungsmöglichkeiten hinzuweisen und die Bildung von Netzwerken zu fördern. Sigrid Unterstab wurde am 18.5. 2011 in Berlin von Manfred Schewe interviewt. Das Interview kann hier herunter geladen werden.