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Transnationality and Modes of Production in Theatre Studies - This paper presents an argument in favor of a transnational approach which also examines modes of production within theatre studies in Brazil. Drawing on discussions that took place in July, 2018, at the Philanthropy, Development and the Arts international conference in Munich, we point to new possibilities that may enrich various fields of theatre research. In several cases discussed at the conference and summarized in this article, seemingly local issues and practices revealed their recurrence in other parts of the world (Brazil included), thus demonstrating their interconnection within transnational networks and circuits. In conclusion, it is suggested that the study of theatre from the perspective of transnationality and modes of production may also constitute an action in defense of research, and of the cultural milieu itself, particularly in countries that are living through reactionary periods, as is the case for Brazil today. RÉSUMÉ Transnationalité et Modes de Production dans les Études Théâtrales - Cet article examine l’importance d’une vision qui est transnationale et englobe en même temps les modes de production du théâtre dans les études théâtrales au Brésil. Basé sur un compte rendu des discussions qui ont eu lieu en juillet 2018 lors de la conférence internationale Philanthropy, Development and the Arts à Munich, l’article présente de nouvelles possibilités pour les différents domaines de la recherche théâtrale. Dans plusieurs exemples discutés lors de la conférence et résumés dans cet article, les problèmes et pratiques qui semblaient locaux se sont présentés comme récurrents dans plusieurs pays, parmi lesquels le Brésil, démontrant leur connexion avec les réseaux et les flux transnationaux. Enfin, il est suggéré que l’étude du théâtre sous l’angle de la transnationalité et des modes de production peut constituer une action de défense de la recherche et du milieu culturel, en particulier dans des pays en proie à des processus réactionnaires comme le Brésil. RESUMO Este artigo investiga a importância de um olhar que seja transnacional e ao mesmo tempo inclua os modos de produção nos estudos teatrais no Brasil. A partir do relato das discussões que ocorreram em julho de 2018 na conferência internacional Philanthropy, Development and the Arts, em Munique, o artigo levanta novas possibilidades para os diversos campos da pesquisa teatral. Em vários exemplos apresentados na conferência e sintetizados no presente artigo, questões e práticas que pareciam locais se mostraram como recorrentes em distintos países, inclusive no Brasil, evidenciando sua conexão com redes e fluxos transnacionais. Por fim, é sugerido que o estudo do teatro pela perspectiva da transnacionalidade e dos modos de produção pode constituir uma ação de defesa à pesquisa e ao meio cultural, principalmente em países que passam por processos reacionários como o Brasil.

Este artigo investiga a importância de um olhar que seja transnacional e ao mesmo tempo inclua os modos de produção nos estudos teatrais no Brasil. A partir do relato das discussões que ocorreram em julho de 2018 na conferência internacional Philanthropy, Development and the Arts, em Munique, o artigo levanta novas possibilidades para os diversos campos da pesquisa teatral. Em vários exemplos apresentados na conferência e sintetizados no presente artigo, questões e práticas que pareciam locais se mostraram como recorrentes em distintos países, inclusive no Brasil, evidenciando sua conexão com redes e fluxos transnacionais. Por fim, é sugerido que o estudo do teatro pela perspectiva da transnacionalidade e dos modos de produção pode constituir uma ação de defesa à pesquisa e ao meio cultural, principalmente em países que passam por processos reacionários como o Brasil. This paper presents an argument in favor of a transnational approach which also examines modes of production within theatre studies in Brazil. Drawing on discussions that took place in July, 2018, at the Philanthropy, Development and the Arts international conference in Munich, we point to new possibilities that may enrich various fields of theatre research. In several cases discussed at the conference and summarized in this article, seemingly local issues and practices revealed their recurrence in other parts of the world (Brazil included), thus demonstrating their interconnection within transnational networks and circuits. In conclusion, it is suggested that the study of theatre from the perspective of transnationality and modes of production may also constitute an action in defense of research, and of the cultural milieu itself, particularly in countries that are living through reactionary periods, as is the case for Brazil today. Cet article examine l’importance d’une vision qui est transnationale et englobe en même temps les modes de production du théâtre dans les études théâtrales au Brésil. Basé sur un compte rendu des discussions qui ont eu lieu en juillet 2018 lors de la conférence internationale Philanthropy, Development and the Arts à Munich, l’article présente de nouvelles possibilités pour les différents domaines de la recherche théâtrale. Dans plusieurs exemples discutés lors de la conférence et résumés dans cet article, les problèmes et pratiques qui semblaient locaux se sont présentés comme récurrents dans plusieurs pays, parmi lesquels le Brésil, démontrant leur connexion avec les réseaux et les flux transnationaux. Enfin, il est suggéré que l’étude du théâtre sous l’angle de la transnationalité et des modes de production peut constituer une action de défense de la recherche et du milieu culturel, en particulier dans des pays en proie à des processus réactionnaires comme le Brésil.

The article proposes the existence of an actorial network that created a character-type of the male homosexual, which could be called the bicha louca (crazy fag). Actors such as Nestor Montemar, Raul Cortez, Ítalo Rossi and Emiliano Queiroz participated in this network, contributing to the theatre being a space of visibility for the LGBT population and of resistance to the moral and political repression in the period of the Brazilian civil-military dictatorship (1964-1985). RÉSUMÉ L’article propose l’existence d’un réseau actorial qui crée un caractère type de l’homosexuel masculin, que l’on pourrait qualifier de pédé fou. Des acteurs tels que Nestor Montemar, Raul Cortez, Ítalo Rossi et Emiliano Queiroz ont participé à ce réseau, contribuant à faire du théâtre un espace de visibilité pour la population LGBT et de résistance à la répression morale et politique pendant la période de la dictature civilo-militaire brésilienne (1964-1985). RESUMO O artigo propõe a existência de uma rede atorial criadora de uma personagem-tipo do homossexual masculino, que poderia ser chamada de bicha louca. Participaram dessa rede atores como Nestor Montemar, Raul Cortez, Ítalo Rossi e Emiliano Queiroz, contribuindo para que o teatro fosse um espaço de visibilidade para a população LGBT e de resistência à repressão moral e política durante o período da ditadura civil-militar brasileira (1964-1985).

El presente artículo trata sobre la mímesis corpórea, técnica creada y desarrollada por LUME Teatro. El objetivo es explicar cómo por medio de esa técnica el actuante encarna poéticamente diferentes estímulos que se encuentran en la vida cotidiana, sean estas personas, imágenes, voces, sonidos, animales o, inclusive, textos o monumentos. Se discuten los conceptos de mímesis, observación y afectación, los cuales se constituyen en la base de esta práctica. A continuación, se describen diferentes experiencias de mímesis corpórea. Finalmente, se llega a la conclusión de que esta técnica es un campo abierto para la exploración actoral que se encuentra en un lugar intermedio entre la creación y el entrenamiento a partir del universo sensible de los artistas que la desarrollan. This article examines corporal mimesis, a technique created and developed by LUME Teatro. The objective is to explain how, with this technique, the performer poetically embodies different stimuli that are found in everyday life, be they people, images, voices, sounds, animals, or even texts or monuments. The concepts of mimesis, observation, and affectation, which form the basis of this practice, are discussed. Then, different experiences with corporal mimesis are described. Finally, it is concluded that this technique is an open field for exploring acting, which is found in an intermediate place between creation and training based on the sensorial universe of the artists who develop it. Cet article traite de la mimésis corporelle, une technique créée et développée par LUME Teatro. L’objectif est d’expliquer comment, à travers cette technique, l’interprète incarne poétiquement différents stimuli que l’on retrouve dans la vie de tous les jours, qu’il s’agisse de personnes, d’images, de voix, de sons, d’animaux et même de textes ou de monuments. Les concepts de mimesis, d’observation et d’affectation, qui forment la base de cette pratique, sont discutés. Ensuite, différentes expériences de mimétisme corporel sont décrites. Enfin, on en conclut que cette technique est un champ ouvert à l’exploration du jeu d’acteur, qui se situe à une place intermédiaire entre la création et la formation à partir de l’univers sensible des artistes qui la développent.

Thoughts on narrative theater, with texts based on literary fiction. This text brings into focus aspects such as the creation of scenes based on books, the use of objects, spatiality, the relationship with the audience, the composition of gestures and acting. The author’s stage experiences are the main reference for this paper. The keeps a dialogue format, according to its source: an interview which was part of the Master’s degree research conducted by Ligia Borges Matias, the co-author of this article., Il s’agit d’une réflexion sur le théâtre narratif qui trouve dans la fiction littéraire son fondement textuel. Il traite des aspects tels que le passage du livre à la scène, l’utilisation d’objets, la spatialité, la relation avec le spectateur, la composition et le travail gestuel de l’acteur, ayant comme principale référence les expériences de mise en scène réalisées par l’auteure du présent article. Celui-ci conserve la forme dialogique présente à la source: l’interview réalisée par Ligia Borges Matias dans le cadre de sa recherche de Master en 2010. Cette dernière joue ainsi le rôle de co-auteure de l’article., Reflexões sobre o teatro narrativo que tem na literatura de ficção sua base textual. Abordam-se aspectos como a passagem do livro para a cena, o uso de objetos, a espacialidade, a relação com o espectador, a composição gestual e o trabalho do ator, tendo como referência principal as experiências de encenação realizadas pela autora. O artigo mantém o formato dialógico, de acordo com sua matriz: entrevista realizada por Lígia Borges Matias como parte de sua pesquisa de Mestrado, em 2010, e que ocupa, assim, o papel de coautora do artigo.

Bringing together theatre and sport may seem paradoxical in Europe, but not in China where there seems to be noboundary between the two. There have also been cross-links between theatre and sport in history. However, scientific categorisation has neglected the products of this cross-fertilization and with it entire social, economic, ideological and cultural realities as well as the interest areas of populations and related industries. We propose four themes to address this issue: cross-links between the language of sport and theatre; theatre as ornament of sport; sport to prepare for theatre professions; synergies between the nature of sport and theatre., Rapprocher théâtre et sports paraît paradoxalen Europe, mais pas dans le monde chinois où aucune frontière ne semble exister entre eux. L’histoire révèle l’interpénétration du théâtre et des sports. Or, la catégorisation des sciences fait que des objets résultants de leur fertilisation croisée sont négligés, mais aussi des pans de réalités sociales, économiques et idéologiques, de la vie culturelle, du goût des populations et de leurs industries. Quatre thèmes sont avancés pour aborder cette problématique: l’interpénétration des langues du sport et du théâtre; le théâtre comme ornementation du sport; le sport comme préparation aux métiers du théâtre; la natureentre sports et théâtre., Aproximar teatro e esportes parece ser paradoxal na Europa, mas não no mundo chinês, onde nenhuma fronteira parece existir entre ambos. A história revela a interpenetração do teatro e dos esportes. Ora, a categorização das ciências faz com que objetos resultantes de sua fertilização cruzada sejam negligenciados, mas também partes de realidades sociais, econômicas e ideológicas, da vida cultural, do gosto das populações e de suas indústrias. Quatro temas são vislumbrados para abordar essa problemática: a interpretação das línguas do esporte e do teatro; o teatro como ornamentação do esporte; o esporte como preparação para as atividades teatrais; a natureza entre esportes e teatro.

O artigo propõe a existência de uma rede atorial criadora de uma personagemtipo do homossexual masculino, que poderia ser chamada de bicha louca. Participaram dessa rede atores como Nestor Montemar, Raul Cortez, Ítalo Rossi e Emiliano Queiroz, contribuindo para que o teatro fosse um espaço de visibilidade para a população LGBT e de resistência à repressão moral e política durante o período da ditadura civilmilitar brasileira (1964-1985).

Resumo: O artigo propõe a reflexão sobre a ideia consagrada de ação cultural, na qual procura se revisitar a noção de vida pública. A ação cultural é compreendida assim em seu desenvolvimento histórico e questionada em sua potencialidade como ação em tempo de crise política e democrática. A partir do diálogo com a filosofia política e da análise das práticas artístico-pedagógicas e de intervenção pública de artistas paulistanos, reflete-se sobre as perspectivas da ação cultural no atual momento histórico, enfocando-a como expressão da esfera pública e da participação política, a fim de ampliar os direitos de partilha do sensível e re-singularizar os universos existenciais. Résumé: L’article propose une réflexion sur l’idée consacrée d’action culturelle, qui cherche à revisiter la notion de vie publique. L’action culturelle est ainsi comprise dans son développement historique et remise en cause dans son potentiel d’action en temps de crise politique et démocratique. Du dialogue avec la philosophie politique et de l’analyse des pratiques artistiques et pédagogiques et de l’intervention publique des artistes de São Paulo, il se reflète sur les perspectives de l’action culturelle dans le moment historique actuel, en la considèrant comme une expression de la sphère publique et de la participation politique, afin d’élargir les droits de partage du sensible et de re-singulariser les univers existentiels. Abstract: The article proposes a reflection on the consecrated idea of cultural action, which intends to revisit the notion of public life. Cultural action is thus understood in its historical development and it is questioned in its potentiality as an action in times of political and democratic crisis. From the dialogue with Political Philosophy and from the analysis of artistic and pedagogical practices, besides the public intervention of São Paulo artists, we reflect on the perspectives of cultural action in the current historical moment, focusing on it as an expression of the public sphere and political participation, broadening the spheres of sharing the sensitive field and re-singularizing the existential universes.

This article presents an excerpt from a master’s research in which the proposal was to conceptualize the practice of theatrical habitation, performed by the Teatro Público group (Belo Horizonte/MG), as both process and scenic proposition. For this purpose, the authors start from the aesthetics related to walking in order to map the theoretical field of this project, and then use other spatial practices analogous to theatrical habitation to expose their similarities and differences that justify the choice of a new nomenclature. Finally, some of the characteristics of this practice are outlined, such as the coexistence in extended temporality, as a way to think about inhabiting as an aesthetics of the public.

O trabalho reflete sobre vivências e práticas da autora em bufonaria, em fricção com questões éticas, estéticas e políticas que marcam o pensamento contemporâneo e abalam a estabilidade de antigas perspectivas. Em uma rede de relações entre experiências de vida e arte da artista-pesquisadora e sua iniciação e desenvolvimento em bufonaria, a pesquisa problematiza e propõe possíveis atualizações da prática bufa, em nosso tempo-espaço. Aborda-se noções de queda, arte, bufonaria e política, a partir de autoras como Beth Lopes, Daniela Carmona, Claudia Sachs, Tefa Polidoro, Marcia Freire, Maria Alice Poppe, Ann Cooper Albright, Suely Rolnik, Patricia Fagundes, Ileana Diéguez, Verena Alberti, entre outras. Além destas, convida-se para o diálogo a bufona Tartaruga, que propõe críticas e provocações acerca da prática artística e das reflexões da autora. Face aos desafios do tempo, também ao teatro cabe rever discursos e modos de criação, permitir-se à queda para descobrir outras perspectivas, conectadas ao contexto social e ao tempo que habitamos. El trabajo reflexiona sobre las experiencias y prácticas bufonescas del autora, en fricción con cuestiones éticas, estéticas y políticas que marcan el pensamiento contemporáneo y socavan la estabilidad de viejas perspectivas. En una red de relaciones entre las experiencias de vida y arte de la artista-investigadora y su iniciación y desarrollo en la bufonería, la investigación problematiza y propone posibles actualizaciones de la práctica buffa, en nuestro tiempo-espacio. Se abordan nociones de caída, arte, bufonería y política de autoras como Beth Lopes, Daniela Carmona, Claudia Sachs, Tefa Polidoro, Marcia Freire, Maria Alice Poppe, Ann Cooper Albright, Suely Rolnik, Patricia Fagundes, Ileana Diéguez, Verena Alberti, entre otras. Además de estos, se invita al diálogo al bufóna Tartaruga, quien propone críticas y provocaciones sobre la práctica artística y las reflexiones del autora. Frente a los desafíos del tiempo, el teatro también se encarga de revisar discursos y modos de creación, dejándose caer para descubrir otras miradas, conectadas con el contexto social y el tiempo que habitamos.

Este artigo reflete sobre o percurso poético e criativo desenvolvido dentro da pesquisa “O uso do centro do corpo para a percepção do trabalho do ator”, de maio de 2017 a junho de 2018. De caráter exploratório, processual e qualitativo, a investigação apresenta as etapas de pesquisa através de um percurso metodológico de pesquisa em arte, que envolve procedimentos que mesclam escultura em argila, sensibilização corporal, experimentação e elaboração de partituras corporais com o intuito de desenvolver a composição cênica do solo “Caminho do meio”. Reflete sobre a relação entre os conhecimentos desenvolvidos através da investigação entre percepção, propriocepção, envolvendo a autossensibilização a partir das estruturas ósseas como possível proposta para o trabalho de preparação corporal para o ator, de modo a ampliar seu repertório poético e criativo.

A reconstrução dos ensinamentos práticos (para o corpo, e mais ainda a voz) de François Delsarte levanta um verdadeiro desafio metodológico: se esses ensinamentos desempenharam um papel determinante no surgimento da modernidade das artes cênicas, práticas psicossomáticas e educação somática, eles foram essencialmente transmitidos "oralmente" de mestre para aluno. E eles foram, por um lado, perdidos. É a partir dos elementos de transmissão textual, associados a uma prática da dança moderna, do teatro e de abordagens somáticas, que é possível encontrar um entendimento o mais próximo possível de suas versões originais, sem ter a pretensão de poder voltar a esses. Ainda mais que as numerosas nuanças que Delsarte introduziu em seu ensino convidam a uma dinâmica aberta: não procurar "a letra" mas "o espírito" de seu trabalho, numa perspectiva de constante renovação. Essa abordagem é a da pesquisa de Franck Waille, que tem sido constantemente aperfeiçoada desde o início dos anos 2000. Ela diz respeito a diferentes elementos do expressivo método somático de Delsarte. Este artigo apresenta uma atualização sobre as atitudes das pernas, favorecida pelo encontro com a pesquisa de Clóvis Massa sobre Delsarte feita no início dos anos 1990.

Submitted by Amanda Pachito de Amorim Lima (amanda.p.lima@hotmail.com) on 2021-10-06T18:07:31Z No. of bitstreams: 1 Do ATUANTE-CENÓGRAFO - Amanda Lima - final.pdf: 2581806 bytes, checksum: aa0c570ccf80b4a7117764b4463495e6 (MD5) Approved for entry into archive by Ednaide Gondim Magalhães (ednaide@ufba.br) on 2021-10-06T18:19:34Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Do ATUANTE-CENÓGRAFO - Amanda Lima - final.pdf: 2581806 bytes, checksum: aa0c570ccf80b4a7117764b4463495e6 (MD5) Made available in DSpace on 2021-10-06T18:19:34Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Do ATUANTE-CENÓGRAFO - Amanda Lima - final.pdf: 2581806 bytes, checksum: aa0c570ccf80b4a7117764b4463495e6 (MD5) Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado da Bahia (Fapesb) Este estudo visa reunir e discutir possíveis fundamentos de trabalho para um atuante que, para além de seu desempenho, almeja ser também o criador da cenografia de sua cena. Em vista de uma tendência manifesta atualmente rumo à diluição de fronteiras entre diferentes funções do processo criativo, bem como da demanda de integração entre diferentes campos da criação, esta dissertação foi construída como uma “caixa de ferramentas”, um convite ao ator contemporâneo que se interessa em repensar seus campos de atuação nas artes do espetáculo; mais especificamente, na exploração da criação cenográfica. Trata-se de uma pesquisa realizada a partir de estudos teóricos, organizados em função de três pilares principais de abordagem: conceitos técnico-artísticos da composição cenográfica; o ator como habitante e criador do/no espaço; e procedimentos de criação cênica que associam o desempenho do ator e a cenografia. Para tanto, a pesquisa se orienta pela pergunta geral: Quais seriam possíveis fundamentos e caminhos para o trabalho de um ator que também cria a cenografia? O estudo tem enfoque sobre um tipo de cenografia dotada de materialidades e volumetrias; e se ancora em autores como Maurice Merleau-Ponty, Fayga Ostrower, Pamela Howard e Cassandre Chatonnier para elucidar as relações criativas estabelecidas entre o espaço e o ator como seu habitante criador. Para refletir acerca de possíveis caminhos para o trabalho desse artista ambivalente, foram reunidos quatro procedimentos de criação cênica com potencial para fomentar esse trabalho criativo interseccional, bem como para trazer a uma eventual prática os fundamentos teóricos discutidos na pesquisa. As elaborações deste estudo convergem para considerações acerca da do caráter fundamental do fenômeno da percepção para a criação e habitação efetiva dos espaços; do caráter enriquecedor que a retroalimentação entre as diferentes modalidades da criação cênica exerce tanto nos produtos criativos quanto na própria experiência. É evidenciado o argumento que pensar criativamente os espaços já é, de certa forma, parte do trabalho convencional do atuante, restando-lhe desenvolver certas habilidades e consciência concernentes aos espaços, suas formas estéticas e semantizações. A pesquisa converge, portanto, para constatações de que as relações e afetos estabelecidos entre espaços e seus habitantes se constituem como fundamentos de base do desenvolvimento da cenografia e do desempenho, de modo que seu trabalho conscientemente concomitante e retroalimentativo tem potencial para enriquecer ambos os campos artísticos, bem como de afetar os modos de encarar e organizar o fazer teatral como um todo. This paper aims to gather and discuss possible foundations for the work of an actor who, beyond their performance, also aims to be the creator of the scene‟s design. Regarding an evidenced current tendency toward the blurring of borders among different creative functions, as well as a demand for integration among different fields of creation, this dissertation was developed as a “toolbox”, an invitation for the contemporary actor who wishes to rethink their fields of work in theatre arts, more specifically in exploring the creation of scenography. This research is a theoretical study built on three main pillars of approach: technical-artistic concepts on scenography‟s composition; the actor as an inhabitant and creator of/in space; and creative procedures which associate actor‟s performance and scenography. Therefore, the research is guided by the following general question: What could be possible fundaments and paths for the work of an actor who is also a developer of the scenography? This paper emphasizes on a type of scenography mainly consisted of materialities and volumes; it is also founded on authors such as Maurice Merleau-Ponty, Fayga Ostrower, Pamela Howard and Cassandre Chatonnier in order to delineate the creative relationships established between space and actor, being the former its creating inhabitant. In order to reflect upon possible paths for this ambivalent artist‟s endeavour, four creative procedures with potential to foment such creative intersection were gathered, also aiming to identify possible ways to put the founding theories into practice. The ideas of this study converge toward considerations regarding the fundamental aspect of the perception phenomena concerning the spaces‟ creation and their effective habitation; the enriching feature conveyed by the feedback between different creative modalities within theatre arts and its effects on the products as well as on experience itself. This paper brings forth the argument that creative thought regarding spaces is already, in a certain way, a common practice of the conventional actor; remaining for them to develop certain consciousness and abilities concerning spaces, their aesthetic forms and semanticizations. The research converges, thus, toward conclusions that the relationships and affectations established between space and its inhabitants comprise of foundations for the development of scenography as well as the actor‟s performance, in such a way that their endeavour consciously concurrent and self-enriching has potential to expand both artistic fields, as well as to influence on manners of organizing and dealing with theatre activity as a whole.

Este artigo discute os processos psicofísicos do ator a partir de uma prática laboratorial desenvolvida junto ao Grupo Arkhétypos. A reflexão apresentada é fruto do encontro de dois pesquisadores, um da área de Artes Cênicas e outro da Fisiologia, gerando uma discussão de caráter interdisciplinar sobre o Teatro Ritual. O artigo analisa dois processos de criação vividos pelos autores e propõe uma aproximação com a teoria da hipofrontalidade transitória. O recorte metodológico se estrutura a partir da evidência anedótica e de um rigoroso estudo bibliográfico. Os resultados parciais da pesquisa ajudam a compreender o que acontece com a fisiologia cerebral do ator que adentra ao jogo ritual. This article discusses the psychophysical processes of the actor from a laboratory practice developed with the Arkhétypos Group. The exposition presented is the result of the meeting of two researchers, one from the Performing Arts area and the other from Physiology, generating an interdisciplinary discussion about the Ritual Theater. This article analyzes two creative processes experienced by the authors and proposes an approximation with the theory of transient hypofrontality. The methodological approach is based on the anecdotal evidence and a rigorous bibliographic study. The partial results of the research help us understand what happens to the cerebral physiology of the actor who enters the ritual play. Cet article discute les processus psychophysiques de l’acteur à partir d’une pratique de laboratoire développée avec le Groupe Arkhétypos. La réflexion présentée est le résultat de la rencontre de deux chercheurs, l’un du domaine des arts de la scène et l’autre de la physiologie, générant une discussion interdisciplinaire sur le Théâtre Rituel. L’article analyse deux processus créatifs vécus par les auteurs et propose une approximation avec la théorie de l’hypofrontalité transitoire. L’approche méthodologique est basée sur les preuves anecdotiques et une étude bibliographique rigoureuse. Les résultats partiels de la recherche nous aident à comprendre ce qui arrive à la physiologie cérébrale de l’acteur qui entre dans le jeu rituel.

O artigo reúne esforços para ler a estética do Lume a partir de possíveis conexões filosóficas com suporte no alargamento temporal e no conceito freudiano de sentimento oceânico. Para isso, amparou-se na metodologia filosóficoconceitual. Destacaram-se as ideias de plano de composição, flutuação e saturação, o delírio, a dissolução de fronteiras e a ligação com o todo. A presença foi o elemento articulador da estética do Lume com os componentes conceituais mobilizados. Ao expor duas recepções possíveis, o texto intenciona que o cotejamento com tais saberes acrescente camadas de expansão à experiência estética teatral, sem pretender revelar sentidos, mas antes, propor inteligibilidades.

CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior Nesta dissertação investigo sobre os estados corporais de um corpo no caos como potência para experimentação e criação da cena, investigando para isso os movimentos de um corpo em situação de crise de ansiedade. A hipótese que norteou esse trabalho assume que dançar o estado corporal no caos, olhando para a crise, promove um território para a investigação e a criação na improvisação em dança. Desta maneira, investiguei os sintomas que surgem no meu corpo durante a alteração ansiosa, tentando encontrar os seus desdobramentos e quais movimentos posso compor na improvisação. Assim, esta foi uma pesquisa prática de experiência e criação, que apresentou como objeto de estudo o meu corpo em colapso, utilizando do caos como dispositivo para dançar. Tive como objetivo experimentar a ansiedade em laboratórios de movimento, e compor uma improvisação denominada de “Respire”, compreendendo, durante o processo, que caos é potência que possibilita novas movimentações diante das marcas que carrego no corpo. Neste trabalho, não olhei para o caos e a crise na perspectiva de cura ou arte terapia. Aqui, caos e crise são disparadores da minha relação com o mundo e dança-los é o movimento que faço para sobreviver. A partir de certa ideia de corpo idealizado, muito imposto socialmente, em que a razão é aceita e os sentimentos são traços de fraqueza, estudar a força do caos e da crise é um posicionamento, principalmente diante de uma pandemia viral como a que vivemos no momento da finalização deste estudo. Com isso, esse trabalho defende uma perspectiva de pesquisa que fala das próprias narrativas, e reconhece o conhecimento que surge no corpo, reafirmando o lugar da arte como ciência, e mais específico, da minha narrativa enquanto artista nordestina. Para esse estudo acontecer, me amparei na metodologia somática-performativa, da pesquisadora Ciane Fernandes, que defende a pesquisa que responde suas questões movendo, e que toma toda sua produção e escrita como uma performance. Assim, esta dissertação foi dividida em três capítulos: o primeiro apresenta o resultado do levantamento bibliográfico a partir do trabalho de autores que conversam sobre corpo, estado corporal, sobrevivência, sintomas da ansiedade, a noção de sentimento e as diferentes perspectivas do caos, além de ideias sobre improvisação em dança, investigação e prática. No capítulo dois encontra-se a descrição dos laboratórios de movimentação, que ocorreram de 2018 até o primeiro semestre de 2021, relacionando os sintomas ao movimento. Por fim, finalizo abordando o processo de criação de “respire”, uma prática que contempla a improvisação e as experiências descritas no capítulo dois e discutidas a partir dos conceitos indicados no primeiro capítulo. Nas considerações transitórias, destaco a importância do olhar para a experiência como investigação científica e do papel da arte na compreensão do real, também a relevância da improvisação em dança como uma dança que propõe o risco do autoconhecimento. Além disso, depois de me dispor a abraçar o caótico, foi perceptível imaginar um desdobramento desta pesquisa observando outros corpos. Suponho legível a experimentação do caos tanto para a criação de espetáculos em grupo, quanto para um caminho clínico, em uma pesquisa na área da saúde. In this dissertation, I investigate the features of the body in chaos as a tool for experimentation and creation of the scene, thus, investigating the movements of a body in a situation of anxiety crisis. The hypothesis that guided this work assumes that dancing the body state in chaos, looking at the crisis, promotes a territory for investigation and creation in dance improvisation. In this way, I investigated the symptoms that appear in my body during the anxious changes, trying to find their consequences and what movements I can compose in improvisation. So, this was a practical research of experience and creation, which presented as an object of study my collapsing body, using chaos as a device for dancing. My objective was to experience anxiety in movement laboratories and, with this, compose an improvisation entitled “Respire”, understanding, during the process, that chaos is a power that enables new movements in the face of the marks I carry on my body. In this work, I did not look at chaos and crisis from the perspective of healing or art therapy. Here, chaos and crisis trigger my relationship with the world, and dancing it is the movement I make to survive. From a certain idea of an idealized body, very socially imposed, in which reason is accepted and feelings are traits of weakness, studying the strength of chaos and crisis is a position, especially in the face of a viral pandemic like the one we are experiencing in time of completion of this study. Thus, this work defends a research perspective that speaks of the narratives themselves, and legitimate the knowledge that appears in the body, reaffirming the place of art as a science, and more specifically, of my narrative as a northeastern artist. For this study to happen, I relied on the somatic-performative methodology, by researcher Ciane Fernandes, who defends research that answers her questions by moving, and that takes all her production and writing as a performance. Thus, this dissertation was divided into three chapters: the first presents the result of the bibliographic survey based on the work of authors who talk about body, body state, survival, anxiety symptoms, the notion of feeling and the different perspectives of chaos, in addition to ideas on dance improvisation, research and practice. In chapter two, there is a description of the movement laboratories, which took place from 2018 to the first half of 2021, relating symptoms to movement. Finally, I conclude by approaching the process of creating “Respire”, a practice that includes improvisation and the experiences described in chapter two and discussed based on the concepts indicated in the first chapter. In transitory considerations, I highlight the importance of looking at experience as a scientific investigation and the role of art in understanding reality, as well as the relevance of improvisation in dance as a dance that poses the risk of self-knowledge. Furthermore, after being willing to embrace the chaotic, it was noticeable to imagine an unfolding of this research by observing other bodies. I suppose the experimentation of chaos is legible both for the creation of group shows, and for a clinical path, in research in the health area. Dissertação (Mestrado)

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior Demographic changes in Brazil have become more relevant in recent years with even greater projections for the coming years, when the subject is an aging population. Thus, the increase in the older population can be considered to be followed by an increase in older workers. Concomitantly with this factor, it is worth mentioning the prejudice and discrimination suffered by older workers, in different economic sectors and types of organizations. We chose the theme in theater because I am an actor and experience the artistic reality, in addition to the lack of scientific studies on aging in the field of performing arts. The present research proposal has the general objective of identifying the challenges that older actors experience in the theater. The research adopted a qualitative interpretative approach. We conducted 10 in-depth interviews with older actors, who play or have played in the theater, aged over 45 years. We analyzed the content of the interviews based on the approach of Flores (1994). The results point to the following categories: stereotypes, prejudice and discrimination (elements that make up the concept of ageism), physical vitality, less roles and complementary income. The theoretical contribution to the age literature, the practical contribution and the social impact of the research are presented in the final considerations. As alterações demográficas no Brasil passam a ser mais relevantes nos últimos anos com projeções ainda maiores para os próximos anos, quando o assunto é envelhecimento da população. Assim, pode-se considerar que o aumento da população mais velha, venha seguida do aumento de trabalhadores mais velhos. Concomitantemente a esse fator, vale ressaltar o preconceito e discriminação sofridos pelos trabalhadores mais velhos, nos diferentes setores econômicos e tipos de organizações. Optamos pelo tema em teatro devido ao fato de eu ser Ator e vivenciar a realidade artística, além de carência de estudos científicos sobre envelhecimento no campo das artes cênicas. A presente proposta de investigação tem como objetivo geral identificar os desafios que os atores mais velhos vivenciam no teatro. A pesquisa adotou a abordagem qualitativa interpretativa. Realizamos 10 entrevistas em profundidade com atores mais velhos, que atuam ou já atuaram no teatro, com idade acima de 45 anos. Analisamos o conteúdo das entrevistas com base na abordagem de Flores (1994). Os resultados apontam para as seguintes categorias: estereótipos, preconceito e discriminação (elementos constituintes do conceito de etarismo), vitalidade física, menos papéis e renda complementar. A contribuição teórica para a literatura de etarismo, a contribuição prática e o impacto social da pesquisa são apresentados nas considerações finais.

Neste trabalho investigo alguns dos expedientes nao realistas das pecas Stairs to the Roof e The Strange Play , de Tennessee Williams, a fim de apresentar discussoes acerca das caracteristicas que podem classificar tais obras como dramaturgia do eu. Para tanto, identifico os personagens que determinam essa poetica: Ben, da primeira, e Isabel, da segunda peca. Ao se perceber que existe um confronto do mundo real e concorrencial capitalista que nao permite a completude de vida desses personagens, as pecas podem ser classificadas como expressionistas e inspiradas na obra de Strindberg - o que as distingue da leitura hegemonica das obras do autor, exclusivamente apoiadas no realismo psicologico e na autobiografia.

This work described the form and content of Tennessee Williams' Summer and Smoke, with a critical analysis of its historical, cultural and biographical context, as well as a brief notion of its reception and main performances on Broadway and in Brazil. In addition, indicated and critically commented on aspects of the Brazilian translation published, a version that contributed to an unfocused reading of the original text, without being committed to the same dramaturgical elements of Williams, including the change of the original title. Finally, a comparative reading of the second version was presented, never published or performed in Brazilian stages. Este trabajo describió la forma y contenido de Summer and Smoke, de Tennessee Williams, con un análisis de su contexto histórico-social. Además, presentó su recepción y escenarios principales. Indicó críticamente y comentó aspectos de la traducción publicada en Brasil, en una versión diferente a la que quería el autor. Esto, a su vez, contribuyó a una lectura hegemónica del trabajo de Williams en el país. También se presentó una lectura comparativa de la segunda versión de la obra, nunca publicada ni llevada a escenarios brasileños. Finalmente, habló de los aspectos que posiblemente llevaron al cambio de título en portugués. Este trabalho fez uma descrição de forma e conteúdo de Summer and Smoke, de Tennessee Williams, com uma análise de sua contextualização histórico-social. Além disso, apresentou sua recepção e encenações principais. Indicou e comentou criticamente aspectos da tradução publicada no Brasil, de uma versão diferente daquela que o autor desejava. Esta, por sua vez, contribuiu para uma leitura hegemônica da obra de Williams no país. Foi apresentada, também, uma leitura comparativa da segunda versão da peça, jamais publicada ou levada aos palcos brasileiros. Por fim, discutiu os aspectos que possivelmente levaram à mudança do título em português.

Esta dissertação tem como objetivo analisar as possíveis contribuições do método do Teatro do Oprimido para a sustentabilidade ambiental. A metodologia do Teatro do Oprimido é composta por um conjunto de exercícios, jogos e técnicas, criados pelo teatrólogo brasileiro, Augusto Boal, na década de 70, que intencionam entre outras coisas a construção de novas mentalidades nos sujeitos. Neste trabalho, investigamos essa metodologia e suas potencialidades educativas e concluímos que ela pode ser de grande interesse para a sustentabilidade, visto que possui ferramentas pedagógicas que podem ser utilizadas para a educação ambiental dos indivíduos. This dissertation aims to analyze the possible contributions of the Theater of the Oppressed method to environmental sustainability. The methodology of the Theater of the Oppressed is composed of a set of exercises, games and techniques, created by the Brazilian theater artist, Augusto Boal, in the 70's, which intend among other things to build new mentalities in the subjects. In this work, we investigate this methodology and its educational potentialities and conclude that it can be of great interest for sustainability, since it has pedagogical tools that can be used for the environmental education of individuals.

This article examines Cia. Livre’s scene, which questions the constitution of Brazilian identity, relating the individual in the urban context and Amerindian thought. Since the performance Vem Vai, o caminho dos mortos (2007), transit between the forest and the asphalt has been identified, instituted in the scenic translations of anthropophagy, according to Andrade (1928), Campos (1992), and Nunes (1979), and Amazonian cosmology, based on theories of perspectivism, especially Descola (1992), Carneiro da Cunha (1998), Kopenawa and Albert (2015), and Viveiros de Castro (1996; 2002; 2015). It concludes by highlighting the company’s decolonial strategy in the use of anthropology in order to imagine other humanities. RÉSUMÉ Cet article examine la scène de Cia. Livre, qui problématise la constitution de l'identité brésilienne, mettant en relation l'individu dans le contexte urbain et la pensée amérindienne. Depuis le spectacle Vem Vai, le chemin des morts (2007), un transit entre la forêt et l'asphalte a été établi, institué dans la traduction scénique de l'anthropophagie, selon Andrade (1928), Campos (1992) et Nunes (1979), et la cosmologie amazonienne, basée sur les théories du perspectivisme, en particulier Descola (1992), Carneiro da Cunha (1998), Kopenawa e Albert (2015) et Viveiros de Castro (1996; 2002; 2015). Il conclut en mettant en évidence la stratégie décoloniale de la compagnie dans l'utilisation de l'anthropologie, pour imaginer d'autres humanités. RESUMO Este artigo examina a cena da Cia. Livre, que problematiza a constituição da identidade brasileira, relacionando o indivíduo no contexto urbano e o pensamento ameríndio. Desde o espetáculo Vem Vai, o caminho dos mortos (2007), identifica-se um trânsito entre o mato e o asfalto, instituído nas traduções cênicas da antropofagia, segundo Andrade (1928), Campos (1992) e Nunes (1979), e da cosmologia amazônica, a partir das teorias do perspectivismo, em especial, Descola (1992), Carneiro da Cunha (1998), Kopenawa e Albert (2015) e Viveiros de Castro (1996; 2002; 2015). Conclui-se destacando a estratégia decolonial da companhia no recurso à antropologia, para imaginar outras humanidades.

A escrita apresentada no corpo das 348 páginas desta tese busca relatar um processo investigativo de criação de uma teatralidade desenvolvida em duas fases, que teve como principal objetivo compreender o processo de transperformacionalidade dos corpos palimpsestosos dos performers do coletivo Cria”Tures em uma perspectiva dramatúrgica, enquanto poética e insurreição dos corpos abjetos. Trata-se, portanto, do relato de um experimento cênico que iniciou com a criação de uma dramaturgia e que teve duas montagens diferentes, cuja prática consistiu em desenvolver uma teatralidade a partir da perspectiva do pensamento queer. Assim, as 348 páginas foram divididas em cinco cartas e uma introdução onde os conteúdos de suas escritas revelam a singularidade do jogo e da encenação, tanto dos corpos dos performers quanto de suas poéticas, da dramaturgia e da simbologia imagética das cenas. O processo de criação das cenas partiu da aproximação e do tensionamento entre a performatização dos corpos a partir do poder discursivo da linguagem, da heteronormatização e da cisnormalização que estão presentes nos corpos abjetos: bixas, travestis, putos, putas e outros corpos marginais. Assim, o tensionamento provocado na aproximação entre os corpos abjetos palimpsestosos, a cultura heteronormativa e as dramaturgias protagonizadas por corpos e discursos heterossexistas foram os fios condutores tanto para a concepção do processo de criação quanto para a criação de uma teatralidade que pudesse se constituir enquanto potência de uma poética insurgente e decolonial. The writing found on the following 348 pages seeks to detail the research process of creating a theatricality developed in two phases. The process had as its main objective to understand the process of transperformationality of the collective Cria"Tures’ performers’ palimpsest bodies in a dramaturgic view, as poetic and insurrection of the abject bodies. It is, therefore, the account of a scenic experiment that began with a dramaturgy creation and, which resulted in two different shows. The practice consisted of developing a theatricality from the queer perspective. Thus, the 348 pages are organized in five letters and an introduction, and the content reveals the singular aspects of the scenic game and performance, both in relation to the performers’ bodies and in relation to their poetics, and the dramaturgy and imagery symbology of the scenes. The process of scenes creation derived from the approximation and tension between the body’s performance considering the discursive power of language, heteronormatization and cisnormalization that are present in the abject bodies: gays, travestis, whores and other marginal bodies. Thus, the tension provoked by the approximation among palimpsest abject bodies, heteronormative culture and dramaturgies performed by heterosexist bodies and discourses was the driving theme for the process conception and for the creation of a theatricality that could express the power of an insurgent and decolonial poetics.

Submitted by Ricardo Fagundes (triunforicardo@gmail.com) on 2021-01-19T01:35:38Z No. of bitstreams: 1 Tese - Ricardo Fagundes - Projeto Aroeira - uma experiência teatral no Oeste Baiano.pdf: 6380922 bytes, checksum: 9f11a58704aa8de5b5c3813f91f1f5cc (MD5) Approved for entry into archive by Ednaide Gondim Magalhães (ednaide@ufba.br) on 2021-01-28T10:43:52Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Tese - Ricardo Fagundes - Projeto Aroeira - uma experiência teatral no Oeste Baiano.pdf: 6380922 bytes, checksum: 9f11a58704aa8de5b5c3813f91f1f5cc (MD5) Made available in DSpace on 2021-01-28T10:43:52Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Tese - Ricardo Fagundes - Projeto Aroeira - uma experiência teatral no Oeste Baiano.pdf: 6380922 bytes, checksum: 9f11a58704aa8de5b5c3813f91f1f5cc (MD5) A pesquisa revela o Projeto Aroeira e sua metodologia de ensino. Um Projeto de Extensão que integra o Programa de Formação Teatral da Universidade Federal do Oeste da Bahia, os quais o autor coordena. O recorte do Projeto é feito entre os anos de 2016 a 2019. Nesse período, aulas de Teatro aconteceram para mulheres trabalhadoras rurais na comunidade de Coragina no Oeste Baiano. Trata-se de uma experiência inédita: mulheres que nunca tinham feito, nem visto Teatro e um professor que nunca havia experimentado o Teatro com o perfil das aroeiras. Nasce, assim, o primeiro grupo teatral formado por trabalhadoras rurais no Oeste Baiano. É apresentada, nesta pesquisa, uma metodologia de ensino calcada na horizontalidade das relações, troca de saberes, confiança, afeto, intuição e autonomia das participantes, em que a memória foi impulso para criação artística, levando-se em conta o individual, coletivo e social das pessoas envolvidas e da comunidade rural. Transforma-se, aqui, os agenciamentos da própria existência. A arte e a vida se confundindo em cena. No Projeto Aroeira, nos orientamos em representar sem reapresentar a vida já vivida. Transformamos tudo que foi em atmosfera de reflexão, encanto, alegria e gozo estético. The research presents the Aroeira Project and its teaching methodology. An Extension Project that integrates the Theater Training Program of the Federal University of Western Bahia, which the author coordinates. The stretch of the Project is done from 2016 to 2019. During this period, theater classes took place for rural working women in the community of Coragina in western Bahia. It is about an unprecedented experience: women who had never done or seen Theater and a teacher who had never experienced Theater with the profile of Aroeira women. Thus, the first theatrical group formed by rural workers in the West of Bahia is born. In this research, a methodology based on the horizontality of relationships, knowledge exchange, trust, affection, intuition and autonomy of the participants is presented, in which memory was an impulse for artistic creation, taking into account the individual, collective and social of people involved and the rural community. Here, the assemblages of existence itself are transformed. Art and life blending on the scene. In the Aroeira Project, we orient ourselves in representing without re-presenting the life we have already lived. We transformed everything that was into an atmosphere of reflection, charm, joy and aesthetic enjoyment.

Orientador: Eduardo Okamoto Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes Resumo: Esta pesquisa se propõe a um estudo do Sistema de Stanislávski em suas obras e de discípulos, evidenciando a palavra enquanto ação verbal e como ponto de partida para o trabalho do ator, não de chegada. Acreditamos que a palavra se configure como elemento chave de entendimento do Sistema devido à capacidade que possui em transpassar e unir seus elementos fundamentais para se chegar aos seus alvos fundamentais Abstract: This research proposes a study about the Stanislavski System in his own works and in his disciples¿, highlighting the word as verbal action and as a starting point for the actor¿s work, rather than a final result. We believe that the word is a key element for the understanding of the System due to its ability to transcend and unite its fundamental elements to its fundamental goals Mestrado Teatro, Dança e Performance Mestra em Artes da Cena

Resumo: Neste artigo são apresentados a discussão e resultados de pesquisa relacionada à elaboração de uma database online para obras dramático-musicais. Frente ao incremento das produções de teatro musical surge a necessidade de se propor formas de arquivamento de materiais provenientes de diversas mídias. Como objeto de aplicação, estuda-se a database elaborada para o musical David, de 2012, criado no Laboratório de Dramaturgia da Universidade de Brasília. Résumé: Cet article présente la discussion et les résultats des recherches liées à la création d’une base de données en ligne pour les œuvres dramatiques et musicales. Compte tenu de l’augmentation des productions théâtrales musicales, il est nécessaire de proposer des moyens d’archivage des matériaux de différents médias. Comme objet d’application, nous étudions la base de données créée pour la comédie musicale David (2012), créée au Laboratoire de dramaturgie de l’Université de Brasilia. Abstract: This paper presents a discussion and research results related to the development of an online database for musical theater productions . The increase of musical theatre productions creates the need to propose ways to archive materials from various media. The database assembled for the musical David, created at the Dramaturgy Laboratory of the University of Brasilia in 2012, was studied as a methodological example.

Resumo: O artigo objetiva investigar o processo de criação do projeto interdisciplinar A sombra dos outros, realizado pelo Grupo Desvio, na cidade de Nova Iorque, a partir de uma imersão errante no universo subterrâneo da cidade. Esse processo foi realizado por meio de procedimentos estéticos e filosóficos que buscavam desestabilizar e descentralizar noções como corpo, indivíduo e representação. Este ensaio apresenta então procedimentos que permitem a reconfiguração de modos de expressão e a instauração de um plano que permita novas percepções e novos modos de existência. Résumé: L’article vise à enquêter sur le processus de création du projet interdisciplinaire L'ombre des autres réalisé par le Grupo Desvio, à New York, à partir d’une immersion errante dans l’univers souterrain de la ville. Ce processus a été mené à travers des procédures esthétiques et philosophiques qui visaient à déstabiliser et décentraliser des notions telles que le corps, l’individu et la représentation. Cet essai présente donc, les procédures qui permettent de reconfigurer des modes d’expression et d’établir un plan qui rend possible des nouvelles perceptions et des nouveaux modes d’existence. Abstract: This paper aims to investigate the creative process for the interdisciplinary project The shadow of others. The project was produced by the theater company Grupo Desvio and based on a wandering immersion in New York City’s underground universe. This process was developed through aesthetic and philosophical procedures to destabilize and decentralize notions such as body, individual and representation. The research presents procedures that enable a reconfiguration of the modes of expression and the establishment of a plan to allow for new perceptions and new modes of existence.

This article brings two artistic works assembled in Dourados/MS, Fragmentos de Corpos Urbanos (2016), by Cia. Última Hora, and Jaity Muro (2018), starring Júnia Pereira and Rossandra Cabreira (Kuña Poty Rajegua), for analysis and crossings between voice and speech, especially between urban and non-urban spaces. Voice and speech are important themes in the voice area within the Performing Arts course at the Federal University of Grande Dourados, recently emphasized in the discipline Techniques and Poetics of Voice III - taught in the second half of 2019 by Marcos Chaves. The authors develop this communication to expand conversations inside the University of Dourados, and for reverberations and external exchanges regarding the theme., O presente artigo traz duas obras artísticas montadas em Dourados/MS, Fragmentos de Corpos Urbanos (2016), da Cia. Última Hora, e Jaity Muro (2018), protagonizado por Júnia Pereira e Rossandra Cabreira (Kuña Poty Rajegua), para análise e cruzamentos entre voz e discurso, em especial relação entre o urbano e não urbano. Voz e discurso são temas pulsantes na área vocal dentro do curso de Artes Cênicas da Universidade Federal da Grande Dourados, enfatizados recentemente na disciplina Técnicas e Poéticas da Voz III ”“ ministrada no segundo semestre de 2019 por Marcos Chaves. A autora e os autores desenvolvem esta comunicação para ampliar conversações dentro da universidade douradense, e para reverberações e trocas externas a respeito da temática.

Resumo: O artigo aborda a relação de tensão entre ficção e realidade no teatro contemporâneo a partir do conceito de teatro performativo e em relação com a filosofia de Vilém Flusser, utilizando-se de exemplos de recentes encenações e baseando-se em análises de reconhecidos pesquisadores. As noções de ficção, realidade, intelecto e conversação na filosofia de Flusser são mobilizadas para sugerir que o teatro contemporâneo é uma espécie de intelecto performativo diferencial, configurando não uma representação, mas uma expansão da própria realidade. Résumé: L’article examine la relation de tension entre la fiction et la réalité dans le théâtre contemporain selon le concept de théâtre performatif et en relation avec la philosophie de Vilém Flusser, en utilisant des exemples des mises en scènes récentes, aussi bien que d’analyses des chercheurs reconnus. Les notions de fiction, réalité, intellect et conversation dans la philosophie de Flusser sont mobilisés pour suggérer que le théâtre contemporain est une sorte d’intellect performatif différentiel, conçu non pas comme une représentation, mais une expansion de la réalité elle-même. Abstract: The article discusses the relationship of tension between fiction and reality in contemporary theater, based on the concept of performative theater and in relation to the philosophy of Vilém Flusser, using examples of recent staging and based on the analysis of renowned researchers. The notions of fiction, reality, intellect, and conversation in Flusser's philosophy are mobilized to suggest that contemporary theater is a kind of differential performative intellect, configuring not a representation but an expansion of reality itself.

O artigo analisa uma peça de Consuelo de Castro, A Prova de fogo, e procura revelar, nas modificações realizadas a partir dos modelos originais do drama moderno e do teatro épico europeus, que a obra pode ser melhor compreendida a partir das tensões entre regime militar brasileiro e movimento estudantil, deflagradas durante o ano de 1968.

Por vezes condenada como escapista, outras vezes incensada como ferramenta de libertação revolucionária, a arte, de modo geral, continua sendo um tema candente tanto na academia como fora dela. Este trabalho aborda as múltiplas faces de João das Neves, autor de O último carro, espetáculo que deveria ser apresentado pelo Grupo Opinião em 1968 e só encontrou lugar e tempo propício para sua encenaçãoem 1976. O eixo de análise aqui proposto consiste, de certa forma, em tentar iluminar diferentes maneiras de se fazer teatro no Brasil, no caso, pelas bordas. Afinal, o diretor, recentemente falecido, se notabilizou pelo engajamento político ou “legítimo”, como lembra Eric Hobsbawm noutro contexto, dando vazão à capacidade de lançar ideias e desafios, em plena ditadura militar, propondo então indagações que ecoam até os dias de hoje.

A reconstrução dos ensinamentos práticos (para o corpo, e mais ainda a voz) de François Delsarte levanta um verdadeiro desafio metodológico: se esses ensinamentos desempenharam um papel determinante no surgimento da modernidade das artes cênicas, práticas psicossomáticas e educação somática, eles foram essencialmente transmitidos "oralmente" de mestre para aluno. E eles foram, por um lado, perdidos. É a partir dos elementos de transmissão textual, associados a uma prática da dança moderna, do teatro e de abordagens somáticas, que é possível encontrar um entendimento o mais próximo possível de suas versões originais, sem ter a pretensão de poder voltar a esses. Ainda mais que as numerosas nuanças que Delsarte introduziu em seu ensino convidam a uma dinâmica aberta: não procurar "a letra" mas "o espírito" de seu trabalho, numa perspectiva de constante renovação. Essa abordagem é a da pesquisa de Franck Waille, que tem sido constantemente aperfeiçoada desde o início dos anos 2000. Ela diz respeito a diferentes elementos do expressivo método somático de Delsarte. Este artigo apresenta uma atualização sobre as atitudes das pernas, favorecida pelo encontro com a pesquisa de Clóvis Massa sobre Delsarte feita no início dos anos 1990.