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Entre 2021 y 2023 se publicaron, en Argentina, una serie de ensayos que tuvieron por objeto repensar la temporalidad de las «vanguardias», desde interrogantes suscitados por el arte y la cultura contemporáneas. Qué será la vanguardia. Utopías y nostalgias en la literatura contemporánea (Premat, 2021); La vanguardia permanente (Kohan, 2021), Lo que sobra (Tabarovsky, 2023) y El surrealismo rosa de hoy (Villanueva, 2021) interrogan los desafíos e insistencias que el término en cuestión no deja de ostentar, y en ese sentido reflexionan acerca de los problemas categoriales e historiográficos que la noción de «vanguardia» suscita aún hoy. Las hipótesis de este breve corpus son el punto de partida para sopesarlas según una perspectiva menos explorada: la que vuelve al problema de las vanguardias ya no como un dilema contrapuesto entre «caducidad» o «supervivencia», sino en términos implicados como los de «autoimpugnación» y «repetición». Según ese desplazamiento, el objetivo aquí propuesto consiste en mantener una inestable pero necesaria distinción entre el tipo de acto que las vanguardias inauguraron —como aquello que puede ser repetido o revelado— y sus efectos. Para ello se retoma la perspectiva de Boris Groys acerca de la «baja visibilidad» de las imágenes de la vanguardia.

Este ensayo plantea una aproximación al concepto de arte formulado por Bolívar Echeverría a la luz de su diálogo con el concepto de arte de Benjamin. El trabajo se divide en tres partes. En la primera se aborda la propuesta estética de Echeverría, y su reflexión sobre la dimensión autocrítica de la vida social, que permite plantear la existencia de una noción de “arte evanescente”. En la segunda parte se propone como hipótesis que en Echeverría surgió la necesidad de reubicar el énfasis de su propuesta estética a partir del diálogo que entabló con las nociones de arte aurático, no aurático y la interpretación del sentido de las vanguardias artísticas del siglo XX, desarrolladas por Benjamin en su ensayo La obra de arte en la época de la reproductibilidad técnica. En la última parte se presenta la reflexión que Echeverría elaboró acerca del destino del arte contemporáneo, tomando como referencia la polémica entre Adorno, Horkeheimer, por un lado, y Benjamin, por el otro.

This article situates the novel Eugenia (1919) by the Cuban-Mexican doctor Eduardo Urzaiz within the post-revolutionary Mexican discourses on eugenics. Set in the distant future, the novel imagines the culmination of a successful statist attempt to perfect the national body. In fact, the state's tight control of physical reproduction helps overcome the traditional family unit, a fact that has led many critics to highlight the liberating potential of this fictional society, particularly for women. That said, the novel shows how these social changes have had traumatic results in the lives of the various characters. This article seeks to reconcile the utopian discourse with the trauma of so many of its characters, identifying an ethics of aesthetics that justifies authoritarian actions and the sacrifice of individual freedoms in the name of the aesthetic perfection of society and the reproduction of a socialist and Utopian order. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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En 1952, el pintor peruano Fernando de Szyszlo realizó su único cortometraje, Esta pared no es medianera. Junto a otros cortometrajes latinoamericanos surgidos a mediados del siglo xx, este film expresa un interés por recuperar algunas formas expresivas de películas emblemáticas de los años veinte adscritas al movimiento surrealista, ya sea desde el uso de imágenes en clave onírica o desde algunos preceptos del universo temático en torno a la potencia del inconsciente. Este film también refleja que casi tres décadas después de la publicación del “Manifiesto surrealista” (1924), este movimiento literario y artístico siguió vital en el Perú, no solo a través de tertulias, debates, publicaciones de poemas, sino también desde el proceso creativo y tópicos de esta película. A partir del estudio del motivo de la casa como espacio interior y de opresión, el presente artículo establece conexiones entre el concepto teórico de modelo interior (u ojo interior) y la propuesta de interpelación a esa idea que desarrolla el film de Szyszlo. En este sentido, este texto busca demostrar que a través de la figura de la casa se construye en este cortometraje una poética sobre la opresión, en oposición a los espacios exteriores que encarnan la liberación del inconsciente libre de culpa, y por ende, al ojo interior.

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La temprana voluntad de ser escritor que tuvo Luis Buñuel dejó una interesante producción literaria que, desde su triunfo como cineasta, fue quedando progresivamente olvidada. Este artículo, al cumplirse un siglo de su primer escrito, examina la realidad literaria y la (re)construcción de su figura como poeta de vanguardia. En primer lugar se inscribe la poesía en sus coordenadas, apuntando sus horizontes inmediatos y repasando el proyecto de publicación de Polismos. A continuación, se lleva a cabo una revisión historiográfica de la recuperación del poeta Luis Buñuel y de su obra hasta 2023, que evidencia que la reconstrucción de su faceta literaria ha comportado también, dialécticamente, tener que construirla.

Aira y la “poesía de los noventa” poseen algunos puntos en común. Ambas propuestas hacen eclosión en la última década del siglo XX y apuestan a modos de circulación alternativos. Pero tras esas y otras coincidencias hay todavía algunos debates no formulados. En Aira y los noventistas habría por ejemplo dos maneras de leer las vanguardias históricas, dos modos de incorporar su legado. Y lo mismo podría decirse en cuanto a sus concepciones del realismo, el estilo como problema formal o sus posicionamientos frente a las circunstancias sociales. Hasta el momento estas son problemáticas no muy discutidas, debido a que estas obras a menudo suelen ser vistas como mundos ajenos –la narración por un lado y la poesía en otro lugar–. Pero quizás convenga sacar a Aira de su sistema autorreferencial para ponerlo a discutir con sus contemporáneos. Y algo similar vale para la “poesía de los noventa”: más allá del género, sus apuestas conciernen a los debates actuales de la escritura, sea esta en verso o prosa.

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Respecto de la transitada polémica entre Boedo y Florida desarrollada en revistas culturales argentinas al promediar la década del veinte, la crítica literaria sostiene que se produjo una distribución de los tonos serios y humorísticos, que se correspondería con la clásica división entre forma y contenido: mientras el “arte social” de Boedo se habría concentrado en la denuncia de tono serio, el “arte por el arte” que defendió Florida habría encontrado en el humor una de las posibilidades para que la literatura reflexione sobre sí misma. No obstante, una relectura de Los Pensadores, revista en torno de la cual se constituyó el grupo de Boedo, permite advertir que el tono humorístico fue una de sus estrategias centrales para la crítica de la literatura y de la sociedad de su época, en consonancia con su proyecto literario, cultural y político. Regarding the thoroughly discussed polemics between the Boedo and the Florida groups that took place in cultural magazines in the mid 20s, literary critique supports the idea that its display involved a certain distribution of serious and humoristic tones within argentine literary language, which would correspond, in turn, to the classical division between form and content. Whereas the “social art” by Boedo would have focused in seriously toned denunciation, grounded in the seriousness of the problems it addressed, the “art for art’s sake” defended by Florida, would have found in humour a way for literature to reflect about itself and to produce its criticism and self-criticism. However, a re-reading of Los Pensadores, the journal around which the Boedo group organized itself, suggests that a humoristic tone was one of its fundamental strategies for the criticism of the literature and the society of its time, in synch with its literary, cultural and political project. Sobre a conhecida polêmica entre Boedo e Florida desenvolvida nas revistas culturais argentinas em meados dos anos 20, a crítica literária sustenta que houve uma distribuição de tons sérios e humorísticos, que corresponderia à divisão clássica entre forma e conteúdo: enquanto a “arte social” de Boedo teria se concentrado em denunciar um tom sério, a “arte pela arte” defendida por Florida teria encontrado no humor uma das possibilidades da literatura refletir sobre si mesma. Apesar dessas afirmações, uma releitura de Los Pensadores, revista em torno da qual se formou o grupo de Boedo, permite perceber que o tom humorístico foi uma de suas estratégias centrais para criticar a literatura e a sociedade de seu tempo, em consonância com seu projeto cultural e político.

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The following essay analyzes "As enfibraturas do Ipiranga", the final poem of Paulicéia desvairada, by Mário de Andrade. The poem written in 1921, which imitates the form of a secular oratory performed by the entire population in the center of the city of São Paulo, offers an anticipatory, allegorical, and problematic vision of the modernist movement of 1922. Here, the aesthetics disputes are presented as permeated by social clashes in the open amphitheater of the city. The impasses of the modernization process in Brazil that are present in the poem continue to resonate, like an echo, a hundred years after its writing. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

This article aims to present criticisms of 1922 Brazilian modernism, given the celebration of its centenary, and discuss "anthropophagy" as an autonomous Brazilian "ism." The idea is to resume the "Anthropophagous Manifesto" based on two fundamental ideas: Martin Puchner's proposal that the manifest is the genre par excellence of the artistic avant-gardes; and Fredric Jameson's suggestion that modernism at the center, as well as at the periphery of capitalism, has the colonial question as one of its main axes. Considering anthropophagy as an "ism" through its manifesto allows us to insert it in the world history of the avant-gardes without losing its national configurations and discussing its importance and topicality in the face of present historical challenges-both in politics and in the arts. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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El objetivo de este artículo es elaborar una revisión crítica de las principales discusiones sobre poesía coloquial latinoamericana de la segunda mitad siglo XX y mostrar su efecto realista como un fenómeno multifactorial. Para llevar esto a cabo, se toma como punto de partida las categorizaciones propuestas por tres de sus autores y teóricos representativos: Roberto Fernández Retamar, Mario Benedetti y José Emilio Pacheco. A partir de la sistematización de sus planteamientos y de la revisión de la crítica en torno a éstos, se señalan las características de la poesía coloquial como causantes de un efecto realista, en lugar de considerar este último como un rasgo autónomo e inconexo. En este sentido, se vincula explícitamente el realismo de la poesía coloquial como una respuesta al contexto estilístico predecesor, las vanguardias, y como una respuesta al contexto político latinoamericano alrededor de la Revolución cubana.

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Aesthetics and politics were intrinsically linked during the emergence of the historical avant-gardes, but the discussion about their goals and interventions remains timely today. The intellectual field that emerged in forties and fifties Argentina, though following a moderate and seldom-disruptive version of the classic avant-garde (Sarlo 1997), did advance complex discussions on social realism and experimental forms linked more to modernism than to surrealism. In this period, Fina Warschaver (1910-1989), a writer with affiliations to Communist Party, published the controversial novel La casa Modesa (1949), which was ignored by critics due to its experimental form and its distance from the social realism promoted by communist ideology. This essay analyzes the strategies that Warschaver borrows from Virginia Woolf's modernist approach to propose a new reading of the text that not only challenges mimesis and referential representation but also questions the naturalization of gender that limits feminine space to the domestic sphere, restricting the political action of women and censoring their artistic freedom. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

This paper analyzes the issue of visuality in Lorenzo Garcia Vega's poetry, focusing on its relationships to visual arts. As I show, the visuality of Garcia Vega's poetry often presents itself under the form of painting hypothesis, i.e., the narration of conjectural paintings. Such narrated paintings--frequently unfinished--aim to bring to the mind of the reader the immediacy and concreteness of what the poet-painter observes, but also that of what he imagines. In this sense, I argue that Garcia Vega's poetry shares with certain avant-garde tendencies their non-representational character, interpreting his focus on the most concrete aspects of our visual field--such as geometrical forms and colors--as a strategy to evade fiction. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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El artículo plantea el reflejo del sufrimiento de Luis Ortega Bru en su pintura como consecuencia de los trágicos sucesos que vivió en la guerra civil española. A ese sufrimiento se ha aludido en numerosas ocasiones; sin embargo, apenas se ha tenido en cuenta a la hora de estudiar su escultura, muy conocida, en buena medida porque quedaba oculto bajo el dolor pasionista en sus temas religiosos, los únicos que se habían estudiado hasta hace muy poco. Mucho menos su pintura, que no se ha dado a conocer de modo sistemático hasta un reciente estudio, con la lógica carencia para la fijación de su personalidad artística desde una perspectiva global hasta ese momento, en la que quedaron claras sus aportaciones en uno u otro género y las relaciones establecidas entre ambos. Por ello, es el momento de profundizar en el trasfondo trágico que las caracteriza.

El espacio y el tiempo son dos conceptos fundamentales en la representación de la obra de arte, por ello, este escrito parte de la definición y estudio de los conceptos, teorías y paradigmas que se han generado al respecto y de su aplicación en el arte. Para este propósito, se hace una exploración teórica dada a partir de la filosofía, la cual sirve como base para abordar dichos conceptos desde la naturaleza, realidad y estructura mé-trica del espacio y del tiempo; en un segundo apartado, se analiza su configuración formal mediante aspec-tos como: la percepción del espacio que contempla los niveles de profundidad, el traslapo, la transparencia y las deformaciones como indicadores espaciales, gradientes y tipos de perspectivas; la representación del tiempo, en donde se contemplaron los sucesos, la simultaneidad, la secuencia, la velocidad, el movimiento estroboscópico, la dinámica y la oblicuidad; finalmente, se analizaron los tipos de espacios (cognoscitivo , abstracto, perceptivo, creado, vivencial, artístico) y tiempos (mental, físico, periódico, cronológico, vivencial) presentes en la obra. El objetivo de esta investigación consiste en determinar los elementos compositivos que hacen evidente la aparición de diferentes espacios y tiempos en la obra de arte. Se presentan como casos ejemplificativos las obras de Pablo Picasso (Las Señoritas de Avignon, 1907), Wassily Kandinsky (Composición VIII, 1923) y Piet Mondrian (Cuadro Nº 2, 1925). Los resultados de este trabajo de análisis aportan una base conceptual referida a la representación y la configuración formal del espacio-tiempo en el arte pictórico de vanguardia del siglo XX.

Picasso inventó el método que él mismo denominó enciclopédico, en el que la creatividad técnica procedió con una libertad inusitada, generando un nuevo espacio de representación. A ello debe añadirse la dualidad creativa reconocible en el ámbito formal, por una parte, con la genial aportación de la técnica con la que integró objetos reales en configuraciones modeladas, siempre imprescindible, capaz de integrar densidades y texturas diversas reconocibles en su carácter original y dotadas de un nuevo sentido de la expresión en su nueva función; y, por otra, de determinar conjuntos compactos y sólidos visualmente en las réplicas vaciadas en bronce. El análisis específico de todas las esculturas enciclopédicas de este período permite establecer la secuencia exacta de las aportaciones.

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Más allá de las naturalezas muertas de Picasso, donde las frutas son representadas reposando sobre una canasta, el Arte Contemporáneo, explora la cualidad indudablemente transformadora de los alimentos. El comer, cocinar y saborear son lenguajes que expresan valores políticos, sociales, íntimos e históricos. Este ensayo analiza de qué manera desde las vanguardias artísticas Europeas al arte contemporáneo Latinoamericano, la comida ha sido una herramienta subversiva para romper con el lenguaje normativo de la producción cultural. Desde movimientos como el Dadaísmo, el Surrealismo, el Futurismo y la Antropofagia, hasta las nuevas vanguardias como Fluxus y EatArt, las narrativas comestibles se han utilizado como herramientas transformadoras del pensamiento. Asimismo, artistas Latinoamericanos contemporáneos sirven banquetes, preparan helados, y ofrecen caramelos para investigar los espacios de tensión entre lo íntimo y lo político, lo privado y lo público, y el arte y la vida.

En un período histórico que ha decretado el final y la imposibilidad de la vanguardia, algunos escritores recuperan esa tradición y desplazan sus definiciones. En Argentina, la “entrada en literatura” de Pablo Katchadjian se caracterizó por una serie de intervenciones espectaculares y una prolongación de lo experimental. En el artículo, pretendo delimitar la problemática de estas vanguardias anacrónicas proponiendo una lectura del libro más extraño del autor, la novela Qué hacer (2010). La combinatoria estructural, la relación con el pasado literario, el formalismo exacerbado y ciertas representaciones del tiempo, entre otros elementos, parecen responder a la pregunta planteada por el título: cómo hacer para seguir escribiendo. En Katchadjian se sigue escribiendo gracias a un efecto renovado y tradicional de extrañamiento alucinatorio.

Hace un siglo, el 18 de mayo de 1917, subió a escena en el Théâtre du Châtelet de París un espectáculo sorprendente. Se trata de Parade, uno de los clásicos de los Ballets Russes, exitosa compañía dirigida por Serge Diaghilev que reunió en este caso a algunos de los artistas más audaces del momento: el aún joven, pero ya polémico poeta Jean Cocteau; un Erik Satie maduro, pero igualmente revolucionario; y Pablo Picasso, en busca en esos tiempos de un estilo neorrealista que renueve su arte. Superado el shock, es innegable que se trata del primer ballet moderno en su totalidad, que da cuenta de la capacidad experimental y visionaria de las expresiones artísticas residentes en la Ciudad de la Luz y que resultarían un gran estímulo para las incursiones posteriores en el mundo artístico desde todos los puntos de vista, plástico, musical, narrativo y coreográfico. Guillaume Apollinaire lo definió como “une sorte de surréalisme”, acuñando así el término con el que se identificará el movimiento más radical que se haya erigido contra toda realidad canonizada. El objetivo de nuestro trabajo será observar qué volvió único a Parade: su concepción, el proceso para su realización y sus repercusiones, sobre todo las huellas que dejará en la historia de las artes escénicas.

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Reseña del libro Ismos para entender la fotografía de Emma Lewis (Turner, 2017)

En 1941 la editorial Séneca de México fundada por José Bergamín, publicó, bajo la dirección del poeta Xavier Villaurrutia y con la colaboración de Octavio Paz, Emilio Prados y Juan Gil-Albert, Laurel, antología de poesía moderna en lengua española, que ha sido considerada como el epílogo a una larga tradición antológica a ambos lados del Atlántico y heredera de la publicada pocos años antes por Federico de Onís. Este trabajo, en cambio, pretende resaltar la originalidad de Laurel pues responde a un criterio lingüístico, el español, y una herencia estética, el modernismo, como comunes denominadores de todos los poetas que la integran y no a criterios geográficos o nacionales.

Abe Kōbō fue uno de los escritores más destacados de la literatura japonesa de posguerra y al igual que muchos jóvenes de la época se interesó por las vanguardias artísticas y por el comunismo. Frecuentó y lideró grupos de artistas en los que se debatía sobre los ideales vanguardistas y, como miembro del Partido Comunista, organizó actividades culturales en zonas obreras. Estos años fueron también los de su lanzamiento como escritor, tras obtener el prestigioso Premio Akutagawa. Un tema recurrente en sus relatos de entonces era el de la metamorfosis y por ello fue apodado por muchos el Kafka japonés, si bien él reconocía otras influencias. En este artículo analizamos uno de estos relatos de metamorfosis para indagar en la significación de este motivo temático, que consideramos la síntesis de las dos vanguardias, la artística y la política, que Abe entendía como inseparables.

Inspirados en la obra de Vicente Huidobro, y especialmente en Altazor, poema paracaidista, Estefaní­a Calderón y el poeta dominicano Frank Báez examinan en esta entrevista las relaciones e influencias de los movimientos vanguardistas históricos en la actualidad poética de Latinoamérica y el Caribe, y se preguntan si se refleja en ella aún un espí­ritu aviador. Simultáneamente, abordan temas tan urgentes como la migración y la exploración de nuevos territorios digitales en los espacios de difusión cultural y literaria.

Las vanguardias artísticas constructivistas del primer cuarto del siglo veinte quisieron romper con el arte tradicional y quitarle las emociones personales y el subjetivismo. Buscaron un arte objetivo y científico a partir de un vocabulario hecho con los elementos resultantes de la destrucción inicial. Quisieron crear un elementalismo de las formas basado en un código universal y eterno, estructuralista, que validara sus obras y que estuviera por encima de las diferencias entre los distintos grupos y las diferentes tendencias y países. Con ese elementalismo estructuralista pretendieron nada menos que construir un nuevo universo y un nuevo ser humano salvado de la tragedia.

Los titubeantes inicios de la arquitectura moderna en España se asocian habitualmente con la labor de algunas figuras muy conocidas: Carlos Arniches y Martín Domínguez, Luis Lacasa o Fernando García Mercadal ayudaron con sus obras a introducir las vanguardias en el país. Es menos conocida su labor de difusión en prensa no especializada. Entendieron que formar a la sociedad española para que se inclinara a aceptar las nuevas ideas en materia arquitectónica era una condición indispensable para lograr que estas propuestas calaran. La herramienta que utilizaron para alcanzar este objetivo fue la prensa escrita no especializada. A través de algunos de los artículos que pusieron a disposición del público generalista en periódicos como El Sol o La Gaceta Literaria, es posible trazar una perspectiva fiel de cómo la sociedad española recibió los primeros planteamientos arquitectónicos auténticamente modernos.

This article pays homage to the German-American painter and teacher Lyonel Feininger, one of the great masters of the Bauhaus, upon the hundredth anniversary of his first solo exhibition in Berlin in 1917. Feininger was an independent and very versatile artist. He was a great cultivator of drawing as the beginning and the end of his work, especially when it came to sketching in situ. He mastered a multitude of graphic and pictorial techniques, including comics, cartoons, engravings, charcoals, watercolours, oils and modelling. He drew on numerous avant-garde movements, from expressionism to abstraction, cubism and orphism, and this culminated in his own “prismism,” though he never became fully linked with any movement in particular. What made him stand out during his lifetime was his visual evolution and a very personal spiritual quest, which this text provides an account of.

En este artículo analizamos algunos temas propuestos por la lectura del cuento Carnaval: casos de Espiridião, narrativa que compone el libro debut de Salim Miguel, Velhice e outros contos, en el cual intentamos construir un cuadro que se ocupa de una imagen de Florianópolis, así como de la experiencia modernista en la cual se inserta la obra. De este modo, discutimos algunos aspectos de la ciudad que se moderniza y como esos elementos surgen primero en plan discursivo, lo que nos lleva a percibir una serie de contradicciones que nos hace preguntar por la forma de la narrativa. En este análisis, discutimos como el cuento mimetiza la estructura dual de las elites de la ciudad y, a la vez, impone, por el montaje, la presencia de la vanguardia como posibilidad de diferenciación.

Crises take place when the pre-established does not manage to answer all the Questions, in this way new ideas are presented to follow. Which can be called new paradigms. Kuhn, establishes that such crises usually arise, in scientific communities, when there are too many anomalies in the current paradigm, and that is when a scientific revolution can break out, giving rise to a new paradigm. Taking into account the concept of "Scientific Revolution" of Kuhn; Could it be affirmed that the so-called Vanguards are true "Cultural and Artistic Revolutions"? Benjamin, Guerrero and Longoni & Santoni, with their concepts of artistic work in the times of technical reproducibility, the crises of aesthetic autonomy and the artistic avant-gardes and political radicalization, respectively. [ABSTRACT FROM AUTHOR]

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En este artículo se analizan algunos aspectos teóricos e ideológicos que determinaron que las vanguardias artísticas se comprometieran en la construcción y el desarrollo de lo que Jean Francoise Dupuis (2004) ha llamado «estética radical», con el objetivo de mostrar que conceptos como utopía y revolución se vuelven fundamentales para poder entender el modo en el que las vanguardias de principios del siglo entendieron tanto su labor artística como su función social y política. Para ello, se reflexiona acerca del concepto de utopía y las problemáticas que encierra esta noción; se considera que este modelo utópico estuvo fuertemente vinculado a la idea clásica de revolución, la cual estaba inserta en el imaginario de las vanguardias artísticas. Por último, se analizan diferentes enfoques sobre el realismo con la idea de poder esbozar una reinterpretación del concepto de utopía.

El presente artículo analiza la relación que existe entre arte y literatura, donde la vanguardia ocupa un lugar fundamental. Más allá de centrarnos en la autonomía o no de las artes, se busca entender los diferentes momentos de intimidad que hay entre éstas. Así, se hará especial énfasis en aspectos, a veces un tanto olvidados, como son la écfrasis y el rebus; lo que nos permitirá sumergirnos en los encuentros que se producen entre ambas disciplinas.