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The article revisits the creative process of costumes at the Théâtre du Soleil through testimonials given by costume designers-seamstresses Marie-Hélène Bouvet and Nathalie Thomas and Juliana Carneiro da Cunha, one of the longest-running actresses in the French company. Through the description of the collaboration of four actors – Georges Bigot, Juliana Carneiro da Cunha herself, Shaghayegh Beheshti, and Simon Abkarian – the research highlights the effective participation of the actors in the process of creating the costumes. The main bibliographic references are VIANA (2016; 2004) and FÉRAL (1998;2010)., O artigo revisita o processo criativo dos trajes no Théâtre du Soleil fundamentado nos depoimentos das figurinistas-costureiras Marie-Hélène Bouvet e Nathalie Thomas e no de Juliana Carneiro da Cunha, uma das atrizes há mais tempo na companhia francesa. Por meio da descrição da colaboração de quatro atores – Georges Bigot, a própria Juliana Carneiro da Cunha, Shaghayegh Beheshti e Simon Abkarian –, a pesquisa aponta para a efetiva participação do elenco no processo de criação dos trajes. As principais referências bibliográficas são VIANA (2016; 2004) e FÉRAL (1998; 2010).

This article examines the tool denominated poetic door as a performative device that opens space-time opportunities for the poetics of the collective unpredictability on stage. It presents how it was developed, its definition and applied examples in the productions O Amor Que Habito (2018), Uma Sonata Familiar (2018) and Luar de Contos (2019) by Coletiva Teatro. In a blocked performance, space for deviation is created with the goal of intensifying a given dramatic moment, enabling multiple new layers of meaning in real time that emerge during and as a a result of the encounter between artists and audience. The degree of poetic freedom and performativity of the device are investigated as well as the required conditions and dramaturgical implications of its use. Artist and audience become continuous reconfigurators of poetic singularities. Este artigo examina a ferramenta denominada porta poética como dispositivo performativo de abertura espaço-temporal para a imprevisibilidade poética coletiva em cena. Apresenta como foi desenvolvido, sua definição e exemplos aplicados nos espetáculos O Amor Que Habito (2018), Uma Sonata Familiar (2018) e Luar de Contos (2019) da Coletiva Teatro. Em espetáculo com encenação definida, abre-se espaço para desvios com o objetivo de intensificar o momento dramático, possibilitando múltiplas novas camadas de significação em tempo real que emergem no e do encontro entre artistas e público. Investiga-se o grau de liberdade poética e performativa do dispositivo bem como as condições necessárias e implicações dramatúrgicas do seu uso. Artista e público tornam-se reconfiguradores contínuos de singularidades poéticas.

Caracterizar mediante el juego teatral las expresiones de los jóvenes frente a su construcción social de lo cotidiano en el colegio Fanny Mikey en ciudad Bolívar. Esta investigación parte de la observación de comportamientos recurrentes en los jóvenes del colegio Fanny Mikey de Ciudad Bolívar, percibidos en sus formas de relación social dentro y fuera del aula, que se correlacionan con algunas expresiones sociales violentas y agresivas propias del territorio que los circunda. Se plantea crear un contexto a partir de las artes escénicas que permita indagar en las expresiones de los jóvenes de forma consciente, transitado por el juego teatral, indagando cuáles son los posibles lugares de enunciación que condicionan sus interacciones sociales, esto con el objetivo de visibilizarlas, caracterizarlas y establecer estrategias desde el trabajo colectivo que permitan comprender estos comportamientos para fortalecer la proyección personal y el proyecto de vida de los estudiantes. Desde esta premisa la expresión desprevenida será la materia prima de la elaboración de procesos transformación social. The present research is based on the observation of recurring behaviors in young students of “Colegio Fanny Mikey” from Ciudad Bolivar, Bogotá, Colombia. Students show violent social relationships within and outside the classroom. These unusual behaviors are closely linked to the local context, wich is very aggressive and violent. This Project aims to create a context through performing arts that allows to inquire in the different young´s expressions consciously and going through the dramatic play, in the same way, It allows investigating which are the possible places of enunciation that permeate their social interactions in order to make them visible and characterize them. It is expected to establish strategies from collective work that allows to reach possible positive changes in the attitude of students, encouraged personal projection and it is hoped help in the project of life of the students. On this basis, the dramatic play and unsuspecting expression will be raw material in the elaboration of processes in social transformation.

El ámbito del documental interactivo ha tenido desde sus inicios una vertiente colaborativa. En la presente investigación se propone un modelo de análisis de la participación de la comunidad online en este tipo de producción, elaborado a partir de la literatura previa sobre esta cuestión. Después, se ha analizado una muestra de casos que ha evidenciado la diversidad de formas que adquiere la contribución de la comunidad conectada. A partir de las distintas tendencias detectadas, se han identificado y descrito cinco diseños participativos con distintas intensidades y finalidades. Finalmente, el modelo se ha aplicado a cada uno de estos diseños para su evaluación, lo que permite concluir que una participación significativa tendría que combinar varios de estos diseños teniendo en cuenta tanto la articulación de la comunidad alrededor del documental como su incidencia en el significado. The interactive documentary field has a collaborative dimension since its beginning. This research proposes a model for the analysis of the participation of online communities within interactive documentary, developed on the basis of the previous scientific literature on this topic. Then, analysed case studies have shown the diversity of forms regarding contribution from online communities. On the basis of the different trends observed, five participative designs with different intensities and purposes have been described. Finally, the model has been applied to each design for its evaluation, allowing us to conclude that a significant participation would have to combine several of these designs considering the articulation of participant communities around documentary as well as its contribution to documentary meaning.

Tesis de maestría, que presenta el resultado de un ejercicio de Reconstrucción Colectiva de la Historia (RCH), sobre la trayectoria artística y las prácticas organizativas de las y los miembros de la fundación cultural Teatro Experimental Fontibón (TEF). Grupo de teatro comunitario, que comenzó su experiencia organizativa desde el año 1979, en la localidad de Fontibón de la ciudad de Bogotá. A lo largo de su trayectoria, el TEF ha desarrollado un lenguaje artístico particular en el campo de las artes escénicas, el cual conjuga elementos del Teatro Callejero, la Creación Colectiva y el Teatro del Oprimido. La creación artística del grupo se ha materializado en un repertorio compuesto por obras de teatro callejero, teatro de sala, comparsas y Teatro Foro; cuyo contenido aborda numerosas reflexiones sobre los conflictos contemporáneos de la sociedad colombiana. Por otro lado, el grupo también ha realizado importantes aportes al campo del Teatro Comunitario y la gestión cultural en Colombia. Teatro Experimental Fontibón Magister en Estudios Sociales Maestría Master's thesis, which presents the result of a Collective Reconstruction of History (RCH) exercise, on the artistic trajectory and organizational practices of the members of the cultural foundation Teatro Experimental Fontibón (TEF). Community theater group, which began its organizational experience in 1979, in the town of Fontibón in the city of Bogotá. Throughout its trajectory, the TEF has developed a particular artistic language in the field of performing arts, which combines elements of Street Theater, Collective Creation and the Theater of the Oppressed. The artistic creation of the group has materialized in a repertoire composed of street theater, theater, comparsas and Forum Theater; whose content addresses numerous reflections on contemporary conflicts in Colombian society. On the other hand, the group has also made important contributions to the field of Community Theater and cultural management in Colombia.

[ES] Cultural loop , es un proyecto de investigación-creación artística que tiene como objetivo incentivar la preservación del patrimonio cultural inmaterial de diferentes partes del mundo a través de la creación y uso de GIFs animados. Esta iniciativa académica parte desde la definición y análisis del GIF animado , entendido como la animación en bucle en formato digital. Este tipo de archivo emblemático de los principios de la web se ha convertido en uno de los formatos más populares de expresión gráfica digital de nuestro tiempo. Sus principales características, como la ausencia de audio, la limitación de cuadros por segundo y la reproducción en bucle lo convierten en un tipo de imagen que ofrece tanto al creador como al espectador una nueva forma de relacionarse con la animación y el tiempo en sí mismo, además de esto, es un tipo de archivo de fácil distribución gracias a su protocolo técnico es soportado por diferentes aplicaciones digitales y entornos web. Gracias al desarrollo tecnológico y comunicación masiva a nivel global, el proceso de producción y consumo de imágenes ha cambiado, de la misma manera que la forma de expresarse y de compartir experiencias y conocimiento. La posibilidad de crear imágenes o utilizar tecnología para el procesamiento de las mismas dan un nuevo sentido a la imagen animada, nuevas aplicaciones y nuevos consumidores. Las aplicaciones de mensajería instantánea y redes sociales han permitido el uso de GIFs han potenciado el uso de este tipo de archivos como elementos clave a la hora de comunicarnos, dando cuenta de la personalidad y cultura de cada usuario. Como segundo eje temático, este proyecto aborda el Patrimonio Cultural Inmaterial , término establecido por la UNESCO en 2003 y que se refiere a las expresiones, conocimientos y técnicas que una comunidad o grupo reconocen como elementos propios de su cultura. Este tipo de patrimonio tiene dos características claves, la identidad cultural, es decir, como se reconoce una comunidad o grupo respecto a las demás y la memoria colectiva, entendida como los hechos, experiencias vividas o aprendizajes que tiene una comunidad y que se transmiten de generación en generación Es gracias a la repetición y a la voluntad de las sociedades que este tipo de cultura se mantiene viva y sobrevive al paso del tiempo, sin embargo, a diferencia del GIF, con el desarrollo económico, la globalización y la imposición cultural por medios masivos de consumo, entre otros factores sociales, la diversidad de cultura inmaterial se vuelve vulnerable al dejar de ser reproducida por las sociedades, que ya no solo se comunican a través de la oralidad y la producción escrita sino que han encontrado en los medios digitales nuevas formas de interacción y expresión social. Por esta razón es imprescindible no solamente documentar y registrar estas expresiones sino también trasladarlas a las nuevas formas de expresión vigentes en la sociedad. Entendido las características técnicas y conceptuales del GIF animado y la necesidad de crear estrategias de nuevos medios para la conversación y difusión de las expresiones y elementos culturales a nivel mundial, este proyecto propone en su etapa práctica la creación de una interfaz web , que funcione a modo de repositorio digital, donde el usuario tendrá la oportunidad de explorar a través de un mapa global y un sistema de etiquetas, diferentes imágenes animadas que den cuenta de la cultura propia de la región seleccionada. La base de datos de imágenes (GIFs) será creada gracias a la participación de diferentes artistas GIF alrededor del mundo que quieran contribuir a esta iniciativa. El proyecto proporciona al usuario un abanico de imágenes animadas disponibles para su uso y difusión y brinda a los artistas-animadores un espacio donde mostrar su trabajo creativo y promover la diversidad cultural desde lo temático hasta lo estético., [EN] Cultural loop, is an artistic research-creation project that promotes the preservation of the Intangible Cultural Heritage around the world by the creation and use of animated GIFs. This initiative analyzes animated GIFs, understood as loop animation in digital format. This type of file emblematic of the beginnings of the web has become one of the most popular formats of digital graphic expression of our time. Its main characteristics, such as the absence of audio, the limitation of frames per second and an infinitive loop make it a type of image that offers both the creator and the viewer a new way of relating to animation and time itself. Besides this, it is a type of file that is easy to distribute, thanks to its technical protocol that is supported by different digital applications and web environments. Thanks to technological development and mass communication at a global level, the process of production and consumption of images has changed, as has the way of expressing oneself and sharing experiences and knowledge. The possibility of creating images or using technology to process them gives a new meaning to the animated image, new applications and new consumers. Instant messaging applications and social networks have allowed the use of GIFs and have promoted the use of this type of file as key elements when communicating, giving an account of the personality and culture of each user. This project defines and explores the Intangible Cultural Heritage, a term established by UNESCO in 2003 and which refers to the expressions, knowledge and techniques that a community or group recognize as elements of their culture. The most important characteristic of this type of heritage are cultural identity, that is, how a community or group is recognized with respect to the others, and collective memory, understood as the facts, lived experiences or learning that a community has and that are transmitted from generation to generation It is thanks to repetition and the will of societies that this type of culture remains alive and survives the passage of time, however, unlike GIF, with economic development, globalization and cultural imposition by massive means of consumption Among other social factors, the diversity of intangible culture becomes vulnerable as it ceases to be reproduced by societies, which no longer only communicate through orality and written production, but have found new forms of interaction in digital media and social expression. For this reason, it is essential not only to document and record these expressions but also to transfer them to the new forms of expression in force in society. Understanding the technical and conceptual characteristics of the animated GIF and the need to create new media strategies for the conversation and dissemination of cultural expressions and elements worldwide, this project will be a web interface, which works as a digital repository, where the user will have the opportunity to explore different animated images that show the culture of each selected region, through a global map and a system of labels. The database of images (GIFs) will be created thanks to the participation of different GIF artists around the world who want to contribute to this initiative. The project provides the user with a range of animated images available for use and provides artist-animators a space to display their artistic work and promote cultural diversity from thematic to the aesthetic.

Este artículo da cuenta de un proyecto de creación e investigación realizado por un equipo interdisciplinar (danza, circo, performance, música y fotografía) a partir de un dúo coreográfico: Estudio (0) sobre la luna. Desde esta primera creación se evoluciona hacia una serie de veinte ensayos y presentaciones experimentales con un conjunto de artistas y con el público. Para la elaboración de este documento se utiliza el análisis de contenido bibliográfico, así como de los materiales generados a través del registro audiovisual y los cuadernos de campo. Del método de composición utilizado destacan la reformulación colectiva de la coreografía inicial mediante la improvisación, así como la repetición de la estructura y en la estructura como generadora de diferencia. A lo largo del proceso se constata la emergencia de la naturaleza lúdica de los objetos y cómo esta hace de disolvente de la disciplina y de los roles preestablecidos. Además, se descubre en la oscuridad una condición fructífera para expandir los sentidos, fundir los cuerpos y cuestionar los límites de las imágenes que construimos en torno a ellos. Finalmente, se evidencia la fragilidad de la distinción entre la educación o la animación artísticas y los procesos de creación y acción participativos. This article gives an account of a project of creation and research realized by an interdisciplinary team (dance, circus, performance, music and photography) around a choreographic duo: Studio (0) on the moon; from this first creation one evolves, throughout a series of twenty rehearsals and presentations, towards the collective experimentation with all the artists and with the audience. For the preparation of this article, we use the analysis of bibliographic content, as well as the materials generated through the written and audiovisual record. The collective composition method highlights the reformulation of the initial choreography through improvisation, as well as the repetition of the structure and into the structure as generator of difference. On the other hand, throughout the process, we detect how the playful nature of objects is imposed as solvent of discipline and roles. In addition, darkness is revealed as a fruitful condition to expand senses, to melt bodies and to question the limits of the images we construct around them. Finally, the fragility of the distinction between education or artistic animation and participatory creation and action processes is evide

El presente estudio tiene por objeto reflexionar sobre el origen y transformación del teatro latinoamericano de creación colectiva, una forma de acción artística que desde los años 50 y 60 encontró en lo real histórico un foco de exploración estético-poético para reconfigurar sus modos expresivos y acercarse a la realidad de una manera más comprometida con las comunidades. Mediante un análisis en perspectiva, situado en algunas obras representativas de los grupos emblemáticos de la región latinoamericana, y en particular de Colombia, se hace una lectura en paralelo a los postulados de la Investigación Acción Participativa, para observar cómo detrás de estos objetos artísticos se produce un proceso investigativo de alto compromiso en procura de un cambio social, tal y como lo postula la ciencia social crítica. El estudio muestra cómo esta forma de creación escénica sigue testimoniando la realidad social, y en especial el conflicto armado, ya no solo desde el testimonio y la denuncia, sino también apelando a la memoria desde procedimientos liminales. The present study aims to reflect on the origin and transformation of the collective creation of Latin American theater, an artistic action form that since the 50’s and 60’s found in the real historic a focus of aesthetic-poetic exploration to reconfigure its expressive modes and get closer to the reality with the communities from a more committed way. Through a perspective analysis, situated on some representative plays by the emblematic groups from the Latin American region, and in particular from Colombia, a reading is done in parallel to the postulates of the Participatory Action Research, to observe how behind these artistic objects, an investigative process of high commitment is produced in search for social change, as critical social science proposes. The study shows how this form of scenic creation keeps testifying social reality, and in special the armed conflict, not just from the testimony and denunciation, but appealing to the memory from liminal procedures as well.

Les archives publiques et privées à Porto-Novo, Cotonou et Ouidah fournissent des indices susceptibles d’esquisser, avec les outils de la critique génétique, une étude du scénario Zojagé du spectacle Houénoussou, création de l’Ensemble artistique national présentée en 1974 au Québec lors du Festival international de la jeunesse francophone. L’étude de ce canevas permet d’apprécier les implications idéologiques du spectacle et sa dimension esthétique. The public and private archives, located in Porto-Novo, Cotonou and Ouidah, provide clues that can sketch, through genetic critic, a study of the scenario Zojagé of Houénoussou show, a creation of the « Ensemble artistique national » presented in 1974 in Quebec during the International Festival of Francophone Youth. The study of this groundwork made it possible to appreciate the ideological implications of the show and its part of aesthetics.

Submitted by Paulo Moreira (paulomoreira@esmae.ipp.pt) on 2019-12-03T17:05:22Z No. of bitstreams: 1 Antón_Coucheiro_Faílde_MAC_2019.pdf: 12429978 bytes, checksum: 5606793619d373c7ef60c0b1e2440a53 (MD5) Made available in DSpace on 2019-12-03T17:05:22Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Antón_Coucheiro_Faílde_MAC_2019.pdf: 12429978 bytes, checksum: 5606793619d373c7ef60c0b1e2440a53 (MD5) Previous issue date: 2019-11-08 Restored into DSpace on 2021-10-06T13:13:52Z (GMT).

Submitted by Paulo Moreira (paulomoreira@esmae.ipp.pt) on 2019-11-19T17:13:02Z No. of bitstreams: 2 Leonel_Silva_MAC_2019.pdf: 1566467 bytes, checksum: 64a3a93c5e23a2ab91a46a929cae0340 (MD5) Leonel_Silva_MAC_2019_anexos.pdf: 236057 bytes, checksum: ebe694376b12a477ee93dc08d6ed3653 (MD5) Made available in DSpace on 2019-11-19T17:13:02Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Leonel_Silva_MAC_2019.pdf: 1566467 bytes, checksum: 64a3a93c5e23a2ab91a46a929cae0340 (MD5) Leonel_Silva_MAC_2019_anexos.pdf: 236057 bytes, checksum: ebe694376b12a477ee93dc08d6ed3653 (MD5) Previous issue date: 2019-10-29 Restored into DSpace on 2021-10-06T13:13:49Z (GMT).

History has taught us that the crossroads among different artistic disciplines has always captured the imagination of creative minds such as Aristotle, Molière and Nono to name a few. Le spectacle vivant, musical theatre, instrumental theatre and other forms of transdisciplinary creations stand as a unique art-form, as they were initially conceived without any pre-established structures giving them greater freedom in both the creative process and result. Developed after WWII, the unusual methodology of this genre is fundamentally based on the active participation and artistic engagement of the performers within the process of creation.This dissertation addresses the historic relationship that exists among music, theatre and dance discussing in depth two major historical breakdowns, Louis XIV and Wagner which resulted in the division among such disciplines. Through the analysis of works by Georges Aperghis and Thierry De Mey, this thesis will present two personal and unique methodologies of spectacle vivant greatly influenced by dance, cinema, and theatre. In addition, a comparative analysis of the works -spectacle vivant- developed over the last six years by the author of this thesis will be included. Personal reflections on the process of creation, from a research and performative perspectives, will be shared and discussed. This thesis will also present a methodological guide to the studied works with hopes of contributing to further academic research and a wider public appreciation of this unique art form., L’histoire nous démontre que le rapprochement entre les disciplines a toujours fasciné les créateurs, depuis Aristote à Mnouchkine, en passant par Wagner, Brecht, Molière ou encore Nono. Le spectacle vivant, le théâtre musical, le théâtre instrumental ou encore les créations spectaculaires transdisciplinaires constituent des formes de création artistique qui ne connaissent ni canevas ni forme préétablis, ce qui en fait leur richesse. Au-delà d’un problème de terminologie, ce genre, tel qu’il s’est développé à partir de la seconde moitié du XXe siècle, a une méthodologie de création unique, qui trouve notamment son origine dans l’implication des interprètes qui en réalisent la création.Le présent travail aborde l’histoire de la relation qui a pu exister entre théâtre, musique et danse en abordant deux grandes ruptures (Louis XIV et Wagner) qui éclairent la division marquée des genres artistiques aujourd’hui. C’est par l’étude du corpus de Georges Aperghis et Thierry De Mey qu’est présentée une méthodologie unique de création du spectacle vivant, une méthodologie largement inspirée du théâtre, du cinéma et de la danse. L’auteure passe ensuite en revue ses six dernières années de créations par le biais d’une auto ethnographie. Un guide méthodologique du spectacle vivant vient terminer ce travail, présentant des outils de travail précis et des réflexions qui sont le fruit de recherches et d’expérience de créations, de même que des questionnements auxquels tous créateur de spectacle vivant sera confronté dans soncheminement.

Diese Dissertationsschrift beschäftigt sich mit den Theaterkollektiven der 1960er/70er-Jahre und des 21. Jahrhunderts. Das besondere Interesse gilt dem Geist des Kollektivs, d.h. den politischen Vorstellungen und ästhetischen Konzepten, die der kollektiven Theaterarbeit zugrunde liegen. Wir gehen davon aus, dass sich der Geist des Kollektivs parallel zu den Veränderungen in der Arbeitswelt seit dem Ende der 1960er-Jahre entwickelt hat, wie sie beispielsweise Luc Boltanski und Eve Chiapello in Der Neue Geist des Kapitalismus beschreiben. Während die Theaterkollektive in den 1960er/70er-Jahren relativ einhellig als der theatrale Vorgriff sozialistischer Produktions- und Gesellschaftsstrukturen wahrgenommen wurden, ist der aktuelle Diskurs von einer Heterogenisierung der Positionen geprägt. Die heutigen Kollektive werden einerseits als die Avantgarde der neoliberalen Deregulierung der deutschsprachigen Theaterlandschaft angesehen, andererseits werden die kollektiven Arbeits- und Organisationsweisen als neue Ausdrucksformen des Politischen wahrgenommen. Sowohl in den 1960er/70er-Jahren als auch heute ist die kollektive Theaterarbeit mit spezifischen ästhetischen Strategien verknüpft, was die Frage nach der Interdependenz zwischen der Produktionsweise und den theatralen Ausdrucksmitteln aufwirft. Diese Dissertation bringt die Überlegungen zu den kollektiven Organisations- und Produktionspraktiken mit den ästhetischen Konzepten der Kollektive in Verbindung. Die Arbeit basiert auf einer diskursanalytischen Methodologie mittels derer der jeweilige Geist des Kollektivs herausgearbeitet wird, der für die Theaterkollektive der 1960er/70er-Jahre bzw. für die heutigen Kollektivformationen typisch ist. Sie gliedert sich in zwei Hauptteile und hebt, die beiden Kollektivgenerationen diachronisch untersuchend, die Kontinuitätslinien und Brüche hervor, die den neuen Geist des Kollektivs mit demjenigen der Vorgängergeneration verbinden.; This thesis focuses on collective theatrical practices in Germany in the 1960s/70s and at the beginning of the 21st century. Our particular interest is the spirit of the collective: the political ideas and aesthetic concepts that encourage theatre people to work collectively and to organize themselves as collectives. We assume that the spirit of the collective has developed in parallel with the changes in the world of work since the late 1960s as described, for example, in Luc Boltanski and Eve Chiapello's publication The New Spirit of Capitalism. While in the 1960s/70s, collectives were unanimously perceived as the theatrical way of anticipating socialism, the current discourse about theatre collectives is marked by a heterogenization of positions. While some see them as the vanguard of the neoliberal deregulation of the German-speaking theatre landscape, others see in the collective functioning a new form of the Political. In the 1960s/70s as well as today, collective theatre work is linked to specific aesthetic strategies, which raise the question of the interdependence between the mode of production and aesthetics. This thesis seeks to link reflection on the organizational and production practices with the aesthetic concepts of the theatre collectives. Based on a discourse analysis methodology, the thesis brings out the spirit of the collective specific to the 1960s/70s on the one hand and to the beginning of the 21st century on the other hand. Divided into two main parts, it exposes the lines of continuity as well as the ruptures between the two generations of theatre collectives.; Cette thèse a pour sujet les pratiques théâtrales collectives en Allemagne au tournant des années 1960/70 et au début du XXIe siècle. Ce qui nous intéresse particulièrement, c’est l’esprit du collectif, c’est-à-dire les idées politiques et concepts esthétiques qui incitent les artistes de théâtre à pratiquer la création collective et à s’organiser en collectifs. Nous partons du principe que l’esprit du collectif s’est développé parallèlement aux mutations du monde du travail depuis la fin des années 1960, telles qu’elles sont décrites par exemple dans la publication de Luc Boltanski et Eve Chiapello : Le nouvel esprit du capitalisme. Si dans les années 1960/70, les collectifs étaient perçus unanimement comme la manière d’anticiper le socialisme théâtralement, le discours actuel au sujet des collectifs de théâtre est marqué par une hétérogénéisation des positions. Pendant que certains les considèrent comme l’avant-garde de la déréglementation néolibérale du paysage théâtral germanophone, d’autres voient se réaliser des nouvelles formes d’expression politique dans le fonctionnement collectif. Aussi bien dans les années 1960/70 qu’aujourd’hui, le travail théâtral collectif est lié à des stratégies esthétiques spécifiques, ce qui soulève la question de l’interdépendance entre les modes de production et les moyens d’expression artistiques. Cette thèse cherche à lier la réflexion sur les pratiques d’organisation et de production aux concepts esthétiques des collectifs. En s’appuyant sur une méthodologie d’analyse de discours, la thèse fait ressortir l’esprit du collectif propre aux années 1960/70 ainsi que celui qui caractérise bon nombre de formations collectives marquant le début du XXIe siècle. Se divisant en deux grandes parties, elle met en évidence les lignes de continuité ainsi que les ruptures entre les deux générations de collectifs de théâtre.

Diese Dissertationsschrift beschäftigt sich mit den Theaterkollektiven der 1960er/70er-Jahre und des 21. Jahrhunderts. Das besondere Interesse gilt dem Geist des Kollektivs, d.h. den politischen Vorstellungen und ästhetischen Konzepten, die der kollektiven Theaterarbeit zugrunde liegen. Wir gehen davon aus, dass sich der Geist des Kollektivs parallel zu den Veränderungen in der Arbeitswelt seit dem Ende der 1960er-Jahre entwickelt hat, wie sie beispielsweise Luc Boltanski und Eve Chiapello in Der Neue Geist des Kapitalismus beschreiben. Während die Theaterkollektive in den 1960er/70er-Jahren relativ einhellig als der theatrale Vorgriff sozialistischer Produktions- und Gesellschaftsstrukturen wahrgenommen wurden, ist der aktuelle Diskurs von einer Heterogenisierung der Positionen geprägt. Die heutigen Kollektive werden einerseits als die Avantgarde der neoliberalen Deregulierung der deutschsprachigen Theaterlandschaft angesehen, andererseits werden die kollektiven Arbeits- und Organisationsweisen als neue Ausdrucksformen des Politischen wahrgenommen. Sowohl in den 1960er/70er-Jahren als auch heute ist die kollektive Theaterarbeit mit spezifischen ästhetischen Strategien verknüpft, was die Frage nach der Interdependenz zwischen der Produktionsweise und den theatralen Ausdrucksmitteln aufwirft. Diese Dissertation bringt die Überlegungen zu den kollektiven Organisations- und Produktionspraktiken mit den ästhetischen Konzepten der Kollektive in Verbindung. Die Arbeit basiert auf einer diskursanalytischen Methodologie mittels derer der jeweilige Geist des Kollektivs herausgearbeitet wird, der für die Theaterkollektive der 1960er/70er-Jahre bzw. für die heutigen Kollektivformationen typisch ist. Sie gliedert sich in zwei Hauptteile und hebt, die beiden Kollektivgenerationen diachronisch untersuchend, die Kontinuitätslinien und Brüche hervor, die den neuen Geist des Kollektivs mit demjenigen der Vorgängergeneration verbinden.; This thesis focuses on collective theatrical practices in Germany in the 1960s/70s and at the beginning of the 21st century. Our particular interest is the spirit of the collective: the political ideas and aesthetic concepts that encourage theatre people to work collectively and to organize themselves as collectives. We assume that the spirit of the collective has developed in parallel with the changes in the world of work since the late 1960s as described, for example, in Luc Boltanski and Eve Chiapello's publication The New Spirit of Capitalism. While in the 1960s/70s, collectives were unanimously perceived as the theatrical way of anticipating socialism, the current discourse about theatre collectives is marked by a heterogenization of positions. While some see them as the vanguard of the neoliberal deregulation of the German-speaking theatre landscape, others see in the collective functioning a new form of the Political. In the 1960s/70s as well as today, collective theatre work is linked to specific aesthetic strategies, which raise the question of the interdependence between the mode of production and aesthetics. This thesis seeks to link reflection on the organizational and production practices with the aesthetic concepts of the theatre collectives. Based on a discourse analysis methodology, the thesis brings out the spirit of the collective specific to the 1960s/70s on the one hand and to the beginning of the 21st century on the other hand. Divided into two main parts, it exposes the lines of continuity as well as the ruptures between the two generations of theatre collectives.; Cette thèse a pour sujet les pratiques théâtrales collectives en Allemagne au tournant des années 1960/70 et au début du XXIe siècle. Ce qui nous intéresse particulièrement, c’est l’esprit du collectif, c’est-à-dire les idées politiques et concepts esthétiques qui incitent les artistes de théâtre à pratiquer la création collective et à s’organiser en collectifs. Nous partons du principe que l’esprit du collectif s’est développé parallèlement aux mutations du monde du travail depuis la fin des années 1960, telles qu’elles sont décrites par exemple dans la publication de Luc Boltanski et Eve Chiapello : Le nouvel esprit du capitalisme. Si dans les années 1960/70, les collectifs étaient perçus unanimement comme la manière d’anticiper le socialisme théâtralement, le discours actuel au sujet des collectifs de théâtre est marqué par une hétérogénéisation des positions. Pendant que certains les considèrent comme l’avant-garde de la déréglementation néolibérale du paysage théâtral germanophone, d’autres voient se réaliser des nouvelles formes d’expression politique dans le fonctionnement collectif. Aussi bien dans les années 1960/70 qu’aujourd’hui, le travail théâtral collectif est lié à des stratégies esthétiques spécifiques, ce qui soulève la question de l’interdépendance entre les modes de production et les moyens d’expression artistiques. Cette thèse cherche à lier la réflexion sur les pratiques d’organisation et de production aux concepts esthétiques des collectifs. En s’appuyant sur une méthodologie d’analyse de discours, la thèse fait ressortir l’esprit du collectif propre aux années 1960/70 ainsi que celui qui caractérise bon nombre de formations collectives marquant le début du XXIe siècle. Se divisant en deux grandes parties, elle met en évidence les lignes de continuité ainsi que les ruptures entre les deux générations de collectifs de théâtre.

Relatório de Estágio submetido à Escola Superior de Teatro e Cinema para cumprimento dos requisitos necessários à obtenção do grau de Mestre em Teatro - especialização em Artes Performativas Submitted by Luísa Marques (luisamarques@estc.ipl.pt) on 2019-05-07T08:22:14Z No. of bitstreams: 3 Raquel do Vale Martins - O Teatro Praga e o Processo de Criação Coletiva - Relatório de Estágio.pdf: 2065298 bytes, checksum: 82ef1a233ba33fa9eed1d1b28749c6ac (MD5) Anexo 14 - Guião JÂNGAL.pdf: 133712 bytes, checksum: eccc045f7bb1cf37883c303f51f55a5b (MD5) Anexo 13 - Guião ROMEU&JULIETA.pdf: 106726 bytes, checksum: 5958937273d17fec49c0170c7b93514e (MD5) Made available in DSpace on 2019-05-07T08:22:14Z (GMT). No. of bitstreams: 3 Raquel do Vale Martins - O Teatro Praga e o Processo de Criação Coletiva - Relatório de Estágio.pdf: 2065298 bytes, checksum: 82ef1a233ba33fa9eed1d1b28749c6ac (MD5) Anexo 14 - Guião JÂNGAL.pdf: 133712 bytes, checksum: eccc045f7bb1cf37883c303f51f55a5b (MD5) Anexo 13 - Guião ROMEU&JULIETA.pdf: 106726 bytes, checksum: 5958937273d17fec49c0170c7b93514e (MD5) Previous issue date: 2018-10 N/A

Appeared in 1974 with the publication of Dungeons & Dragons, tabletop role-playing games rapidly became a controversial and influential leisure in the popular culture. From an ethnography of the game, this text presents several ways to get involved in fictional universes through the role-playing game. RPGs are analyzed as a playful, social and creative exercise which is invested physically, emotionally and through the imagination by the players. In order to present different ways to be immersed in the fiction, I describe how role-players see the playful and fictional universes. Through the examples of a construction of a scenario and of games, I show up some collective and personal factors which guide the creation of the collective narrative.; Apparus en 1974 avec la publication de Donjons & Dragons, les jeux de rôle sur table sont rapidement devenus un loisir controversé et influent au sein de la culture populaire. À travers l’ethnographie du jeu et de son contenu, ce texte aborde les manières d’investir des univers fictionnels ludiques par l’exercice du jeu de rôle sur table. Ce dernier est donc analysé comme une pratique ludique, sociale et créative qui est investie personnellement et collectivement par le corps et l’imagination des joueurs. Afin de présenter différentes manières de s’engager dans la fiction, je décris les façons dont les rôlistes conçoivent les univers fictionnels ludiques. À travers l’exemple du montage d’un scénario et de parties, je mets en exergue les facteurs d’implications personnelles et collectives dans la fiction, qui guident la création du récit collectif.

FAPEMIG - Fundação de Amparo a Pesquisa do Estado de Minas Gerais Esta pesquisa tem por objetivo desenvolver uma análise reflexiva sobre o processo de criação da obra Quanté do Grupo Tripé da cidade de Uberlândia. Este percurso, portanto, visa levantar, identificar e avaliar indícios de uma intertextualidade cênica, de um diálogo entre linguagens fronteiriças, explorando as potencialidades criativas que cada um destes elementos trouxeram ao processo e, consequentemente, à obra. Deste modo, apresentamos o material e as informações relevantes sobre a formação e dinâmica de atuação do grupo, bem como a descrição e análise de parâmetros constituintes do trabalho - a saber: a dramaturgia, o processo de composição e a estruturação das cenas. Também, apresentamos alguns eixos temáticos que foram identificados como basilares para a criação do espetáculo Quanté, sendo eles: corpo; espaço; jogo e processo colaborativo/criação coletiva. Por fim, organizamos uma reflexão com os alcances e as inferências que emergiram da pesquisa. This research aims to realize a reflexive analysis on the creation process of the play Quanté, created by Grupo Tripé from Uberlândia. This journey, therefore, wants to raise, identify and evaluate indications of a scenic intertextuality, a dialogue, between bordering languages, exploring the creative potential that each of these elements brought to the process and, consequently, to the work. In this way, we present some material and relevant data about the formation and acting dynamics of the group, as well as the description and analysis of constituent parameters of the work - which are: dramaturgy, the composition process and the process of structuring the scenes. We also present some thematic axes that were identified as basilar for the creation of the play Quanté, namely: body; space; game and collaborative process/collective creation. Finally, we organized a study with the reach and inferences that emerged from the research. Dissertação (Mestrado)

L’analyse de quelques collectifs d’acteurs néerlandophones, des années 1990 à aujourd’hui, nous permettra de dégager la définition d’une distribution que nous nommerons « organique », parfois même « inconsciente ». Dans le contexte de la création collective, la distribution échappe de fait à la décision volontaire du metteur en scène et ne se cantonne pas aux décisions prises en amont de la création ; elle se décide alors au fil du travail d’improvisation, à la table et au plateau, tout au long du processus créatif, perdant sa fonction première. En cela, la transformation de l’idée même d’une distribution est révélateur des principes et des méthodes fondateurs de la création collective. Nous observerons ainsi les modalités de la distribution au sein de Maatschapij Discordia, Dito’Dito, tg STAN, et des collectifs plus récents du Warme Winkel et de Wunderbaum. The analysis of a few dutch-speaking collectives and of their creative processes will help us define an « organic distribution of roles ». In the context of a collective creation, the distribution of roles does no longer depend on the director’s decisions et does no longer take place before the rehearsals. On the contrary, it happens almost unconsciously, during the actors’ discussions and improvisations, around a table or on stage. The way it is decided – or not decided, therefore reveals the basic principles and mechanisms of collective creations. We will analyse the work of Maatschapij Discordia and Dito’Dito, and of the more recent groups of the Warme Winkel and Wunderbaum.

This article gives an account of a project of creation and research realized by an interdisciplinary team (dance, circus, performance, music and photography) around a choreographic duo: Studio (0) on the moon; from this first creation one evolves, throughout a series of twenty rehearsals and presentations, towards the collective experimentation with all the artists and with the audience. For the preparation of this article, we use the analysis of bibliographic content, as well as the materials generated through the written and audiovisual record. The collective composition method highlights the reformulation of the initial choreography through improvisation, as well as the repetition of the structure and into the structure as generator of difference. On the other hand, throughout the process, we detect how the playful nature of objects is imposed as solvent of discipline and roles. In addition, darkness is revealed as a fruitful condition to expand senses, to melt bodies and to question the limits of the images we construct around them. Finally, the fragility of the distinction between education or artistic animation and participatory creation and action processes is evide Este artículo da cuenta de un proyecto de creación e investigación realizado por un equipo interdisciplinar (danza, circo, performance, música y fotografía) a partir de un dúo coreográfico: Estudio (0) sobre la luna. Desde esta primera creación se evoluciona hacia una serie de veinte ensayos y presentaciones experimentales con un conjunto de artistas y con el público. Para la elaboración de este documento se utiliza el análisis de contenido bibliográfico, así como de los materiales generados a través del registro audiovisual y los cuadernos de campo. Del método de composición utilizado destacan la reformulación colectiva de la coreografía inicial mediante la improvisación, así como la repetición de la estructura y en la estructura como generadora de diferencia. A lo largo del proceso se constata la emergencia de la naturaleza lúdica de los objetos y cómo esta hace de disolvente de la disciplina y de los roles preestablecidos. Además, se descubre en la oscuridad una condición fructífera para expandir los sentidos, fundir los cuerpos y cuestionar los límites de las imágenes que construimos en torno a ellos. Finalmente, se evidencia la fragilidad de la distinción entre la educación o la animación artísticas y los procesos de creación y acción participativos.

Appeared in 1974 with the publication of Dungeons & Dragons, tabletop role-playinggames rapidly became a controversial leisure which has importance in the popular culture. Mixing fieldwork and bibliography analysis, this text deepens the connections and reciprocal influences between manners of being in group and creating a diegetic narrative inside a fiction universe. Analyzing role-playing games as a leisure allowing participants to invest a fictive universe in order to create a narrative make the social, linguistic and literary codes emerge. These codes constitute the structure of the game and the creation.; Apparus en 1974 avec la publication de Donjons & Dragons, les jeux de rôle sur table sont rapidement devenus un loisir controversé et important au sein de la culture populaire. En mêlant travail de terrain et analyse bibliographique, ce texte approfondit les rapports et influences réciproques entre les manières d’être en groupe et de créer un récit diégétique dans un univers de fiction. En analysant le jeu de rôle comme un loisir permettant à un groupe de participants d’investir un univers fictif pour y créer un récit fait apparaître les codes sociaux, linguistiques et littéraires qui constituent les structures du jeu et de la création.

The central research inquiry of this dissertation is how the experience of working within a collaborative context, employing the processes of devising, affects a playwright. It springs from the presentiment that the processes of devising are significantly different than traditional playwriting methodologies and have the potential to offer short and long-term benefits to both playwright and collaborators. A central focus of the dissertation is the figure of the writer-deviser as a distinctive artist with a particular skillset developed from both devising praxis and standard playwright training (which traditionally does not emphasise collaborative theatre-making). This dissertation therefore examines the historical and contemporary context of the writer-deviser in order to provide a foundation for the presentation and exegesis of my practice-as-research: a play written via the devising process and another play written as a solo playwright. The Introduction to this dissertation serves the function of presenting the central research query and associated areas for exploration. It outlines my methodological approach, placing it within the context of the discourse on performance-related practice-as-research, whilst identifying a gap within this discourse of the treatment of the playwright. Chapter One presents an overview of devising in its historical and contemporary context. The chapter also functions to identify positive aspects of devising which may aid a playwright’s development, and, alternatively, pinpoint problematic issues associated with devising. Chapter Two provides an overview of pedagogical approaches to playwright development. Original research is presented via a playwrights’ survey on training and experiences of devising. Pedagogical approaches which may aid the writer-deviser are identified, and areas of weakness revealed. Chapter Three defines the concept of the writer-deviser, incorporating challenges to the dramatic/postdramatic and text/performance binaries. This is achieved through commentary on historical and contemporary examples of writers working in a collaborative context. Chapter Four further develops the figure of the writer-deviser through a case study of Bryony Lavery, providing a close analysis of two scripts created using devising methodology, and one written as a solo playwright. Chapter Five presents the exegesis of practice-as-research section of this dissertation, with reference to the devised play The 9.21 to Shrub Hill and the non-devised play Playground, which are presented in a section entitled ‘Playscripts’. An outline of the process of both productions is provided, linked closely to the discourse of the preceding chapters of this dissertation. Based on a comparison of the two processes, findings are revealed and suggestions for other writer-deviser practitioners and devising companies are presented in a Toolkit. The conclusion reflects on the argument of the dissertation and its realization within the playscripts, and highlights areas for further investigation.

Free improvisation is often presented as a form of musical creation where preliminary decisions or preexisting plans are kept to a strict minimum. However, long-standing groups and collaborations that span over many years are not uncommon in the free improvisation scene. One might wonder, then, how do these musicians work together? How do they manage to balance the openness, spontaneity, and unpredictability of free improvisation with the unstoppable normalizing force of familiarity? In order to answer these questions, we need to understand what is at stake during rehearsals of free improvisers. What do these improvisers do when they work and practice together, since they literally havenothingpre-established to rehearse, or at least no pre-composed material, such as standards, arrangements, chord charts, and themes?This paper presents the results of an ethnographic study conducted with three Paris-based improvisation ensembles: theOrchestre des Nouvelles Créations, Expérimentations et Improvisations(“Orchestra of new creations, experimentations, and improvisations”); a duo comprising pianist Ève Risser and clarinetist Joris Rühl; and a quintet made up of the five founding members of the “Umlaut” collective. This data is used to show the different functions rehearsals have for these improvisers.

Submitted by Tamara Cecilia Lombardi (tamara.lombardi@espm.br) on 2019-10-10T00:29:14Z No. of bitstreams: 1 SANTOS, Marcos Aurélio Machado dos. Aplicação da metodologia Design Science Research da indústria do carnaval.pdf: 13924395 bytes, checksum: e2300dbd719bc725c5e4e42dd82bd45e (MD5) Approved for entry into archive by Tamara Cecilia Lombardi (tamara.lombardi@espm.br) on 2019-10-10T00:29:39Z (GMT) No. of bitstreams: 1 SANTOS, Marcos Aurélio Machado dos. Aplicação da metodologia Design Science Research da indústria do carnaval.pdf: 13924395 bytes, checksum: e2300dbd719bc725c5e4e42dd82bd45e (MD5) Approved for entry into archive by Tamara Cecilia Lombardi (tamara.lombardi@espm.br) on 2019-10-10T00:47:01Z (GMT) No. of bitstreams: 1 SANTOS, Marcos Aurélio Machado dos. Aplicação da metodologia Design Science Research da indústria do carnaval.pdf: 13924395 bytes, checksum: e2300dbd719bc725c5e4e42dd82bd45e (MD5) Made available in DSpace on 2019-10-11T12:34:47Z (GMT). No. of bitstreams: 1 SANTOS, Marcos Aurélio Machado dos. Aplicação da metodologia Design Science Research da indústria do carnaval.pdf: 13924395 bytes, checksum: e2300dbd719bc725c5e4e42dd82bd45e (MD5) Previous issue date: 2017-12-19 This study intends to understand how the process of collective creation of (Brazilian) carnival factory happens from the Design perspective. It also intends to identify and map the unspoken knowledge involved in these processes, and study the ways to turn them into explicit knowledge. Taking it into consideration, knowledge management was applied along with Design Science Research methodology, focusing on the strategy of case study at Cidade do Samba (Samba City). As a result, an “Artifact” was developed as a flowchart model of the creative/productive chain of carnival factory O presente trabalho busca compreender como se dá o processo de criação coletiva da fábrica do carnaval sob a ótica do Design. Visa também identificar e mapear os saberes tácitos envolvidos nestes processos e estudar as formas de como transformá-los em conhecimento explícito. Desta forma foi aplicada a gestão do conhecimento aliada à metodologia Design Science Research com foco na estratégia de estudo de caso na Cidade do Samba. Como resultado, foi desenvolvido um “Artefato” como um modelo de fluxograma da cadeia criativa/produtiva da fábrica do carnaval

Este escrito plantea referenciar, traducir a la actualidad y destacar la trascendente labor que Anna y Lawrence Halprin desarrollaron al respecto de los procesos de creación colectiva aplicados tanto a la planificación urbana como al proyecto arquitectónico desde la década de los años cincuenta hasta la muerte de Lawrence en el año 2009. Para definir el marco de actuación se repasa por un lado de forma somera el estado normativo y conceptual de la participación en España, y por otro las intensas biografías de Anna y Lawrence situadas en el corazón de acontecimientos decisivos que han influenciado definitoriamente en la evolución del arte y también de la sociedad occidental de las últimas décadas. La investigación se centra en un exhaustivo trabajo de revisión bibliográfica de ambas figuras y en el análisis de gran parte del material publicado. Interpretando y descifrando la documentación consultada para una posible aplicación contemporánea a un contexto de reivindicación social en la cultura occidental con evidentes paralelismos a lo acaecido en los años sesenta americanos. La pareja Halprin desempeña un papel trascendental en la evolución conceptual tanto del planeamiento urbano como de las artes escénicas y ejemplifica una concurrencia paradigmática de la arquitectura y la danza. Este cruce singular, muy poco documentado en la Europa continental y prácticamente nulo en lengua española, nos aporta el conocimiento de posibles alternativas ya comprobadas con acierto en la construcción participada de la ciudad. Aquest escrit planteja referenciar, traduir a l’actualitat i destacar la trascendent labor que Anna y Lawrence Halprin desenvoluparen respecte als processos de creació col·lectiva aplicats tant a la planificació urbana com al projecte arquitectònic des de la dècada dels anys cinquanta fins la mort de Lawrence l’any 2009. Per definir el marc d’actuació es repassa per un costat de forma somera l’estat normatiu i conceptual de la participació a Espanya, i per altre les intenses biografies d’Anna i Lawrence situades al cor de successos decisius que han influenciat de forma definitiva en l’evolució de l’art i també de la societat occidental de les últimes dècades. La investigació es centra en un exhaustiu treball de revisió bibliogràfica d’ambdues figures i en l’anàlisi de gran part del material publicat. S’interpreta i desxifra la documentació consultada per una possible aplicació contemporània a un context de reivindicació social en la cultura occidental en evidents paral·lelismes a lo succeït als anys seixanta americans. La parella Halprin desenvolupa un paper transcendental en l’evolució conceptual tant del planejament urbà com de les arts escèniques i exemplifica una concurrència paradigmàtica de l’arquitectura i la dansa. Aquest creuament singular, molt poc documentat a l’Europa continental i pràcticament nul a la llengua espanyola, ens aporta el coneixement de possibles alternatives ja comprovades amb encerten la construcció participada de la ciutat. This paper seeks to reference, translate into present and highlight the important work that Anna and Lawrence Halprin developed about the processes of collective creation applied to both urban planning and architectural project from fifties to the death of Lawrence in 2009. To define the framework of action is briefly reviewed the regulatory and conceptual status of participation in Spain, likewise intense biographies of Anna and Lawrence located in the heart of decisive events that have strongly influenced the evolution of art and also Western society in recent decades. The research focuses on an extensive review of the authors' literature and the analysis of much of their published material. Consulted documentation is interpreted and decrypted for possible application to a contemporary context of social demands in Western culture with obvious parallels to the events in the Americans sixties. The Halprins play a crucial role in the conceptual evolution of both urban planning and performing arts and exemplify a paradigmatic concurrence of architecture and dance. This uniqueness, poorly documented in continental Europe and virtually zero in Spanish, brings us the knowledge of tested alternatives with success in building a collective city.

How can work also represent a perspective of creation? We start from the hypothesis that air traffic controllers make an effort to cope with very hard work and to develop improvement processes when carrying out the activity, which can be considered creation. Our objective is to analyze the working conditions of air traffic controllers starting from the experience of the controller. There is effort, which is above all both cognitive and physical, of an activity developed with mental representations that cannot always be analyzed by simple observation. This is a reflection based on studies carried out with air traffic controllers since 1997 in Sao Paulo and Rio de Janeiro.

Célébrée pour ses initiatives en faveur de la commande publique, la ville de Grenoble fut dans les années 1960 pionnière en matière d’inscription des arts plastiques dans l’espace urbain et la vie quotidienne. À la suite du premier Symposium français de sculpture de 1967, la création devenue acte collectif fut mise à l’essai lors de la conception de l’ensemble architectural et urbain de la Villeneuve de Grenoble. Archétype de l’œuvre pensée en collaboration, cette réalisation conçue par l’Atelier d’urbanisme et d’architecture (AUA) est toujours un exemple singulier d’entreprise pluridisciplinaire. Il n’est donc pas étonnant que parmi la quinzaine d’œuvres exposées en plein air – au nombre desquels compte le travail de la coopérative des Malassis, Guy de Rougemont et Klaus Schultze –, plusieurs attestent d’une tentative d’élaborer en amont une réflexion commune aux architectes et aux artistes. Celebrated for its concerted action promoting commissioned artworks, the city of Grenoble was during the Sixties a pioneer particularly known for its integration of fine arts within the urban space and into the everyday life. After the first french Symposium of sculpture in 1967, creation became a collective action and was put to test during the making of the new architectural and urban neighbourhood of the “Villeneuve” de Grenoble. Archetype of a collaborative work, the realization conceived by the Atelier d’urbanisme et d’architecture (AUA) is still the singular example of a multidisciplinary work. It is therefore not surprising that among the fifteen artworks exhibited in the open air – such as the works of the coopérative des Malassis, Guy de Rougemont and Klaus Schultze –, several show an attempt to elaborate beforehand a reflection shared by architects and artists

Submitted by Paulo Moreira (paulomoreira@esmae.ipp.pt) on 2017-09-05T11:31:04Z No. of bitstreams: 1 Luis_Pereira_MT_2017.pdf: 11909132 bytes, checksum: cced17319fc2bd0d1c300c11afc3e08a (MD5) Made available in DSpace on 2017-09-05T11:31:04Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Luis_Pereira_MT_2017.pdf: 11909132 bytes, checksum: cced17319fc2bd0d1c300c11afc3e08a (MD5) Previous issue date: 2017-07-28 Restored into DSpace on 2021-10-06T13:19:44Z (GMT).

In the contemporary audiovisual landscape, several projects stand out through innovative production initiatives based on the open and non-formal engagement of collectives, eager to contribute in some way to the project as a whole. One of the most popular examples of this form of collaboration, based on the notion of the crowd, is crowdsourcing. The aim of this paper is to study the limits and particularities of this concept in the audiovisual field, and, specifically, in digital film production. After a theoretical discussion on the evolution of the concept and its relationship with other alternative models of collective creation, peer-based creative communities or co-creation, we will carry out an analysis of a set of relevant cases of film production that, in one way or another, have taken crowdsourcing as a referent. Through analysis we will observe a series of particularities that lead us to suggest a reconsideration and flexibilization of some of the key features that tend to conform to the traditional conceptualization of crowdsourcing as a production model oriented to the creative labor of crowds. En el panorama del audiovisual contemporáneo han adquirido notoriedad iniciativas de producción innovadoras a través de la implicación abierta y no formal de colectivos, que se proponen efectuar algún tipo de contribución al proyecto en su conjunto. Uno de los exponentes más populares de estas formas de colaboración basadas en la noción de multitud es el crowdsourcing. El objetivo de este artículo es estudiar los límites de dicho concepto en el audiovisual y particularmente la producción cinematográfica digital. Tras una discusión teórica sobre la evolución del crowdsourcing y su relación con otros modelos alternativos de creación colectiva como la co-creación o las comunidades creativas entre pares, realizaremos un análisis de un conjunto de casos relevantes de producción cinematográfica que de una forma u otra han tomado el crowdsourcing como referente. A través del análisis observaremos una serie de particularidades que invitan a proponer la reconsideración y flexibilización de algunos atributos clave presentes de la conceptualización tradicional del crowdsourcing como modelo de producción orientada al trabajo creativo de las multitudes. En el panorama de l'audiovisual contemporani han adquirit notorietat iniciatives de producció innovadores a través de la implicació oberta i no formal de col·lectius, que es proposen efectuar algun tipus de contribució al projecte en el seu conjunt. Un dels exponents més populars d'aquestes formes de col·laboració basades en la noció de multitud és el crowdsourcing. L'objectiu d'aquest article és estudiar els límits d'aquest concepte en l'audiovisual i particularment la producció cinematogràfica digital. Després d'una discussió teòrica sobre l'evolució del crowdsourcing i la seva relació amb altres models alternatius de creació col·lectiva com la co-creació o les comunitats creatives entre parells, realitzarem una anàlisi d'un conjunt de casos rellevants de producció cinematogràfica que d'una manera o altra han pres el crowdsourcing com a referent. A través de l'anàlisi observarem una sèrie de particularitats que conviden a proposar la reconsideració i flexibilització d'alguns atributs clau presents de la conceptualització tradicional del crowdsourcing com a model de producció orientada al treball creatiu de les multituds.

Resumen Este artículo presenta la posibilidad de la utilización del teatro como herramienta metodológica al servicio de los procesos de lucha y resistencia con colectivos, como el de las personas sin hogar, que son considerados excluidos por las lógicas hegemónicas. En España, concretamente en la ciudad de Sevilla, las perspectivas dominantes y prácticas de la acción social destinadas a las personas sin hogar son asistenciales y, por tanto, perpetuadoras del estigma. A partir de la investigación aplicada y las experiencias compartidas con grupos de personas sin hogar en la ciudad de Sevilla se muestra cómo el teatro, a través de la creación colectiva, se convierte en una propuesta de resistencia y de empoderamiento para los propios participantes. Para esto, la aportación del método de la creación colectiva colombiana, a partir de una adecuada adaptación, es un ejemplo de la función social y política emancipadora del teatro. Por último, tanto en España como en Sevilla esta experiencia de aplicación de la creación colectiva en grupos de personas sin hogar es un caso pionero e innovador. Abstract Through this article, we present theatre as a key tool in the processes involving the fight and resistance of those groups that are socially excluded by the hegemonic logic, such as the group of homeless. In Spain, particularly at Seville, the predominant approaches and practices of social action aimed at those groups usually combine a welfare approach. Moreover, those may perpetuate the stigma. Thanks to the research that has been conducted and the experiences shared with groups of homeless at Seville, we conclude that theatre, a tool of joint creation, becomes a proposal of resistance and empowerment for those who take part in it. Therefore, the contribution of this method (from an appropriate adaptation) is an example of the emancipatory dimension of theatre from a social and political point of view. Finally, the experience here described is a pioneer and innovative one in the Spanish context.

International audience; Free improvisation is defined as a form of musical creation where preliminary decisions or pre-existing plans are kept to a strict minimum. Thus, the very idea of “rehearsing” free improvisation seems contradictory. However, long-lasting groups and collaborations that span over many years are not uncommon in the free improvisation scene. But, one might wonder, how do these musicians work together? How do they manage to balance the openness, spontaneity, and unpredictability of free improvisation with the unstoppable normalizing force of familiarity? In order to answer these questions, we need to understand what is at stake during the rehearsals of free improvisers. To this end, I will present the results of an ethnographic study conducted with several improvisation ensembles, showing the different functions rehearsals have for improvisers.

Es de gran importancia introducir nuevos métodos donde los niños sean libres de expresarse a través del arte y donde puedan ver y conocer diferentes obras, no solo de artistas contemporáneos sino que además observen diferentes obras realizadas con distintas técnicas y materiales. Con ello, quiero resaltar la importancia que tiene enseñar la educación artística en educación infantil y a su vez experimentar y desarrollar, a través de otras técnicas grafico plásticas como es la serigrafía, un espacio de colaboración y consenso en torno al dibujo por parte de los niños/as. Por otro lado, esta actividad educativa en las técnicas de expresión gráfico plástica contribuirá al desarrollo general de los/as alumnos/as, sus capacidades perceptivas y cognitivas que se potencian a través de la educación artística., It is very important to introduce new methods where children are free to express themselves through art and where they can see, observe and experience not only by contemporary artists but also observe different works made with different techniques and materials. With this, I must emphasize the importance of teaching art education in early childhood education and in turn experience and develop through other plastic graphic techniques such as serigraph, a space for collaboration and consensus on the drawing by children. On the other hand, this educational activity in the graphic plastic expression techniques contribute to the overall development of student, their perceptual and cognitive abilities are enhance through art education., Universidad de Granada. Facultad de Ciencias de la Educación. Grado en Educación Infantil