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Zusammenfassung Der Artikel analysiert aus bildwissenschaftlicher und historischer Perspektive die unveröffentlichte Skizze zu einem Bergdiagramm aus dem handschriftlichen Nachlass Alexander von Humboldts. Das mehrfach beklebte Skizzenblatt stand im Zentrum klimageografischer Fragestellungen nach den Gründen für die weltweit unterschiedlich hohen Schneegrenzen in Gebirgen. Aufgrund des unfertigen, skizzenhaften Charakters des Diagramms lassen sich Fragen über den Forschungskontext des Diagramms, den epistemischen Stellenwert zeichnerischer Praktiken sowie über die heuristische Rolle der Berge und ihrer charakteristischen Profillinien in Humboldts Forschungen stellen. Gezeigt wird, wie das visuelle Denken und das Interesse Humboldts an neuen grafischen Methoden zu einer wichtigen Bedingung wurden, um die holistische Synopsis der Welt als ökologisches System erforschen und darstellen zu können. Abstract The article analyses from a visual studies and historical perspective the unpublished sketch of a mountain profile found among the handwritten papers of Alexander von Humboldt’s estate. The small sheet of sketches, with its pasted additions, was at the heart of climatic-geographic academic enquiry into the reasons for worldwide differences in the levels of mountain snow lines. The unfinished, sketchy nature of the diagramme raises questions about its research context, about the epistemic value of draughtsmanship practice and about the heuristic role of mountains and their characteristic profiles in Humboldt’s research. It becomes evident how Humboldt’s visual logic and his interest in new forms of graphics became important factors in investigation and depiction of the world as an ecological system. Resumen En el artículo se analizan los bocetos sin publicar de perspectivas históricas y de la ciencia de la imagen del diagrama montañoso de las obras póstumas escritas a mano de Alexander von Humboldt. La hoja de bocetos pegada de forma múltiple estaba situada en el centro de dudas geoclimatológicas por los fundamentos de los límites de nieve totalmente diferentes en las montañas de todo el mundo. A causa del carácter inacabado de los bocetos del diagrama, se cuestiona el contexto de investigación del diagrama, la importancia epistemológica de las prácticas gráficas y el papel heurístico de las montañas y sus característicos perfiles en las investigaciones de Humboldt. Se presenta el modo en que el pensamiento visual y el interés de Humboldt por nuevos métodos gráficos supone una condición importante para investigar y exponer la sinopsis holística del mundo en calidad de sistema ecológico., HiN - Alexander von Humboldt im Netz Internationale Zeitschrift für Humboldt-Studien, Bd. 14, Nr. 26 (2013)

This book uncovers an underlying dispute over the role images play in contemporary society and, consequently, over their values and purposes. Two decades after the concepts of the pictorial and the iconic turn changed our vernacular involvement with regard to images, it has become clear that it was not only a newly discovered social, political or sexual construction of the visual field that brought turbulence into disciplinary knowledge, but that images have their own “pictorial logic” with powers exceeding those that are purely iconic or visually discernible. Instead of underscoring previously defined concepts of the picture, the contributors to this book view visual studies and Bildwissenschaft “merely” as a place for the theory of images, making a case for the hotly-debated topic of their powers and weaknesses on the one hand, and of their respective theories on the other. Therefore, as the title indicates, this book theorizes images, but it does not present a theory of images, because visual studies cannot lead to a unified theory of images unless a unified ontology of images can be agreed upon first. Although that would be a different task altogether, all the contributions in this book (in different ways and at different paces), by theorizing images in their aesthetic, historical, media and technological guises, pave the way for the future of visual culture and for the image science that will make this future more comprehensible.

“Machine art” is neither a movement nor a genre, but encompasses diverse ways in which artists engage with technical systems. In this book, Andreas Broeckmann examines a variety of twentieth- and early twenty-first-century artworks that articulate people’s relationships with machines. In the course of his investigation, Broeckmann traces historical lineages that connect art of different periods, looking for continuities that link works from the end of the century to developments in the 1950s and 1960s and to works by avant-garde artists in the 1910s and 1920s. An art historical perspective, he argues, might change our views of recent works that seem to be driven by new media technologies but that in fact continue a century-old artistic exploration.Broeckmann investigates critical aspects of machine aesthetics that characterized machine art until the 1960s and then turns to specific domains of artistic engagement with technology: algorithms and machine autonomy, looking in particular at the work of the Canadian artist David Rokeby; vision and image, and the advent of technical imaging; and the human body, using the work of the Australian artist Stelarc as an entry point to art that couples the machine to the body, mechanically or cybernetically. Finally, Broeckmann argues that systems thinking and ecology have brought about a fundamental shift in the meaning of technology, which has brought with it a rethinking of human subjectivity. He examines a range of artworks, including those by the Japanese artist Seiko Mikami, whose work exemplifies the shift.

Theoretically as well as alongside an empirical research idea, this paper outlines conditions for the development of social scientific empirical methods able to further exploit the iconic potential of the image. Reconstructing the role of formal pictorial elements for the standards of understanding within the medium "image" is considered pivotal in this endeavor. Within the context of language, standards of communication have already been extensively researched. The linguistic format of the narrative, for instance, is well studied. Up to now, though, comparable formal vehicles of iconic semantics have only been examined in aesthetics and art history. Nevertheless, standards of iconic understanding are part of our implicit knowledge, are incessantly in use in everyday practice and, thus, the basis of everyday identity formation. With the help of empirical methods based on an iconic logos we can deepen our understanding of orientations, longings, and anxieties of our time that are often silently conveyed by images. Fashion will be outlined as a prototypical field, in which an empirically based development of such methods might start off.

Avons-nous su tirer des travaux des grands Viennois, Alois Riegl en tête, toutes leurs conséquences ? L’effort éditorial en langue française amorcé dans les années 1980 a-t-il suscité autant de commentaires et de débats, de renouvellements des problématiques, des objets et des méthodes que les récentes éditions en langue anglaise en ont suscités chez nos collègues outre-Atlantique ? Quand la traduction de Spätrömische Kunstindustrie (Vienne, 1901) et de Altorientalische Teppische (Leipzig, 18...

Die Dissertation setzt sich mit den fotografischen Repräsentationen der Atombombenabwürfe auf Hiroshima und Nagasaki sowie der Havarie des Kernkraftwerks Tschernobyl auseinander. Dabei werden künstlerische, dokumentarische und touristische Bilder analysiert, die sich der jeweiligen Strahlenkatastrophe oftmals erst Jahre nach dem Ereignis annehmen und ikonografische oder medial-materielle Bezüge zu ihr aufweisen. Es zeigen sich zentrale Strategien, atomare Katastrophen, seien sie militärischer oder ziviler Natur, in fotografische Bilder überzuführen. Gerade das eigentliche Unvermögen, die visuell nicht sichtbaren Strahlenemissionen oder die Komplexität der Vorgänge auf atomarer Ebene zu visualisieren, hat sich als prägend erwiesen und bestimmt als Paradigma der Unsichtbarkeit die kulturelle Rezeption der Ereignisse. Es ist dieser Umgang mit den Abstraktionspotentialen der nuklearen Technologie, die im aktuellen Spannungsfeld ökologischer, sozialer und energietechnologischer Bildpolitik ihre Relevanz stets von neuem unter Beweis stellt. The dissertation project seeks to analyse the photographic positions that deal with the atomic bomb attacks on Hiroshima and Nagasaki and the accident of the nuclear power plant in Chernobyl. This focus includes press photographs of the events as well as artistic, documentary and touristic images that take an approach towards the disasters often years after and hereby form iconographic or material references to the events. The study reveals central strategies for photographic images of atomic catastrophes, be they of military or civil nature. It is the inability to visualize non-visible nuclear rays or the complexity of processes on an atomic level that has turned out to be crucial. This incapacity of making images, a paradigm of invisibility, substantially coins the cultural role of the events. The question of how a society deals with these abstract potentials of nuclear technology has turned out to be always anew of high relevance in regard to ecological, social and technological policies of images.

The bible-compilation GEISTLICHE HERZENS-EINBILDUNGEN IN ZWEIHUNDERT-FÜNFZIG BIBLISCHEN FIGUR-SPRÜCHEN ANGEDEUTET was first published by Melchior Mattsperger in 1684. The work’s most notable feature are figures substituting words. Today they are mainly considered as an educational instrument for children to improve their language- and reading-skills. In my paper I am ques-tioning this point of view by taking a closer look at the figures and by investi-gating the reasons for such a misguided interpretation. I will demonstrate that Mattsperger’s book was originally intended as an intellectual game. Fur-thermore, I will argue that such a reevaluation requires a fundamental shift in the so far one-sided linguistical perception of figures of substitution.

Wird der Wahrnehmung im Allgemeinen und der Bildwahrnehmung im Besonderen unterstellt, sie könne weniger als ein passives als ein aktives Vermögen aufgefasst werden, wie es entwicklungspsychologische und neurowissenschaftliche Forschungen nahe legen, hat das auch weitreichende Folgen für die Auslegung, aber auch Gestaltung von Bildern bzw. Kunstwerken. Die Annahme bekräftigt die These Lambert Wiesings, dass zwischen Wahrnehmungs- und Gestaltungsprinzipien eine Analogie besteht. Neben dem kulturellen bzw. historischen Wissen sind es demnach mit Bezug auf Wahrnehmungsmechanismen abstrakte Repräsentationen (Formen, Intensitätsgrade, Zeitmuster), die affektiv ausgelegt und insofern für den Bildgehalt bedeutsam werden. Ergänzend zu ikonologischen gewinnen vor diesem Hintergrund insbesondere ausdruckstheoretische Positionen an Rückendeckung.

Charles S. Peirce gehört zu den wenigen Zeichenwissenschaftlern, die das Sehen als die Grundlage des logischen Denkens verstanden haben. Mit seiner Lehre der Phaneroscopy, die Wissenschaft des Sichtbaren und der Erschei-nung, führt Peirce den forschenden Blick in die strukturimmanente Architektonik und Logik von Zeichenprozessen, öffnet einen kontemplativen Raum, aus dem heraus jeglicher phänomenologischer Prozess der Sinnerzeugung und -erfassung ihren Ursprung hat. Der folgende Aufsatz gibt kurze Einblicke in Phaneroscopy, erklärt das Phaneron als den Nullpunkt des Bildes und plä-diert für eine kritische kulturelle Reflexion über den Status von visuellen Zei-chen im Zeitalter des tastenden Sehens., The beginning of the 1890s, the years in which Charles S. Peirce wrote his articles concerning the laws of mind and Phaneroscopy, brain and mind re-search was marked by two significant works: Manual de Anatomia Pathologi-ca General by Santiago Ramόn y Cajal and the Principles of Psychology by William James. Whereas these two outstanding scientists had outlined two new scientific disciplines, neuroscience and psychology, Peirce focused his scientific investigations on mind and brain activity on developing a methodo-logical setting merging the insights achieved by the studies in natural scienc-es with logical and philosophical studies concerning the cognitive activity of the mind. The following article discusses Peirce’s Phaneroscopy as a science grounded on visual thought, it determines the Phaneron as the origin of im-ages and advocates for a critical rethinking of the status of visual-signs in the era of Touchscreen Culture.

In place of the entanglement of person and work that so strongly marks the artistic work of Andy Warhol, and settles it in the usual Pop Art context, Mèlanie-Chantal Deiss locates it within the cultural context of America's post-war period. Viewed from this perspective, Warhol's work - which tends to be classified as superficial and ahistorical – exhibits unexpectedly serious engagements with concerns of the 1950s and 1960s. Throughout his image series, expressive, somewhat ambivalent narrative strands from America's post-war period unfurl, which transmit a concrete image, as a kind of written historical document. Warhol's visualized narration ultimately culminates in a cultural critique, which treats America not just as a stage of images, but also as site of contemplation of a cultural imaginary, in which art can critically and productively intervene., Anstatt die Verschränkung von Person und Werk, welche konsequent die künstlerische Arbeit von Andy Warhol prägt, im gängigen Kontext der Pop Art anzusiedeln, verortet Mélanie-Chantal Deiss sie im kulturellen Zusammenhang der Nachkriegszeit in Amerika. In Warhols Werk, das tendenziell als oberflächlich und ahistorisch eingestuft wird, zeichnen sich in dieser Perspektive unerwartet ernste Anliegen der 1950er und 1960er ab. Entlang von Warhols Bild-Serien entfalten sich aussagekräftige, teils ambivalente Erzählstränge zur Nachkriegszeit Amerikas, die ein konkreteres Bild als schriftliche Zeitdokumente vermitteln. Warhols visualisierte Narration kulminiert schließlich in einer Kulturkritik, die Amerika nicht nur als Schauplatz der Bilder behandelt, sondern auch als Ort des Nachdenkens, des kulturellen Imaginären, an welchem die Kunst kritisch produktiv interveniert.

Was passiert, wenn man das Funktionsprinzip des menschlichen Ohrs in den Nanometerbereich übersetzt, eine wissensarchitektonische Karte in einer Lecture Performance entworfen wird oder sich Forschende aus mehr als 25 Disziplinen mit Strukturen und Modellen auseinandersetzen? Welche neuen Erkenntnisse bringt die Zusammenarbeit zwischen Biomorphologie und Kunstgeschichte, Medienwissenschaft und Medizin? Und was können die Gestaltungsdisziplinen Design und Architektur zur Grundlagenforschung beitragen? Dieser Band versammelt Beiträge aus dem Exzellenzcluster Bild Wissen Gestaltung und beleuchtet im Fokus der drei titelgebenden Schlagwörter die Produktivität der vielfältigen Forschungsansätze: vom Methodentransfer zwischen den beteiligten Einzeldisziplinen bis hin zum interdisziplinären Entwurf neuer Wissens- und Forschungsstrukturen., Horst Bredekamp und Wolfgang Schäffner: Vorwort I. Bilderwissen Horst Bredekamp: Bilderwissen im Zeitalter des Neomanierismus Kathrin Friedrich et al.: Im Bildlabor der Neurochirurgie. Ein interdisziplinärer bildgeführter Fallbericht Reinhold Leinfelder et al.: Wissenschaftliche Sachcomics. Multimodale Bildsprache, partizipative Wissensgenerierung und raumzeitliche Gestaltungsmöglichkeiten Anja Seliger et al.: Morphologische Analysen vegetabiler Ornamente der Gotik. Eine interdisziplinäre Annäherung an kunsthistorische Reihen Claudia Godau und Robert Gaschler: Wahrnehmung von Datengrafiken. Ein verzerrter Eindruck? II. Wissensstrukturen Sabine Hansmann und Peter Koval: Die Entdeckung einer wissensarchitektonischen Karte Christian Stein: Im Umkreisen begriffen. Über die Produktivität kommunikativer Ambiguität Michael Dürfeld: Mauern. Wissensstruktur und Strukturwissen der Architektur Reinhard Wendler: Zu einer Unschärferelation der Modelle. Präzision und Produktivität mehrdeutiger Modelle in der Gestaltung III. Gestaltung als Synthese Philipp Oswalt: Wissen – Nichtwissen – Entwerfen Anouk-Aimée Hoffmeister: Entwerfen – Verwerfen. Ein reflektierender Werkstattbericht aus dem Interaction Design Christian Kassung et al.: Mit den Haaren hören. 1832 – 2014 – 1897 Bettina Bock von Wülfingen: Bilder der Bewegung. Sexualität im Zellkern um 1900 und nach 2000 Wolfgang Schäffner: Interdisziplinäre Gestaltung. Einladung in das neue Feld einer Geistes- und Materialwissenschaft

Die Fähigkeit "Bilder" unserer Erfahrungen mit der Welt zu formen (Bildkraft) und unser Streben und Wollen (Tatkraft) nach ihnen auszurichten, das ist es, was den Menschen nach Cassirer – und nachfolgend auch nach Langer und Krois – auszeichnet. Voraussetzung dafür die Bilder des Lebens und das, was wir von ihnen halten, zu objektivieren und Anderen zu kommunizieren, bilden Techniken. Die Kunst als Technik ist darin eine Meisterin, indem sie uns über die ästhetische Erfahrung Anschauungen Anderer von ihren Erfahrungen und Wünschen, lebendig vor Augen zu führen vermag. Bei der Analyse von Bildern gilt es insofern nicht nur deren geschichtsträchtigen, auf Erfahrungen mit der Welt beruhenden Aspekte zu untersuchen, sondern vor allem auch deren zukunftsprägendes und damit unsere Tatkraft ansprechendes Potential.

James Elkins should need no introduction, for he is one of the most prolific and influential art historians of the past twenty years. Yet he is certainly not as familiar to French readers as his international popularity would suggest. A professor at the Art Institute of Chicago since 1989, Elkins has written or edited twenty-five books and more than 120 articles and essays. Several books have been translated into Spanish, Italian, Chinese, Korean and Czech, while anthologies of his writing al...

Was passiert, wenn man das Funktionsprinzip des menschlichen Ohrs in den Nanometerbereich übersetzt, eine wissensarchitektonische Karte in einer Lecture Performance entworfen wird oder sich Forschende aus mehr als 25 Disziplinen mit Strukturen und Modellen auseinandersetzen? Welche neuen Erkenntnisse bringt die Zusammenarbeit zwischen Biomorphologie und Kunstgeschichte, Medienwissenschaft und Medizin? Und was können die Gestaltungsdisziplinen Design und Architektur zur Grundlagenforschung beitragen? Dieser Band versammelt Beiträge aus dem Exzellenzcluster Bild Wissen Gestaltung und beleuchtet im Fokus der drei titelgebenden Schlagwörter die Produktivität der vielfältigen Forschungsansätze: vom Methodentransfer zwischen den beteiligten Einzeldisziplinen bis hin zum interdisziplinären Entwurf neuer Wissens- und Forschungsstrukturen.

Wirken sich Bildern auf die Zukunft aus? Ja sagen Verkörperungstheorien und machen dafür weniger Repräsentationsmodelle als Wahrnehmungsweisen verantwortlich.

According to art historian James Elkins, the very term of ›visual literacy‹ is to be assessed as an at least »slightly dubious expression« (ELKINS 2008: 8) if not, in its linking of the scriptural to the pictorial or the discoursive to the non-discoursive, as an outright »self-defeating paradox« (ELKINS 2008: 5). In much of the same sense, William Mitchell views this arguably problematic though historically quite successful term as »a strong and seemingly unavoidable metaphor« (MITCHELL 2008a: 11) in which, though not mutually exclusive, the term of ›reading‹ serving as the vehicle and the term of ›vision‹ as the tenor thus are establishing a kind of hierarchy by apparently privileging the former over the latter in a kind of catachresis (in which the metaphor fills the gap of the lack of a literal or ›proper‹ designation)—literacy explains visuality just as texts explain pictures. At the same time, however, this relation might as well be reversed (so that Mitchell in fact wonders if one should speak of ›visual literacy‹ or ›literary visualcy‹): even verbal literacy does in fact rely on vision as, most evidently, for example, »the skill of reading is already a visual skill« (MITCHELL 2008a: 11), just as even face-to-face communication is governed by the recognition of facial expression, gestures, posture etc. (or ›body lan-guage‹, to use another metaphor of that kind). Neither, then, is literacy ever thoroughly independent of vision (or, more generally, communication of per-ception) nor is vision itself ever ›purely optical‹ regarding its physiological predispositions—let alone a ›natural‹ capacity exempt from learning and training (cf. MITCHELL 2008b: 13, 15). The same metaphorical, paradoxical, or oxymoronic combination of this seeming contradictio in adjecto, I would like to argue, can be found in the concept of an écriture filmique, or ›filmic writing‹, which in the following I will discuss with special regard to recent changes in the wider scope of today’s media culture: just as film, according to intermediality scholar Joachim Paech, has ultimately become a mere metaphor for virtually »every kind of moving picture« (PAECH 2011: 8), writing correspondingly may as yet be noth-ing more than a metaphor for its own remediation in a postmedial era (cf. BOLTER/GRUSIN 2000; WEIBEL 2005), along with ›literacy‹ as a metaphor or syn-ecdoche for several kinds of ›new literacies‹ (cf. BUCKINGHAM 1993; LANK-SHEAR/KNOBEL 2006; LEU/KINZER/COIRO/CAMMACK 2004)—›computer‹,› digital‹, ›information‹, ›media literacy‹ etc. as certain particularly mediatized ›cultural techniques‹ considered elementary for current quotidian communicative competence—in short, to quote Colin Lankshear and Michele Knobel, the general and extensive »semiotic competence« necessary to cope with today’s multimodal »post-typographic texts and technologies« (LANKSHEAR/KNOBEL 2006: 3, 5). The comparative linking of both concepts characterized in this way, then, hopefully still will not result in an explanation metaphoram per meta-phoram, that is, rather tautologically, idem per idem, or even obscurum per obscurius and ignotum per ignotius, but rather aims to contrast two particular reflections on visual literacy by their respective depictions of the lack of it; one philosophical-textual as a general diagnosis of today’s media culture and one artistic-filmic as a specific case in point. In a very cursory way, then, I will discuss: firstly Vilém Flusser’s concept of the ›techno-image‹ as the latest and, implicitly, also the last ›symbolic form‹ of cultural history, and: secondly a film by Peter Greenaway centrally addressing the problem of the ›reading‹ of an image—The Draughtsman’s Contract (1982)—in order to: thirdly and conclusively address the concept of an écriture filmique as founded in Alexandre Astruc’s seminal essay The Birth of a New Avantgarde and its possible uses for the situation of today’s media culture.

Wie verstehen wir Bilder? Vergleichbar der Wahrnehmung von Welt, so eröffnet der Ansatz von Cassirers Philosophie, wird auch das Bild zunächst nicht über sprachliche und begriffliche Bewusstseinsleistungen erfasst, sondern affektive. Ein Ansatz, der, wie die Untersuchung aufzeigen soll, in Kunstwissenschaft und Philosophie in unterschiedlicher Weise verfolgt wurde und für künftige Analysen fruchtbar gemacht werden könnte.