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Artiklen undersøger, hvordan nye bogobjekter bruger eksperimenterende strategier til at repræsentere tab og erindring, samtidig med at de iscenesætter tabet af bogen selv i en tid, hvor bogen som medium og ting ikke længere kan tages for givet.

This paper examines the remedialisation of the abduction of the children of “rojas” by the Francoist regime. In 2006 the Spanish author Benjamin Prado published Mala gente que camina, a novel that shares most of the characteristics of the fiction published after the turn of the millennium dedicated to the memory of the Civil War and Francoist repression: the detective plot, the divided plotline between present and past, and metafictional reflections. But what role did it actually play in the development of the case of the stolen children? This paper studies the relation between different social discourses (testimony, fiction, investigative journalism, historiography) and different media (printed books, TV, cinema and theatre) in the development of the case, and explores the specific relation between documentary and fiction in this context. The article follows a line of dialogic interaction between social discourses and media from the feminist movement in the 1980s and until today, through which oral testimony and the losing part of the population’s “forgotten” memories are turned into docu-fiction and fictionalised documentary with the purpose of reading history against the grain and presenting memory as an act of justice.

Cet ouvrage entend ressaisir une cohérence théorique dans les réflexions de Baudelaire relatives aux diverses fonctions attribuées à la mémoire dans sa critique d’art, du Salon de 1846 au Peintre de la vie moderne., This book seeks to create a theoretically coherent account of Baudelaire’s reflections on the various functions attributed to memory in his critique of art, from Salon de 1846 to Le Peintre de la vie moderne.

Consacrée à l'œuvre de Stéphane Mallarmé (1842-1898), cette thèse invite à la relire à partir d'un paradoxe : bien qu'il ait formulé sa « disparition élocutoire », l'auteur des Poésies et des Divagations se penche sérieusement sur la place du poète dans la cité, sur son «existence littéraire », à une époque où la littérature s'aliène progressivement de la vie. Cette thèse souligne ainsi la présence, dans toute l'œuvre de Mallarmé, d'un « double discours » ambivalent, qui permet d'apporter des réponses subtiles à la question de savoir «à quoi sert » la littérature, pour autant qu'elle « existe ». Elle propose une lecture de Mallarmé qui s'affranchit des thèses formalistes et met en jeu l'actualité de son œuvre, à l'heure où les études littéraires subissent une « crise » – crise dont Mallarmé avait justement pensé les termes, à laquelle il apportait une solution complexe et ambiguë.

Examinant la pratique romanesque de Stendhal, Balzac et Flaubert, la thèse étudie les rapports que la forme romanesque entretient avec la connaissance des valeurs et élabore une théorie du roman qui fait la part belle aux expérimentations affectives. L'auteure considère le genre romanesque comme une procédure de pensée particulière, qui "teste" les valeurs éthiques et esthétiques par le biais d'un modèle fictif: le personnage et ses émotions. La première partie confronte la théorie des passions mise au point par Stendhal et Balzac à la philosophie des émotions: Stendhal y apparaît comme un précurseur des études actuelles consacrées à l'affectivité. La deuxième partie montre comment la représentation des émotions conduit à la révélation de valeurs éthiques et esthétiques. La troisième partie effectue une mise au point de la notion de "romanesque", en considérant la façon dont les personnages stendhaliens (Lamiel) et balzaciens (Modeste Mignon) envisagent le phénomène de l'identification romanesque. Cette approche permet d'infléchir la compréhension du "bovarysme", trop souvent réduit à une "mauvaise lecture" des romans. Enfin, les quatrième et cinquième partie présentent certains problèmes esthétiques liés à l'imagination affective: entre les phénomènes d'identification évoqués par la critique et les vertiges de l'extase sensorielle décrits par Stendhal et Flaubert, l'imagination qui préside à la création romanesque apparaît comme la contrepartie esthétique de la sympathie définie par Max Scheler.

Comment aborder le cinéma à nouveaux frais? Comment tisser de nouveaux liens entre philosophie, théologie et 7e art? Comment Robert Bresson et Andreï Tarkovski, avec les moyens propres au langage cinématographique, ont-ils donné forme à cette transcendance qu'ils désiraient si profondément manifester? Pour répondre à ces questions, "Filmer l'Invisible" propose une triple approche: 1) sémiologique, en portant l'attention sur les signes et les symboles que véhiculent leurs images; 2) phénoménologique, en regardant la manière dont leurs oeuvres nous mènent, au travers des ellipses et des plans-séquences, au-delà du temps; 3) herméneutique, enfin, pour affiner la lecture des parcours christiques que décrivent ces films. Sans être des théologiens, Robert Bresson et Andreï Tarkovski se sont engagés, avec toute la force de leur art, à montrer les rapports complexes qu'entretiennent les hommes avec Dieu, le plus souvent à leur insu. C'est en ce sens que l'on pourra vraiment parler d'une "esthétique théologique"...

Cette thèse se propose d'explorer une problématique peu abordée dans le cas de Baudelaire : la théâtralité de la vie de l'écrivain qui entraîne une théâtralité de l'œuvre littéraire, la conception étonnamment moderne du théâtre qu'il exprime souvent dans ses écrits, son échec à mener à bien au moins un des quatorze projets de pièces élaborés pendant une vingtaine d'années (1843-1863). Ces axes principaux de recherche correspondent aux trois parties successives et interdépendantes du travail : théâtralité, théâtre(s), ébauches de pièces, flanquées par une Introduction méthodologique au début, par des Conclusions, une Annexe relative aux mises en scène des textes baudelairiens et une Bibliographie à la fin. Deux questions capitales pour Baudelaire traversent le texte : celle de l'hyperbole et celle du théâtre de marionnettes. Ayant comme principe méthodologique principal celui de ne pas séparer l'auteur de l'œuvre, nos analyses ont été faites dans une visée mi-biographiste, mi-psychanalytique.