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The interest of the silent work of the artist in his studio or the continued attention of the slow gestation of the architecture, have been constant since long time ago. The good photographers have always been ready to put their careful look on this processes. It's very interesting to peel what ocurred in the first decades of the 20Th century, and specially on the years before the spanish civil war. In this years, I will observe the figures of two women photographers - Dora Maar and Margaret Michaelis- that understood the creative processes as a fundamental part of the artistic creation, and thanks to which, we discovered this authors, we visualize the scenes of their gestation and we enjoy with the plastic arts of their constructive advances.

La existencia del hombre sobre la tierra implica necesariamente un cuerpo físico, que vive o vivió inserto en un conjunto de sistemas simbólicos desde el cual trama su presencia (Breton; 2002). Así, es posible indagar los imaginarios, percepciones, discusiones que se generan en torno a la corporeidad como categoría teórica posible de analizar en la literatura argentina tomando en cuenta los distintos dispositivos artísticos y culturales que se emplean en las producciones de una sociedad específica. Concretamente, nos centramos en un periodo de dicha literatura donde las revistas literarias se convierten en espacios propicios para las innovaciones y protestas, culturales y estéticas, de los jóvenes vanguardistas. Entre esas revistas, de siglo XX, la más resonante fue Martín Fierro, en la cual indagaremos los modos en que se inscriben los cuerpos a partir del análisis de elementos paratextuales y lingüísticos mediados por la estética vanguardista. Por medio del análisis cualitativo de la revista, consistente en el registro y sistematización de los diferentes modos de inscribir la corporeidad, detectamos que las técnicas empleadas en la representación visual traducen una tensión de fondo. Según Beatriz Sarlo (1997) una condición fundamental para el surgimiento de las vanguardias estéticas en nuestro país fue la presencia de un campo de legitimación que marginaba del sistema a quien no encajaba en sus moldes, de allí el afán de las vanguardias por permear ese campo. Esta lucha por la legitimación se traslada al enfrentamiento de procedimientos artísticos que tematizan lo corpóreo dentro de la revista Martín Fierro.

El presente artículo analiza la obra para guiñol Comino vence al diablo, de Germán List Arzubide, con el fin de estudiar los cambios estéticos producidos en su obra en la década de 1930. La obra fue, además, un texto fundacional –y a la vez modélico– del Teatro Guiñol de Bellas Artes. El análisis permite, a la vez, reflexionar sobre el complejo paso de las vanguardias de la década anterior al arte comprometido que desarrolla el autor (y tantos otros artistas con un recorrido estético semejante) en esos años y proponer alguna posibilidad de explicación en torno a las rupturas y continuidades de ese tránsito.

Mediante un conjunto variado de fuentes, que incluye documentos de archivo, entrevistas y artículos de periódicos, este artículo busca demostrar que la Revolución cubana no fue desde un inicio un proyecto inspirado del comunismo "ortodoxo". La intensidad del acercamiento con la URSS generó dudas y debates teóricos (incentivados por la tesis guevarista del "foquismo") en un país donde muchos temían una integración pasiva en el campo socialista. Dentro del mundo intelectual, intensas polémicas estallaron en la década de 1960 (como la "polémica de los manuales" de 1966) reflejando sensibilidades divergentes ante "lo soviético", así como una concepción distinta del papel del artista y de las vanguardias en la sociedad revolucionaria. La "normalización" de los lazos cubano-soviéticos, visible a fines de la década, fue posible tras un largo periodo de desacuerdos, aprehensiones y controversias doctrinarias. Based on a diverse variety of sources, including archival materials, interviews and newspapers, this article seeks to demonstrate that the Cuban Revolution was not from the outset a project inspired by an "orthodox" communism. Close ties with the USSR led to doubts and theoretical debates (encouraged by Che Guevara's thesis: "foquismo") in a country where many feared a passive integration in the socialist sphere. Intense controversies erupted within the intellectual milieu during the 1960s (like the "manual controversy" in 1966), reflecting divergent sensibilities regarding "things Soviet" and differing ideas about the role of artists and the avant-gardes in a revolutionary society. The "normalization" of Cuban-Soviet relationships, noticeable at the end of the decade, was only possible after a long period of disagreements, apprehensions and doctrinal controversies.

Germaine Dulac is mainly known for her work La coquille et le clergyman and for his controversial collaboration with Antonin Artaud in it. However, in order to get a closer approach and to understand the germ of the surrealist stage of the filmmaker, it is necessary to know her personal motivations and her critical position towards the values and the position occupied by the figure of women in her time, which was favoured by the artistic and political movements of the moment. This will be the cause that will lead her to experiment and express herself through the formal and narrative elements of the cinema, the study of the movement of the characters and their relation with the scene, as well as the investigation of rhythm, the emphasis on the Psychological and interior world, in order to reach the idea of pure cinema.

This article will identify the symbolic elements present in The blood of a poet with the myth of Orpheus, anticipating how this avant-garde film prefigured the poetic universe that Jean Cocteau would develop throughout his career. The formation of the imaginary of Cocteau was marked from his childhood by the traumatic death of his father that his mother wanted to compensate overprotecting him. Through the symbology present in his first film we will establish analogies and relationships between the author’s own biography, references to the myth of Orpheus and the interpretation that other artists close to surrealism made of these elements.

El presente artículo huye de la mera catalogación de artistas y de obras dedicadas a la misericordia en la pintura y la escultura del siglo XX, no pretende ser un trabajo exhaustivo en este sentido. Se plantean más bien una serie de sugerencias a partir de la polisemia, inherente a los discursos del arte contemporáneo, en torno a cómo la misericordia se ha hecho patente a través de la creación plástica de la última centuria, incluso al margen de la propia intención del artista. Es más, en este artículo se ha dejado a un lado, salvo alguna excepción, a aquellos artífices dedicados al arte sacro o al arte devocional en pro de la búsqueda de determinadas aportaciones que, fuera de dicho ámbito, puedan resultar llamativas por abordar la misericordia en una sociedad donde la religión paulatinamente ha quedado relegada de los circuitos generales de la creación estética.

The well-known returning of the real marked the beginning of a new revision that emphasizes the crisis of representation and the question of realism as a genre opened to an uncommon leaking. This returning must be rethinking by the reflection about how the avant-garde promotes the debate on aesthetics and politics. This essay proposes an approach to this topic by analyzing modernism as the avant-garde that introduces a third position in the dialectics of high art and popular culture, art and life or the individual and the world. The study of the work of Joyce and Kafka will be addressing by the traditional readings and its approaches from reviews and translations written by main authors in the Río de la Plata´s region.

Museo Picasso Málaga. Del 10 de octubre de 2017 al 28 de enero de 2018

El artículo presenta una lectura del poemario Vida bilingüe de un refugiado español en Francia, de Rafael Alberti, publicado en Argentina en 1942. La obra, sin embargo, había sido escrita en Francia, entre los años 1939 y 1940, durante el primer tiempo del largo exilio del poeta. A partir de la figura del flâneur que el itinerario del sujeto lírico por la ciudad de París sugiere, evocando no solo a Charles Baudelaire, sino también a Apollinaire y Aragon, tratamos de reflexionar sobre la manera como Rafael Alberti moviliza los recursos formales y la relación con la tradición literaria en ese momento clave de su itinerario poético y de la lírica del siglo XX. Asimismo, se considera que el poemario invita a pensar la condición del poeta y de la literatura en un periodo que anuncia los hechos más bárbaros que la historia humana conocerá.

No es frecuente que aparezcan reunidos en un mismo estudio crítico los autores que encabezan el título de esta tesis. La tradición marca un camino según el cual Ramón Gómez de la Serna abre las exploraciones sobre las vanguardias en España, en el que Rafael Alberti integra un capítulo sobre la generación del 27, en el que Francisco Ayala pone de manifiesto el hasta hace escaso tiempo renacido interés por la narrativa deshumanizada o de vanguardia. Los dos últimos nombres encuentran además un destacado lugar en el subgrupo de autores o literatura del exilio republicano, categoría que juega un papel relevante en este trabajo, pero sin quedar cercenada del resto en una sección aparte, como ocurrió durante décadas. La reunión de los tres autores, quienes tienen entre sí más reconocidas y fijadas diferencias que similitudes, constituye el punto de partida para realizar un itinerario diferente de los más acrisolados por la obra de tres figuras descollantes de las letras españolas del pasado sigo. Y del presente, si hacemos justicia a la longevidad y vitalidad intelectual de Francisco Ayala., Facultad de Humanidades y Ciencias de la Educación

This article addresses the construction of Latin American imaginaries of modernization in relation to the technical developments that have arisen by the beginning of the 20th century. It also studies the way in which the glorification of technology produced a strong impact on the avant-garde in the visual arts and literature. After analyzing the attraction of European avant-gardes movements towards Technique, this essay argues that in our region several works of art questioned the uncritical exaltation of the machine. Instead, they proposed local artistic languages based on the notions of utopia and invention. The article concludes by stating that the glorification of technology, utopia and invention are concepts that not only enable to articulate different poetic, political and techno-scientific conceptions that have gradually appeared on the local scene, but they also contribute to build bridges between the artworks of the first avant-gardes and the emergencies of contemporary art. El presente artículo analiza la construcción de los imaginarios de modernización latinoamericanos configurados en torno a los desarrollos técnicos advenidos a principios del siglo XX, así como el modo en que cierta glorificación tecnológica impactó en las artes visuales y la literatura de vanguardia. Luego de rastrear la atracción ejercida por la técnica en algunos movimientos de vanguardia europeos, el trabajo sostiene que, en nuestra región, diversas obras cuestionaron la exaltación acrítica de la máquina y propusieron, en cambio, lenguajes vernáculos basados en las nociones de utopía e invención. El artículo concluye que glorificación técnica, utopía e invención son conceptos que no solo permiten articular las diferentes concepciones poéticas, políticas y tecno-científicas que poco a poco fueron gestándose en la escena local, sino que también posibilitan tender puentes entre las obras de las primeras vanguardias y las emergencias del arte contemporáneo.

Oskar Fischinger (1900-1967) fue el pintor-animador por excelencia. Ideó todo tipo de procedimientos y artefactos para animar formas abstractas, geométricas y orgánicas, como por ejemplo la máquina de animar cortes de cera. También experimentó con plastilina y líquidos coloreados, y llegó a utilizar animación con volumen para muchos de sus filmes y spots publicitarios (Muratti Greift Ein!, 1934). La melodía era un elemento clave en sus películas, en las que desarrollaba la idea de música visual (Studies, 1931). Afín a la filosofía oriental, introdujo el color como un elemento clave en sus creaciones (Komposition in Blau, 1935). Emigrado a EEUU, su animación ejerció gran influencia en el concepto de Fantasía (1940) de Disney. Realizó su última película, Motion Painting n. 1 (1947), patrocinado por la fundación Guggenheim., Visionar el vídeo de aprendizaje tomando notas sobre los títulos de las películas, y después, buscarlos en plataformas abiertas para conocerlas más en detalle.

El presente artículo analiza la construcción de los imaginarios de modernización latinoamericanos configurados en torno a los desarrollos técnicos advenidos a principios del siglo XX, así como el modo en que cierta glorificación tecnológica impactó en las artes visuales y la literatura de vanguardia. Luego de rastrear la atracción ejercida por la técnica en algunos movimientos de vanguardia europeos, el trabajo sostiene que en nuestra región diversas obras cuestionaron la exaltación acrítica de la máquina y propusieron, en cambio, lenguajes vernáculos basados en las nociones de utopía e invención. El artículo concluye que glorificación técnica, utopía e invención son conceptos que no solo permiten articular las diferentes concepciones poéticas, políticas y tecno-científicas que poco a poco fueron gestándose en la escena local, sino que también posibilitan tender puentes entre las obras de las primeras vanguardias y las emergencias del arte contemporáneo. This article addresses the construction of Latin American imaginaries of modernization in relation to the technical developments that have arisen by the beginning of the 20th century. It also studies the way in which the glorification of technology produced a strong impact on the avant-garde in the visual arts and literature. After analyzing the attraction of European avant-gardes movements towards Technique, this essay argues that in our region several works of art questioned the uncritical exaltation of the machine. Instead, they proposed local artistic languages based on the notions of utopia and invention. The article concludes by stating that the glorification of technology, utopia and invention are concepts that not only enable to articulate different poetic, political and techno-scientific conceptions that have gradually appeared on the local scene, but they also contribute to build bridges between the artworks of the first avant-gardes and the emergencies of contemporary art. Fil: Adler, Yasmin. Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Técnicas; Argentina. Universidad Nacional de Tres de Febrero. Departamento de Arte y Cultura; Argentina

The author suggests that literary criticism generally ignores the collections of stories Humberto Salvador published from 1930 to 1980. Salvador recreates, throughout his entire career, the society and culture that surrounds him, seeking to decipher its moral essence; to achieve this, he makes intuition a positive value, more so than reason. Among the initial topics (during the 1920s) of the writer from Guayaquil stands out his reflection on art, as a product immersed in culture, history and society; a work would be the conjunction of literary work and the randomness of daily life: making it therefore an object to be found. After this «aesthetic» period, Salvador sought to represent society principally with «outcast» characters who follow no orthodox code. He emphasized mental states and psychological aspects (diseases such as schizophrenia, hysteria, etc.). According to Corral, Salvador’s stories evolve from the artist’s theme to that of everyday life; he argues that these are gems of existential comedy, anguish and domestic moderation. Se plantea que la crítica suele ignorar las colecciones de cuentos que Humberto Salvador publicara entre las décadas de 1930 y 1980. Salvador recrea, a lo largo de toda su producción, la sociedad y la cultura que lo rodean, buscando descifrar su esencia moral; para ello, otorga a la intuición un valor positivo, por sobre la razón. Entre los temas iniciales del autor guayaquileño (década de 1920), sobresale su reflexión sobre el arte, como producción inmersa en la cultura, la historia y la sociedad; una obra sería conjunción del trabajo literario y el azar de la vida cotidiana: por ello es un objeto por encontrarse. Después de este período «estético», Salvador buscó representar la sociedad, con personajes desclasados principalmente, que no se adhieren a ningún código ortodoxo. Hizo énfasis en aspectos psicológicos o en estados mentales (enfermedades como la esquizofrenia, la histeria, etc.). A decir del crítico Wilfrido H. Corral, los relatos del guayaquileño progresan del tema del artista hacia el de la cotidianidad, y de éste al del artista menos libre; son joyas, insiste, de la comedia existencial, de la angustia y de la moderación doméstica.

Esta propuesta didáctica plantea un cambio de enfoque y metodológico para la asignatura de Historia del Arte de 2º de Bachillerato, orientado hacia un enfoque perceptivo práctico. Se interesa en un método de trabajo que favorezca en el alumnado un proceso de alfabetización visual, o adquisición de habilidades autónomas para la lectura, producción y análisis de mensajes visuales, como una habilidad indispensable en la realidad posmoderna. La comunicación visual y sus lenguajes son un recurso muy explotado en la sociedad actual, que consume a diario más imágenes que palabras. La efectividad de emisión y lectura responde a contextos culturales, y sus códigos se nutren también de ellos. Es por ello necesario realizar una labor retrospectiva para comprender cómo ha funcionado y funciona el lenguaje visual y sus códigos a lo largo de la historia y el por qué, para posteriormente proceder a un análisis exhaustivo y crítico de los mismos como origen de discriminaciones y manipulaciones. Se postula aquí un nuevo enfoque de la asignatura de Historia del Arte como acceso a estos conocimientos prácticos, estrechamente ligados con los estándares de aprendizaje que exige el currículo. Como ejemplo se expone el diseño de una actividad en formato WebQuest, que plantea el objetivo de trabajar en un sistema cada vez menos dirigido, que fomente la consecución de habilidades y competencias autónomas de lectura y pensamiento crítico del alumnado, útiles no solo para la superación de las pruebas de evaluación sino para su uso en la vida diaria.

Los trabajos reunidos en el presente volumen son el resultado de una selección de las ponencias presentadas en las III Jornadas Nacionales y VII Encuentro de investigadores "Estética y Filosofía del Arte", que tuvo lugar en la Facultad de Ciencias de la Comunicación de la Universidad Nacional de Córdoba los días 1, 2, 3 y 4 de agosto de 2017. Las Jornadas fueron organizadas por el grupo de investigación “Modernidad estética y teoría crítica” (Secyt/UNC). Los textos han sido revisados a fin de adaptarlos al formato de libro y a El presente volumen recoge los recientes avances en materia de estética producidas por diversos investigadores y equipos de investigación en Argentina. La diversidad de perspectivas oriundas de tradiciones disímiles y de objetos de reflexión de múltiples naturalezas configuran un horizonte amplio y complejo de la pregunta filosófica por el arte. El libro plantea dos vías de aproximación a este horizonte multidimensional, que atiende al modo material en que la pregunta estética se despliega en cada uno de los textos: estéticas filosóficas, que reflexionan las propias categorías de la estética en otros autores, y estéticas encarnadas, que junto a otros autores reflexionan sobre producciones artísticas concretas. Ambos modos de la estética no se platean como excluyentes ni contrapuestos sino que, como exponen las conexiones cruzadas entre los textos, constituyen prácticas teóricas en constante situación de complementariedad , diálogo e intercambio. Fil: Albín, Juan. Universidad Nacional de Córdoba, Facultad de Ciencias de la Comunicación, Secretaría de Ciencia y Tecnología. Fil: Altamiranda, Verónica. Universidad Nacional de Córdoba, Facultad de Ciencias de la Comunicación, Secretaría de Ciencia y Tecnología. Fil: Baigorria, Martín. Universidad Nacional de Córdoba, Facultad de Ciencias de la Comunicación, Secretaría de Ciencia y Tecnología. Fil: Belenguer, Celeste. Universidad Nacional de Córdoba, Facultad de Ciencias de la Comunicación, Secretaría de Ciencia y Tecnología. Fil: Bidón Chanal, Lucas. Universidad Nacional de Córdoba, Facultad de Ciencias de la Comunicación, Secretaría de Ciencia y Tecnología. Fil: Bohlman, Tamara. Universidad Nacional de Córdoba, Facultad de Ciencias de la Comunicación, Secretaría de Ciencia y Tecnología. Fil: Cabrera, Gustavo Javier. Universidad Nacional de Córdoba, Facultad de Ciencias de la Comunicación, Secretaría de Ciencia y Tecnología. Fil: Cangui, Adrian. Universidad Nacional de Córdoba, Facultad de Ciencias de la Comunicación, Secretaría de Ciencia y Tecnología. Fil: Casullo, Mariana. Universidad Nacional de Córdoba, Facultad de Ciencias de la Comunicación, Secretaría de Ciencia y Tecnología. Fil: Conti, Romina. Universidad Nacional de Córdoba, Facultad de Ciencias de la Comunicación, Secretaría de Ciencia y Tecnología. Fil: Coschica, Fernando. Universidad Nacional de Córdoba, Facultad de Ciencias de la Comunicación, Secretaría de Ciencia y Tecnología. Fil: Cristobo, Matías. Universidad Nacional de Córdoba, Facultad de Ciencias de la Comunicación, Secretaría de Ciencia y Tecnología. Fil: De Angelis, Javier. Universidad Nacional de Córdoba, Facultad de Ciencias de la Comunicación, Secretaría de Ciencia y Tecnología. Fil: Galfione, María Verónica. Universidad Nacional de Córdoba, Facultad de Ciencias de la Comunicación, Secretaría de Ciencia y Tecnología. Fil: García, Pilmaiquén. Universidad Nacional de Córdoba, Facultad de Ciencias de la Comunicación, Secretaría de Ciencia y Tecnología. Fil: Gonzalez, Alejandra. Universidad Nacional de Córdoba, Facultad de Ciencias de la Comunicación, Secretaría de Ciencia y Tecnología. Fil: Guzzi, José. Universidad Nacional de Córdoba, Facultad de Ciencias de la Comunicación, Secretaría de Ciencia y Tecnología. Fil: Isidori, Julia. Universidad Nacional de Córdoba, Facultad de Ciencias de la Comunicación, Secretaría de Ciencia y Tecnología. Fil: Juárez, Esteban Alejandro. Universidad Nacional de Córdoba, Facultad de Ciencias de la Comunicación, Secretaría de Ciencia y Tecnología. Fil: Laurenzi, Adriana. Universidad Nacional de Córdoba, Facultad de Ciencias de la Comunicación, Secretaría de Ciencia y Tecnología. Fil: Ledesma, Jerónimo. Universidad Nacional de Córdoba, Facultad de Ciencias de la Comunicación, Secretaría de Ciencia y Tecnología. Fil: López Piñeyro, Hernán. Universidad Nacional de Córdoba, Facultad de Ciencias de la Comunicación, Secretaría de Ciencia y Tecnología. Fil: Palazzo, Valeria. Universidad Nacional de Córdoba, Facultad de Ciencias de la Comunicación, Secretaría de Ciencia y Tecnología. Fil: Perié, Alejandra. Universidad Nacional de Córdoba, Facultad de Ciencias de la Comunicación, Secretaría de Ciencia y Tecnología. Fil: Podestá, Florencia. Universidad Nacional de Córdoba, Facultad de Ciencias de la Comunicación, Secretaría de Ciencia y Tecnología. Fil: Poenitz, Paula Beatriz. Universidad Nacional de Córdoba, Facultad de Ciencias de la Comunicación, Secretaría de Ciencia y Tecnología. Fil: Reduello, María Eugenia. Universidad Nacional de Córdoba, Facultad de Ciencias de la Comunicación, Secretaría de Ciencia y Tecnología. Fil: Rivulgo, Moira Ailín. Universidad Nacional de Córdoba, Facultad de Ciencias de la Comunicación, Secretaría de Ciencia y Tecnología. Fil: Roldán, Eugenia. Universidad Nacional de Córdoba, Facultad de Ciencias de la Comunicación, Secretaría de Ciencia y Tecnología. Fil: Rossi, María José. Universidad Nacional de Córdoba, Facultad de Ciencias de la Comunicación, Secretaría de Ciencia y Tecnología. Fil: Rossi, María Sol. Universidad Nacional de Córdoba, Facultad de Ciencias de la Comunicación, Secretaría de Ciencia y Tecnología. Fil: Rucavado Rojas, Mario. Universidad Nacional de Córdoba, Facultad de Ciencias de la Comunicación, Secretaría de Ciencia y Tecnología. Fil: Tomás, Silvia Inés. Universidad Nacional de Córdoba, Facultad de Ciencias de la Comunicación, Secretaría de Ciencia y Tecnología.

Cuando el cubano Wifredo Lam (1902-1982) llegó a Madrid en 1923, ya era un pintor con- solidado. Formado bajo los preceptos de la Academia, encontró en el arte de Picasso los medios para liberarse formalmente de la tradición académica. La propia obra y la colección de máscaras y esculturas de Picasso lo alentaron a coleccionar artefactos africanos. Sin embargo, analizar el trabajo de Lam por las similitudes con Picasso o su amistad con André Breton es pasar por alto la diferencia entre el arte moderno según la perspectiva de artistas europeos y no-europeos. Examinar su obra desde esta perspectiva es afirmar que su identidad artística fue moldeada por las mismas influencias que constituyeron a las vanguardias europeas. Este texto tiene como objetivo analizar la obra de Lam desde su retorno a Cuba en 1941, con un horizonte teórico basado en un Caribe transcultural y en la vanguardia literaria representada, entre otros, por los cubanos Lydia Cabrera y Fernando Ortiz, y los martinica- nos Aimé Césaire y Édouard Glissant., Área de Historia del Arte. UPO

[EN] This article pays homage to the German-American painter and teacher Lyonel Feininger, one of the great masters of the Bauhaus, upon the hundredth anniversary of his first solo exhibition in Berlin in 1917. Feininger was an independent and very versatile artist. He was a great cultivator of drawing as the beginning and the end of his work, especially when it came to sketching in situ. He mastered a multitude of graphic and pictorial techniques, including comics, cartoons, engravings, charcoals, watercolours, oils and modelling. He drew on numerous avant-garde movements, from expressionism to abstraction, cubism and orphism, and this culminated in his own “prismism,” though he never became fully linked with any movement in particular. What made him stand out during his lifetime was his visual evolution and a very personal spiritual quest, which this text provides an account of., [ES] Este artículo rinde homenaje a la figura del pintor y profesor germano-estadounidense Lyonel Feininger, uno de los principales maestros de la Bauhaus, a los 100 años de su primera exposición individual en Berlín, en 1917. Feininger fue un artista independiente y muy versátil, gran cultivador del dibujo como principio y fin de su obra, sobre todo del apunte in situ; dominador de multitud de técnicas gráficas y pictóricas: cómic, caricatura, grabado, carboncillo, acuarela, óleo, maquetas, etc. Bebió de las fuentes de numerosas vanguardias, desde el expresionismo hasta la abstracción, pasando por el cubismo y el orfismo, y culminando en su particular “prismatismo”, pero sin llegar a vincularse del todo con ningún movimiento en concreto. Destacó en el trascurso de su vida por una evolución plástica y una búsqueda espiritual muy personal de las que este escrito da cuenta.

El artículo dilucida los argumentos plásticos de la pintura abstracta de Rafael Cerdá, pintor de Alcalá de Guadaira con amplia trayectoria y producción en pintura y escultura. Lo hace en relación con la evolución experimentada por el artista en los últimos años, en la que la depuración del lenguaje morfológico propio lo ha llevado a la correspondiente estilística, estableciendo nuevos valores en una dinámica coherente y muy reconocible. The article raises the plastic arguments of abstract painting by Rafael Cerdá, Alcala de Guadaira painter with extensive background in painting and sculpture. It does so in relation to the evolution experienced by the artist in recent years, in which morphological language debugging has led to corresponding Stylistics, establishing new values in a consistent and very recognizable dynamics.

En este artículo analizamos la evolución que experimentó la revista L’Instant, publicada en una primera etapa –entre julio de 1918 y febrero de 1919– en París, bajo la dirección del poeta y crítico catalán francófilo Joan Pérez-Jorba. En su segunda etapa, entre agosto y octubre de 1919 pasa a editarse en Barcelona, por Joaquim Horta i Cunill. En esta nueva etapa tanto la finalidad como los principios que guiarán la revista cambian radicalmente hasta convertirse en antagónicos de los que dieron lugar a su creación. Analizamos asimismo la influencia determinante de la realidad socio-cultural catalana del momento en dicha evolución. In this article we study developments that underwent the magazine L'Instant, published in a first stage –from July 1918 to February 1919– in Paris, under the direction of the poet and critic Catalan Joan Pérez-Jorba. Between August and October 1919 goes to edit in Barcelona, by Joaquim Horta i Cunill. In this new stage both the purpose and the principles that will guide the magazine changed radically to become antagonistic of which resulted in the creation of the magazine. We also analyse the determining influence of Catalan socio-cultural reality of the moment in this evolution. Dans cet article nous analysons l’évolution subie par la revue L’Instant, publiée dans sa première étape –entre juillet 1918 et février 1919– à Paris, sous la direction du poète et critique littéraire catalan Joan Pérez-Jorba. Dans sa deuxième étape, entre août et octobre 1919 elle est éditée à Barcelone, par Joaquim Horta i Cunill. Dans cette nouvelle période aussi bien le but visé que les valeurs régissant la revue changeront de manière radicale jusqu’à devenir antagoniques de ceux qui ont été à la base de sa création. Nous examinons également l’influence déterminante qu’a exercée la réalité socio-culturelle catalane dans cette évolution.

El libro responde a la inquietud de explorar la (in)visibilización de la negritud en las prácticas artísticas contemporáneas y de sus poéticas discursivas en el devenir histórico en América Latina y España. Lejos de viejos exotismos, está motivado por la constatación de esa ausencia en los discursos dominantes, en los ámbitos del conocimiento, la cultura y las prácticas artísticas en la mayoría de países iberoamericanos, en relación con sus homólogos francófonos o angloparlantes. La publicación reúne una serie de 21 artículos con la introducción de la editora. Un acercamiento desde la diversidad disciplinar, con sus respectivas miradas, al legado cultural, el pensamiento y la presencia en las prácticas artísticas contemporáneas de los y las afrodescendientes, con el desarrollo del concepto de negritud. El libro se estructura en cinco líneas temáticas: I. Huellas artísticas e históricas de la negritud. Se indaga del legado histórico de la negritud en su paso por diferentes geografías y épocas, desvelando su invisibilización histórica. II. Negritud, pensamiento y arte contemporáneo. Se abordan las prácticas artísticas contemporáneas que reflexionan y analizan la cuestión de la negritud en sus diferentes manifestaciones, así como su potencia, su insurgencia y su resistencia en la contemporaneidad. III. Éticas y políticas de la negritud. Discurre entorno a los procesos subjetivos de construcción identitaria, el sujeto político y sus reivindicaciones identitarias y de clase a través del arte y la política. IV. Feminismos y negritud. Pone en cuestión la universalidad de las experiencias de los feminismos dominantes desde la influencia y presencia de los orígenes afro y su corporalidad en las intersecciones entre el arte contemporáneo, el cuerpo femenino y la palabra performativa. V. Itinerarios de la memoria ¿negra¿ en ciudades españolas. Muestra diferentes recorridos urbanos destinados a rescatar la memoria y el legado negro en el patrimonio cultural y artístico de Barcelona y Sevilla. Al fin, el libro se presenta como una propuesta de visibilización de ciertas prácticas y relatos que por diferentes motivos suelen estar velados. No otro objetivo tuvo, desde su plantamiento inicial, que contribuir en lo posible a la activación de la memoria histórica y el legado cultural, en el reconocimiento de la diversidad como horizonte hacia el que avanzar., Área de Historia del Arte, UPO

Nous nous proposons d’examiner ici la valeur du cinéma de Chaplin et de son personnage, Charlot, dans la quête de modernité poétique qui caractérise la production de trois auteurs, bâtisseurs de la poésie péruvienne contemporaine, César Vallejo, Xavier Abril et Emilio Adolfo Westphalen. Nous examinons la manière dont l’appropriation de la figure de Chaplin exprime cette rage « d’être contemporain de tous les hommes » (Paz, 1998, 340), en nous interrogeant si elle s’effectue en continuité avec le dessein moderniste se nourrissant d’un cosmopolitisme « qui synchronise l’art latino-américain et celui des métropoles culturelles » (Yurkievich, 1988, 12) ou plutôt comme problématisation de celle-ci, pouvant être perçue comme un marqueur de l’évolution des positionnements des cultures et littératures de la périphérie vis-à-vis du centre. Este artículo propone una reflexión sobre el valor que posee el cine de Chaplin y su personaje fetiche Charlot en la búsqueda y conquista de una modernidad poética a través del estudio de textos (poesía y prosa) de tres autores; César Vallejo, Xavier Abril y Emilio Adolfo Westphalen, que podemos considerar como fundadores y constructores de la poesía peruana contemporánea. Se analiza la manera como la apropiación de la figura de Chaplin expresa la sed de « ser contemporáneo de todos los hombres » (Paz, 1998, 340), y si esta está en continuidad con el designio modernista y su cosmopolitismo, que « sincroniza el arte latinoamericano con el de las metrópolis culturales » (Yurkievich, 1988, 12) o más bien si se presenta como problematización e indicador de la evolución de los posicionamientos de las culturas y literaturas de la periferia con respecto al centro. Este artigo propõe uma reflexão sobre o valor do cinema de Chaplin e seu personagem fetiche Charlot na busca e conquista de uma modernidade poética através do estudo de textos (poesia e prosa) por três autores, César Vallejo, Xavier Abril e Emilio Adolfo Westphalen, que podemos considerar como fundadores e construtores da poesia peruana contemporânea. A maneira como a apropriação da figura de Chaplin expressa a sede de “ser contemporâneo de todos os homens” é analisada (Paz, 1998, 340), e se isso estiver em continuidade com o design modernista e o seu cosmopolitismo, que “sincroniza a arte latino-americana com a das metrópoles culturais” (Yurkievich, 1988, 12) ou melhor, se for apresentado como uma problematização e um indicador da evolução do posicionamento das culturas e literaturas da periferia em relação ao centro. This article proposes a reflection on the value of Chaplin’s cinema and his fetish character Charlot in the search and conquest of a poetic modernity through the study of texts (poetry and prose) by three authors, César Vallejo, Xavier Abril and Emilio Adolph Westphalen, who can be considered as founders and builders of contemporary Peruvian poetry. The appropriation of the figure of Chaplin, as we will argue, expresses the thirst to be “contemporary of all men” (Paz, 1998, 340). In this article we will examine this appropriation is in continuity with the modernist design and cosmopolitanism, which “synchronizes Latin American art with that of cultural metropolis” (Yurkievich, 1988, 12), or, rather, if it presents itself as problematization and indicator of the evolution of the positions of the cultures and literatures of the periphery with respect to the center.

Este artículo expone ciertos aspectos de la contrastante carrera literaria de dos escritores, uno de ellos probablemente el de más éxito y el otro entre los menos mencionados dentro del campo literario de México. Las respectivas trayectorias de Carlos Fuentes y de Pablo Palomino tuvieron muchos rasgos en común desde sus inicios: pertenecieron al mismo grupo cultural que se llamó los Basfumistas, formaron parte de una sola generación de escritores y publicaron su primera novela con una diferencia de tres años: Autopsia (1955) y La región más transparente (1958). Se exponen en este espacio algunos de los temas y de las técnicas evidentes en el primer relato con el fin de observar los diversos rasgos que tienen en común, como por ejemplo el llamado fluir de la conciencia empleado por James Joyce en Ulises (1922).