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Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) The present work proposes to investigate the poetic aspects intrinsic to the Sound Art, taking the nomadism notion as the principal reference. Starting from the relationship between the pieces, the listening modes and the interactive processes, the dissertation approaches how the choices of materials, technologies and the formation of sound artists are important elements in the creative process. The sound artist transits between different means, knowledges, technologies and art languages to propose their own pieces. This research conducts a mapping of píeces and sound artists, tracing a broad dialogue with the investigated bibliography. The researched Sound Art pieces are found as sound installations, site-specific, sound sculptures and interactive environments. The Sound Art explores the potential of listening and the use of sound as a way of interacting with the pieces. In this way, the research points out that this artistic genre is characterized by its hybridism, revealing some historical approximations between music and the contemporary plastic arts. Furthermore, it is of great importance for the conception of Sound Art the influence of the experimental pieces of John Cage and the Fluxus group. From Cox's theory (2004; 2009) about the notions of becoming and duration, the virtual and the actual; and from Santos's theory (2000; 2004; 2006) about nomadic listening, it was concluded that Sound Art enables a listening in movement, dialoguing with the spectator’s memories on aesthetic enjoyment in sculptures, installations and architectonic spaces. So the sound artist is observed as a proposer of pieces and the creation arises from experiences in process. O presente trabalho propõe investigar aspectos poéticos inerentes à Arte Sonora, tomando como referência principal a noção de nomadismo. Partindo da relação entre as obras, os modos de escuta e os processos interativos, a dissertação aborda como as escolhas dos materiais, das tecnologias e a formação dos artistas são elementos importantes no processo criativo. O artista sonoro transita entre diferentes meios, conhecimentos, tecnologias e linguagens artísticas para propor suas obras. A pesquisa realizou um mapeamento de obras e artistas sonoros, traçando um amplo diálogo com a bibliografia investigada. As obras de Arte Sonora pesquisadas encontram-se na forma de instalações sonoras, site-specific, esculturas sonoras e ambientes interativos. A Arte Sonora explora a potencialidade da escuta e a utilização do som como forma de interação com as obras. A pesquisa assinala que esse gênero artístico caracteriza-se por seu hibridismo, revelando aproximações históricas com a música e as artes plásticas contemporâneas. Neste sentido, é de grande importância para a concepção da Arte Sonora a influência advinda dos trabalhos experimentais de John Cage e do grupo Fluxus. A partir da teoria de Cox (2004; 2009) acerca das noções de devir e duração, virtual e atual; e da teoria de Santos (2000; 2004; 2006) sobre a escuta nômade, conclui-se que a Arte Sonora possibilita uma escuta em movimento, dialogando com as memórias do espectador na fruição estética de esculturas, instalações e espaços arquitetônicos. O artista sonoro é observado então enquanto um propositor de obras e a criação se dá por experiências em processo. Portaria da Capes nº. 76, de 14/04/2010 e respectivo Anexo, Portaria Conjunta Capes/CNPq, no. 1, de 15/07/2010 e Resolução CoPG/UFSCar 01/2010.

Nesta pesquisa em arte pergunto: como criar imagens a partir de exercícios de aproximação entre o ser humano e a natureza? Assim, o objetivo geral desta pesquisa de mestrado foi investigar os processos de criação de narrativas visuais elaboradas a partir de percepções e experiências com a natureza presente no entorno do bairro onde vivo, chamado Vila Itatiaia, localizado na região norte da cidade de Goiânia, em Goiás. As econarrativas visuais partiram do conceito ‘econarrativa’ trazido pelos autores Peter Perreten e Melanie Pryor e são proposições artísticas criadas nesta pesquisa a partir de atravessamentos entre experiências com a natureza e perspectivas críticas que coloca diversos campos do conhecimento em diálogo, tais como: ecologia, feminismo, arte, estudos decoloniais e estudos autobiográficos. Em diálogo com essas temáticas, utilizei como base movimentos ambientais e ecofeministas, assim como os autores Walter Mignolo, Michael Serres, Lenoble, Aníbal Quijano, Ailton Krenak, Elizabeth Beltrán e Vandana Shiva para compreender e articular uma discussão sobre as relações e entendimentos que foram se estabelecendo temporalmente e espacialmente com relação à natureza. Como referenciais artísticos, Ana Mendieta, Fina Miralles, Vidi Descaves, Evan Cohen e Uýra Sodoma, são artistas que trouxeram a compreensão e reflexão da potência da ideia de colocar a si como natureza. Além desses artistas, o Coletivo Oda Coletivo e a artista Manoela Rodrigues, auxiliaram nas reflexões sobre a arte socialmente engajada e abordagens artísticas desenvolvidas no mestrado sendo elas: duas oficinas, um seminário e uma troca de cartas com duas moradoras do bairro Vila Itatiaia. Para a produção das econarrativas visuais, a investigação adotou como suporte metodológico a pesquisa baseada na prática artística com abordagens de quatro estratégias poéticas: a autobiografia, com ênfase na autobiogeografia, as caminhadas, as narrativas de vida e os mapas mentais. A articulação dessas abordagens foi feita por uma prática artística que se constituiu a partir de caminhadas, coletas, conversas, registros fotográficos, colagens digitais, ilustração, pintura e bordado, teve como resultado a proposição da noção de econarrativa visual e de uma série de produções, entre elas: 20 econarrativas visuais, ações desenvolvidas com grupos e um diário de artista. A noção de econarrativa visual partiu da investigação das narrativas que distanciam a nossa existência da natureza, em que refleti e identifiquei estratégias de aproximação com ela, para então criar econarrativas visuais que propõem a integração de si como natureza. Por tal noção, compreendi que a prática artística, centrada da produção de econarrativas visuais é um meio de articulação das narrativas de si em direção a integração, que estimula a mudança de percepção ao demostrar que não basta estar próximo da natureza, mas é preciso uma visão sistêmica de se perceber como parte dela. Nesta dissertação de mestrado apresento o percurso que foi sendo traçado a cada passo dessa caminhada investigativa que se deu junto à natureza e como natureza. Finalmente, em um cenário de crise ambiental afetado pela pandemia, o tema desta pesquisa se mostrou relevante, urgente e necessário, pois reforça a importância de nos reconhecermos como parte da natureza e, assim, buscarmos novas percepções sobre ela, isto é, sobre nós mesmas. In this research in art, I ask: how to create images from exercises of approximation between human beings and nature? Thus, the general objective of this master’s research was to investigate the processes of creating visual narratives elaborated from perceptions and experiences with the nature present in the surroundings of the neighborhood where I live, called Vila Itatiaia, located in the northern region of the city of Goiânia, in Goiás. Visual econarratives departed from the ‘econarrative’ concept brought by authors Peter Perreten and Melanie Pryor and are artistic propositions created in this research from crossings between experiences with nature and critical perspectives that put different fields of knowledge in dialogue, such as: ecology, feminism, art, decolonial studies and autobiographical studies. In dialogue with these themes, I used environmental and ecofeminist movements as a basis, as well as the authors Walter Mignolo, Michael Serres, Lenoble, Aníbal Quijano, Ailton Krenak, Elizabeth Beltrán and Vandana Shiva to understand and articulate a discussion about the relationships and understandings that were establishing itself temporally and spatially in relation to nature. As artistic references, Ana Mendieta, Fina Miralles, Vidi Descaves, Evan Cohen and Uýra Sodoma, are artists who brought an understanding and reflection on the potency of the idea of putting yourself as nature. In addition to these artists, Coletivo Oda Coletivo and artist Manoela Rodrigues, helped in reflections on socially engaged art and artistic approaches developed in the master’s, being them two workshops, a seminar and an exchange of letters with two residents of the Vila Itatiaia neighborhood. For the production of visual econarratives, the investigation adopted research based on artistic practice as a methodological support, with approaches to four poetic strategies: autobiography, with an emphasis on autobiogeography, walking, life narratives and mental maps. The articulation of these approaches was made through an artistic practice that was constituted from walks, collections, conversations, photographic records, digital collages, illustration, painting and embroidery, resulting in the proposition of the notion of visual econarratives and a series of productions, among them: 20 visual econarratives, actions developed with groups and an artist’s diary. The notion of visual econarrative started from the investigation of narratives that distance our existence from nature, in which I reflected and identified strategies to approach it, to then create visual econarratives that propose the integration of oneself as nature. Based on this notion, I understood that artistic practice, centered on the production of visual econarratives, is a means of articulating the narratives of self towards integration, which stimulates a change in perception by demonstrating that it is not enough to be close to nature, but it is necessary to have a systemic view of perceiving oneself as part of it. In this master’s thesis, I present the path that was being traced at each step of this investigative journey that took place together with nature and as nature. Finally, in a scenario of environmental crisis affected by the pandemic, the theme of this research proved to be relevant, urgent and necessary, as it reinforces the importance of recognizing ourselves as part of nature and, thus, seeking new perceptions about it, that is, about ourselves. Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES

Submitted by Eliana CEH/B (liliprata2000@gmail.com) on 2021-11-09T14:28:36Z No. of bitstreams: 1 Dissertação - Amelia Sampaio Possidonio - 2021 - Completa.pdf: 4689154 bytes, checksum: 9478dfea1482a4f81de3fd1efa18ef5b (MD5) Made available in DSpace on 2021-11-09T14:28:36Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertação - Amelia Sampaio Possidonio - 2021 - Completa.pdf: 4689154 bytes, checksum: 9478dfea1482a4f81de3fd1efa18ef5b (MD5) Previous issue date: 2021-09-16 Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES Cette thèse articule art, mémoire et douleur dans le contexte de l'art contemporain. La recherche est menée à partir d'œuvres artistiques qui présentent des problématiques telles que la sensorialité, l'ancestralité, les tensions corporelles, la suffocation et la cécité. Cette poétique s'établit par la discussion avec des artistes, sociologues, philosophes, critiques d'art, et de littérature, etc. Une relation se construit entre les œuvres présentées et les créations pertinentes, soit par la forme, soit par la poétique, soit encore par la conception d'artistes contemporains. La mémoire individuelle et collective est abordée dans une perspective sociologique. L'importance de la mémoire collective est soulignée et mise en évidence par opposition avec la construction de la mémoire individuelle. La mémoire du traumatisme, la douleur et le témoignage sont également abordés par une approche historiographique, sociologique et littéraire. Le traumatisme est aussi pensé dans une perspective de critique d'art. Cette approche contribue à nourrir la discussion entre la production présentée et les œuvres des autres artistes. La réparation apparaît comme une possibilité d'aborder le traumatisme. Ce travail a été réalisé avec le soutien de la Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) – Brésil, Bourse de la demande sociale (DS) – Code de Financement 001 A presente dissertação articula arte, memória e dor sob a égide da arte contemporânea. A pesquisa é realizada a partir dos trabalhos artísticos que apresentam questões como sensorialidade, ancestralidade, tensões corporais, sufocamento e cegueira. Tal poética se estabelece sendo discutida ao longo do texto com o auxílio de artistas, sociólogos, filósofos, críticos de arte, de literatura etc. É construída uma relação com os trabalhos apresentados e a produção de alguns artistas referentes a forma, poética e concepção. A memória individual e coletiva é abordada sob a perspectiva sociológica. A importância da memória coletiva é acentuada e evidenciada frente a construção da memória do indivíduo. Também é abordada a memória do trauma, a dor e o testemunho pelo enfoque historiográfico, sociológico e literário. Assim são solidificadas as questões sobre memória do trauma e a força do testemunho na contemporaneidade. O trauma também é pensado sob uma visão crítica da arte. Tal interpretação contribui para intensificar a discussão entre a produção artística apresentada e as obras dos demais artistas selecionados. A reparação surge como possibilidade de rever o trauma. O presente trabalho foi realizado com apoio da Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior – Brasil (CAPES), bolsa Demanda Social (DS) – Código de Financiamento 001

Submitted by Eliana CEH/B (liliprata2000@gmail.com) on 2021-10-07T18:35:05Z No. of bitstreams: 1 Dissertacao - Priscila Barcelos Tome - 2021 - Completa.pdf: 3741101 bytes, checksum: bec6f1adcc915f6b6c79d9ea0b696ff0 (MD5) Made available in DSpace on 2021-10-07T18:35:05Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertacao - Priscila Barcelos Tome - 2021 - Completa.pdf: 3741101 bytes, checksum: bec6f1adcc915f6b6c79d9ea0b696ff0 (MD5) Previous issue date: 2021-07-20 Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES This dissertation aims to create a relation between self-writing – a modality of texts written in first-person or correlated to the author's life experiences – and the contemporary art. Based mainly on the authors Philippe Lejeune, Serge Doubrovsky and Leonor Arfuch, the parameters for this proposition were established, exploring expressions and terms such as self-fiction and the biographical space. The development brings such concepts from literature and letters closer to the works of contemporary artists such as Louise Bourgeois, Bispo do Rosário, Leonilson, Carrie Mae Weems, Rosana Paulino, in addition to my own artistic process, after all, the artworks mentioned in the text deal with several of the proposed questions, subjectivity, the constitution of individuality and self-fiction. Writers such as Paul Auster, Gertrude Stein, Lima Barreto and Virginia Woolf were quoted in relation to the notions of self-writing and autofictions. In parallel, the developments of this theoretical research resulted in the creation of the piece self-fictions or I wanted to be a novelist Nesta dissertação proponho criar uma relação entre as escritas de si – modalidade de textos escritos na primeira pessoa do singular ou correlacionados às experiências de vida do autor – e a arte contemporânea. A partir, principalmente, dos autores Philippe Lejeune, Serge Doubrovsky e Leonor Arfuch estabeleço os parâmetros para tal proposição, explorando termos e expressões como autoficções e espaço biográfico. Desdobro tais conceitos da literatura e da área de letras e os aproximo das obras de artistas contemporâneos como Louise Bourgeois, Bispo do Rosário, Leonilson, Carrie Mae Weems, Rosana Paulino, além de meu próprio processo artístico, uma vez que as obras citadas lidam com várias das questões propostas, subjetividade, constituição do sujeito, ficção de si, entre outras. Cito escritores como Paul Auster, Gertrude Stein, Lima Barreto e Virginia Woolf em relação a noções de escritas de si e autoficções. Em paralelo, os desdobramentos desta pesquisa teórica resultaram na criação da obra Ficções de si ou Queria ser romancista

Esta dissertação apresenta uma narrativa (auto)biográfica de uma trajetória de vida e trabalho. Nele apresento-me como artista visual e diretora de projetos gráficos em formação continuada, refletindo, inicialmente, sobre registros visuais e memoriais que foram determinantes como fatores de identidade e construções do ver e do fazer artístico, e produzindo, ainda, desdobramentos críticos sobre como imagens e experiências de vida estiveram diretamente relacionadas a um olhar eurocêntrico e de origem patriarcal em meus ambientes de intimidade, trabalho e formação escolar e acadêmica. Revisito cenários, acontecimentos e experiências entre casa, escola, trabalho e produções. Intercambio diálogos que refletem lembranças de livros, relacionamentos e confrontos que foram determinantes para construção de meu olhar e de minha produção artística. Marcadores de diferença, principalmente gênero, são pontuados com muita entrega neste trabalho. Após este passeio por memórias e reflexões, revisito com auxílio do olhar da Cultura Visual a motivação que me levou a iniciar esta pesquisa: o lugar da criação e produção visual a partir de identidade, cultura e ambiente. Finalizo a narrativa (auto)biográfica compartilhando uma imagem de uma campanha produzida para representar um evento internacional de Teatro na cidade de Goiânia. Pela escrita, troco desafios, apresento impressões sobre os participantes da criação e minhas próprias sugestões e indagações diante das escolhas visuais e suas origens eurocêntricas e patriarcais impressas em meu olhar. O estudo visa convidar artistas, designers, publicitários e produtores de imagens a considerarem suas histórias de vida em suas criações. E, principalmente, a desenvolverem um olhar mais crítico que considere que os elementos visuais escolhidos fazem também parte de fatores culturais, relacionais e de ambiente e que não são em si determinantes: muitas vezes, apenas reforçam intensamente marcadores de diferença e discriminação social. This dissertation presents a (self) biographical narrative of a life and work path. In it I present myself as a visual artist and director of graphic projects in continuous formation, inicialy reflecting on visual and memorial records that were determining factors of the identity and constructions of artistic viewpoints and action, and also producing critical developments on how images and life experiences were directly related to a Eurocentric and patriarchal perspective in my intimate environments, work and school and academic training.I revisit scenarios, events and experiences between home, school, work and productions. I exchange dialogues that reflect memories of books, relationships and confrontations that were decisive for the construction of my outlook on life and my artistic production. Markers for differences, mainly gender, are mentioned with a lot of commitment in this work. After this walk through memory lane and reflections, with the help of Visual Culture, the motivation that led me to start this research: I redeem the place of creation and visual production based on identity, culture and environment. I finish the (auto)biographical narrative by sharing an image of a campaign produced to represent an international theater event in the city of Goiânia. Through writing, I exchange challenges, I present opinions about the participants and my own suggestions and inquiries regarding the visual choices and their Eurocentric and patriarchal origins imprinted in my gaze. The study aims to invite artists, designers, advertisers and image producers to consider their life stories in their own creations. And, mainly, to develop a more critical perspective that takes into consideration the fact that the visual elements chosen are also part of cultural, relational and environmental factors and that are not in themselves crucial: many times, they only intensely reinforce markers of differences and social discrimination. Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES

O presente trabalho teve como objetivo o estudo do figurino concebido pelo artista Flavio de Carvalho para o bailado Cangaceira, em 1954, na ocasião do IV Centenário da Cidade de São Paulo. Lançando mão de levantamento bibliográfico e pesquisa documental em coleções e acervos paulistas, esta investigação buscou em um primeiro momento localizar o bailado em seu contexto de produção, para, em seguida, traçar uma possibilidade interpretativa da concepção criativa do figurino, com especial atenção à fontes visuais. Aproximando-nos das discussões acerca da patrimonialização de trajes de cena no Brasil, as reflexões apresentadas se direcionaram para questões teórico-metodológicas pertinentes ao campo, tais como o figurino como documento e a análise de imagens em contraponto à análise de artefatos. Assim, com o recorte aqui dado à montagem de Cangaceira, investigamos a inserção do figurino no âmbito dos bens culturais e concluímos que a organização e as práticas nos meios institucionais de salvaguarda do patrimônio cultural são parte dos elementos determinantes na produção e compreensão histórica do fazer artístico. This is a study on the costume work produced by Flavio de Carvalho for Cangaceira, a 1954 bailado that happened during the IV Centenary of São Paulo city celebrations. This research tried to locate the bailado’s context of production, and then to figure a possible interpretation for its costume conception, specially concerning its visual references. The sources were specialized bibliography and documental research in collections. This study dialogues with patrimony discussions about scenic costumes and its theoretical-methodological issues, such as the costume seen as a document and discussions opposing imagetic analysis to artefactual analysis. Therefore, taking Cangaceira as a focus means to research costumes insertion among cultural goods. In conclusion, this work shows that the practices of institutions related to cultural patrimony and the ways they are organized are part of the key elements of art production and its historical comprehension. Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES

Submitted by Cristina CEH/B (cehb@uerj.br) on 2021-09-29T20:20:17Z No. of bitstreams: 1 Dissertacao - Adriano Melhem de Mello - 2019 - Completo.pdf: 9682297 bytes, checksum: 6b91ae5f00d8b7fd4833291e6c324795 (MD5) Made available in DSpace on 2021-09-29T20:20:17Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertacao - Adriano Melhem de Mello - 2019 - Completo.pdf: 9682297 bytes, checksum: 6b91ae5f00d8b7fd4833291e6c324795 (MD5) Previous issue date: 2019-10-31 Dans cette œuvre, la peinture se situe par rapport à l'acte. La peinture est pour l'acte, tout comme la performance et l'art conceptuel sont pour l'action. Tout comme la peinture est sur le point de passer par la fantaisie, l'art conceptuel est prêt à une fausse transgression. L'action est une action politique, pas un acte. Mais paradoxalement, l'acte est révolutionnaire et l'action ne l'est pas. L'acte est traité à la lumière de deux auteurs, pas d'artistes, Lacan et Zizek. Sans vouloir arriver à un résultat théorique, au contraire, l'œuvre vise à libérer la peinture d'un certain champ théorique. A savoir, le champ théorique «post-moderne», sans pour autant vouloir tomber dans le passadisme. Cependant, sans vouloir tomber dans une sorte d'excuses pour la fidélité, mais au contraire, c'est une sorte de légitimation d'une «répression» du bien et d'une «hystérie» du bien. Puisque ce bien est en fait le véritable mal. Peindre, donc, non pas comme un acte au sein d'une structure programmée, comme le langage de la parole par exemple, mais comme, au contraire, comme l'acte de parole imparfait, ou comme une suspension éthique momentanée comme une ressource paradoxale pour retourné à normalité. Nesse trabalho a pintura é situada em relação ao ato. A pintura está para o ato, assim como a performance e a arte conceitual está para a ação. Assim como a pintura está para atravessar a fantasia, a arte conceitual está para uma falsa transgressão. A ação é uma ação política o ato não. Mas paradoxalmente o ato é revolucionário e a ação não. O ato é tratatado à luz de dois autores, não artistas, Lacan e Zizek. Sem querer absolutamente chegar a um resultado teórico mas pelo contrário, o trabalho visa livrar a pintura de um certo campo teórico. A saber, o campo teórico “pós moderno”, sem querer no entanto cair em passadismo. Sem querer no entanto cair em uma espécie de apologia à fidelidade, mas pelo contrário, é uma espécie de legitimação de um “recalque”, do bem, e de uma “histeria”, do bem. Sendo que esse bem é na realidade o mal genuíno. A pintura portanto não como um ato dentro de uma estrutura programada, como a linguagem da fala por exemplo, mas sim como, pelo contrário, como o ato falho da fala, ou como uma momentânea suspenção ética como recurso paradoxal à volta a normalidade.

Submitted by Eliana CEH/B (liliprata2000@gmail.com) on 2021-10-18T14:44:36Z No. of bitstreams: 1 Dissertacao - Ana Cristina Alves - 2018 - Completo.pdf: 7063566 bytes, checksum: ad4cb271dcc590e3294cae99822d1b34 (MD5) Made available in DSpace on 2021-10-18T14:44:36Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertacao - Ana Cristina Alves - 2018 - Completo.pdf: 7063566 bytes, checksum: ad4cb271dcc590e3294cae99822d1b34 (MD5) Previous issue date: 2018-12-14 Cette thèse traite de la question de l'image en tant que trace et énigme. Basé sur les pensées, analyses et réflexions d’auteurs tels que Walter Benjamin, Didi-Huberman, Marie- José Mondzain, Gilles Deleuze, entre autres, je tente d’explorer les concepts d’allégorie, d’appropriation, de montage, de différence, de répétition, d’aura, de reproductibilité, de mémoire et la collection à travers des processus artistiques centrés sur la production et la reproduction d'images. Loin de l’intention de parler à travers des images, cette écriture traduit un intérêt à penser l’image en tant que phénomène sensible, une apparition dans le domaine du visible et, surtout, en tant que présence d’une absence. Considérant que cette recherche est dans l’attente des images, je me permets de conclure ce résumé avec deux images: "Saut dans le vide" d’Yves Klein et une image de copyright d’un petit fragment du ciel. Il est nécessaire de considérer cet assemblage comme une sorte de prétexte visuel qui mieux résume l'intention de cette recherche, c’est-à-dire, rendre visible, et lisible, un processus de création dans lequel le sens des images provient de la rencontre entre l'attente et l'expérimentation Esta dissertação trata da questão da imagem como rastro e enigma. Com base nos pensamentos, análises e reflexões de autores como: Walter Benjamin, Didi-Huberman, Marie-Jose Mondzain, Gilles Deleuze, entre outros, busco explorar os conceitos de alegoria, apropriação, montagem, diferença, repetição, aura, reprodutibilidade, memória e coleção através de processos artísticos voltados para a produção e reprodução de imagens. Longe da intenção de falar pelas imagens, essa escrita reflete um interesse de pensar a imagem como um fenômeno sensível, uma aparição no campo do visível e, sobretudo, como a presença de uma ausência. Considerando que esta pesquisa se encontra na expectativa das imagens, tomo a liberdade de concluir este resumo com duas imagens: o “Salto para o vazio”, de Yves Klein, e uma fotografia autoral de um trecho do céu. É necessário considerar essa montagem como uma espécie de pré-texto visual que melhor resume a intenção dessa pesquisa, qual seja, tornar visível, e legível, um processo de criação onde o sentido das imagens surge do encontro entre a expectativa e a experimentação

Não recebi financiamento The following project has as its main purpose to analyse a series of elements that compose the cinematic language applied to the 3D animation Inside Out (Pete Docter, Walt Disney Pictures; Pixar Animation Studios. 2015) and explore the correlations and the interdependency amongst them. Selecting this movie as the object of this study has multiple advantages, as it is a current piece and was conceived by two of the most respected animation studios, being a proper model to compare with the present scenario. Firstly, the historical facts about the subject are presented, flowing through the technological evolution and the development of methods that assist the processes of creating animations until the present day. Subsequently, it is necessary to measure the values of the oscillations and variations of data in each of the elements capable of analysis according to the duration of the movie; with the objective to explore the creation process of colors, musical compositions and the stereoscopy showcased in the movie. Parallel to that, all the results from all the diagrams created will be approached, and all of its respective components and their contributions to potencialize the dramaturgy convenient in certain parts of the plot, with the theoretical background on the layers of narrative structure from The Writer's Journey, by Cristopher Vogler. Finally, the results previously mentioned will be compared amongst each other, showcasing the behavior of these elements and their contributions as stimulators of the dramatic tension. O presente trabalho tem como proposta analisar uma série de elementos que compõem a linguagem do cinema aplicadas à animação 3D Divertida Mente (Pete Docter, Walt Disney Pictures; Pixar Animation Studios. 2015) e explorar as correlações e interdependências entre estes. Assumir este filme como objeto de estudo se faz vantajoso por ser uma obra atual e concebida por dois dos mais respeitados estúdios de animação, servindo como modelo apropriado para se relacionar com o presente cenário. Primeiramente, são apresentados fatos históricos pertinentes ao tema, transitando pela evolução tecnológica e o desenvolvimento de métodos que agilizam e auxiliam os processos da feitoria de animações até a atualidade. Em um segundo momento, se fez necessário mensurar os valores das oscilações e variações dos dados de cada um dos elementos factíveis de análise de acordo com o tempo de duração da obra; pretendendo-se explorar o processo de elaboração das cores, composições musicais e a estereoscopia expostas no filme. Concomitantemente, são abordados os resultados de todos os diagramas elaborados, seus respectivos componentes e suas contribuições para a potencialização da dramaticidade conveniente em determinados momentos da história, fundamentados nas etapas de estrutura narrativa da Jornada do Herói, elucidadas por Cristopher Vogler. Por fim, as resoluções anteriores são relacionadas entre si, constatando-se os modos de comportamento dos elementos supraditos e suas colaborações como estimuladores de tensão dramática.

Submitted by Eliana CEH/B (liliprata2000@gmail.com) on 2022-01-31T15:32:12Z No. of bitstreams: 1 Tese - Susana Isabel Anágua dos Santos - 2018 - Completa.pdf: 6525852 bytes, checksum: 94c69e79011b1ee8cad6f92e6e5f3981 (MD5) Made available in DSpace on 2022-01-31T15:32:12Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Tese - Susana Isabel Anágua dos Santos - 2018 - Completa.pdf: 6525852 bytes, checksum: 94c69e79011b1ee8cad6f92e6e5f3981 (MD5) Previous issue date: 2018-10-01 Fundação Carlos Chagas Filho de Amparo à Pesquisa do Estado do Rio de Janeiro - FAPERJ The Image of the Industrial Atmosphere is structured on the reflection on the historical, philosophical contents and the means of traces of industrial spaces, as well as on its relationship with the procedures that cross the context of my artistic production. The analysis was developed in three topics: The international historical context of the Industrial Archeology discipline and the recognition of the ruin as a vestige to be preserved, the idea of Atmosphere of the spaces and its image as a poetic record and archive, establishing philosophical approaches to cinema and video, with the support and resorting to Inês Gil's essays and, finally, artistic practice and field research work as mediation to preserve the Image of the Industrial Atmosphere A Imagem da Atmosfera Industrial estrutura-se na reflexão sobre os conteúdos históricos, filosóficos e os meios de vestígios de espaços industriais, bem como na sua relação com os procedimentos que atravessam o contexto da minha produção artística. A analise foi desenvolvida em três tópicos: O contexto histórico internacional da disciplina de Arqueologia Industrial e o reconhecimento da ruína como um vestígio a preservar, a definição de Atmosfera dos espaços e a sua imagem como registo e arquivo poético, estabelecendo aproximações filosóficas ao cinema e vídeo com o apoio e recurso aos ensaios de Inês Gil. E por fim, a prática artística e o trabalho de investigação de campo e mediação como forma de preservar a Imagem da Atmosfera Industrial

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) This study was instigated by the documentary Van Gogh (1947), by Alain Resnais. The main reason for this analysis was given by the peculiar structure of the short film that had only the painting of Vincent Van Gogh as a source image. This nature allowed us to believe that the filmmaker's intention was to 'make' cinema from plastic pictorial material. And he did so in a dynamic that involved his process of creation and that of the painter, because at the same time that he thought the pictorial image, he conjectured it as cinema. Analyzing the creative movement of the artist the director supposedly evidencedhis own movement. The analysis of the structural transformation experienced by the painting was carried out according to the transcreation studies (Haroldo de Campos), of poetic translation (Roman Jakobson) and the implications of the poetic, phatic and metalinguistic functions in the elaboration of the aesthetic object. For this unique condition Van Gogh we recognize it as a film-essay (Arlindo Machado and Ismail Xavier) that transcends the paradigms of the documentary genre. We also sought to guide our analysis of translation from Jacques Aumont 's three operations: diegetization, narration and psychologization, which allowed us to point out the translation procedures (filming, editing and oralized text) responsible for the transformation of painting into cinema. Este estudo foi instigado pelo documentário Van Gogh (1947), de Alain Resnais. O motivo principal desta análise se deu em virtude da estrutura peculiar do curta-metragem que teve unicamente a pintura de Vincent Van Gogh como imagem-fonte. Essa natureza híbrida nos permitiu acreditar que a intenção do cineasta foi fazer cinema a partir de material plástico pictórico. E o fez numa dinâmica que envolveu o seu processo de criação e o do pintor, pois ao mesmo tempo que pensou a imagem pictórica, a conjecturou como cinema. Foi analisando o movimento criador do artista plástico que o diretor supostamente evidenciou o seu. A análise da transformação estrutural experimentada pela pintura foi efetuada segundo os estudos de transcriação (Haroldo de Campos), tradução poética (Roman Jakobson) e as implicações das funções poética, fática e metalinguística na elaboração do objeto estético. Por essa condição ímpar de Van Gogh, o reconhecemos como um filme-ensaio (Arlindo Machado e Ismail Xavier) que transcende os paradigmas do gênero documental. Buscamos ainda orientar nossa análise dessa tradução intersemiótica a partir das três operações de Jacques Aumont: diegetização, narração e psicologização, que proporcionou apontar os procedimentos tradutórios (filmagem, montagem e texto oralizado) responsáveis pela transformação da pintura em cinema. CAPES: 1519504