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The aim of this paper is to review women’s theoretical production in the field of Cultural Performances, evincing that we scholars ourselves have still not sufficiently referred to other women theorists’ epistemologies. In this context, I introduce the concept of theory-living, based on the notion of writing-living by Brazilian writer Conceição Evaristo, in order to demonstrate how important it is for us to make theory from other epistemological standpoints which include both our both our corporeality as researchers and the corporeality of knowledge itself as articulated in our studies. I argue, thus, that theoretical writing is a form of performative writing founded on the displacement of hegemonic writing codes and in which academic research and practice, theory and everyday life experience match up., Dans cet article, je revisite la production théorique des femmes dans le domaine des Performances Culturelles, en montrant que nous-mêmes, chercheuses en la matière, faisons encore peu référence aux épistémologies produites par les auteurs femmes. Je présente, dans le cadre de cette discussion, le concept de théories-vécues basé sur la notion d’écritures-vécues de l’écrivaine brésilienne Conceição Evaristo, afin de démontrer l’importance de produire une théorie à partir d’autres lieux de pensée qui incluent notre corporéité comme chercheuses et la corporéité des savoirs articulés au sein de nos études académiques. Je conçois, enfin, l’écriture comme une écriture écriture performative qui se présente dans le déplacement des codes hégémoniques et dans un espace où la recherche et la pratique, la formulation théorique et l'expérience quotidienne se rencontrent., Este artigo revisita a produção teórica das mulheres no campo das Performances Culturais, evidenciando que as próprias estudiosas ainda se referem pouco às epistemologias construídas por mulheres. Demonstrase, no contexto desta discussão, a importância de se produzir teoria a partir de outros lugares de percepção que incluam tanto a corporeidade das pesquisadoras quanto a corporeidade do conhecimento articulado em suas pesquisas. Sendo a escrita teórica uma escrita performática, conclui-se que ela é presentificada no deslocamento dos códigos hegemônicos, em que pesquisa e prática, formulação teórica e experiência cotidiana se encontram.

Neste trabalho nos interessa investigar, à luz das performances culturais, modos de representações da cosmovisão afro-brasileira, em filmes documentários que contribuem para reflexões estéticas e políticas acerca das práticas representacionais dos candomblés e das culturas afrodiaspóricas. Nesse contexto, semelhança, diferença e alteridade, portanto, questões identitárias, misturam-se com sintomas raciais históricos que sedimentam práticas representacionais de estereotipagem. Partimos do pressuposto de que os pontos de contato entre as performances culturais e o documentário, atravessados pela cosmovisão afro-brasileira, configuram uma estética da encruzilhada e, assim, articulam, códigos, textos, gestos e sistemas simbólicos, que criam sentidos e, consequentemente, elaboram respostas às práticas representacionais. Para cercar a problemática apresentada, iniciamos as reflexões teóricas abordando as relações entre performances culturais e o campo do filme documentário pela perspectiva da encruzilhada, que evidencia a vinculação epistêmica de comportamentos e narrativas coerentemente estéticas e políticas, fundamentadas pela ótica da cosmovisão afrodiaspórica. Os estudos sobre políticas representacionais nos auxiliam a pensar no poder inserido na noção de representação como ato criativo, que desafia os estereótipos por meio de movimentos de intervenção e inversão contraestratégica. Interessa-nos instaurar um olhar opositor sobre o discurso colonialista do qual advém a formação histórica e cultural dos povos do ocidente. Para tanto, investimos nos estudos de autores das principais bases referenciais: Leda Maria Martins, Diana Taylor, Richard Schechner, Victor Turner, Fernão Ramos, Bill Nichols, Stela Bruzzi, Cláudio Bezerra, Manuela Penafria, bell hooks, Robert Stam, Stuart Hall, Beatriz Nascimento e Muniz Sodré. A partir da articulação investida na noção de cinema encruzilhada, avançamos para as análises fílmicas da série de documentários realizados pela Sociedade de Estudos da Cultura Negra no Brasil – SECNEB: Orixá Ninu Ilê (1978), Iyá-Mi-Agbá (1981) e Egungun (1982). O resultado é uma análise de imagens e sons que compõem uma cinematografia interessada na disputa dos modos de representação, assentados na proposição de um olhar descolonizado acerca das imagens e dos sons das performances culturais afrodiaspóricas. In this work we are interested in investigating, in the light of cultural performances, ways of representations of the Afro-Brazilian cosmovision, in documentary films that contribute to aesthetic and political reflections about representational practices of Candomblé and Afro-diasporic cultures. In this context, similarity, difference and otherness, therefore, identity issues, are mixed with symptoms historical racial groups that sediment representational practices of stereotyping. We start from the assumption that the points of contact between the performances cultural and documentary, crossed by the Afro-Brazilian cosmovision, configure an aesthetics of the crossroads and, thus, articulate codes, texts, gestures and symbolic systems, which create meanings and, consequently, elaborate responses to representational practices. To address the problem presented, we started the theoretical reflections approaching the relations between cultural performances and the field of documentary film from the crossroads perspective, which highlights the epistemic linkage of behaviors and narratives coherently aesthetic and policies, based on the perspective of the Afro-diasporic cosmovision. The studies on representational policies help us to think about the power embedded in the notion of representation as a creative act that challenges stereotypes through counter-strategic intervention and inversion movements. We are interested in establishing an opposing view of the colonialist discourse from which the historical and cultural formation of the peoples of the West derives. To that end, we invest in studies by authors of the main reference bases: Leda Maria Martins, Diana Taylor, Richard Schechner, Victor Turner, Fernão Ramos, Bill Nichols, Stela Bruzzi, Cláudio Bezerra, Manuela Penafria, bell hooks, Robert Stam, Stuart Hall, Beatriz Nascimento and Muniz Sodré. From the articulation invested in the notion of cinema crossroads, we move on to the filmic analysis of the documentary series carried out by the Society for the Study of Black Culture in Brazil – SECNEB: Orixá Ninu Ilê (1978), Iyá-Mi-Agbá (1981) and Egungun (1982). The result is an analysis of images and sounds that compose a cinematography interested in the dispute of modes of representation, based on the proposition of a decolonized look about the images and sounds of Afrodiasporic cultural performances. Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de Goiás

A presente tese tem como objeto o carimbó, enquanto Performance Cultural. Trata-se de uma pesquisa, que compreende a importância da Memória Coletiva para a transmissão de saberes. Há, em torno dessa Manifestação Ancestral, uma troca de saberes que são compartilhados entre mestres e carimbozeiros, e entre mestres e simpatizantes, marcando, assim, a identidade cultural desses sujeitos. Essa manifestação cultural expressa-se enquanto música, dança, lazer, religiosidade e trabalho, devendo ser analisada, a partir de diferentes olhares, percebendo, assim, o seu caráter simbólico. A partir da análise das memórias dos mestres carimbozeiros, percebeu-se que o carimbó se mantêm vívido pela resistência, pela transmissão dos conhecimentos por gerações e pela educação Não-Formal; sendo, assim, um campo de disputas sociais, políticas, históricas e culturais, demarcando, dessa forma, a identidade dos sujeitos tanto individual quanto coletivamente. Os barracões são espaços coletivos e privilegiados, onde esses processos de partilhas de conhecimento ocorrem, contribuindo, assim, para uma formação ampla dos sujeitos, voltada à cidadania, sendo que o processo formativo exerce um papel fundamental na salvaguarda desse bem cultural de natureza imaterial The present thesis has as its object the carimbó, as a Cultural Performance. This is a field research, which understands the importance of Collective Memory for the transmission of knowledge. Around this Ancestral Manifestation, there is an exchange of knowledge that is shared between mestres and carimbozeiros, and between mestres and sympathizers, thus marking the cultural identity of these subjects. This cultural manifestation is expressed as music, dance, leisure, religiosity and work, and must be analyzed from different perspectives, thus realizing its symbolic character. From the analysis of the memories of the carimbozeiros masters, it was noticed that the carimbó remains alive through resistance, through the transmission of knowledge through generations and through Non-Formal education, thus being a field of social, political, historical and cultural disputes, thus demarcating the identity of the subjects individually and collectively. The barracões are collective and privileged spaces in which this process of knowledge sharing takes place, thus contributing to a broad training of subjects, focused on citizenship, and the training process plays a fundamental role in safeguarding this cultural asset of an immaterial nature.

Esta pesquisa pretende estudar modelos teóricos que trabalham e pesquisam as artes integradas. O trabalho pretende ressaltar aspectos históricos, conceituais-filosóficos, pedagógicos e metodológicos fundantes que estruturam a integração artística, além de buscar relações com o contexto educacional brasileiro na atualidade, investigando a adequação à nossa realidade. A partir da revisão bibliográfica de autores como o filósofo John Dewey, que é considerado o precursor do pensamento integrador (1859-1952), com Art as Experience ([1934] 2010) e Experience and Education ([1938] 1976); Elliot Eisner (1933-2014), The arts and the creation of mind (2002) e O que a educação pode aprender com as artes sobre a prática da educação? ([2002a] (2008) e Howard Gardner (1943 -) com o trabalho Multiple Intelligences ([1983] 2011). Autores norte-americanos que pesquisam e praticam as artes integradas também foram trazidos para dialogar e apresentar possibilidades teóricas-práticas concretas, como Bresler (1995; 2007), Burnaford et al (2001; 2007); Aprill (2010), Marshal (2014; 2015), Deasy (2003), dentre outros. Um aprofundamento da questão exige que se analise as proposições a partir da compreensão de conceitos como interdisciplinaridade, transdisciplinaridade e integração diferenciando do conceito de artes integradas. Destacamos assim os estudos sobre a interdisciplinaridade e integração a partir dos trabalhos de Ivani Fazenda (1941-), Hilton Japiassu (1934-2015) e Julie T. Klein (1944 -), entre outros autores. Sobre a mudança de paradigma, tão necessária, é destacada no estudo do pensamento complexo, da transdisciplinaridade e os vários níveis de realidade, a partir dos trabalhos do filosofo Edgar Morin (1921-) ‘A cabeça bem-feita: repensar a reforma, reformar o pensamento’ (2004), do trabalho de Basarab Nicolescu (1942-) em seu ‘O manifesto da transdisciplinaridade’ (1999) e Maria Cândida Moraes e Saturnino de La Torre (s/d) com a obra ‘Sentipensar: fundamentos e estratégias para reencantar a educação’ (2004), entre outros autores, como forma de esclarecer a prática integrativa e entendimento da relação entre pensamento e ação. Este trabalho traz também reflexões a partir do estabelecido recentemente pelo documento da Base Nacional Comum Curricular (BNCC), que introduz as artes integradas de forma simples e descontextualizada e sem apontar qualquer embasamento teórico que pode estabelecer sua prática, dando margem a interpretações imprecisas, o que não colabora para seu desenvolvimento no marco educacional. Ana Mae Barbosa (1936 -), entre outros autores, será importante para contextualizar a arte no Brasil e processos integrativos que ocorreram, mas que logo se dissiparam. Autores das Performances Culturais como Schechner (2006; 2011), Robson Camargo (2006) entre outros, apresentam um aporte teórico interdisciplinar, ressaltando pontos importantes na prática das artes integradas. Finalmente, este trabalho apresenta ainda a escassez de pesquisas sobre a temática e alguns aspectos que podem estruturar a integração artística, delineando uma forma de prática e planejamento integrativos como proposta para as artes integradas dentro das escolas brasileiras. This research intends to study theoretical models that work and research the integrated arts. The work intends to emphasize historical, conceptual-philosophical, pedagogical and methodological aspects that structure the artistic integration, in addition to seeking relationships with the Brazilian educational context today, investigating the adequacy to our reality. From the literature review of authors such as the philosopher John Dewey, who is considered the precursor of integrative thinking (1859-1952), with Art as Experience ([1934] 2010) and Experience and Education ([1938] 1976); Elliot Eisner (1933-2014), The arts and the creation of mind (2002) and What can education learn from the arts about the practice of education? ([2002a] (2008) and Howard Gardner (1943 -) with the work Multiple Intelligences ([1983] 2011). North American authors who research and practice the integrated arts were also brought in to dialogue and present concrete theoretical-practical possibilities, such as Bresler (1995; 2007), Burnaford et al (2001; 2007); Aprill (2010), Marshal (2014; 2015), Deasy (2003), among others. A deepening of the question requires that the propositions be analyzed from the understanding of concepts such as interdisciplinarity, transdisciplinarity and integration, differentiating from the concept of integrated arts. Thus, we highlight the studies on interdisciplinarity and integration based on the works of Ivani Fazenda (1941-), Hilton Japiassu (1934-2015) and Julie T. Klein (1944 -), among other authors. The paradigm shift, which is so necessary, is highlighted in the study of complex thinking, transdisciplinarity and the various levels of reality, based on the works of the philosopher Edgar Morin (1921-) The well-made head: rethinking reform, reforming the thought (2004), from the work of Basarab Nicolescu (1942-) in his The manifesto of transdisciplinarity (1999) and Maria Cândida Moraes and Saturnino de La Torre (undated) with the work Sentipensar: fundaments e strategies to re-enchant education (2004), among other authors, as a way of clarifying integrative practice and understanding the relationship between thought and action. This work also brings reflections from what was recently established by the document of the National Common Curricular Base (BNCC), which introduces the integrated arts in a simple and decontextualized way and without pointing out any theoretical basis that can establish its practice, giving rise to imprecise interpretations, the that does not contribute to their development in the educational framework. Ana Mae Barbosa (1936 -), among other authors, will be important to contextualize art in Brazil and the integrative processes that occurred, but that soon dissipated. Authors of Cultural Performances such as Schechner (2006; 2011), Robson Camargo (2006) among others, present an interdisciplinary theoretical contribution, highlighting important points in the practice of integrated arts. Finally, this work also presents the scarcity of research on the subject and some aspects that can structure artistic integration, outlining a form of integrative practice and planning as a proposal for the integrated arts within Brazilian schools.

O presente trabalho tem como proposta o estudo e análise dos RPGs eletrônicos e a relação proporcionada por eles entre as máquinas ou dispositivos de jogo e os jogadores, bem como a maneira como esses jogadores, ao performarem o seu papel no jogo se colocam em mais de um ambiente, permanecendo em estado liminar. Além disso, será necessário que o trabalho perpasse questões importantes quanto a noção de ser e construção de mundo por parte dos jogadores, colocando em um mesmo eixo os ambientes reais (ou físicos) e digitais (ou virtuais) e a percepção que o indivíduo que joga tem desses dois espaços, bem como a contribuição para a mudança mútua entre eles, do jogador para o jogo e do jogo para o jogador. Ponto importantíssimo a ser levado em conta quando se fala em auto-percepção do jogador diz respeito aos seus pares, se há ou não mais de um jogador juntos imersos em uma mesma narrativa e quais seriam as diferenças da percepção de si e do outro quando este é humano ou máquina, bem como a influência de fatores como cultura, arte, subjetividade e tecnologia nessa percepção. O objetivo principal dessa tese é trazer à luz da ciência as narrativas de entretenimento tão presentes nos jogos de RPG eletrônicos e como os seres humanos se posicionam quando em contato com elas. Para isso, foram analisados os jogos The Elder Scrolls V: Skyrim e Xenoblade Chronicles X. This research has as a main proposal the discussion and analysis of the electronic RPG and the relation they provide between the machines or game gadgets and players, also the way these players, when performing their role in game put themselves in more than one space, remaining constantly at a liminary state. In addition to that, this research will pass through important issues about the being and the world around built by players, articulating in the same level real (or physical) environments and digital (or virtual) environments and the perception the player has of both, as the contribution they have to one another’s change, from player to game, from game to player. An important issue to be considered when talking about the player’s self-perception is the issue of other players if there is another player or many others sharing the same space and narrative and the difference it would make in this player’s perception when the other player is a human or a machine. Also, to consider the influence of culture, art, subjectivity, and technology in this player’s perception. The main objective of this thesis is to bring light to entertainment narratives contained in electronical RPG games and the way human stand and act when confronted with them. To achieve that goal, this thesis researches the games The Elder Scrolls V: Skyrim e Xenoblade Chronicles X. Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES

O presente trabalho de doutorado é fruto de anos acumulados de pesquisas que se estendem desde a graduação em História. A fonte e a área de pesquisa mantiveram-se: a produção cultural de revistas de Histórias em Quadrinhos dedicadas ao personagem italiano mais longevo do Western: Tex Willer - produzido por Giovanni Luigi Bonelli (argumentos e roteiros) e Aurelio Galleppini (desenho), desde 1948 em Milão. A temática central da pesquisa doutoral girou em torno das leituras dos fãs de Tex à luz das Performances Culturais, entendida aqui como uma área de intersecção entre vários campos de estudos, por isto a forte presença de autores da Historiografia e da Comunicação que embasam este trabalho. A metodologia foi feita a partir de uma pesquisa qualitativa, revisões bibliográficas teóricas sobre HQs e Tex, além de estudo de caso das revistas TEX e também das cartas dos fãs destinadas à editora brasileira responsável pela republicação das tiragens italianas (Mythos Editora) e das performances (cosplays) feitas em congressos, feiras e encontros dedicados exclusivamente ao personagem. Além disto, foram utilizadas como fontes postagens em redes sociais dedicadas ao personagem tais como Facebook e Instagram. A problemática gira em torno da questão: como um cowboy produzido em quadrinhos na Itália chega ao Brasil (recepção) e dialoga com outros produtos culturais de sua época, no caso o cinema Hollywoodiano de Western e os Western Spaghetti? Neste sentido, o objetivo principal foi de compreender a recepção de Tex no Brasil com foco nos cosplays de fãs, analisando a performatividade e sensibilidade destes fãs que se travestem no personagem de fumetti e que expressam suas opiniões e paixões via internet. Tal pesquisa contribuiu para uma maior aproximação do mundo Texiano, dos fãs brasileiros de Tex e de como essa comunidade se organiza por meio das redes sociais. É o resultado de uma formação interdisciplinar, transitando entre a História e as Performances Culturais, com uma fonte de pesquisa por si só também interdisciplinar e híbrida. This PhD research is the result of accumulated years of studies since my History graduation. The source and the research area remained the same: the cultural production of Comic Book magazines dedicated to the most long-lived Italian character in Western: Tex Willer - produced by Giovanni Luigi Bonelli (arguments and scripts) and Aurelio Galleppini (drawing), since 1948 in Milan, Italy. The central theme of this research is focused on readings of Tex fans in the light of Cultural Performances, understood here as an area of intersection between many fields of study. In this sense, it is necessary to dialogue with authors of Historiography and Communication. The methodology was based on a qualitative research, theoretical bibliographic reviews on comic books and Tex, as well as a case study of TEX magazines and also fan letters, cosplays made at meetings dedicated exclusively to the character. In addition, postings on social networks dedicated to the character such as Facebook and Instagram were also used as sources. The main question discussed on the text is about how does a cowboy produced in comics in Italy arrive in Brazil (reception) and dialogue with other cultural products of his time, in this case Western Hollywood films and Western Spaghetti? In this sense, the main objective was to understand TEX's reception in Brazil with a focus on fan cosplays, analyzing the performativity and sensitivity of these fans who dress up in the character of fumetti and who express their opinions and passions via internet. Such research contributed to a closer approximation of the Texian world, Brazilian Tex fans and how this community organizes itself through social networks. It is the result of an interdisciplinary training, moving between History and Cultural Performances, with a source of research in itself that is also interdisciplinary and hybrid.

O objetivo dessa tese foi formular, tendo a prática pedagógica como pano de fundo, uma reflexão acadêmica acerca da Educação Performática, Intercultural/Decolonial e Sensível no campo da Extensão e Cultura Universitárias. Para isso, desenvolvemos uma análise das experiências formativas em um Programa de Extensão e Cultura Universitárias: o Grupo CorpoEncena da UFCAT como ponto de partida; a seguir, elaboramos uma reflexão conceitual e categórica dos postulados das Performances Culturais e das suas mediações com a Educação, da Inteculturalidade/Decolonialidade e de suas mediações com a Educação, bem como da Educação do Sensível como aporte para processos formativos no interior da Universidade. Encerramos a escrita produzindo uma proposta de Projeto de Extensão e Cultura Universitárias que dialoga com o referencial proposto na tese, bem como com os saberes e práticas de matriz africana e suas inter-relações com a formação de pessoas com deficiência. The objective of this thesis was to formulate, having the pedagogical practice as a background, an academic reflection on Performance, Intercultural/Decolonial and Sensitive Education in the field of University Extension and Culture. For that, we developed an analysis of the formative experiences in a University Extension and Culture Program: the Grupo CorpoEncena of UFCAT as a starting point; then, we elaborate a conceptual and categorical reflection of the postulates of Cultural Performances and their mediations with Education, of Interculturality/Decoloniality and their mediations with Education, as well as of Sensitive Education as a contribution to formative processes within the University. We ended the writing by producing a proposal for a University Extension and Culture Project that dialogues with the framework proposed in the thesis, as well as with the knowledge and practices of an African matrix and their interrelationships with the training of people with disabilities.

Este estudo se dedica à história da dança de salão na cidade de Goiânia entre os anos de 1990 a 2020. Possui como objetivo principal, compreender quais foram as transformações e os processos de constituição de uma área de trabalho e de sociabilidade específica por meio da dança de salão em Goiânia, buscando compreender como esse fazer de dança marcou profundas alterações sociais e culturais no âmbito das sensibilidades e performances de dançarinas e dançarinos goianos; bem como o papel que a dança de salão e o imaginário da cidade do Rio de janeiro como sinônimo de lugar emissor de conhecimento, obteve entre os profissionais de dança de salão na cidade de Goiânia ao longo deste tempo. Aqui, a dança de salão teve seus primeiros contornos através da etiqueta e ganhou rearranjos culturais com o advento então nomeada lambada na década de 1990. O estudo também problematiza como esse cenário se redesenha, contribuindo para os surgimentos de um mercado de dança de salão e seus produtos dedicados a classe média e alta, fazendo surgir a formação de professores para esse mercado. Para tanto, a pesquisa fez uso de fotografias, matérias jornalísticas, documentos oficiais sobre as cooperativas de dança e entrevistas orais como fontes documentais. Também recorre a estudos da história cultural, dos estudos em dança e antropologia, numa perspectiva interdisciplinar para compreender as performances culturais. This study is dedicated to the history of ballroom dancing in the city of Goiânia (Brazil) between 1990 and 2020. Its main objective is to understand the transformations and processes of constitution of a specific work area and sociability through ballroom dance in Goiânia, seeking to understand how the practice of this dance marked profound social and cultural changes in the sensibilities and performances of dancers from Goiás; as well as the role that ballroom dancing and the imaginary of the city of Rio de Janeiro perceived as a synonymous of a place that emits knowledge, obtained among ballroom dancing professionals in the city of Goiânia throughout this time. Here, ballroom dancing had its first contours through etiquette and gained cultural rearrangements with the advent of lambada in the 1990s. This study also concerns how this scenario is redrawn, contributing to the emergence of a ballroom dancing market and its products dedicated to the middle and upper classes, rising the teacher training specialized for this market. The sources used in the research were photographs, journalistic material, official documents about the dance cooperatives and oral interviews. It also used studies in cultural history, dance and anthropology studies, in an interdisciplinary perspective to understand cultural performances.

Este estudo apresenta reflexões a respeito dos processos de evocação de memórias entre os(as) congadeiros(as) da festa da João Vaz (Goiânia-GO). Buscamos compreender os processos de evocação de memórias africanas e afro-brasileiras de matrizes bantu, principalmente, mas também sudanesas, tendo em vista o protagonismo das práticas corporais de seus participantes. Dentre os objetivos, destacamos o interesse em analisar os processos interculturais que ocorrem na festa, a partir de diferentes tradições bantu, sudanesa e do catolicismo popular; identificar as referências de religiosidades vivenciadas pelos(as) congadeiros(as) e suas correlações com o evento em foco; investigar como as práticas corporais participam dos processos de evocação da memória; e por fim, perceber e registrar os sentidos e significados das experiências dos(as) congadeiros(as) com o dançar, o cantar e o batucar. Foi desenvolvido um estudo etnográfico nos contextos de preparação e realização da Festa da João Vaz. As análises também se apoiaram nos estudos das Performances Culturais, considerando-se a integralidade das performances dos(as) congadeiros(as), bem como a percepção e análise de suas experiências com o fenômeno em tela. Aspectos da corporeidade dos(as) congadeiros(as) revelaram memórias cujos enredos constituem-se nos gestos, na familiaridade com os lugares e no uso de objetos e artefatos como insígnias de poder durante as celebrações. A diversidade de danças, cantos, cores de fardamentos, tipos de instrumentos musicais e suas formas de executá-los demonstram dinâmicas de (re)significação identitária que ocorrem entre os participantes e suas guardas de congada. A memória, seus significados e as formas nas quais são evocadas nutrem o elo entre os(as) congadeiros(as) e suas noções de ancestralidade africana e afro-brasileira. Por meio do vínculo com a ancestralidade, estes(as) vivenciam suas próprias relações com o sagrado em uma mnemônica corporal negra que extrapola as concepções mais vigentes de catolicismo, umbanda e candomblé. No encontro e na interdependência destes fenômenos as memórias incorporadas nos(as) congadeiros(as) revelam cosmovisões e símbolos próprios na composição da cultura negra no Brasil. This study presents reflections on the processes of evoking memories among the congadeiros of the Festa da João Vaz (Goiânia-GO). We seek to understand the processes of evoking African and Afro-Brazilian memories of Bantu matrices, mainly, but also Sudanese, in view of the protagonism of the bodily practices of its participants. Among the objectives, we highlight the interest in analyzing the intercultural processes that occur at the festival, from different Bantu, Sudanese and popular Catholic traditions; identify the references of religiosities experienced by the congadeiros and their correlations with the event in focus; investigate how bodily practices participate in memory recall processes; and finally, perceive and register the senses and meanings of the experiences of the congadeiros with dancing, singing and drumming. An ethnographic study was carried out in the context of the preparation and realization of the Festa da João Vaz. The analyzes were also based on the studies of Cultural Performances, considering the integrality of the performances of the congadeiros, as well as the perception and analysis of their experiences with the phenomenon in question. Aspects of the corporeality of the congadeiros revealed memories whose plots constituted in gestures, in the familiarity with the places and in the use of objects and artifacts as insignia of power during the celebrations. The diversity of dances, songs, colors of uniforms, types of musical instruments and their ways of performing them demonstrate dynamics of identity (re)signification that occur between the participants and their guardas in Congada. Memory, its meanings and the ways in which it is evoked nurture the link between congadeiros and their notions of African and Afro-Brazilian ancestry. Through the link with ancestry, they experience their own relationship with the sacred in a black bodily mnemonic that goes beyond the most current conceptions of Catholicism, Umbanda and Candomblé. In the encounter and interdependence of these phenomena, the memories incorporated in the congadeiros reveal cosmovisions and symbols in the composition of black culture in Brazil.

A presente tese visa interpretar as performances negras dos grupos afro-brasileiros da cidade de Goiás (GO) e como esses grupos se relacionam com o patrimônio mundial consagrado pela Unesco e pelo Iphan. Nesse sentido, a pesquisa acompanhou os grupos Congo, Afoxé Ayó Delê e Bloco Pilão de Prata no intuito de compreender, em uma perspectiva dialógica, as relações identitárias e seus espelhos, bem como a corporificação e as experiências das relações étnico-raciais nas práticas performáticas patrimoniais, considerando-se a articulação das políticas culturais, do plano mundial e nacional, com as especificidades locais. Goiás obteve o título de Patrimônio Mundial pela Unesco, em 2001, devido à conservação de valores históricos, arquitetônicos e urbanísticos, que testemunham a ocupação e a colonização ocorridas no século XVIII. Paradoxalmente, a partir do início do século XX, surgem outras práticas culturais que estabelecem conexões com o contexto da descolonialidade e fomentam discussões sobre diversidade e diferença. Justifica-se esta investigação pela necessidade de compreensão das relações identitárias étnico-raciais existentes na pós-modernidade e, consequentemente, busca refletir sobre os múltiplos processos de identificações e de manifestações expressivas que perpassam esses sujeitos. Além dessas discussões iluminarem reflexões sobre as relações étnico-raciais, sublinha-se a emergente necessidade de a sociedade brasileira refletir criticamente e atuar no combate ao racismo. Esta análise tem como referência a pesquisa de campo realizada entre 2016 e 2020. Trata-se de uma pesquisa apoiada no método etnográfico, que tem como principal objetivo interpretar as performances afro-brasileiras da cidade de Goiás e seus diálogos patrimoniais. Observa-se que o discurso patrimonial do centro histórico, de uma identidade única, começa a sofrer fissuras e deslocamentos. Nesse sentido, o Congo, o Bloco Pilão de Prata e o Afoxé Ayó Delê atribuem novos contornos às práticas culturais locais e colocam em proeminência o agenciamento de conteúdos simbólicos das manifestações afro-brasileiras, desencadeando, por meio de suas performances e ações educativas, um processo complexo de descolonialidade. The present thesis seeks to explain black performances in some Afro-Brazilian groups from Cidade de Goiás (GO) and how they relate to the world heritage title given to the city by UNESCO and IPHAN. In such sense, the research followed the Congo, Afoxé, Avó Delê and Bloco Pilão de Prata groups to understand, in a dialogical perspective, the identity relations and their mirrors, as well as the embodiment and experiences of ethnic racial relations in heritage performance practices taking into consideration the way cultural policies are developed both worldwide and nationally with local specifications. Goiás was considered a UNESCO World Heritage in 2001 thanks to the preservation of its historical, architectonic and urbanistic values, which witnessed the occupations and colonization that happened in the 18th Century. Paradoxically, at the beginning of the 20th Century, other cultural practices start to emerge and build connections with the descolonialism context besides instigating discussions about ethnic racial relations. Such scientific investigation is justified by the need of understanding the ethnic racial identity relations that exist in post-modernity and thereby it attempts to reflect upon the multiple processes of identification and manifestations of expression that run through the aforementioned subjects. In addition to these discussions illuminating reflections on ethnic-racial relations, it underlines the emerging need for Brazilian society to critically reflect and act in the fight against racism. The analysis presented has a field research done between 2016 and 2020 as a reference in which ethnographic methods were used and whose goal is to interpret Afro-Brazilian performances in the town of Goiás and their heritage dialogues. It is possible to observe that the historical center heritage speech, which had a unique identity, starts to get fissured and displaced. As far as it is concerned, the groups Congo, Bloco do Pilão de Prata and Afoxé Avó Delê attribute new outlines to the local cultural practices and highlight the agency of symbolic content in Afro-Brazilian manifestations, which therefore result in a complex process of descolonialism as an outcome of their performances and educational actions. Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de Goiás

Esta tese resulta de uma investigação cartográfica a respeito da(s) performance(s) existente(s) no recital de música de câmara na atualidade. Partindo-se da problematização do papel criativo que um performer de música erudita desempenha (ao elaborar uma performance de espetáculo, ao escolher repertório, definir espacialidades e os dispositivos intertextuais que integram cada recital), pressupõe-se que o recital toma a configuração de um ritual (GOFFMAN, 1959; TURNER, 1974). Ainda que tais rituais culturais dos recitais de música de câmara sejam laicos, comportam uma dimensão artística que transcende a cotidianidade e o lugar comum, como acontece no sagrado. O recital de música de câmara estabelece-se, portanto, como um evento repleto de dimensões performáticas que perpassam todas as fases da performance (SCHECHNER, 1985), seja em seu preparo, em sua performance ou em sua movência (ZUMTHOR, 2018). Essas dimensões, através das quais se estabelece um olhar pelas lentes das performances, intitulo “camadas performáticas” (gênero, práxis e recital), pois ora elas coexistem, sobrepõem-se, ora elas acontecem em separado, mas, ainda assim, co-dependem (uma das outras). Por uma via, tais questões impulsionam tema, problema, método, e, com isso, são estabelecidos pressupostos através de uma pesquisa nas artes (BORGDORF, 2012; 2018), estabelecendo ainda um entremeio com as investigações qualitativas (BAUER; GASKELL, 2008, VELARDI, 2018), performáticas (HASEMAN, 2015) e cartográficas (ROLNIK, 2006, DELEUZE; GUATTARI, 2011, PASSOS; KASTRUP; ESCÓSSIA, 2015). Por outra via, a experiência cartográfica deambulante funde a experiência artística à experiência de pesquisa, gerando dados que esclarecem o delineamento da tese e demandam método específico. Além do referencial teórico relativo à caracterização da pesquisa, aos conceitos e histórico da música de câmara e além da teoria concernente às performances culturais, constam ainda, como dados gerados, a observação e análise de recitais assistidos e de recitais dos quais participei, bem como entrevistas com músicos cameristas. Tais dados fazem um contraponto às informações contidas nos três primeiros capítulos e à descrição de elaboração de recitais e demonstram a aplicabilidade dos conceitos levantados. Esta tese culmina no projeto artístico elaborado a partir da cartografia feita ao longo desta investigação (narrativas, referenciais teóricos, argumentações e as entrevistas realizadas), num víde0-recital intitulado Improvisório. Trata-se de um testemunho auto-poiético, que encerra este trabalho a partir da perspectiva da prática artística. This work is the product of a cartographic investigation about the performance(s) that is (are) to be found in today's chamber music recital. Starting from a discussion on the creative role played by a classical music performer (when he or she structures the spectacle's performance, chooses his or her repertoire, sets spacialities and the intertextual devices that integrate each recital), we assume that the recital takes the shape of a ritual (GOFFMAN, 1959; TURNER, 1974). Even though such chamber music recital's cultural rituals are secular, they do comprise an artistic dimension that overcomes common place and everyday life, such as in the case of sacred things. The chamber musical recital, therefore, is an event full of performatic dimensions that go through all phases of the performance (SCHECHNER, 1985), in its inceptions, as well as in its performance or its mouvance (ZUMTHOR, 2018). I name “performatic layers” (genre, praxis, and recital) those very dimensions through which one may set a certain perspective by means of the lenses of the performances for they at times coexist, superimpose upon each other or take place separately and yet they are co-dependent. In a way, such matters drive theme, problem and method itself and therefore some assumptions are set by means of an investigation about the arts (BORGDORF, 2012; 2018), thereby setting a certain entanglement with the so-called qualitative investigations (BAUER; GASKELL, 2008, VELARDI, 2018), and performatic investigations (HASEMAN, 2015), as well as cartographic investigations (ROLNIK, 2006, DELEUZE; GUATTARI, 2011, PASSOS; KASTRUP; ESCÓSSIA, 2015). In another way, cartographic deambulatory experience merges artistic experience with research experience, thus generating data that throw some light upon the setting of this thesis and demand a specific method. Besides the theoretical framework related to the very features of this research, its concepts and the history of chamber music and beyond the theory concerning cultural performances, there also appear as generated data the observation and analysis of recitals which I attended and of recitals in which I took part (as a musician), as well as interviews with chamber musicians. Such data comprise a kind of counterpoint to the information present in the three first chapters and the description of the making of the recitals and therefore demonstrate the applicability of the concepts that have been used. This thesis culminates in the artistic project elaborated through the cartography made during this investigation (narratives, theoretical references, discussion of concepts and interviews), in a video-recital entitled Improvisório. It is a self-poietic testimony, which closes this work from the perspective of artistic practice. Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de Goiás

Esta pesquisa realiza um estudo das performances e das relações de poder envolvidas na prática artística da dança, em sua forma de organização estética entendida como intervenções urbanas. Para tanto, foram analisadas as obras “Aparecidas”, do ¿por quá? grupo que dança, e “Escape”, do Nômades Grupo de Dança, entre os anos de 2017 e 2018, ambos grupos de dança contemporânea da cidade de Goiânia-GO. A pesquisa verificou como as relações de poder são desenvolvidas nas práticas artísticas dos grupos em questão, através da análise das referidas intervenções, partindo da observação das obras durante suas realizações. Para isso, debate-se sobre arte; sobre as percepções do que é arte; o que é um objeto artístico; o que é e quem pertence ao mundo das artes; e as relações que se constituem. Contextualiza-se as performances culturais, a performance art e seu cruzamento histórico, culminando na explicação do que são as intervenções urbanas para entender como elas são dependentes das interações e relações sociais e, que estas, constituintes dos sujeitos e das culturas, são mediadas pelas relações de poder. Utiliza-se de teorias sobre o poder para identificar nas práticas artísticas as reflexões sobre suas composições, descrevendo as experiências artísticas com as intervenções urbanas e analisando as relações entre pessoas desde a sua produção à sua exibição pública. This research is based on a performance study and it relations of power that exist in the artistic dance practice. How is it aesthetically organized and how it could be understood as urban Interventions. To exemplify this theory, we analyze two urban interventions from the city of Goiânia-GO, Brazil. “Aparecidas” was produced by ¿por quá? grupo que dança and “Escape” was produced by Nômades Grupo de Dança. Both interventions were developed and performed in between 2017 and 2018. This research verifies how the relations of power were developed by both groups in the artistic project previously mentioned. Analyzing both interventions from an observer point of view during the creative period. To work on it we will talk about arts: what is art, what is the artistic object, what is and who belong to the art world questioning their relation itself. We will contextualize cultural performance and performance art developing their historical link. That connection intends to bring us to what are urban interventions. In that way we can understand how are they dependent of social relations and interactions. By the end we will consider the human factor and its cultures, clarifying how it could be understood as power relations. We will use theories about power to identify in the artistic practice reflections about their compositions; describing both artistic experiences with the urban interventions analyzing the human relations from the beginning of the production to it exhibition. Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES

Sonic ethnography makes a compelling argument for taking sound seriously as a crucial component of social life and as an ethnographic form of representation. This volume explores the role of sound-making and listening practices in the formation of local identities in the southern Italian region of Basilicata. With an approach that cuts across sensory anthropology, sound studies and ethnomusicology, Sonic ethnography demonstrates how acoustic tradition is made and disrupted and acoustic communities are brought together in shared temporality and space. Based extensive research, this volume provides an innovative take on soundful cultural performances such as tree rituals, carnivals, pilgrimages and more informal musical performances, with particular attention to the interactions between classic ethnographic scholarship from the past century and the local politics of heritage.Featuring stunning colour photographs and more than an hour of sound recordings, Sonic ethnography uses a unique combination of media to investigate distinctive ways of knowing, beyond more traditional ethnographic forms of representation. Two methodological chapters, respectively on music-making as creative research practice and on photo-ethnography, make the book an essential contribution for those interested in the production of sounds and still images as relational and interactive approaches to fieldwork. The pioneering anthropologist of sound, Steven Feld, collaborated to some of the research and contributed to the book an afterword and a soundscape composition.

Esta pesquisa tem como objetivo investigar os saberes e fazeres tradicionais nos processos de formação de artistas-docentes nas artes da cena. Para tal, parte de um trajeto empírico, buscando a reflexão na e a partir da prática, que foi desenvolvida de 2016 a 2019, na concepção e implantação da disciplina de Manifestações Dramáticas Populares, no curso de Teatro Licenciatura da Escola de Música e Artes Cênicas da Universidade Federal de Goiás. No âmbito dessa disciplina, foram vivenciadas, por discentes e docentes, manifestações tais como o Bumba meu boi, a Congada, o Tambor de crioula, o Caroço e o Cacuriá, alternando o ambiente da universidade com aquele das comunidades detentoras dos saberes e fazeres tradicionais visitados. A partir das noções de descolonização, ancestralidade e pluriepistemologia, bem como do debate com os mestres e mestras, com o corpo discente e com autores integrantes de comunidades tradicionais, a tese propõe uma metodologia de abordagem performático-pedagógica para o estudo dos saberes e fazeres tradicionais nas licenciaturas em Artes da Cena. Resulta do processo a sistematização de estratégias (Vivências mediadas de aproximação; Encontros com mestres; Vivências em campo; Relatos do vivido e referências em movimento; Criações performático-pedagógicas) e a elaboração de dez princípios performático-pedagógicos (Mobilização do corpo, Reconhecimento da tradição, Dinâmica da tradição, Coletividade, Relação com a ancestralidade, Partilha de saberes, Importância dos mestres/mestras, Capacidade de improvisação, Teatralidade, Tocar-cantar-dançar-contar) que orientam o trabalho. Constata-se ainda que a ampliação dos limites da universidade, no sentido de ousar organizar o tempo de outra maneira, realizar o aprendizado em outros espaços, estabelecer outras hierarquias, foi fundamental para o processo de ensino-aprendizagem proposto. Nesse processo, o contato com mestres e suas comunidades modificou percepções pedagógicas, estéticas e, principalmente éticas e sociais. This research aims to investigate the traditional knowledge and practices in the training processes of artist-teachers in the performing arts. To this end, it is based in an empirical path, seeking reflection on and from practice, which was developed from 2016 to 2019, in the design and implementation of the discipline Manifestações Dramáticas Populares, in the Theater Degree course of Escola de Música e Artes Cênicas from the Federal University of Goiás. Within the scope of this discipline, traditions such as Bumba meu boi, Congada, Tambor de Crioula, Caroço and Cacuriá were experienced, alternating the environment of the university with that of the communities which hold the traditional knowledge and practices visited. Based on the notions of decolonization, ancestry and pluriepistemology, as well as in the debate with masters and teachers, with the students and with authors who are members of traditional communities, the thesis proposes a performance-pedagogical approach methodology for the study of traditional knowledge and practices in Performing Arts pedagogical processes. Some fundamental pedagogical strategies were systematized (Mediated experiences; Meetings with masters; Field experiences; Reports of the lived and references in movement; Performance-pedagogical creations) and ten performance-pedagogical principles were elaborated (Mobilization of the body, Recognition of tradition, Dynamics of tradition, Collectivity, Relationship with ancestry, Sharing of knowledge, Importance of masters, Ability to improvise, Theatricality, Play-sing-dance-tell) to guide the work. It is also noted that the expansion of the university's limits, in the sense of daring to organize time in another way, to carry out learning in other spaces, to establish other hierarchies, was fundamental to the proposed teaching-learning process. In this process, contact with masters and their communities changed pedagogical, aesthetic and, mainly, ethical and social perceptions.

Este trabalho analisa o contexto histórico, político social e econômico, ligado à luta pela terra, no estado do Pará, no que diz respeito a um possível processo de acirramento da luta de classes, neste estado, que influenciou o advento do Massacre de Eldorado dos Carajás, em 17 de abril de 1996, ocasião em que 19 trabalhadores rurais sem-terra foram mortos pela polícia. A partir da inserção no campo das performances culturais, a pesquisa que deu origem a esta tese tomou, também, como aporte teórico o materialismo histórico e dialético – especialmente, a noção de luta de classes e sua correlação com a questão agrária e os conflitos dela decorrentes, no país. Como procedimentos de investigação, priorizou a realização de 11 (onze) entrevistas com trabalhadores e trabalhadoras camponeses, ligados ao Movimento dos Trabalhadores Rurais Sem-terra/MST, que sobreviveram ao Massacre. Esse percurso permitiu a análise e discussão das narrativas dos sobreviventes, como sendo representativas de um processo de acirramento da luta de classes, naquele estado, que tem como expressão o próprio massacre; mas, também, evidenciou parte dos dramas sociais que os trabalhadores rurais sem-terra vivem e demonstrou elementos de uma cultura política que contribuiu para a formação dos militantes do movimento social. This work analyzes the historical, political, social and economic context of the fight for land in the state of Pará, concerning a possible raging process of class struggle in this state and influencing the massacre of Eldorado dos Carajás on April 17, 1996, when 19 agricultural landless workers were killed by the police. From the insertion of cultural performances in the field, the research that originated this thesis has a theoretical background based on the historical and dialectical materialism – mainly the notion of class struggle and its relation with the agricultural issue and the resulting conflicts in the country. As an investigation process, this work prioritized 11 interviews with agricultural workers linked to the Landless Workers’ Movement in Brazil (MST) that survived the massacre. This course allowed the analysis and discussion of narratives of the survivors, representing the raging of class struggle in Pará. The narratives expressed the massacre itself, and also evidenced some of the social tragedies experienced by the landless rural workers. They also showed elements of a political culture that has contributed to the formation of activists in the social movement of MST. Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES

RESUMEN Este artículo reflexiona sobre una investigación participativa que condujo al diseño y uso de un juego de mesa con indígenas en la Amazonía colombiana. El objetivo del “Juego de Chagras” es producir, procesar y comercializar alimentos, y en su desarrollo, la toma de decisiones involucra a los jugadores en discusiones y análisis del fenómeno estudiado. Mediante una etnografía experimental se analizan las estrategias de los jugadores y cómo se conectan con las decisiones que cotidianamente toman las personas. Se concluye que los juegos tienen potencial para la investigación participativa, si se analizan como actuaciones culturales que revelan la situación de los actores a partir de sus decisiones en el juego, y los contextos sociales en los cuales están inmersos. ABSTRACT This article reflects on a participatory research that led to the design and use of a board game with indigenous people in the Colombian Amazon. The objective of the “Juego de Chagras” is to produce, process and market food, and in its execution, decision making involves the players in discussions and analysis of the studied phenomenon. The strategies of the players and how they connect to the decisions that people make on a daily basis are analyzed by means of experimental ethnography. It is concluded that games hold considerable potential for participatory research, if they are analyzed as cultural performances that reveal the situation of the players on the basis of their decisions in the game, and the social contexts in which they are immersed. RESUMO Este artigo reflete sobre uma pesquisa participativa que levou ao projeto e utilização de um jogo de mesa com indígenas da Amazônia colombiana. O objetivo do “Jogo de Chagras” é produzir, processar e comercializar alimentos e, em seu desenvolvimento, a tomada de decisões envolve os jogadores em discussões e análises do fenômeno estudado. Através de uma etnografia experimental, as estratégias dos jogadores e a forma como eles se conectam com as decisões que as pessoas tomam diariamente são analisadas. Conclui-se que os jogos têm potencial para pesquisa participativa, se analisados como performances culturais que revelam a situação dos atores com base em suas decisões no jogo e os contextos sociais em que estão imersos.

Neste trabalho tem-se por objetivo desenvolver um estudo sobre a invenção/performance Parangolé, do artista performático, pintor, escultor e carioca Hélio Oiticica (1937-1980). O Parangolé é aqui abordado como uma linguagem/performance das subjetividades e das práticas não representacionais. O eixo das análises é o material escrito pelo artista, que revolve em torno de seus Parangolés-objetos, performances e outros de seus objetos-arte. Busca-se compreender a atuação cultural dos Parangolés adentrando o mundo-labirinto de Hélio Oiticica. As análises se dão na confluência de vertentes distintas do pensamento de três autores: de Kenneth Burke (1897- 1993): Ação Simbólica e as Janelas de Termos (Terministic Screens), categorias de análise de linguagem do seu dramatismo; do filósofo russo Mikhail Bakhtin (1895-1975), em atenção especial ao seu conceito de exotopia – excedente de visão (consideração do olhar do outro, tempos e lugares de percepção que se constituem na obra de arte), para situar a presença do espectador/participador dos Parangolés; de Richard Schechner, no que ele denomina de actual – uma maneira especial de constituir e lidar com a experiência artística – um evento de mimeses – imitação, presentação (no tempo, estar presente, existência, existência no tempo), representação e expressão das ações do viver, na tentativa de ocupar os espaços entre passado e presente, indivíduo e grupo, interno e externo. Investiga-se nos Parangolés o que está para além da imitação ou representação da realidade e da expressão de estados mentais e emocionais, circunscrição que abriga os exercícios comportamentais de Oiticica. O trabalho está assim constituído: introdução; capítulo I – apresenta-se questões de ética, estética, ação e comportamento da linguagem incorporada dos P(a)rangolés; capítulo II – analisa-se o panorama da vertente artística brasileira na cena cultural dos anos 1960: a arte construtivista dos movimentos concreto e neoconcreto. As questões políticas e artísticas por uma perspectiva sociocultural; capítulo III – a linguagem humana enquanto vontades de presentação, apresentação e representação do mundo, de nós mesmos e do outro, nas interações/performances sociais; capítulo IV – uma visão das janelas de termos de K. Burke; capítulo V – reflete-se o que vemos e não vemos das janelas de Bakhtin; capítulo VI – examina-se a atualização (actual) proposta por Schechner. This work aims at developing a study about Hélio Oiticica´s invention/performance Parangolé. The painter, sculptor and performance artist was born in Rio de Janeiro, in 1937 and died in the same city, in 1980. Parangolé is approached here as a language/performance of the subjectivities and the non-representational practices. The axis of the analyses is the artist´s written material which revolves around his parangolés (objects and performance) and his other objects. I search for an understanding of Parangolés entering Oiticica´s labyrinth-world. The analysis revolves around the thinking of three authors. Kenneth Burke (1897-1993): Symbolic action and Terministic Screens - categories of language analyses in his dramatism. Russian philosopher Mikhail Bakhtin (1895- 1975): his concept of exotopia - exceeding view (consideration of the other´s view, time and place of perspectives constituted in the work of art), to situate the presence of the spectator/participant of Parangolés. What Richard Schechner calls “actual”: a special manner of constituting and dealing with artistic experience. A mimesis event: imitation, presentation (in time, be present, existence, existence in time), representation and expression of the actions of living in the attempt to occupy the spaces between past and present, individual and group, inside and outside. I investigate in Parangolés what is beyond imitation or representation of reality; and beyond the expressions of mental and emotional states, circumscription that nests Oiticicas´s behavioral exercises. Chapter I - Ethics, aesthetics, action, and behavior of the embodied language of P(p)arangolés; Chapter II - Overview from an artistic angle of the Brazilian cultural scene of the 1960s: the constructivist art of the concrete and neo-concrete movements. Political and artistic matters from a sociocultural perspective; Chapter III - Deals with language as wills of presentation, introduction, and representation of the world, of us and others, in social interactions/performances; Chapter IV - A view from Burke´s screens; Chapter V - What one cannot see or see at Bakhtin´s screens; Chapter VI - Actualizing (Actual) as proposed by Schechner. Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES

O trabalho visa as representações do político e coronel fictício Odorico Paraguaçu, da telenovela O Bem-amado, de 1973. De autoria de Dias Gomes, a telenovela desafiava o período político e histórico daquele momento: a ditadura militar brasileira. Na visão do regime o autor era um subversivo, mas Dias Gomes, como dramaturgo nacional popular, não se deixava intimidar e transformou Odorico no retrato de diversos indivíduos que seguiam um modus operandi político único, brasileiro, previsível e quase imutável, até mesmo entre adversários políticos. Odorico se tornou uma crítica que transforma em comédia a tragédia da vida real provocada pela maioria dos políticos. Para compreender o jogo da representação de Odorico identificou-se que as questões são transdisciplinares, podendo ser englobadas pelos estudos das performances culturais, principalmente a partir de Erving Goffman e de Richard Bauman. Assim, os recursos comunicativos utilizados pelo autor e pelo ator, Paulo Gracindo, que interpreta Odorico, foram analisados enquanto performances culturais. Portanto, o personagem Odorico Paraguaçu performa, através de fachadas sociais, como moralista, coronel e populista. E, durante a telenovela, suas ações se tornam parte das fachadas pessoais e cênicas deste personagem, que giram em torno de seu esforço enquanto político para agradar a população da fictícia cidade de Sucupira e inaugurar sua promessa de campanha à prefeitura: um cemitério, testando a eficiência de sua representação. A comparação entre as fachadas do personagem Odorico e dos políticos anteriores e contemporâneos a ele se deu por meio da pesquisa bibliográfica, principalmente em acervos digitais de documentos da época. Os dados relacionados performaticamente mostram que a maneira de agir de Odorico não se diferenciava no total das formas de representações empregadas por políticos que existiam na realidade brasileira, na maioria das vezes com intencionalidade semelhante. The work aims at the representations of the fictional politician and colonel Odorico Paraguaçu of the soap opera O Bem-amado, in 1973. Designed by Dias Gomes, the soap opera challenged the political and historical period of that moment, the Brazilian military dictatorship. In the regime's view, the author was a subversive, but Dias Gomes, as a popular national playwright, did not allow himself to be intimidated and transformed Odorico into the portrait of several individuals who followed a unique, predictable and almost unchanging, even among political opponents. Odorico became a criticism that turned the real-life tragedy caused by most politicians into comedy. In order to understand the game of Odorico's representation, it was identified that the questions were transdisciplinary and could be encompassed by the studies of cultural performances, mainly as understood by Erving Goffman and Richard Bauman, thus, the communicative resources used by the author and the actor, Paulo Gracindo that interpreted Odorico, they were analyzed as cultural performances. Therefore, the character Odorico Paraguaçu performed through social frames as a moralist, colonel and populist, and during the telenovela, his actions become part of this character's personal and scenic facades, which revolve around his effort as a politician to please the population of the fictional city of Sucupira and inaugurate its campaign promise to the city hall: a cemetery, testing the efficiency of its representation. The comparison between the frames of the character Odorico and the politicians previous and contemporary to him, took place through bibliographic research mainly in digital collections of documents of the time. The performatically related data showed that Odorico's way of acting did not differ in the total forms of representations employed by politicians that existed in the Brazilian reality, most of the time with similar intentionality.

O contato improvisação é analisado pela perspectiva das performances culturais como forma de dança contemporânea que enfatiza o lado surpreendente da queda, inspirado nas palavras da escritora, antropóloga e bailarina Cynthia Jean Novack (1947-1996), para quem o contato improvisação “enfatiza a natureza selvagem e desajeitada da queda” (NOVACK, 1990, p.151). A descrição etnográfica dessa dança e sua essência dialógica são apresentadas como formas de autorreflexividade social, por meio da narrativa, num movimento de afunilamento da observação participante, do macro para o microcosmos, partindo do que está dado no mundo para a pessoa que escreve esta análise, em busca da compreensão da relação entre as experiências proporcionadas por essa performance e a multiplicidade de significações remetidas a ela que a tornam performances culturais. Do que está dado no mundo, dois depoimentos disponíveis online em audiovisuais com o criador da performance (1972), Steve Paxton, um do Juniata College, EUA, nos 36 anos do contato improvisação, e, outro do Museu da Dança, na França. Essas duas narrativas são tomadas como fontes da descrição etnográfica que evidenciam características performáticas essenciais e questões motivacionais que geraram esse movimento de dança. No segundo capítulo, as narrativas que embasam o afunilamento da descrição etnográfica são alguns dos escritos de Steve Paxton, publicados pela Contact Quarterly´s Contact Improvisation Sourcebook (1997), uma coleção especial histórica desse periódico de dança lançado em 1975 como espaço de reflexão, debate e circulação dos estudos de movimento e das experiências decorrentes da performance. Junto com esses escritos, aspectos da história do contato improvisação e da Small Dance, apresentada como técnica de preparação para o movimento, como aquecimento da percepção para a dança do contato improvisação. O terceiro capítulo apresenta a aula de contato improvisação e concentra a observação participante, incluindo minha experiência como bailarina, contatista, professora de dança e de contato improvisação como objeto de reflexão sobre a carga performática de possíveis transformações e de transporte (Schechner, 2011) disponíveis em sala de aula e nas jam sessions. Contact Improvisation is analyzed from the perspective of cultural performances as a unique form of contemporary dance that emphasizes the surprising side of falling, inspired in the words of writer, anthropologist and dancer Cynthia Jean Novack (1947-1996) for whom contact improvisation “emphasizes the wildness and awkwardness of falling ”(NOVACK, 1990, p.151). The ethnographic description of this dance and its dialogical essence are presented as forms of social self-reflexivity, through the narrative, in a funneling movement of participant observation, from macro to microcosm, starting from what is given in the world to the person who writes this analysis, in search for the understanding of the relationship between the experiences provided by this performance and the multiplicity of meanings that refer to it that make it cultural performances. From what is given in the world, two testimonies available online in audiovisuals with the creator of this performance (1972), Steve Paxton, one from Juniata College, USA, in the 36th anniversary of contact improvisation, and another from the Dancing Museum, France. These two narratives are taken as sources of the ethnographic description which highlight essential performance characteristics and motivational issues which generated this dance movement. In the second chapter, the narratives which underpin the funneling of the ethnographic description are some of the writings of Steve Paxton, published by Contact Quarterly’s Contact Improvisation Sourcebook (1997), a special historical collection of this dance journal launched in 1975 as a space for reflection, debate and circulation of movement studies and experiences resulting from the performance. Along with these writings, aspects of the history of contact improvisation and the Small Dance, presented as a preparation technique for the movement, as the warming up of the perception for the dance of contact improvisation. The third chapter presents the contact improvisation class as a performance and focuses on participant observation, including my experience as a dancer, contactor, dance and contact improvisation teacher as an object of reflection on the performance load of possible transformation and transportation (Schechner, 2011) available in the classroom and at the jam sessions. Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES

The purpose of this article is to discuss the artistic process and work of director Hugo Rodas in his creation of the piece Memória Roubada (2002) a work known to increase the audience’s awareness of the scenic arts and which expands viewers understanding of theatrical interpretation. The work lends itself, in this instance, as more than a simple relationship between viewer and scene. Rather the piece immerses the audience and acts as an intervention to the sterile consistent world around. Memória Roubada places the viewer in the center of all the action enabling them to perceive the multiple interpretations and experiences actively occurring on stage. This study, therefore, raises question and reflections in reference to the dynamics of the scenic arts employed in this work whilst analyzing the ability of the theatrical work to invoke questions and formulate new thoughts to the viewer., A proposta deste artigo é discutir o processo de trabalho do diretor teatral Hugo Rodas na montagem da peça Memória Roubada (2002) que amplia noções sobre as artes da cena e o campo da visualidade. A obra teatral configura-se, neste caso, como mais que uma simples relação entre a obra e seu apreciador. Ela se insere no mundo como uma intervenção, o que coloca o espectador no centro da ação perceptiva e permite múltiplas interpretações e vivências. O estudo, então, abrange questões e reflexões no que se refere às dinâmicas do ato cênico e à capacidade de agir e formular pensamentos.

A investigação aqui sistematizada circunscreve a problemática: os sons do cotidiano da cidade nos representam culturalmente? Há uma performance cultural, sonora, goianiense? Se há, como ela se manifesta? Pressupomos que há uma performance sonora na cidade que caracteriza a performance cultural de seus cidadãos. Para tanto, nosso objetivo foi identificar, coletar, registrar sons em quatro lugares significativos para a cidade de Goiânia e, posteriormente, editá-los visando a realização de uma instalação sonora intitulada ‘Janelas sonoras’. Esta instalação, além do fim em si mesma, também nos serviu para confirmar ou não, se há uma performance sonora cultural goianiense, junto à recepção dos sons selecionados. Os dados da pesquisa foram obtidos por meio da observação, da escuta, de entrevistas e dos questionários a partir de quatro territórios sonoros mais expressivos de Goiânia, selecionados e assim considerados por mim. A análise dos dados foi realizada de maneira qualitativa, etnográfica (com contribuições de estudos da antropologia urbana) e fundamentada em discussões teóricas a partir dos autores: Erving Goffman (1986, 1959, 2011, 2012); Richard Schechner (1985, 2002, 2003, 2006); Victor Turner (1974, 1982); Sainy Veloso (2013, 2014); Raymond Murray Schafer (1977, 2011); Roland Barthes (1987, 1990); Michael Certeau, Luce Giard e Pierre Mayol (1996); Clifford Geertz (1989); Carlos Fortuna (1998, 1999); José Guilherme Cantor Magnani (1998, 2009, 2002, 2013, 2016); Maurice Halbwachs (1980,1990); Pierre Schaeffer (1950, 1966); Bernd Schulz (1999), entre outros. Esperamos que essa experiência sensível, sonora, realizada na investigação, contribua para a discussão dos sons como performance sonora cultural e permita entender a cultura local em sua diversidade. The research here systematized circumscribes the problem: do the sounds of daily life in the the city represent us culturally? There is a sound cultural performance of Goiânia? Therefore, our objective was to identify, collect and record sounds in four significant places of the city and, subsequently, edit them in order to make a sound installation called Windows Sounds. This installation, beyond the end in itself, also served as a mecanism to confirm or not whether there is a cultural sound performance in Goiânia, with the reception of the selected sounds. The research data were obtained through observation, listening, interview and questionnaires of the four most expressive sound territories of Goiânia, selected and considered that way by me. Data analisys was developed qualitatively, etnographic (with contributions of urban antropology) and based on theoretical discussions of these authors: Erving Goffman (1986, 2001, 2011, 2012); Richard Schechner (1985, 2002, 2003, 2006); Raymond Murray Schafer (1977, 2011); Victor Turner (1974, 1982), Sainy Veloso (2013, 2014); Roland Barthes (1990); Michael Certeau, Luce Giard and Pierre Mayol (1996); Clifford Geertz (1989); Carlos Fortuna (1998, 1999); José Guilherme Cantor Magnani (1998, 2007, 2013, 2016); Maurice Halbwachs (1980); Pierre Schaeffer (1950, 1966); Bernd Schulz (1999); Gilles Deleuze and Felix Guattari (1992), among others. We hope that this sensitive sound experience, conducted in the investigation, will contribute to the discussion of sounds as cultural sound performance and allow understanding the local culture in its diversity.

The article aims to answer several questions: can Polish national anniversaries (from the 19th Century to 1914) be treated as amedium of cultural memory? To what extent can the concept of cultural memory be auseful tool for analysing anniversaries? Do societies remember the national anniversaries, and how do they remember them? The starting point are the concepts of the cultural memory studies researchers. The discussion refers to the ideas on, inter alia, the ways in which cultural memory operates (including the concepts of Aleida Assman and Astrid Erll, as well as the analyses by Paul Connerton). Utilising these studies has enabled an illustration of the issues related directly to the conventions and indicators of anniversaries (here, especially: collective memory, cultural memory and canon, media of collective memory, myth and ritual, ceremonies of remembrance, cultural performances, popular literature / culture and the memory of cultures). Theoretical discussions have been based on examples from the second half of 19th Century and early 20th Century (the press, anniversary pamphlets, anniversary handbooks, printed annotations for transparencies, and finally series of slides). The proposed chronological framework has allowed adepiction of the constancy of commemorative rituals and an examination of specific displays of anniversary celebrations (for example, the cult of heroes of the sword –text dated 19th Century to early 20th Century; among others, Sobieski, Kościuszko, Mickiewicz, Słowacki).

The theatrical experience of ‘non-school’ began in the early ‘90’s, in Ravenna, as part of Teatro delle Albe’s work, a company created in 1983 by Marco Martinelli, Ermanna Montanari, Luigi Dadina and Marcella Nonni. From the early years of the new millennium ‘non-school’ started up in various cities, both in Italy and abroad, and took the name of ‘Arrevuoto’ (Revolt) in Naples, ‘Capusutta’ (Upside down) in Lamezia Terme and ‘Eresia della Felicità a Venezia’ (The Heresy of Happiness in Venice) in the city of that name. The ‘bringing to life of the classics’, the work in chorus and the constant attention to otherness and differences contribute to non-school’s style, but form only a part of the complexity of this theatrical work which changes according to which location a performance will take place in and which texts are chosen. The present article looks into some artistic and political aspects of ‘non-school’ and follows its work which connected four Italian cities over the years 2005-2012: Ravenna, Naples, Lamezia Terme and Venice.