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Au XVIIIe siècle, on pensait que la production littéraire en général, et les romans en particulier, avaient la capacité d’influencer les lecteurs et les lectrices, ce dont témoigne la préoccupation des critiques de l’époque pour la "teneur morale" de ces œuvres (moral tendency). Cependant, pour les critiques, une morale irréprochable n'implique pas nécessairement une instruction morale active, et les exemples d'activité diplomatique dans deux corpus de romans britanniques publiés entre 1778 et 1814 illustrent la centralité du territoire anglais à la fois comme espace géographique et comme représentation symbolique d'un certain idéal moral dans la réception précoce du didactisme dans les romans. Une étude comparative des ambassadeurs et envoyés qui apparaissent dans les romans décrits par les premiers critiques comme didactiques et d'autres qui n'ont pas été perçus comme tels montre comment l'activité diplomatique dans les romans didactiques sert la représentation d'une masculinité distinguée et respectable (proper genteel masculinity) conçue comme spécifiquement anglaise, pendant masculin de la figure de la dame distinguée et respectable (genteel proper lady), pour emprunter à Mary Poovey (1984), dont le concept est central dans les romans didactiques. In the eighteenth century, literary output in general, and novels in particular, were thought to have important effects on readers, which critics’ widespread concern for their ‘moral tendency’ exemplifies. However, for critics, ‘unexceptionable’ morals do not necessarily imply positive moral instruction, and the instances of diplomatic activity in two corpora of British novels published between 1778 and 1814 illustrate the centrality of the English territory both as geographical space and symbolic representation of a certain moral ideal in the early reception of moral didacticism in novels. A comparative study of the ambassadors and envoys that appear in novels received by early critics as didactic and others that were not perceived as such shows how diplomatic activity is channeled in the didactic novels to serve the representation of proper genteel masculinity conceived of as specifically English, matching the genteel figure of the Proper Lady, to borrow Mary Poovey’s concept (1984), which is central to didactic novels.

International audience; In the fourteenth century, in northeastern Italy, Nicholas of Verona wrote three chansons de geste of different inspiration in Franco-Italian : Pharsalus, which rewrites two chapters of the medieval chronicle of the Fet des Romains in the form of an epic, Prise de Pamplune, which is a continuation of L’Entrée d’Espagne, and Passion, which is a compilation of the Gospels. His style, inherited from the figures of thought and the rhetorical art of jugglers, reflects an innovative vision of the world and of heroism. The character of Caesar, for instance, is widely denigrated and heroic impetuosity is condemned. But the Veronese author’s writing is also characterised by lyrical pauses in which he explores various facets of human feelings, as well as a moralising dimension : the didactic aspect of his texts is based on paremical wording and phrases.; Au xive siècle, dans le nord-est de l’Italie, Nicolas de Vérone rédige en franco-italien trois chansons de geste d’inspiration différente : une Pharsale, qui réécrit sous forme d’épopée deux chapitres de la chronique médiévale des Fet des Romains, une Prise de Pampelune, qui est une continuation de L’Entrée d’Espagne, et une Passion, qui est une compilation des Évangiles. Son style, hérité des figures de pensée et de l’art rhétorique des jongleurs, est au service d’une vision du monde et de l’héroïsme novatrice, le personnage de César étant, par exemple, largement dénigré et l’impétuosité héroïque, condamnée. Mais l’écriture du Véronais se caractérise également par des pauses lyriques, dans lesquelles celui-ci explore diverses facettes des sentiments humains, et par une portée moralisante : la dimension didactique de ses textes s’appuie sur une formulation et des tournures parémiques.; Nel XIV secolo, nell’Italia nordorientale, Niccolò da Verona redige in franco-italiano tre canzoni di gesta (chansons de geste) di diversa ispirazione : il Pharsale, che riscrive in forma d’epopea due capitoli dell’opera medievale Fet des Romains, la Prise de Pampelune, continuazione dell’L’Entrée d’Espagne, e la Passion, un adattamento in versi di episodi dei Vangeli. Lo stile dell’autore, eredità delle figure di pensiero e dell’ars retorica dei giullari, riflette una nuova visione del mondo e dell’eroismo, nella quale, ad esempio, il personaggio di Cesare viene ampiamente diffamato e l’impeto eroico condannato. Ma le opere del Veronese si distinguono anche per le pause liriche, che esplorano diverse sfaccettature dei sentimenti umani, e il tono moralizzante, effetto della metrica e delle espressioni paremiache che conferiscono ai testi una funzione didattica.

Machiavel accorde une grande importance à l’imitation pour comprendre le passé et en tirer des leçons pour le présent. Il se réfère à la conception du temps chez Lucrèce tenant compte des variables possibles et des événements régis par un clinamen aléatoire : la nature humaine varie en positif ou en négatif, selon les changements culturels. Il n’y a jamais de répétition mécanique, chaque situation du passé n’est reproductible qu’en fonction des variations de la culture et de l’histoire.

Le Reclus de Molliens est un poète didactique du début du xiiie siècle qui, bien que délaissé par la critique moderne, s’imposait au Moyen Âge comme un véritable bestseller. Tout en explorant son œuvre, il s’agira de jeter lumière sur un corpus plus large, celui des poèmes en strophe hélinandienne., The Reclus de Molliens is a 13th-Century didactic poet who was widely successful in the Middle Ages, but largely neglected by modern critics. While exploring this forgotten bestseller, this essay also sheds light on a wider corpus of didactic poems using a stanza, called “strophe hélinandienne”.

The purpose of the article is to consider the instructive potential of the American folk ballad XVI-XIX. An integrated approach is used. Descriptive and comparative methods of analysis allowed to generalize existing approaches to solving the problem of instructiveness in folklore. The historical method was used to describe the situation in North America, against which the American folk ballad developed. The connection of Puritan philosophy with ballads is substantiated by methods of text and context analysis, the moral values ​​of the first settlers are determined. The scientific novelty of the work is that, despite the numerous statements of folklorists on the importance of the instructive function of folklore, it was not considered on the material of the American folk ballad of the XVI-XIX centuries earlier. Conclusions. Folklore should be considered as a specific moral code of conduct. The song form acts as an effective medium through which the younger generations join the moral values ​​approved by the Puritan community., Le but de l'article est de considérer le potentiel instructif de la ballade folk américaine XVI – XIX. Une approche intégrée est utilisée. Des méthodes d'analyse descriptives et comparatives ont permis de généraliser les approches existantes pour résoudre le problème de l'enseignement du folklore. La méthode historique a été utilisée pour décrire la situation en Amérique du Nord, contre laquelle s'est développée la ballade folk américaine. Le lien de la philosophie puritaine avec les ballades est étayé par les méthodes d'analyse de texte et de contexte, les valeurs morales des premiers colons sont déterminées. La nouveauté scientifique de l'ouvrage est que, malgré les nombreuses déclarations de folkloristes sur l'importance de la fonction instructive du folklore, il n'a pas été considéré sur le matériel de la ballade folk américaine des XVI-XIX siècles plus tôt. Conclusion. Le folklore doit être considéré comme un code de conduite moral spécifique. La forme du chant agit comme un moyen efficace par lequel les jeunes générations rejoignent les valeurs morales approuvées par la communauté puritaine., Цель статьи – проанализировать наставнический потенциал американской фольклорной баллады XVI–XIX. Для достижения цели используются следующие методы исследования: описательный и сравнительный – для анализа и обобщения существующих подходов к изучению проблемы. Описательный, исторический методы, методы текстового и контекстного анализа позволяют описать историческую ситуацию возникновения американской фольклорной баллады, ценностное мировоззрение пуритан и проанализировать тексты баллад. Научная новизна работы заключается в исследовании наставнической функции американской фольклорной баллады, которая ранее не была описана в научных публикациях. Выводы. Фольклор может рассматриваться как специфический моральный кодекс поведения, одобренный группой людей проживающих вместе, в случае американской фольклорной баллады XVI–XIX веков – пуритан., Мета статті – розглянути повчальний потенціал американської фольклорної балади XVI–XIX. Використано комплексний підхід. Описовий та порівняльні методи аналізу дозволили узагальнити існуючі підходи до вирішення проблеми повчальності у фольклористиці. Історичний метод використано для опису ситуації у Північній Америці, на тлі якої розвинулась американська фольклорна балада. Методами текстового та контекстного аналізу обґрунтовано зв’язок пуританської філософії з баладами, визначено моральні цінності перших поселенців. Наукова новизна роботи у тому, що, незважаючи на чисельні висловлювання фольклористів на тему важливості повчальної функції фольклору, її не було розглянуто на матеріалі американської фольклорної балади XVI–XIX століть раніше. Висновки. Фольклор має розглядатися як специфічний моральний кодекс поведінки. Пісенна форма виступає як ефективний медіум, через який молоді покоління долучаються до схвалених пуританською громадою моральних цінностей.

En este artículo, por primera vez, se ponen en relación las teorías teatrales de dos dramaturgos españoles que crearon escuela: Lope de Vega y Leandro Fernández de Moratín. Dos siglos separan sus creaciones, pero ambos pretendieron renovar la escena con sus poéticas, ambos pretendieron una «nueva comedia» que rompiera con las tradiciones teatrales inmediatamente anteriores. Las obras dramáticas de uno y otro autor, en realidad se sitúan en polos opuestos en cuanto a su extensión; la de Lope abarca más de cuatrocientos títulos, mientras que Moratín apenas tiene en su haber media decena de piezas. El más fecundo e internacional poeta dramático español y el más comedido de entre los dramaturgos de amplio reconocimiento tienen en común una peculiar pretensión de reflejar con sus obras la realidad del mundo. Parafraseando al propio Lope, comoedia speculum humanae vitae podría utilizarse como lema de ambos. Partiendo del Arte nuevo de hacer comedias (1609) y La comedia nueva o el café (1792) desentrañamos la realidad teatral de ambos autores, contextualizándolas en sus respectivos momentos históricos., En aquest article, per primera vegada, s’hi posen en relació les teories teatrals de dos dramaturgs espanyols que van fer escola: Lope de Vega i Leandro Fernández de Moratín. Les seves creacions les separen dos segles, però tots dos van pretendre renovar l’escena amb les seves poètiques, tots dos van pretendre una «nova comèdia» que trenqués les tradicions teatrals immediatament anteriors. Les obres dramàtiques d’un i altre autor, en realitat se situen en pols oposats quant a la seva extensió; la de Lope abasta més de quatre-cents títols, mentre que Moratín a penes posseeix mitja desena de peces. El poeta dramàtic espanyol més fecund i internacional i el més moderat d’entre els dramaturgs d’ampli reconeixement tenen en comú una peculiar pretensió de reflectir amb les seves obres la realitat del món. Parafrasejant el mateix Lope, comoedia speculum humanae vitae podria utilitzar-se com a lema de tots dos autors. Partint de l’Arte nuevo de hacer comedias (1609) i La comedia nueva o el café (1792) desentranyem la realitat teatral d’ambdós autors, i les contextualitzem en els respectius moments històrics., In this article, for the first time, two Spanish influent dramatic theories are critically related: Lope de Vega and Leandro Fernández de Moratín. Two centuries separate their creations, but both tried to renew the scene with their poetic, both sought a "new comedy" to break with immediately preceding theatre traditions. The dramatic works of either author, in fact, are very different in extension: Lope wrote more than four hundred titles, while Moratín only five. They are respectively the most prolific and international Spanish dramatic poet and one of the most moderate among the recognized Spanish authors, but they have in common a peculiar aspiration: they want their works to reflect the reality of the world. Paraphrasing Lope, comoedia speculum humanae vitae could be used as the headword of both. Taking Arte nuevo de hacer comedias (1609) and La comedia nueva o el café (1792) as a starting point, the article analyzes both authors’ theatre, contextualized in their respective historical moments., Artikulu honetan, lehen aldiz, eskola sortu zuten bi antzerkigile espainiarren antzerkigintzaren inguruko teoriak alderatzen dira: Lope de Vegaren teoriak eta Leandro Fernández de Moratínenak. Bi mendek banatzen dute haien jarduna, baina bai batek eta bai besteak helburu bera izan zuten: haien poetiken bitartez antzerkigintza eraberritzea eta ordura arteko antzerkigintza-tradizioekin haustura eragingo zuen «komedia berri» bat sortzea. Egia esan, autore baten eta bestearen lanen arteko desberdintasuna muturrekoa da kopuruari dagokionez; Lopek laurehun obra baino gehiago idatzi zituen bitartean, Moratínek hamar pieza inguru baino ez zituen utzi. Hala Espainiako poeta dramatiko oparo eta nazioartekoena nola aitortza handiko antzerkigileen artetik neurritsuena xede beraren atzetik zebiltzan: haien lanen bitartez munduaren errealitatea islatzea. Loperen beraren hitzak erabiliz, comoedia speculum humanae vitae erabil liteke bi literaturgileen goiburu gisa. Arte nuevo de hacer comedias (1609) eta La comedia nueva o el café (1792) oinarri hartuta, bi autoreen errealitate dramatikoa sakon aztertuko dugu, bakoitzari egokitu zitzaion garai historikoaren testuinguruaren barruan.

George MacDonald fait partie des auteurs victoriens qui ont pris part au renouveau du conte féerique avant que celui-ci ne devienne un des genres par excellence de la littérature jeunesse. À une époque où les enfants commencent à être considérés comme un lectorat à part entière, MacDonald entreprend de s’adresser à eux, mais n’en oublie pas les adultes pour autant. Ses contes visent ainsi à divertir mais surtout à édifier un public jeune tout autant qu’un public d’adultes ayant gardé une âme d’enfant. Entre tradition et modernité, ses écrits féeriques s’appuient sur l’omniprésence du narrateur pour mener leurs héros et leurs lecteurs sur le chemin d’une rectitude morale à toute épreuve. Tout à la fois amicaux, attentionnés, et moralement intransigeants, les narrateurs des contes de MacDonald s’inscrivent dans la veine didactique des contes traditionnels mais reflètent également le tournant subversif pris par le genre dans l’Angleterre victorienne. Ces figures de probité et de clairvoyance promeuvent en effet une ouverture d’esprit propre à ouvrir aux lecteurs les portes d’une réalité alternative, qui bien que surnaturelle, les invite à remettre en question le modèle et les valeurs de la société de leur époque. En l’enfant petit ou grand, MacDonald voit un interlocuteur privilégié, un réformateur en puissance, pourvu qu’il soit accompagné dans sa quête de sens. Ses contes féeriques et les différentes voix de la sagesse qu’ils font résonner sont là pour ça. George MacDonald is one of the Victorian authors whose fairy tales have brought about the renewal of the genre while becoming classics of British children’s literature. Meant for the whole family, his stories present the blend of didacticism and fantasy that characterizes the fairy tale genre as well as the Victorian taste for edifying while indulging in fancy. MacDonald actually wrote for children as much as for adults, insofar as he wanted to address a reader in particular that he conceptualized as the ‘childlike’, that is, an ideal ageless individual characterized by remarkable innocence and open-mindedness who would be able to grasp his progressive message. The author thus used fantasy to explore the human condition, question commonly-accepted values and certainties and launch his protagonists and readers on a metaphysical quest for meaning and personal improvement. His authorial project of reaching the child in the adult while modernizing the fairy tale notably led him to reconsider the genre’s narrative conventions. Through the creation of caring though authoritative narrative voices, MacDonald guides his transgenerational audience on the way to moral as well as social improvement, giving the genre a distinctive Victorian and utopian twist by intertwining his own personal social concerns with fairy tale standards.

Poète picard du début du XIIIe siècle, le Reclus de Molliens est l’auteur à de deux textes à teneur morale, religieuse et savante, qui circulent sous les titres de Miserere et Carité. Même si ces deux textes édifiants connaissent une diffusion considérable au Moyen Âge et qu’ils rencontrent une réception plus que favorable auprès de plusieurs générations de lecteurs et d’auteurs anciens, ils ont largement été délaissés, voire négligés par la critique moderne, qui ne leur a accordé aucune monographie depuis la fin du XIXe siècle (Van Hamel, 1885). Si la présente thèse vise en partie à combler cette lacune par le moyen d’une mise à jour des données de base quant à la diffusion et au legs littéraire du Reclus de Molliens, elle propose avant tout une réflexion d’ordre poétique, qui engage de façon active le statut de canon littéraire de l’œuvre. À titre de textes à succès – qui font acte de modèle et d’étalon poétique aux yeux d’un vaste public –, Miserere et Carité paraissent tout désignés pour servir de guide et de point de repère poétique permettant de repenser la vitalité et les codes de la poésie édifiante, à l’aune des critères de jugement et des pratiques de lecture concrètes du public médiéval. La documentation historique liée au Reclus de Molliens révèle que le système de versification adopté dans Miserere et Carité, soit la strophe d’Hélinand (8aabaabbbabba), joue un rôle primordial dans la réception de l’œuvre. Comme il faudra le montrer, les textes en strophe d’Hélinand répondent à une série de règles cohérentes, spécifiques et différenciées (partie I), si bien qu’ils s’apparentent à un système poétique à part entière, doté de son propre « horizon d’attente » et de ses propres conventions de lecture (partie II). Ces règles non écrites, qui semblent directement infléchir la réception de Miserere et Carité, participent également du procès du sens en ajoutant un impact dramatique au propos édifiant (partie III). Dès lors que l’analyse de Miserere et Carité sera ainsi imbriquée à celle de ce corpus formel, il deviendra possible de dégager une poétique du texte édifiant en strophe d’Hélinand, qui sera guidée et balisée par le parfait exemple d’un poète à succès., The Reclus de Molliens, an early 13th century French poet, is the author of two moralizing, religious and didactic texts known as Miserere and Carité. Despite its wide circulation, as well as its significant influence over subsequent generations of authors and readers, this work has been largely neglected by modern critics: the most recent monograph on Miserere and Carité was indeed published over one hundred thirty years ago (Van Hamel, 1885). The following dissertation aims at filling this gap in research by updating the basic data regarding the circulation and literary legacy of this medieval best-seller. Moreover, it provides a reflection surrounding the poetics of this work, which draws on its status as a part of a forgotten literary canon. The fact that Miserere and Carité were so widely read, and therefore constituted models and poetic benchmarks for a wide audience, makes them ideal case studies to rethink the vitality and the codes of moralizing poetry, based on the actual criteria and reading practices of the medieval audience. The historical documentation pertaining to the Reclus de Molliens reveals that the versification system adopted in Miserere and Carité, known as the Helinandian stanza (8aabaabbbabba), plays a vital role in the reception of his works. As will be demonstrated, works that are composed using this type of verse follow a consistent set of poetic rules (part 1). This means that they constitute a legitimate poetic system, with its own “horizon of expectations” and reading conventions (part 2). These implicit rules, which seem to have impacted the reception of Miserere and Carité, also contribute to the construction of meaning by adding a dramatic impact to their moralizing content (part 3). Once the analysis of Miserere and Carité is thus imbricated in the analysis its “formal family”, it will then be possible to define a poetics of the moralizing text written in Helinandian stanza, guided and framed by this successful poet.

Pour Christine de Pizan, l’étude des lettres reste toujours soumise au pouvoir des opinions. L’allégorie d’Opinion est présentée dans l’Advision Cristine comme « d’Ignorance fille, adhesion a une partie, en doubtant tousjours de l’autre » ; elle est par essence « non certaine ». Le domaine de l’interprétation littéraire est donc un empire du vraisemblable. Fortement marquée par le débat sur le Roman de la rose dont elle a diffusé l’échange épistolaire, Christine est hantée par une question : ...

Issu du colloque international de l'Université de Bordeaux Montaigne, 11 et 12 mai 2017; International audience; Après une brève présentation de l´auteur et de son propos, on analyse la stratégie argumentative de ses Dialogues dont le sujet novateur et propre à la modernité, est ainsi énoncé : « la nécessité pour tous les hommes de savoir écrire ». On montre comment l´auteur incarne ses arguments dans les interlocuteurs dont le discours dénote l´individu dans les circonstances du moment (éventail générationnel innovateur et contextualisation géopolitique péninsulaire). On fait ressortir l´art narratif de ces conversations de rue qui incluent le lecteur grâce à une économie discursive très stricte avec ses effets de surprise et rire. On insiste enfin sur la variété des registres linguistiques dont use Madariaga avec un choix lexical juste tiré de l´oralité et qui renvoie à une réalité citadine et à la proximité de la campagne autour, avec des proverbes, des comparaisons et quelques métaphores.; Después de una breve presentación del autor y de su meta, se analiza la estrategia argumentativa de sus Diálogos que tratan de un tema del todo nuevo, propio de la modernidad: “la necesidad de saber escribir para todos los hombres”. Se pone de manifiesto cómo el autor encarna sus argumentos en los interlocutores mediante un discurso que denota su ser a través de su estar (abanico generacional innovador y contextualización geopolítica peninsular). Se recalca el arte narrativo con el que estas conversaciones callejeras incluyen al lector mediante una estricta economía discursiva con sus efectos de sorpresa y risa. Se insiste por fin en la variedad de los registros lingüísticos de Madariaga con una elección certera propia de la oralidad y sus referentes que remiten a una realidad ciudadana y su entorno campesino, mediante refranes, comparaciones y alguna que otra metáfora.

International audience; The author lists the main translations undertaken in thirteenth century Castile within the circle of power (Kings Fernando lll, Alfonso X, and Sancho lV), focusing on the programmatic character of these translations. The author shows that the superiority given to the oriental didacticism is due to the political implications of this literary genre. He also details the modus operandi of these translations, in particular those that were made under the authority of King Alfonso X. With the next monarch, Sancho IV, Castile opened itself up to a new wave of translations focused on the highly spiritualist “matière de France”. This was the starting point for narratives about chivalric adventures translated from French such as The Book of the Knight Zifar or the earliest Amadis de Gaula, which were to give the first Castilian works an Arthurian dimension.; L'article recense les principales traductions réalisées en Castille au XIIIe siècle dans l'entourage du pouvoir (Ferdinand III, Alphonse X et Sanche IV) en insistant sur leur caractère programmatique : la primauté donnée au didactisme oriental tient aux implications politiques de ce genre littéraire. L'auteur précise également quel est le modus operandi de ces traductions, notamment celles qui ont été faites sous l'égide d'Alphonse X. Avec Sanche IV, la Castille s'ouvre à une nouvelle vague de traductions tournées vers la très spiritualiste « matière de France ». Mais cela constitue le point de départ de récits d'aventures chevaleresques traduits du français qui vont donner les premières œuvres castillanes aux accents arthuriens comme le Chevalier Zifar ou le premier Amadis de Gaule.

The first writings devoted to children and adolescents emerged in Europe in the 18th century and continued to develop throughout the whole of the 19th century. It was in the 19th century that the term “children’s literature” (or “juvenile literature”) came into being. Literature written for children and adolescents is therefore relatively recent. The main aim of this type of literature is largely to educate children and adolescents by means of the works of which it is composed and by carrying messages of varying types: encyclopedic knowledge, existential advice as well as moral prescriptions. These messages are deliberately transmitted through works which one can therefore qualify as being didactic. This characteristic indoctrination of children’s literature (juvenile literature) has evolved over the centuries. Having focalized our research on Basque children’s (juvenile) literature and having compiled a corpus of works pertaining to this evolution we have analysed, in this thesis, the ways in which the various morals and different messages were handed down to juvenile readers throughout the ages. This transmission has taken place sometimes by means of explicit didactism and sometimes, or even simultaneously, by the use of implied didactism. Having proceeded to analyse and compare each opuscule of the corpus we thus propose a historic outline concerning the evolution of didactism in Basque children’s (juvenile) literature as from the 19th century to the beginning of the 21st century. To conclude we have proposed an analytical table of children’s (juvenile) literature destined to aid teachers and professors who may wish to study the messages contained in the works of their pupils.; Les premiers écrits destinés aux enfants et aux adolescents apparaissent en Europe au XVIIIe siècle et se développent tout au long du XIXe siècle. C'est au XIXe siècle que le terme littérature de jeunesse voit le jour. La littérature destinée aux enfants et adolescents est donc relativement récente. Cette littérature, à travers les œuvres qui la composent, a souvent pour but principal d’éduquer les enfants et les adolescents et porte en elle des messages de divers types : savoir encyclopédique, conseils existentiels et prescriptions morales. Ces messages sont intentionnellement véhiculés par des œuvres que l’on peut donc qualifier de didactiques. Mais ce didactisme propre au genre de la littérature de jeunesse évolue au cours des siècles. En se focalisant sur la littérature de jeunesse basque et en établissant un corpus d’œuvres significatives d’une évolution, nous avons analysé au cours de ce travail de thèse la manière dont les différents messages et les différentes morales étaient transmis aux enfants et aux adolescents lecteurs au cours des siècles. Cette transmission se fait tantôt par le biais du recours à un didactisme explicite, tantôt ou simultanément par l’emploi d’un didactisme plus implicite. Après avoir procédé à l’analyse de chacune des œuvres du corpus, nous les avons comparées et avons proposé une ébauche d’histoire de l’évolution du didactisme de la littérature de jeunesse basque du début XIXe siècle au début du XXIe siècle. Pour finir, nous avons proposé une grille d’analyse œuvres de jeunesse à destination des enseignants et des professeurs qui souhaiteraient travailler sur les messages des œuvres avec leurs élèves.

Les rapports conflictuels que Thomas Hardy entretenait avec ses éditeurs sont notoires. Sa profonde et constante frustration face à la contrainte sans appel de revoir ses textes pour les rendre acceptables aux yeux d'un lectorat soucieux de bonne moralité ne l'est pas moins. Si ses romans furent ainsi soumis à un travail de réécriture et de corrections qu'il ressentait comme autant de « mutilations », la nouvelle et la poésie furent pour Hardy des lieux de liberté d'expression. Genres moins formalisés ou plus confidentiels que le roman, ils eurent bien souvent raison de la vigilance des censeurs de la bienséance, et seuls deux poèmes furent tout d'abord refusés pour publication. Dans la tourmente de ses dernières années en tant que romancier, peu avant de décider de se consacrer entièrement à la poésie, Hardy, amer, remarquait ainsi dans son autobiographie que si Galilée s'était exprimé en vers et non en prose, l'Inquisition l'aurait laissé en paix. Thomas Hardy’s conflictual relationship with editors and publishers is a well-known fact. So is his resentment at relentless requests to emend his texts in order to properly cater to the taste of Grundyists and to avoid ‘fright[ening] the ladies out of their wits’. His life-long appeal for ‘a sincere school of fiction’ to replace what he called ‘a literature of quackery’ thus puts him at the vanguard of writers well bent on resisting censorship and using their art to expose, question, denounce. His first novel was never published, for reasons of a frankness that was judged all too offensive. His penultimate long fiction Jude the Obscure was withdrawn from W. H. Smith circulating library due to the action of an outraged Bishop; this prompted Hardy to put an end to his career as a novelist. In between, when he was striving to make a name for himself, he had to compromise with conventions and their representatives, through text emendations for example. At the same time though, his art developed writing devices that have his texts harbour unconventional meanings. Still, being the largest read literary genre at the period, his novels were submitted to severe scrutinizing by publishers and critics. His short stories and his poetry were no less daring but, as less widespread genres among the general public, they attracted less attention and his poetry suffered no censorship. It seems that for Hardy, eager to be more ‘sincere’ than what decorum and ‘the censorship of prudery’ permitted, short stories and poems were literary forms that allowed more elbow room than novels: ‘If Galileo had said in verse that the world moved, the inquisition might have let him alone’.

En aquest article, per primera vegada, s’hi posen en relació les teories teatrals de dos dramaturgs espanyols que van fer escola: Lope de Vega i Leandro Fernández de Moratín. Les seves creacions les separen dos segles, però tots dos van pretendre renovar l’escena amb les seves poètiques, tots dos van pretendre una «nova comèdia» que trenqués les tradicions teatrals immediatament anteriors. Les obres dramàtiques d’un i altre autor, en realitat se situen en pols oposats quant a la seva extensió; la de Lope abasta més de quatre-cents títols, mentre que Moratín a penes posseeix mitja desena de peces. El poeta dramàtic espanyol més fecund i internacional i el més moderat d’entre els dramaturgs d’ampli reconeixement tenen en comú una peculiar pretensió de reflectir amb les seves obres la realitat del món. Parafrasejant el mateix Lope, comoedia speculum humanae vitae podria utilitzar-se com a lema de tots dos autors. Partint de l’Arte nuevo de hacer comedias (1609) i La comedia nueva o el café (1792) desentranyem la realitat teatral d’ambdós autors, i les contextualitzem en els respectius moments històrics. In this article, for the first time, two Spanish influent dramatic theories are critically related: Lope de Vega and Leandro Fernández de Moratín. Two centuries separate their creations, but both tried to renew the scene with their poetic, both sought a "new comedy" to break with immediately preceding theatre traditions. The dramatic works of either author, in fact, are very different in extension: Lope wrote more than four hundred titles, while Moratín only five. They are respectively the most prolific and international Spanish dramatic poet and one of the most moderate among the recognized Spanish authors, but they have in common a peculiar aspiration: they want their works to reflect the reality of the world. Paraphrasing Lope, comoedia speculum humanae vitae could be used as the headword of both. Taking Arte nuevo de hacer comedias (1609) and La comedia nueva o el café (1792) as a starting point, the article analyzes both authors’ theatre, contextualized in their respective historical moments. En este artículo, por primera vez, se ponen en relación las teorías teatrales de dos dramaturgos españoles que crearon escuela: Lope de Vega y Leandro Fernández de Moratín. Dos siglos separan sus creaciones, pero ambos pretendieron renovar la escena con sus poéticas, ambos pretendieron una «nueva comedia» que rompiera con las tradiciones teatrales inmediatamente anteriores. Las obras dramáticas de uno y otro autor, en realidad se sitúan en polos opuestos en cuanto a su extensión; la de Lope abarca más de cuatrocientos títulos, mientras que Moratín apenas tiene en su haber media decena de piezas. El más fecundo e internacional poeta dramático español y el más comedido de entre los dramaturgos de amplio reconocimiento tienen en común una peculiar pretensión de reflejar con sus obras la realidad del mundo. Parafraseando al propio Lope, comoedia speculum humanae vitae podría utilizarse como lema de ambos. Partiendo del Arte nuevo de hacer comedias (1609) y La comedia nueva o el café (1792) desentrañamos la realidad teatral de ambos autores, contextualizándolas en sus respectivos momentos históricos. Artikulu honetan, lehen aldiz, eskola sortu zuten bi antzerkigile espainiarren antzerkigintzaren inguruko teoriak alderatzen dira: Lope de Vegaren teoriak eta Leandro Fernández de Moratínenak. Bi mendek banatzen dute haien jarduna, baina bai batek eta bai besteak helburu bera izan zuten: haien poetiken bitartez antzerkigintza eraberritzea eta ordura arteko antzerkigintza-tradizioekin haustura eragingo zuen «komedia berri» bat sortzea. Egia esan, autore baten eta bestearen lanen arteko desberdintasuna muturrekoa da kopuruari dagokionez; Lopek laurehun obra baino gehiago idatzi zituen bitartean, Moratínek hamar pieza inguru baino ez zituen utzi. Hala Espainiako poeta dramatiko oparo eta nazioartekoena nola aitortza handiko antzerkigileen artetik neurritsuena xede beraren atzetik zebiltzan: haien lanen bitartez munduaren errealitatea islatzea. Loperen beraren hitzak erabiliz, comoedia speculum humanae vitae erabil liteke bi literaturgileen goiburu gisa. Arte nuevo de hacer comedias (1609) eta La comedia nueva o el café (1792) oinarri hartuta, bi autoreen errealitate dramatikoa sakon aztertuko dugu, bakoitzari egokitu zitzaion garai historikoaren testuinguruaren barruan.

International audience; L'ouvrage de don Juan Manuel est analysé en relation étroite avec son contexte d'écriture. Bien qu'il ne possède, contrairement à d'autres oeuvres manuélines, que fort peu de références autobiographiques explicites, El Conde Lucanor est peut-être l'ouvrage le plus personnel de don Juan Manuel, un condensé de toute l'expérience accumulée au cours de la vie de l'auteur offert aux lecteurs dans une volonté didactique affirmée.

L’objet de cet article est d’enlever à la fable lafontainienne son vernis de didactique pour montrer que la fabuliste a créé un genre ouvert, problématique où la morale n’est plus le lieu exclusif du sens. Si le jeu avec l’ambiguïté relève d’une stratégie d’auteur, il n’est jamais vain et convoque en dernière instance le lecteur-frère que la fabuliste aime à piéger. Le projet éducatif de La Fontaine se révèle très moderne : la seule leçon que se permet de donner le fabuliste, c’est de se garder d’en donner. Les fables se présentent comme une oeuvre ouverte qui appellent de fait une cueillette de sens, une lecture intratextuelle propice au conflit interprétatif., Lebrun Marlène. Le didactisme en trompe-l'oeil des Fables de La Fontaine. In: Pratiques : linguistique, littérature, didactique, n°91, 1996. Les Fables de La Fontaine pp. 93-112.

L’étude des textes et des contextes, de la création et de la réception du théâtre religieux de Noël au XIXe siècle, et en particulier des divers genres théâtraux, rituels et festifs de la deuxième moitié du siècle – zarzuelas, comédies, pastorales, dialogues dramatiques – permet de mettre en évidence la continuité et la recréation des topiques et archétypes du mélange sérieux – comique propre aux siècles antérieurs, comme le personnage du berger niais (pastor bobo) ou les railleries cocasses subies par le méchant. Qu’il soit écrit par des hommes ou des femmes, par des laïcs ou des clercs et qu’il soit destiné aux adultes ou aux enfants, ce théâtre adapte le prodesse et delectare de Noël à un contexte joyeux et permissif d’où disparaissent, cependant, les licences irréverencieuses et l’ambiguïté des drames religieux de la Renaissance et du Siècle d’Or. The study of the texts and contexts, of the creation and reception of the Christmas religious theatre in the nineteenth century –in particular the diverse theatrical genres, ritual and festive, in the second half of the century: zarzuelas, comedies, pastorals, dramatic dialogues– allows us to put into light the continuity and recreation of topics and archetypes of the serious miscellany –a sort of comic peculiar to earlier centuries, like the stupid shepherd (pastor bobo) or the comical scoffing of the bad guy. Whether written by men or women, laymen or churchmen, meant for adults or children, this theatre is able to fit Christmas prodesse and delectare to a merry and festive context, from which, though, the irreverent liberties disappear, as well as the ambiguity of the Renaissance and Golden Century religious dramas. El estudio de los textos y contextos, de la creación y recepción del teatro religioso navideño del siglo XIX, especialmente los diversos géneros teatrales y ritual-festivos de la segunda mitad del siglo –zarzuelas, comedias, pastoradas, diálogos dramáticos– revela la continuidad y recreación de tópicos y arquetipos jocoserios de siglos anteriores como el pastor bobo o el escarnio jocoso del malvado. Ya sea de hombre o mujeres, de laicos o clérigos, destinado a adultos o niños, este teatro adapta la singular tradición de prodesse et delectare navideña a un contexto de alegría y permisividad, en que se han extirpado sin embargo las licencias irreverentes y la ambigüedad de los autos y farsas renacentistas y áureos.

In Les Contes du chat perché, Marcel Aymé is rewriting the traditional tale, and, in the same time, he is creating a new form. If it produces an " effect of tale " , by taking back a treatment of temporality, type of structure borrowed from tradition, it creates a new form of tale, stamped by any didactisme, much literarier in its effects, notably by the treatment of the figure. However, even if the texts show an imagination which is clean to Marcel Aymé, the treatment of the marvellous rests basically that of tale., Dans Les Contes du chat perché, Marcel Aymé se livre à un jeu de reprise et, en même temps, de réécriture du conte traditionnel. S'il produit un effet de conte, en reprenant un traitement de la temporalité, un type de structure empruntés à la tradition, il crée une forme nouvelle affranchie de tout didactisme, beaucoup plus littéraire dans ses effets, notamment par le traitement du personnage. Cependant, même si l'auteur met en scène un imaginaire qui lui est propre, le traitement du merveilleux reste fondamentalement celui du conte.

Estudio de la asociación que hacen bastantes textos castellanos de los siglos 13 y 14, del saber con el secreto, con una especie de tesoro escondido que no se debe comunicar. ¿Cómo conciliar dicha concepción del saber heredada de algunos textos de origen oriental con la voluntad de enseñar al que no sabe? El autor pone en relación esta tradición con diferentes corrientes ocultistas como la tradición esotérica de los Pitagóricos, Étude de l'association, que l'on trouve dans maint texte castillan des 13e et 14e siècles, du savoir au secret, à une espèce de trésor caché qu'il convient de ne pas diffuser. Comment concilier cette conception du savoir héritée de certains textes d'origine orientale et le souci pédagogique? L'auteur met en rapport cette tradition avec différents courants occultistes dont la tradition ésotérique pythagoricienne.

Alors que la critique soutient souvent que le didactisme dans la littérature québécoise pour la jeunesse est chose du passé, l’analyse sociocritique, dans le présent mémoire, de plusieurs romans pour adolescents publiés après 1980 montre plutôt qu’il y subsiste et que les thèmes (conflits entre parents et adolescents, famille, sexualité) et les formes (narration ou focalisation à partir du point de vue de personnages adolescents) souvent invoqués par la critique pour prouver sa disparition constituent précisément les dimensions d’un didactisme d’un nouveau genre. Les personnages adolescents des romans analysés proposent des portraits de parents, des jugements sur des modèles familiaux et des citations de conseils sur la sexualité qui peuvent tous être considérés comme des stratégies didactiques. En plus de mettre de l’avant certaines valeurs, ces discours tenus par les adolescents constituent un métadidactisme qui réinscrit dans les œuvres elles-mêmes la relation, qui est au cœur même de la définition de la littérature jeunesse, entre un adulte détenteur de savoir et un jeune considéré comme un être en formation., While critics often argue that didacticism in Quebec youth literature is obsolescent, a sociocritical analysis of some novels written for teenagers since 1980 shows that themes (parent-teenager conflicts, family, sexuality) and forms (narration and focalisation from the perspective of teen characters) frequently used to prove didacticism’s disappearance are, in reality, the manifestations of a new kind of didacticism. Their portraits of parents, judgments of family models and advice on sexuality, always shared by teenage characters, can in fact be considered didactic strategies. In addition to promoting specific values, those discourses build a metadidacticism which reiterates, in the novels themselves, the relationship that defines youth literature : a relationship between a knowledgeable adult and a young human being in training.

La traduction de l’inscription de la problématique de la langue dans l’écriture féminine des années 1970-1980, telle que théorisée et mise en pratique par Hélène Cixous, est un processus complexe. Dans ce contexte, le texte bilingue Vivre l’orange / To Live the Orange propose un modèle intéressant, notamment pour ce qui est de la traduction des néologismes. Les procédés utilisés, qui reposent sur une forte créativité langagière, nous invitent à forger le néologisme trajouir, un mode de traduire jouissif. Le rendu des néologismes dans Mère la mort de Jeanne Hyvrard, texte qui s’appuie sur une forte néologie, est ensuite examiné. À travers l’étude de la textualisation des néologismes dans les textes de départ et d’arrivée, et après avoir mis en évidence la disparité des stratégies utilisées dans le texte d’arrivée, la notion de trajouir est mise à l’épreuve d’un projet traductif à visée didactique. The translation of the inscription of the issue of language in the écriture féminine of the period between 1970-80—such as theorized and put into practice by Hélène Cixous—is a complex process. In this context the bilingual text Vivre l’orange / To Live the Orange constitutes an interesting model, especially regarding the translation of neologisms. The processes utilized, which rely on a strong linguistic creativity, lead us to coin the neologism trajouir, a translating mode based on pleasure. The rendering of neologisms in Jeanne Hyvrard’s Mother Death, a text based on a great many neologisms, is then examined. Through the study of the textualization of these neologisms in the source and target texts, and after having brought to light the disparity of the strategies used in the target text, the notion of trajouir is discussed in the framework of a didactic translation project.

Les quinze contributions rassemblées dans ce volume s'intéressent au statut de l'exemplum, du Moyen Âge au siècle des Lumières. Elles nourrissent le débat portant sur les origines, la nature et l'évolution du récit exemplaire et montrent que, si l'on a pu parler de «crise» de l'exemplarité, ce genre, loin d'être en voie de disparition, survécut sous de multiples formes., The fifteen articles published in this collection concentrate on the status of the exemplum from the Middle Ages to the Enlightenment.

Cet ouvrage rassemble les articles issus des communications présentées lors du colloque organisé à Lyon par le CEROR (EA 664), les 11-13 juin 2009. Réunissant des hellénistes et des latinistes spécialistes des genres les plus variés, ce colloque se proposait de réfléchir au statut particulier qui a été réservé aux énoncés sentencieux dans la lecture et la réception de la littérature dramatique de l'Antiquité. Un premier volet de la réflexion est consacré aux jeux de reprises et de réécritures internes aux genres théâtraux (tragédie, comédie, mime), dont on cherche à déterminer la portée et les enjeux génériques. Les études composant la seconde partie du recueil s'intéressent au remploi des maximes théâtrales dans les autres genres (philosophie, rhétorique, satire, littérature scientifique, etc.) et éclairent la façon dont les auteurs présentent, commentent et intègrent ces maximes à des textes qui les remodèlent et les annexent à des fins argumentatives, apologétiques ou polémiques, pour en faire un instrument d'interprétation et de critique du présent. À la faveur de ces réécritures, les énoncés sentencieux acquièrent une valeur didactique souvent ignorée de leur contexte originel, signe d'une utilisation a posteriori des textes dramatiques comme réservoirs d'arguments et de leçons potentielles.

Étude du Libro infinido de don Juan Manuel en tant que speculum principum

On a longtemps reproché à A. C. Swinburne l’artifice de son inspiration, de sa thématique et de son écriture. Ce que va montrer cet article, à partir de l’exemple d’un rondeau d’apparence univoque (« A Singing Lesson », 1883), est que le poème met en évidence, au-delà des aptitudes et certitudes techniques, à la fois le vacillement du langage et la contestation radicale de son apparente visée didactique. A.C. Swinburne has long been considered an exceedingly clever master of hollow musical poetic tricks and devices. Based on an analysis of ‘A Singing Lesson’ (1883), this article intends to highlight that, despite and because of his technical skill and craft, his handling of form and diction radically questions the supposed univocal didactic straightforwardness of the poem as content.

Le roman sentimental est un des genres les plus lus, les plus traduits et les plus diffusés. Malgré sa mauvaise réputation, il est étonnant de constater le nombre de ces romans vendus, tous pays confondus. Dans les Antilles, ce phénomène est particulièrement palpable : la présence, et la réception de ces œuvres témoignent de l’engouement pour le genre. Notre étude a pour objectif de dégager d’un corpus sentimental antillais les aspects les plus significatifs. Nous analyserons, d’une part, le schéma narratif élaboré en marge de celui proposé par le roman sentimental classique et, d’autre part, l’esthétique du quotidien mise en place pour créer un sentiment d’appartenance chez le lectorat. Il nous sera ainsi possible de mettre en évidence le discours socioculturel propre à ce genre et plus spécifiquement aux femmes antillaises. Par ailleurs, cette recherche postule que l'appropriation des invariants romanesques et l'élaboration d'une visée didactique participent à l'intégration du roman sentimental antillais dans la sphère des littératures « sérieuses ». Enfin, ce mémoire défend l’idée selon laquelle l’écriture romanesque des auteures étudiées contribue au projet littéraire antillais de réappropriation identitaire., The sentimental novel is one of the most read, translated and accessible literary genres. Considering its sales rating, its frivolous reputation seems to be a misleading one. Indeed, in the Caribbean, the overall presence and reception of the novels is an indicator of its phenomenal popularity. We consider that the following aspects of the Caribbean sentimental novel are the most significant ones. Firstly, we underline that the specificity of the narrative patterns of these novels is due to its singularity vis-à-vis the canonical sentimental novel. Secondly, these novels tend to create a very strong sense of nationhood for the readers which are generated by a careful depiction of the everyday life. These previous aspects allow us to underscore the fact that the studied novels interact with the Caribbean social-cultural discourse while insisting on the topic of the female condition. This research brings to light the fact that the appropriation of the novelistic schemes as well as the didactic within allows to consider the Caribbean sentimental novel as a part of the institutionally recognized literary productions. Finally, our essay demonstrates that the novels of these “female writers” contribute to the consolidation of the national identity.

Mémoire numérisé par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal.

Dans La Arcadia, roman pastoral de Lope de Vega, le narrateur nous met clairement en garde contre l'amour. Sentiment qui annihile la raison et qui rend malheureux, l'amour doit être combattu par l'exercice de la vertu. Pourtant, une lecture attentive de l'œuvre permet de comprendre que la vision de l'amour qui nous est transmise n'est pas aussi manichéenne que ce que l'on pourrait penser, à première lecture. Dans cet article, je m'attache à montrer comment le discours sur l'amour, transmis par divers canaux dans le roman, est, en réalité, riche et complexe.

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Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal., [À l'origine dans / Was originally part of : Thèses et mémoires - FAS - Département d'études anglaises]

This essay examines the way in which Ben Jonson uses classical mythology in Cynthia’s Revels (1 600), focusing particularly on the myth of Echo. The author plays with the different versions of the myth and intertwines Echo with other mythological references such as Narcissus, Acteon and Niobe. This study reveals that all these examples convey the same moral purpose — to denounce the vanity of the courtiers and their corruption. Their occurrences allow a better understanding of the architecture of the play and the dramatist’s didactic intentions, which are to offer the audience a mirror in which both vanity and virtue are reflected., Mauré Cécile. Mythe et moralité dans Cynthia’s Revels de Ben Jonson (1600). In: Anglophonia/Caliban, n°13, 2003. Mythe et Littérature. Shakespeare et ses contemporains. pp. 113-124.

El periodismo se caracteriza como una interfaz discursiva que incardina texto y contexto, y ello ha provocado que numerosos analistas del dicurso se hayan interesado por su estudio. Este tipo de estudios han tenido poco que ver con la clásica aproximación, tendencialmente normativa, de la redacción periodística, y se han hecho cada vez más frecuentes en estos últimos años. El autor analiza desde estas perspectivas el discurso periodístico en tanto que discurso divulgativo. Journalism is characterised as an interface for discourse that includes text and context, and for that reason, numerous analysts of discourse have shown an interest in its study. This type of study has had little to do with the classical approach, which tends to be the standard, of journalistic writing, and has become more common in recent years. From within these perspectives, the author analyses journalistic discourse as the discourse of divulgence.

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